アルバムレビュー：『Resident Alien』 by Spacehog

発売日：1995年10月24日

ジャンル：グラムロック、オルタナティブロック、パワーポップ、ブリットポップ、スペースロック、ハードロック

概要

Spacehogの『Resident Alien』は、1995年に発表されたデビュー・アルバムであり、1990年代オルタナティブロックの中に、1970年代英国グラムロックの華やかさと宇宙的なロマンを大胆に持ち込んだ作品である。Spacehogは、イギリス出身のメンバーによって結成されながら、ニューヨークを拠点に活動したバンドである。この英米の二重性は、彼らの音楽の核心にある。英国的なメロディ、David BowieやQueen、T. Rex、Mott the Hoopleから受け継いだ演劇性と、アメリカのオルタナティブロック以降の厚いギターサウンドが混ざり合っている。

アルバムタイトルの『Resident Alien』は、「居住外国人」を意味する言葉であり、Spacehogというバンドの立場を象徴している。彼らはイギリス出身でありながらアメリカで活動し、1990年代のロックシーンの中でもどこか異物のように存在していた。Nirvana以降のオルタナティブロックが内省、怒り、反商業主義、ざらついたリアリズムを重視していた時代に、Spacehogはもっと派手で、色彩豊かで、芝居がかったロックを鳴らした。彼らは同時代のバンドでありながら、どこか別の惑星から来たような響きを持っていた。

本作を語るうえで避けられないのが、代表曲「In the Meantime」である。この曲は、Spacehog最大のヒットであり、1990年代オルタナティブロックの中でも特に印象的なシングルの一つである。特徴的なベースライン、宇宙的なシンセ、Royston Langdonの高く伸びるヴォーカル、グラムロック的な大きなサビが組み合わさり、時代を超えて残る楽曲となった。「In the Meantime」は、Spacehogの魅力を非常に分かりやすく示している。憂いを帯びながらも高揚し、地上にいながら宇宙を見上げ、孤独を歌いながらも大きく開けていく。その感覚が本作全体にも流れている。

『Resident Alien』は、単なる一発ヒットのためのアルバムではない。全体を通して聴くと、Spacehogが非常に明確な美学を持ったバンドであることが分かる。ギターは厚く、ベースは太く、ドラムはストレートに曲を押し出し、ヴォーカルは常に少し過剰である。そこにピアノ、シンセ、コーラス、サイケデリックな浮遊感が加わることで、普通のオルタナティブロックとは違う華やかな空間が生まれる。本作は、90年代のギターサウンドと70年代のグラムロック的想像力が自然に接続されたアルバムである。

Royston Langdonのヴォーカルは、本作の最も重要な要素である。彼の声は高く、鼻にかかり、少し中性的で、BowieやMarc Bolan、Freddie Mercuryの系譜を思わせる。だが、単なる模倣ではない。90年代のオルタナティブロックの厚い音の中で、その声は異物のように浮かび上がる。悲しげでありながら、どこか誇張されている。真剣でありながら、少し芝居がかっている。この声によって、Spacehogの音楽は普通のロックバンドの感情表現を超え、ロックンロールの小さな劇場のようになる。

歌詞の面では、疎外感、愛、欲望、孤独、都市生活、自己演出、宇宙的な逃避が繰り返し現れる。タイトルが示すように、本作には「自分はここに住んでいるが、完全には属していない」という感覚がある。これは移民的な意味にも読めるし、90年代ロックシーンの中でのSpacehog自身の立場にも重なる。また、より普遍的には、現代都市で生きる人間の疎外感としても機能する。居場所があるようで、実はどこにも完全には馴染めない。その感覚が、グラムロックの派手な衣装をまとって鳴っている。

音楽的には、Spacehogは非常にメロディに強いバンドである。本作には「In the Meantime」以外にも、「Space Is the Place」「Starside」「Cruel to Be Kind」「Only a Few」など、印象的なメロディを持つ曲が多い。彼らの楽曲は、ギターの重さだけで押し切るのではなく、サビの開放感やコードの動きによって聴き手を引き込む。パワーポップ的な親しみやすさと、グラムロック的な過剰さが同時にある点が特徴である。

