1. 歌詞の概要
“Boomer”は、Bartees Strangeが2020年に発表した楽曲である。2020年8月12日にデビュー・アルバム『Live Forever』の発表とあわせて公開されたシングルで、アルバムは同年10月2日にMemory Musicからリリースされた。
Bartees Strange、本名Bartees Cox Jr.は、イギリス生まれ、アメリカ育ちのミュージシャンである。オクラホマ州Mustangで育ち、ワシントンD.C.を拠点に活動を広げていった。『Live Forever』は彼にとってBartees Strange名義でのデビュー・アルバムであり、インディー・ロック、ヒップホップ、ジャズ、パンク、カントリー、ハードコアなどを横断する作品として評価された。
“Boomer”というタイトルを見ると、まず世代を指す「ブーマー」を思い浮かべる人もいるかもしれない。
しかしこの曲の“Boomer”は、いわゆる世代論の曲ではない。GRAMMY.comの記事では、このタイトルは嘲笑的に使われる世代名ではなく、Bartees自身が「自分がboomingしていた」と感じた時期を指していると説明されている。さらに、この曲は彼がブルックリンで初めて居場所を感じた瞬間を記録したものだとされている。Grammy
つまり“Boomer”は、成功の予感と不安が同時に鳴る曲である。
自分は今、勢いに乗っている。
でも、それが本当に続くのかは分からない。
街の中で自分の場所を見つけた気がする。
でも、その足元にはまだ危うさがある。
歌詞の中の語り手は、虚勢を張る。自分はやれる、自分は稼いでいる、自分は認められている、とラップ的な言葉の勢いで押し切っていく。
けれど、そのすぐ下には迷いがある。
自分がどこへ向かっているのか分からない。人は好き勝手に言う。周りは周りで勝手に動いていく。自分は期待を持つが、何かが爆発するように壊れてしまう。
この曲は、勝利宣言のように始まりながら、内側ではかなり不安定だ。
その不安定さがいい。
“Boomer”は、自信満々のロック・アンセムではない。むしろ、自信を持たなければ沈んでしまう人間の曲である。
強く言う。
速く言う。
大きく鳴らす。
そうしなければ、内側の不安に飲まれてしまう。
だからこの曲のサウンドは、前へ前へと進む。
ギターはブルージーにうねり、ビートはヒップホップの重心を持ち、サビではインディー・ロック的な開放感が一気に広がる。The A.V. Clubはこの曲を、ヒップホップ、ブルース・ロック、インディー的な爆発力がなめらかに混ざったジャンル横断的な楽曲として紹介している。AV Club
“Boomer”は、Bartees Strangeというアーティストの名刺のような曲である。
ひとつのジャンルに収まらない。
ひとつの感情にも収まらない。
勝っているようで、迷っている。
踊っているようで、祈っている。
その複雑さが、2020年代のロックの新しい形として鳴っている。
2. 歌詞のバックグラウンド
Bartees Strangeの音楽を語るうえで欠かせないのは、ジャンルという線を疑う姿勢である。
彼は“Live Forever”について、ラップ、カントリー、ハードコア、ポストロックなどがどのようにつながっているかを示したいと語っている。さらに、有色人種のクリエイターにとってジャンルの境界はぼやけていて、その線引きはあまり意味を持たないとも述べている。AV Club
この考え方は、“Boomer”にそのまま表れている。
曲は、ラップのように言葉を詰め込んで始まる。
だが、単なるヒップホップではない。
ギターのリフにはブルース・ロックの土臭さがある。ドラムはロック・バンドの推進力を持っている。サビに入ると、声は広い空間へ飛び出し、インディー・ロックのアンセムのように響く。
それでいて、どのジャンルの真似にも聞こえない。
Bartees Strangeの音楽は、ジャンルを混ぜているというより、自分の身体の中にすでに混ざっていた音をそのまま外へ出しているように感じられる。
ここが重要である。
“Boomer”は「ロックとラップを融合しました」という説明で終わる曲ではない。
もっと生活に近い。
車の中で聴いたラジオ。
地元のライブハウス。
教会や家族の声。
インディー・ロックのギター。
ヒップホップの言葉の速度。
ハードコアの爆発。
カントリーの乾いた感触。
そうしたものが、ひとりの人間の記憶の中で自然に重なっている。
Bartees Strangeは、その混ざり方を隠さない。
