アルバムレビュー：『The Chinese Album』 by Spacehog

発売日：1998年3月10日

ジャンル：グラムロック、オルタナティブロック、パワーポップ、ブリットポップ、スペースロック、サイケデリックロック

概要

Spacehogの『The Chinese Album』は、1998年に発表されたセカンド・アルバムであり、1995年のデビュー作『Resident Alien』で得た成功を受けて、バンドが自らの音楽的射程を広げようとした作品である。Spacehogは、イギリス出身でありながらニューヨークを拠点に活動したバンドであり、その出自の二重性が音楽に強く反映されている。彼らの音楽には、David Bowie、T. Rex、Queen、Mott the Hoopleといった英国グラムロックの華やかさと、1990年代アメリカのオルタナティブロックのギターの厚み、さらにパワーポップの明快なメロディが共存している。

デビュー作『Resident Alien』は、「In the Meantime」という大ヒット曲によって、Spacehogの名前を広く知らしめた。あの曲は、グラムロック的な高揚感、宇宙的な浮遊感、キャッチーなベースライン、Royston Langdonの高く演劇的なヴォーカルが見事に結びついた楽曲だった。しかし、その大きな成功は同時に、バンドにとって強い比較対象にもなった。セカンド・アルバムである『The Chinese Album』は、その一曲の印象に回収されることを避け、より多様な表現へ向かった作品である。

本作のタイトル『The Chinese Album』は、明確なコンセプトを一言で説明するものではない。むしろ、異国趣味、東洋的なイメージ、ポップ・カルチャー的な引用、そして少し冗談めいた感覚が混ざった、Spacehogらしいタイトルである。彼らは真剣な芸術家として重々しく構えるより、ロックンロールの演劇性や虚構性を楽しむバンドだった。そのため本作でも、タイトルは厳密な中国文化の表現というより、アルバム全体に漂う雑多さ、引用性、旅の感覚、異物感を象徴している。

『The Chinese Album』は、前作よりも曲ごとの方向性が広い。ストレートなグラムロック／パワーポップ、ハードなギター・ロック、アコースティックなバラード、サイケデリックな浮遊感、ピアノやコーラスを用いたドラマティックな構成などが並ぶ。デビュー作が比較的まとまったグラム・オルタナティブロックの作品だったのに対し、本作はより実験的で、少し散漫にも聞こえる。しかし、その散漫さはバンドが一発屋的なイメージから抜け出し、自分たちの引き出しを広げようとした結果でもある。

Royston Langdonのヴォーカルは、本作でも中心的な魅力である。彼の声は、Bowie的な演劇性、Freddie Mercury的な高音の華やかさ、ブリットポップ以後の軽い皮肉、そしてオルタナティブロック的な荒さを併せ持つ。単に上手く歌うのではなく、声そのものがキャラクターとして立ち上がる。Spacehogの楽曲は、彼の声によって、普通のギターロックよりも少し宇宙的で、少し滑稽で、少しロマンティックなものになる。

本作の歌詞には、愛、孤独、自己演出、疎外感、社会への違和感、ロックンロール的な逃避、滑稽なプライドが繰り返し現れる。Spacehogは、感情を内向的に閉じ込めるタイプのバンドではない。むしろ、寂しさや不安をグラムロック的な衣装で飾り、メロディを大きく広げ、宇宙的な比喩やユーモアを使って外へ投げ出す。そこに彼らの独自性がある。悲しみは暗く沈むだけでなく、ステージ上でスポットライトを浴びることもできる。『The Chinese Album』は、その感覚がよく表れた作品である。

1998年という時代背景も重要である。ブリットポップのピークは過ぎ、アメリカではポスト・グランジやオルタナティブロックが商業的に拡大し、ロックの主流は徐々に変わりつつあった。Spacehogはその中で、90年代的なギターの厚みを持ちながら、70年代グラムロックへの愛着を隠さなかった。これは同時代の主流とは少しずれた姿勢だったが、そのずれこそが彼らの魅力でもある。本作は、1990年代末における「過去のロック幻想の再演」と「現代的なオルタナティブ感覚」の交差点にある。