1995年という時代において、本作はやや時代錯誤でありながら、そこが魅力だった。アメリカではポスト・グランジ、オルタナティブロック、ポップパンク、インダストリアルロックが勢いを持ち、英国ではブリットポップが大きな文化現象となっていた。Spacehogはそのどちらにも完全には属さない。ブリットポップ的な英国ロックの遺伝子を持ちながら、活動拠点はニューヨークであり、サウンドはアメリカのラジオロックにも対応していた。彼らはまさに「Resident Alien」、つまり居住する異邦人だった。

日本のリスナーにとって『Resident Alien』は、1990年代ロックの中でも、グランジやブリットポップとは違う角度から楽しめる作品である。David BowieやQueenの華やかさ、T. Rexの妖しさ、90年代オルタナティブロックのギターの厚み、パワーポップのメロディが一枚の中に共存している。派手で、少し奇妙で、メロディアスで、孤独。『Resident Alien』は、Spacehogが最初に提示したその個性が、最も鮮やかに結晶化したデビュー作である。

全曲レビュー

1. In the Meantime

「In the Meantime」は、Spacehogの代表曲であり、『Resident Alien』を象徴する楽曲である。冒頭の印象的なベースラインと宇宙的なシンセの響きだけで、曲はすぐに独自の世界を作り出す。1990年代オルタナティブロックの中でも、この曲ほどグラムロック的な高揚感とスペースロック的な浮遊感を自然に結びつけた例は多くない。

音楽的には、ベースが非常に重要である。曲の推進力はギターだけではなく、うねるようなベースラインによって生まれている。そこに分厚いギター、広がりのあるコーラス、Royston Langdonの高い声が重なり、曲は地上から少し浮き上がるように進む。サビの開放感は非常に強く、孤独な感情を歌っているにもかかわらず、聴き手を大きく引き上げる力を持つ。

歌詞では、愛、孤独、存在の不安、そして「その間に」という時間感覚が歌われる。「meantime」とは、何かが起こるまでの間、あるいは本当の答えにたどり着くまでの宙ぶらりんな時間である。人はその間を生きている。何かを求めながら、完全な救済には届かない。曲の宇宙的なサウンドは、その宙ぶらりんな感覚を見事に拡大している。

この曲の魅力は、悲しみと高揚が同時にある点である。歌詞には不安や孤独があるが、音楽は沈まない。むしろ、孤独を抱えたまま宇宙へ打ち上がるような感覚がある。これがSpacehogの美学の核心である。

「In the Meantime」は、単なるヒット曲ではなく、Spacehogが何者であるかを最も明確に示した名曲である。居場所のなさ、宇宙的な逃避、グラムロック的な華やかさが一つにまとまっている。

2. Spacehog

バンド名を冠した「Spacehog」は、自己紹介のような役割を持つ楽曲である。アルバムタイトル『Resident Alien』と同じく、この曲にもSpacehog自身の異物性、宇宙的なキャラクター性が込められている。自分たちの名を曲にすることは、グラムロック的な自己演出の一つでもある。

音楽的には、ギターの重さとロックンロール的な勢いが前面に出ている。前曲「In the Meantime」が宇宙的な浮遊感を強く持っていたのに対し、この曲はより地上的で、バンドの荒々しさが感じられる。だが、ヴォーカルやメロディにはやはり芝居がかった華やかさがある。

歌詞は、バンド自身のイメージを戯画化するように響く。Spacehogという名前自体が、宇宙的でありながら、どこか滑稽である。壮大さと馬鹿馬鹿しさが同時にある。この感覚は、彼らが受け継ぐグラムロックの伝統に深く関わっている。ロックは真剣であると同時に、演じるものでもある。

「Spacehog」は、本作の中でバンドのキャラクター性を強く打ち出す曲である。自分たちを宇宙的なロックンロールの存在として提示しながら、その大げささをどこか楽しんでいる。

3. Starside

「Starside」は、タイトルからしてSpacehogらしい宇宙的なロマンを持つ楽曲である。「星の側」「星の方角」という言葉には、地上を離れ、別の場所へ向かう憧れがある。本作全体にある疎外感と逃避願望が、この曲では美しい形で表れている。

音楽的には、メロディアスで広がりのあるロックである。ギターは厚く鳴るが、曲の中心には大きく開けるメロディがある。Royston Langdonの声は、タイトル通り星の方へ伸びていくように響く。Spacehogの中でも、特にロマンティックな側面が強い曲である。