むしろ、それを自分の核として鳴らしている。
『Live Forever』は、そうした音楽的アイデンティティを強く打ち出した作品だった。Pitchforkはこのアルバムについて、Blackアーティストとしての経験や、多様なジャンルへの影響を抱えたBarteesの複雑な自己表現を反映した作品として紹介している。Pitchfork
また、Stereogumは『Live Forever』を、ロック、ラップ、カントリー、ソウルなどを組み合わせた作品であり、それらのジャンルがBlackアーティストによって形作られてきたことを踏まえた、音の回収であり祝祭でもあると評している。ステレオガム
“Boomer”は、その中でもとくに外へ開いた曲である。
内省的なアルバムの中で、この曲は勢いがある。ギターのリフが分かりやすく耳をつかみ、サビは大きく、ライブで鳴ったときの景色がすぐに浮かぶ。
けれど、ただ明るいわけではない。
“Boomer”には、成功の手前にいる人間の焦りがある。
「自分はいける」と思う。
でも、それを心の底から信じ切れているわけではない。
周囲には期待があり、視線があり、自分自身の過去もある。
何者かになりたい。
でも、何者かになることは、自分を危険な場所へ連れていくことでもある。
この曲の背景にあるブルックリンという場所も大きい。
GRAMMY.comの記事では、“Boomer”はBarteesがブルックリンで初めて自分の居場所を感じた瞬間を記録した曲だと説明されている。Grammy
ブルックリンは、インディー・ロックやヒップホップ、アート、ファッション、さまざまな人種や文化が混ざる都市空間である。
そこに「やっと自分の場所がある」と感じること。
その感覚は、Bartees Strangeのように多ジャンル的で、複数の文化をまたぐアーティストにとって、とても大きな意味を持つ。
だが、居場所を得ることは、安心だけを意味しない。
居場所を得ると、今度はそこに立ち続けなければならない。
自分を証明しなければならない。
期待に応えなければならない。
“Boomer”の勢いの裏には、その緊張感がある。
3. 歌詞の抜粋と和訳
歌詞全文は著作権保護の対象であるため、ここでは短い範囲の抜粋にとどめる。歌詞の確認には、Dorkの歌詞掲載ページなどを参照できる。
I know most people gonna say what they wanna say
和訳：
たいていの人は、自分の言いたいことを言うんだと分かっている
この一節は、“Boomer”の中にある社会的なノイズをよく表している。
人は好きに言う。
ああしたほうがいい。
それは違う。
その音楽はロックではない。
その声はヒップホップではない。
その場所に君はいないほうがいい。
そんな外からの声が、常にまとわりつく。
Bartees Strangeの音楽は、ジャンルの枠を越えることで評価される一方で、ジャンルの枠を前提に語られやすい音楽でもある。
だからこの一節は、単なる日常の愚痴ではない。
自分を分類しようとする視線への反応にも聞こえる。
It’s kinda hard to tell exactly where I wanna go
和訳：
自分がどこへ行きたいのか、はっきり言うのは少し難しい
ここに、この曲の本音がある。
“Boomer”は勢いのある曲だ。
ラップの言葉は強い。ギターは力強い。サビは大きく開ける。
だが、その中心にあるのは迷いである。
どこへ行きたいのか分からない。
けれど、止まるわけにもいかない。
だから走る。
この感覚は、デビュー・アルバム期のアーティストにとって、とてもリアルだ。
自分の音楽がようやく届き始める。
でも、届き始めた瞬間に、次の期待が生まれる。
何者かとして見られ始める。
でも、自分自身はまだ変化の途中にいる。
“Boomer”は、その変化の途中で鳴っている曲なのだ。
引用元：
- Dork – Bartees Strange “Boomer Live at Studio 4” Lyrics
- Artist: Bartees Strange
- Album: 『Live Forever』
- Copyright: 権利は各権利者に帰属
4. 歌詞の考察
“Boomer”の歌詞は、一見すると自信に満ちている。
語り手は自分を大きく見せる。
金、街、仲間、行動、過去の話。ラップ的な誇張や言葉遊びを使いながら、自分がタフで、動き続けていて、簡単には倒れない存在であることを示そうとする。
だが、曲を聴いていると、その強がりの中に少しずつ亀裂が見えてくる。
彼は何度も「分かっている」と言う。