歌詞では、遠い場所、手の届かないもの、現実を超えたいという感覚が描かれる。星は希望であり、逃避先であり、同時に届かない距離の象徴でもある。Spacehogにとって宇宙は、科学的な場所というより、孤独な人間が見上げる夢の空間である。

「Starside」は、『Resident Alien』の中で「In the Meantime」と並び、バンドの宇宙的メランコリーをよく示す楽曲である。大きなメロディの中に、地上に属しきれない感覚が響いている。

4. Candyman

「Candyman」は、甘さと怪しさを同時に持つタイトルの楽曲である。キャンディを売る人、誘惑する人、甘いものを与える人というイメージがあり、同時にどこか不穏な響きもある。Spacehogは、こうしたポップな言葉の中に少し毒を混ぜることが得意である。

音楽的には、比較的ストレートなロックでありながら、メロディには甘さがある。ギターは力強く、リズムも明快だが、ヴォーカルの癖によって曲は普通のハードロックにはならない。Royston Langdonの声が、タイトルの甘さと奇妙さをうまく表現している。

歌詞では、誘惑、欲望、依存のようなテーマが感じられる。キャンディは甘く魅力的だが、栄養にはならず、過剰に求めれば身体を損なう。これは恋愛や快楽、ドラッグ、名声の比喩としても読める。Spacehogは、甘いものを単純に幸福として描かず、その裏にある危険もにじませる。

「Candyman」は、本作の中で、グラムロック的な甘さとロックのざらつきが結びついた楽曲である。聴きやすいが、どこか怪しい。そのバランスがSpacehogらしい。

5. Space Is the Place

「Space Is the Place」は、アルバムの中でもタイトルが非常に象徴的な楽曲である。この言葉はSun Raの作品を連想させるが、Spacehogの文脈では、宇宙こそが逃避先であり、居場所であり、ロックンロールの神話的な舞台であることを示している。『Resident Alien』というアルバム全体の主題とも強く結びつく。

音楽的には、ゆったりとした浮遊感と、グラムロック的な大きなメロディがある。曲は激しく突進するのではなく、少し夢見るように広がる。シンセやコーラスの使い方も、宇宙的な空間を作るために効果的である。

歌詞では、宇宙が単なる物理的な場所ではなく、精神的な逃避先として機能している。地上に居場所を持てない者にとって、宇宙は可能性の象徴になる。Spacehogは、現実の疎外感をSF的な比喩に変換することで、孤独をロマンティックなものに変えている。

「Space Is the Place」は、Spacehogのバンド名、アルバムタイトル、音楽的な美学をすべてつなぐ重要曲である。宇宙は彼らにとって、孤独な異邦人が自分を解放できる想像上の場所である。

6. Never Coming Down, Pt. 1

「Never Coming Down, Pt. 1」は、タイトルからして高揚と落下拒否の感覚を持つ楽曲である。「もう降りてこない」という言葉は、ドラッグ的な高揚、ロックスター的な陶酔、精神的な浮遊、現実への帰還拒否を連想させる。Spacehogの音楽における上昇志向と逃避願望が、ここで明確に表れている。

音楽的には、比較的短く、次の展開への導入としても機能する。曲には浮遊感があり、アルバムの流れの中で一度現実感を薄める役割を持つ。タイトルに「Pt. 1」とあることで、断片的な構成や連続性も感じさせる。

歌詞では、高い場所に留まりたい、現実へ戻りたくないという感覚が示される。これは快楽の持続を求める気持ちでもあり、地上の退屈や痛みから逃げたい気持ちでもある。Spacehogは、こうした感情を重く暗く描くのではなく、宇宙的な浮遊感として表現する。

「Never Coming Down, Pt. 1」は、本作の中で短いながらも重要な気分転換の曲である。上昇し続けたいという欲望が、アルバムのグラムロック的な陶酔と結びついている。

7. Cruel to Be Kind

「Cruel to Be Kind」は、Nick Loweの有名曲と同じタイトルを持つが、Spacehogの楽曲としては、優しさと残酷さの関係を扱うテーマが重要である。「親切であるために残酷である」という矛盾した言葉は、人間関係の複雑さをよく表している。

音楽的には、パワーポップ的なメロディが強く、比較的親しみやすい楽曲である。ギターは厚く、サビにはしっかりしたフックがある。Spacehogのロックは派手で宇宙的なイメージが強いが、こうしたメロディ中心の曲では、彼らのポップセンスがよく分かる。