人が言いたいことを言うことも。
周囲が自分とは関係なく動いていくことも。
自分がどこへ行きたいのか、はっきり分からないことも。
つまり、語り手は無知ではない。
むしろ、よく見えすぎている。
見えすぎるから苦しいのだ。
“Boomer”の面白さは、ラップ的な自己誇示と、インディー・ロック的な自己不信が同じ曲の中でぶつかっているところにある。
自分は最高だと言う。
でも、自分は勝てないとも感じている。
踊る。
でも、手を上げることさえできないほど疲れている。
希望を持つ。
でも、そのたびに何かが爆発して壊れてしまう。
この矛盾こそが、“Boomer”の感情の核である。
「自信」と「不安」は、実は対立するものではない。
多くの場合、自信は不安の上に立っている。
自分を信じたいから、大きな声で言う。
認められたいから、先に自分を誇示する。
怖いから、走る。
“Boomer”は、その心理をとてもよく捉えている。
サウンドも、この歌詞の二重性を支えている。
まず、ギターのリフが強い。
ブルース・ロック的な粘りがあり、地面を蹴るような手触りがある。きれいに磨かれた音というより、少し土と汗がついた音だ。
このリフが、曲に身体性を与えている。
Bartees Strangeの音楽は、理屈で語れる部分が多い。ジャンル横断性、Blackロックの文脈、インディー・シーンへの批評、アイデンティティの問題。
けれど“Boomer”は、それ以前に身体が動く曲である。
ギターが鳴った瞬間に、頭より先に肩が反応する。
この肉体的な強さがあるから、曲は重くなりすぎない。
歌詞の中には迷いや自己不信があるが、ビートは立ち止まらない。
ここがとても重要だ。
“Boomer”は悩みを歌っているが、悩みに沈む曲ではない。
悩みを抱えたまま、前へ進む曲である。
Bartees Strangeのボーカルも素晴らしい。
ラップ的に言葉を詰める部分では、声が鋭く、軽やかに跳ねる。そこにはストリートの会話のような勢いがある。
一方でサビに入ると、声は一気に開く。
ロック・シンガーとしてのスケールが現れる。
言葉がメロディに乗って、空へ放り投げられる。
その瞬間、曲の意味が少し変わる。
個人的な独白だったものが、急に大きな祈りのようになる。
この「語り」から「叫び」への移行が、“Boomer”の醍醐味である。
Bartees Strangeは、ラップする人でもあり、ロックを歌う人でもあり、ソウルをにじませる人でもある。だが、それを別々の技として見せるのではなく、ひとつの感情の流れとしてつなげる。
怒っているから言葉が速くなる。
不安だから声が震える。
願っているからサビで開く。
その流れが自然なのだ。
“Boomer”の中で特に印象的なのは、希望が何度も壊れる感覚である。
語り手は希望を持つ。
しかし、その瞬間に何かが破裂する。
これは、個人的な失敗の感覚でもあるし、社会的な現実の感覚でもある。
何かがうまくいきそうになる。
でも、構造が邪魔をする。
自分の努力だけではどうにもならない壁がある。
期待を持った瞬間に、現実がそれを押しつぶす。
Blackアーティストとして、白人男性中心とされがちなインディー・ロックの文脈で活動すること。その中で自分の場所を作ること。評価されることと、分類されることが同時に起きること。
そうした背景を考えると、“Boomer”の「勝てなさ」は、単なる個人的な気分以上のものとして響く。
もちろん、この曲は説教ではない。
政治的なスローガンでもない。
むしろ、非常に生々しい日記のような曲である。
その日記の中に、結果的に社会の輪郭が映り込んでいる。
そこがBartees Strangeのソングライティングの強さである。
彼は「自分の話」をする。
だが、その自分の話が、ジャンル、人種、場所、世代、階級、野心、孤独といった大きなテーマへ自然につながっていく。
“Boomer”では、ブルックリンで居場所を見つけた感覚が歌われている。だが、居場所を見つけることは、単に安心することではない。
新しい場所で「ここにいていい」と感じることは、同時に「ここで何者かにならなければならない」と感じることでもある。
この曲の語り手は、そのプレッシャーを背負っている。
だからこそ、曲は明るく聞こえるほどに切ない。
ギターは踊っている。
ビートは弾んでいる。
サビは開放的だ。
でも、その奥で、語り手は「どこへ行けばいいのか分からない」と言っている。
このコントラストが、“Boomer”をただの気持ちいいロック・ソング以上のものにしている。
さらに、“Boomer”は『Live Forever』というアルバムの中で、Bartees Strangeの「名乗り」の曲として機能している。
“Mustang”が故郷や過去との関係を強く感じさせる曲だとすれば、“Boomer”は都市に出て、自分の勢いをつかみ始めた瞬間の曲である。
しかしそれは、単純な上京成功物語ではない。
地元を離れ、別の場所へ移り、自分の音楽を作り、自分の声を獲得する。
その過程には、興奮と同じだけの不安がある。
どのコミュニティにも完全には属せない感覚。
ロックの中にいるが、ロックだけではない。
ヒップホップの語法を使うが、ヒップホップだけでもない。
Blackアーティストとして見られるが、その枠に閉じ込められたくない。
“Boomer”は、その複数の引力の中で鳴っている。
だからこの曲は忙しい。
言葉も忙しい。
音も忙しい。
感情も忙しい。
けれど、それが現代的なのだ。
現代のアーティストは、ひとつのジャンル、ひとつの物語、ひとつのアイデンティティだけで説明されることを嫌う。Bartees Strangeは、その複雑さを隠すどころか、音楽のエンジンにしている。
“Boomer”を聴くと、ロックの未来は「純粋なロック」に戻ることではないのだと分かる。
むしろ、ロックが最初から持っていた混血性、Blackミュージックとの深い結びつき、ブルース、ゴスペル、R&B、パンク、ラップ、カントリーとの接続をもう一度見直すこと。
その先に、新しいロックの形がある。
“Boomer”は、それを理屈ではなく、リフとビートと声で示している。
5. この曲が好きな人におすすめの曲 5曲
- “Mustang” by Bartees Strange
“Boomer”と同じく『Live Forever』に収録された重要曲である。“Mustang”は、Bartees Strangeの故郷であるオクラホマ州Mustangとの関係や、そこから離れようとする感覚を強くにじませる曲として聴ける。カントリー的な影、インディー・ロックの高揚、終盤のハードコア的な爆発が同居しており、“Boomer”のジャンル横断性をよりドラマチックに味わえる。
- “Kelly Rowland” by Bartees Strange
『Live Forever』の中でも、Bartees Strangeの柔らかいメロディ感覚と感情の深さがよく出た曲である。“Boomer”のような前のめりの勢いとは少し違い、よりメロウで、内側へ沈んでいくムードがある。ラップ、インディー、R&B的な感触が自然に混ざる点で、“Boomer”と同じ世界の別の部屋のように響く。
- “Wolf Like Me” by TV on the Radio
Bartees Strangeがしばしば比較されるTV on the Radioの代表曲のひとつである。ロック、ソウル、ポストパンク、実験的なプロダクションが混ざり、都市的で熱を帯びたサウンドが爆発する。“Boomer”のように、Blackアーティストがロックの枠を拡張していく感覚を味わいたいなら外せない曲である。
- “Ain’t It Funny” by Danny Brown
ヒップホップの曲だが、混沌としたエネルギー、壊れそうな高揚感、自己破壊的なユーモアという点で“Boomer”と通じるものがある。自信と不安、笑いと恐怖が同時に襲ってくる感覚があり、Bartees Strangeのラップ的な勢いが好きな人にも刺さるはずである。
- “Nobody” by Mitski
サウンドの方向性は異なるが、孤独をポップな推進力へ変えるという点で近い曲である。“Boomer”が不安をロックとラップの爆発に変える曲だとすれば、“Nobody”は空虚さをディスコ的な明るさへ変える曲だ。どちらも、明るく踊れるのに、中心には深い寂しさがある。
6. ジャンルを壊すのではなく、自分の中でつなぎ直す曲
“Boomer”は、Bartees Strangeというアーティストを理解するうえで、とても分かりやすく、同時にとても奥深い曲である。
分かりやすい理由は、まず音が強いからだ。
ギター・リフがある。
ビートがある。
大きなサビがある。
一度聴けば、体が反応する。
ライブで鳴ったら確実に熱が上がる曲である。
しかし、奥深い理由は、その熱の中に複雑な感情が詰まっているからだ。
“Boomer”は、ただ「自分はすごい」と言っている曲ではない。
むしろ、自分を信じようとしている曲である。
この違いは大きい。
本当に揺るぎない人は、ここまで激しく自分を押し出さなくてもいいのかもしれない。
だが、語り手はまだ揺れている。