歌詞では、相手を傷つけることが本当に優しさなのか、あるいはそれは単なる自己正当化なのかという曖昧な感情がある。恋愛や友情において、人はしばしば相手のためと言いながら、自分の都合で残酷になる。この曲は、その不安定な境界を描いている。

「Cruel to Be Kind」は、本作の中で、Spacehogのパワーポップ的な魅力を示す楽曲である。明るく聴ける曲調の中に、関係性の苦さが含まれている。

8. Ship Wrecked

「Ship Wrecked」は、難破を意味するタイトルを持つ楽曲であり、漂流、失敗、孤立、帰る場所の喪失を連想させる。宇宙的なイメージの多いSpacehogだが、ここでは船という古典的な冒険と遭難のモチーフが使われている。『Resident Alien』の異邦人感覚とも深く結びつく曲である。

音楽的には、やや重く、メロディには哀愁がある。ギターの厚みが曲の沈み込む感覚を支え、ヴォーカルは漂流者のように響く。Spacehogの華やかさの裏にある寂しさがよく出ている。

歌詞では、難破した状態が比喩として使われる。人生、恋愛、夢、あるいはロックンロールの旅が途中で壊れ、行き先を失う。船は本来どこかへ向かうためのものだが、難破すれば海の上で孤立する。これはSpacehogが抱える「移動しているのに居場所がない」という感覚を象徴している。

「Ship Wrecked」は、本作の中で、冒険のロマンと失敗の悲しさが重なる楽曲である。宇宙ではなく海の比喩を使いながら、同じく漂流する異邦人の感覚を描いている。

9. Only a Few

「Only a Few」は、本作の中でも特にメロディアスで、内省的な雰囲気を持つ楽曲である。タイトルは「ほんの少しの人々」「わずかなもの」といった意味を持ち、選ばれた少数、限られた理解者、孤独な共同体を連想させる。Spacehogの疎外感が、より静かな形で表れている。

音楽的には、ギターの厚みを保ちながらも、曲調は比較的穏やかである。サビには広がりがあり、Royston Langdonの声が感情を大きく運ぶ。派手なグラムロックというより、メロディを中心にしたロックバラード的な魅力がある。

歌詞では、多くの人には理解されないこと、少数の人だけが何かを共有することが示唆される。これは恋愛にも、友情にも、バンドとリスナーの関係にも読める。世界全体から見れば小さなつながりでも、その少数の理解者がいることで人は生きていける。

「Only a Few」は、『Resident Alien』の中で感情的な深みを与える楽曲である。Spacehogの華やかさが少し抑えられ、孤独とつながりへの願いが素直に響いている。

10. The Last Dictator

「The Last Dictator」は、政治的・権力的なタイトルを持つ楽曲であり、本作の中でも少し不穏な空気を持つ。最後の独裁者という言葉は、支配、崩壊、自己中心性、ロック・スター的な支配欲のパロディを連想させる。Spacehogらしく、大きな言葉を少し演劇的に使っている。

音楽的には、ギターの押し出しが強く、曲全体に緊張がある。ヴォーカルはやや芝居がかっており、タイトルの人物像を演じるようにも聞こえる。グラムロックの伝統では、独裁者的なキャラクターや危険なスター像はしばしばテーマになってきた。この曲もその系譜にある。

歌詞では、支配する者、孤独な権力者、最後に残された人物の姿が浮かぶ。これは政治的な人物としても、自分の小さな世界を支配したがる人間としても読める。Spacehogは、こうした大げさな役柄を借りて、人間の自己中心性や孤独を描く。

「The Last Dictator」は、本作の中でグラムロック的な演劇性が強く出た楽曲である。権力と孤独を、少し戯画化されたロック・キャラクターとして表現している。

11. Never Coming Down, Pt. 2

「Never Coming Down, Pt. 2」は、「Pt. 1」と対になる楽曲であり、アルバム内に連続性を作る役割を持つ。上昇し続けたい、現実へ戻りたくないという感覚が再び現れるが、ここではその感情がより別の角度から響く。陶酔の持続は魅力的だが、同時に危険でもある。

音楽的には、前半の「Pt. 1」よりも展開感があり、アルバム後半の流れの中で再び浮遊感を作る。Spacehogは、ロックの曲順の中にこうした反復的なモチーフを置くことで、アルバムに小さなコンセプト性を与えている。

歌詞では、降りてこないことが、解放であると同時に逃避として響く。現実から離れることは一時的には心地よいが、永遠に戻らなければ、それは孤立にもなる。Spacehogの宇宙的なロマンには、常にこの二面性がある。空へ向かうことは自由であると同時に、地上とのつながりを失うことでもある。

「Never Coming Down, Pt. 2」は、アルバム内の浮遊感と逃避願望を再確認する楽曲である。Spacehogの音楽における「上へ行くこと」の甘さと危うさが表れている。

12. Zeroes

「Zeroes」は、David Bowieの楽曲を思わせるタイトルでもあり、Spacehogのグラムロック的ルーツを強く感じさせる曲である。ゼロという言葉には、無、失敗、存在の空白、あるいは出発点という意味がある。Spacehogの疎外感と自己演出が、ここでも重なっている。

音楽的には、メロディアスでありながら、どこか影のあるロックである。ギターは厚く、コーラスには広がりがある。Royston Langdonの歌唱は、Bowie的な影響を感じさせつつも、90年代のオルタナティブサウンドの中で独自の存在感を放つ。

歌詞では、無価値感や、誰にも属さない者たちの感覚が浮かぶ。ゼロは何もないことを意味するが、同時に何かが始まる前の状態でもある。Spacehogにとって、異邦人であることは欠落であると同時に、新しい自己を演じるための余白でもある。

「Zeroes」は、本作の中でグラムロックの影響が特に濃く出た楽曲である。孤独なゼロたちが、厚いギターと大きなメロディの中で一瞬だけ輝く。

13. To Be a Millionaire… Was It Likely?

「To Be a Millionaire… Was It Likely?」は、アルバムの中でも長いタイトルが印象的な楽曲である。「百万長者になること、それはあり得たのか？」という問いには、成功、金、夢、現実、ロックバンドとしての野心が含まれている。デビュー作の終盤にこのような曲が置かれることは、Spacehogの自己認識を示している。

音楽的には、やや皮肉を帯びたロックソングであり、明るさと疑念が共存している。曲は大きく盛り上がりすぎず、どこか斜めから成功を見ているような雰囲気がある。Spacehogは、ロックスター的な夢を演じながら、その夢の滑稽さも分かっているバンドである。

歌詞では、富や成功への期待と、それが本当に現実的だったのかという疑いが描かれる。ロックンロールはしばしば成功の夢を売るが、その夢は多くの場合、手に入らない。あるいは、手に入ったとしても、期待したような満足はない。これはアルバムタイトル『Can’t Buy a Thrill』的な皮肉にも通じる感覚である。

「To Be a Millionaire… Was It Likely?」は、本作の終盤で、Spacehogのロックンロール的な夢と自己皮肉をまとめるような楽曲である。成功を望みながら、その夢をどこか笑っている。

総評

『Resident Alien』は、Spacehogのデビュー作であり、彼らの個性が最も鮮やかに刻まれたアルバムである。1990年代のオルタナティブロックの文脈にありながら、本作は同時代の多くのバンドとは異なる華やかさを持っている。グランジ以降の内省的で暗いギターサウンドに対し、SpacehogはDavid Bowie、Queen、T. Rex、Mott the Hoopleの系譜にあるグラムロックの演劇性を持ち込み、ロックを再び宇宙的で、派手で、少し滑稽なものにした。

本作の最大の魅力は、疎外感を華やかに鳴らしている点である。アルバムタイトル『Resident Alien』が示すように、ここには「どこかに住んでいるが、完全には属していない」感覚がある。これはバンドの英米間の立場にも重なり、また都市生活における個人の孤独にも通じる。しかしSpacehogは、その疎外感を暗く沈めるのではなく、宇宙的な比喩、厚いギター、派手なコーラス、高く伸びるヴォーカルによって大きく広げる。孤独が一種のロックンロール・ファンタジーへ変換されている。

「In the Meantime」は、本作の中心であり、Spacehogのすべてが凝縮された楽曲である。印象的なベースライン、スペースロック的な浮遊感、グラムロック的なサビ、孤独と高揚の同居。この曲の完成度は非常に高く、バンドが一曲で強く記憶される理由も理解できる。しかし、『Resident Alien』はその一曲だけのアルバムではない。「Starside」「Space Is the Place」「Ship Wrecked」「Only a Few」「Zeroes」などにも、Spacehogの美学ははっきりと表れている。