だからこそ、大きく鳴る。
迷っているからこそ、走る。
不安だからこそ、叫ぶ。
その人間らしさが、この曲を魅力的にしている。
Bartees Strangeの音楽には、ジャンルを横断するという言葉がよく使われる。実際、“Boomer”にもヒップホップ、ブルース・ロック、インディー・ロックの要素が混ざっている。The A.V. Clubも、この曲をヒップホップ、ブルース・ロック、インディー的な爆発力が融合したジャンルを越える楽曲として紹介している。AV Club
けれど、“Boomer”を聴いていると、彼はジャンルを「壊している」というより、「自分の中でつなぎ直している」ように感じる。
ロックも、ラップも、カントリーも、ハードコアも、ポストロックも、彼にとっては別々の棚にしまわれた音楽ではない。
同じ人生の中で鳴ってきた音楽なのだ。
だから、曲の中でそれらが出会っても不自然ではない。
むしろ、それが自然なのである。
この自然さこそが、Bartees Strangeの新しさだ。
ジャンル横断が実験としてではなく、生活として鳴っている。
“Boomer”は、その代表例である。
歌詞の面でも、この曲は単純ではない。
自分を大きく見せる言葉。
過去の記憶。
街の感触。
周囲の雑音。
進路の不明瞭さ。
希望が壊れる感覚。
そして、どこか宗教的にも聞こえる祈りのような響き。
それらが、短い曲の中に詰め込まれている。
だから“Boomer”は、何度聴いても印象が少し変わる。
最初は、勢いのあるロック・ソングとして耳に入る。
次に、ラップの言葉の密度が気になってくる。
さらに聴くと、サビの奥にある疲労や敗北感が見えてくる。
そして最後には、この曲が「居場所を得た人」の歌であると同時に、「まだ本当には安心できていない人」の歌でもあることに気づく。
この二重性が素晴らしい。
人は、居場所を見つけた瞬間に完全に救われるわけではない。
むしろ、居場所を見つけたからこそ、新しい不安が生まれることもある。
ここにいていいのか。
ここで何をすればいいのか。
ここで自分は何者として見られるのか。
“Boomer”は、その問いのただ中で鳴っている。
そして、その問いに対して明確な答えを出さない。
答えの代わりに、ギターを鳴らす。
ビートを走らせる。
声を張る。
それがこの曲の美しさである。
“Boomer”は、2020年のロックにとって重要な曲のひとつだと思う。
なぜなら、この曲はロックを過去の様式としてではなく、現在の混ざり合った身体として鳴らしているからだ。
ロックはギターだけのものではない。
白人男性中心の物語だけでもない。
ヒップホップと切り離されたものでもない。
カントリーやブルースの歴史とも深くつながっている。
そして、その多くの根にはBlackミュージックの歴史がある。
Bartees Strangeは、その事実を講義のように説明するのではなく、自分の曲の中で鳴らしてみせる。
“Boomer”は、その鳴り方がとにかく痛快である。
頭で理解する前に、体が分かる。
ああ、これはロックだ。
ああ、これはラップだ。
ああ、これはブルースだ。
いや、そんなふうに分ける必要がない。
そう思わせる力がある。
“Boomer”を聴くことは、Bartees Strangeの音楽的な地図を一気に走り抜けることに近い。
オクラホマの記憶。
ブルックリンの手応え。
インディー・ロックの夢。
ヒップホップの言葉。
Blackアーティストとしての視線。
自分の居場所を作るための闘い。
それらが、ひとつのリフの上で爆発する。
そして、爆発したあとに残るのは、不思議な清々しさである。
不安は消えていない。
迷いも消えていない。
勝利も保証されていない。
それでも、曲は前へ進んだ。
その事実が大きい。
“Boomer”は、勝ち切った人の曲ではない。
勝ちにいく途中の曲である。
そこにこそ、生命力がある。
まだ完成していない。
まだ揺れている。
まだ迷っている。
でも、もう鳴り始めている。
Bartees Strangeはこの曲で、自分の中にあるバラバラの音楽、バラバラの記憶、バラバラの感情を、ひとつの熱いロック・ソングへ変えた。
“Boomer”は、勢いに乗った瞬間の歌であり、その勢いに飲み込まれそうな人の歌でもある。
だからこそ、聴くたびに胸がざわつく。
これは単なるブレイクスルーの曲ではない。
ブレイクスルーの光と、その光に照らされた不安までを鳴らした曲なのである。
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