音楽的には、パワーポップのメロディの強さ、オルタナティブロックのギターの厚み、グラムロックの芝居がかったヴォーカル、スペースロックの浮遊感が絶妙に混ざっている。Spacehogは、単にクラシックロックを懐古的に再現したわけではない。彼らは90年代のギターサウンドを持ちながら、70年代ロックの演劇性を現代に持ち込んだ。そのため本作は、古風でありながら新しく、懐かしくありながら奇妙に同時代的である。

Royston Langdonの声は、好き嫌いが分かれる可能性もあるが、Spacehogの音楽には不可欠である。彼の高く癖のある声がなければ、これらの曲はもっと普通のオルタナティブロックになっていただろう。その声があることで、曲は地上から少し浮き、異邦人のロックとして成立する。彼は単に歌うのではなく、ロック・キャラクターを演じている。そしてその演技の中に、本当の孤独や不安が見える。

本作には、デビュー作らしい勢いと同時に、少し過剰な部分もある。曲によってはアイデアが散らかっており、アルバム全体の完成度という点では後年の洗練された作品とは異なる。しかし、その過剰さこそが『Resident Alien』の魅力である。Spacehogは最初から整ったバンドではなく、グラムロック、宇宙的な想像力、90年代ロックの厚みを一気に詰め込んだバンドだった。その勢いが本作には生々しく残っている。

歌詞の面でも、Spacehogは自分たちの立場をよく理解している。宇宙へ行きたい、成功したい、愛されたい、現実から逃げたい。しかし、その願望は常に少し滑稽で、少し手が届かない。だからこそ、彼らのロックは完全な勝利の音楽にはならない。勝ち誇るのではなく、異邦人として、漂流者として、夢を見る。その切なさが本作を長く聴けるものにしている。

日本のリスナーにとって『Resident Alien』は、90年代ロックの中でも特にメロディアスで華やかな側面を味わえる作品である。グランジの重さやブリットポップの直線的なギターとは違い、ここにはもっと演劇的で、宇宙的で、少し妖しいロックがある。David BowieやQueenの影響を感じながら、同時に90年代のオルタナティブロックとしても聴ける点が魅力である。

総じて『Resident Alien』は、Spacehogが「居住する異邦人」としての自己像を、グラムロック的なロマンと90年代ギターロックの厚みで鳴らしたデビュー・アルバムである。派手で、孤独で、甘く、少し滑稽で、宇宙を見上げている。『Resident Alien』は、「In the Meantime」という名曲を生んだだけでなく、Spacehogというバンドの美学を最も鮮やかに提示した作品として、90年代オルタナティブロックの中でも独自の輝きを持つ一枚である。

おすすめアルバム

1. Spacehog – The Chinese Album（1998）

Spacehogのセカンド・アルバムであり、『Resident Alien』の成功後に、より多様な方向へ音楽性を広げた作品である。グラムロック、パワーポップ、アートロック的な陰影が混ざり、バンドが一曲のヒットに留まらない存在であることを示している。

2. Spacehog – The Hogyssey（2001）

Spacehogのサード・アルバムであり、グラムロック的な宇宙旅行の感覚をさらに押し出した作品である。『Resident Alien』の派手さとメロディ感覚を引き継ぎつつ、よりロックンロール的な旅のムードが強まっている。

3. David Bowie – The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars（1972）

Spacehogの宇宙的な自己演出、グラムロック的な華やかさ、異邦人的なロック・スター像の最も重要な先行作である。『Resident Alien』の背景にある演劇性と宇宙的ロマンを理解するうえで欠かせない名盤である。

4. Queen – Sheer Heart Attack（1974）

ハードロック、グラム、ポップ、コーラスワーク、演劇性が凝縮されたQueen初期の重要作である。Spacehogの高く華やかなヴォーカル、厚いコーラス、大きなメロディ感覚と強く響き合う。

5. Supergrass – I Should Coco（1995）

1990年代英国ロックにおける若々しいエネルギーとメロディの強さを示す作品である。Spacehogよりもブリットポップ色が強いが、クラシックロックへの愛着、パワーポップ的な勢い、90年代ギターサウンドという点で関連性が高い。