また、本作にはMichael Stipeが参加した「Almond Kisses」など、バンドの外部との接点も見られる。R.E.M.のStipeが持つアートロック的な知性と、Spacehogのグラムロック的な華やかさが交わることで、アルバムに独特の陰影が加わっている。Spacehogは単なる懐古的なグラムロック・バンドではなく、90年代オルタナティブシーンの中で自分たちの場所を探していたバンドだった。その模索が『The Chinese Album』には刻まれている。

日本のリスナーにとって本作は、『Resident Alien』の「In the Meantime」だけでは見えにくいSpacehogの多面性を知るうえで重要なアルバムである。前作のような一曲の圧倒的な知名度はないが、アルバムとしてはより曲調が多様で、バンドの趣味や野心が見えやすい。David BowieやQueenのような演劇的なロック、1990年代のオルタナティブギター、パワーポップのメロディに関心がある場合、本作は非常に興味深い一枚である。

全曲レビュー

1. One of These Days

「One of These Days」は、アルバムの冒頭を飾る楽曲であり、Spacehogらしいメロディの強さとロックの推進力を示すオープナーである。タイトルは「いつかそのうち」という意味を持ち、未来への期待、先延ばし、変化への願望を感じさせる。アルバムの始まりに置かれることで、バンドが前作から次の段階へ進もうとする姿勢も読み取れる。

音楽的には、ギターの厚みと明快なサビが印象的である。Spacehogの曲らしく、ロックとしての骨格はしっかりしているが、ヴォーカルやコーラスにはグラムロック的な華やかさがある。Royston Langdonの声は高く伸び、曲に独特の軽さと演劇性を与えている。

歌詞では、今ではないがいつか何かが起こる、いつか変わるという感覚が中心になる。これは希望でもあり、同時に現状への不満でもある。「いつか」と言いながら、実際には何も変えられない人間の弱さも含まれている。Spacehogは、こうした感情を暗く閉じ込めず、明るいメロディに乗せて歌う。

「One of These Days」は、本作の導入として非常に効果的である。前作の成功後、バンドがより広い表現へ向かう入口として、ロックの力強さとポップな親しみやすさを兼ね備えている。

2. Goodbye Violet Race

「Goodbye Violet Race」は、本作の中でも特にタイトルの響きが印象的な楽曲である。「Violet Race」という言葉は、現実の特定集団というより、色彩、幻想、人種、異星的な存在、あるいは一つの夢のような共同体を連想させる。そこに「Goodbye」が付くことで、何か幻想的なものとの別れが示される。

音楽的には、Spacehogのグラムロック的な質感が強く表れている。メロディは大きく、ヴォーカルは芝居がかっており、ギターは厚く鳴る。曲全体には、どこか別世界へ向けた別れの歌のような雰囲気がある。

歌詞では、失われるもの、去っていくもの、終わりを迎える夢が暗示される。Spacehogは、現実的な別れを宇宙的・幻想的な言葉に置き換えることが多い。この曲でも、単なる人間関係の終わりではなく、ひとつの色彩を持つ世界から離れるような感覚がある。

「Goodbye Violet Race」は、本作の幻想的な側面を代表する楽曲である。Spacehogの音楽が、単なるギターロックではなく、色彩や物語を帯びたロック劇場であることを示している。

3. Lucy’s Shoe

「Lucy’s Shoe」は、人物名と具体的な物を組み合わせたタイトルが印象的な楽曲である。Lucyという名前は親密さや物語性を生み、靴というアイテムは移動、生活、個人の記憶を連想させる。Spacehogは、大げさな宇宙的イメージだけでなく、こうした小さなディテールから曲を作ることもできる。

音楽的には、比較的軽快なロックであり、メロディの親しみやすさがある。ギターは強く鳴りながらも、曲の中心にはポップなフックがある。Royston Langdonのヴォーカルは、少し茶目っ気を含み、曲に人物スケッチのような魅力を与えている。

歌詞では、Lucyという人物をめぐる関係や記憶が断片的に描かれる。靴は、その人がどこへ行くのか、どこから来たのかを示す象徴でもある。恋愛の曲としても、失われた人物への歌としても読めるが、詳細は曖昧である。この曖昧さが、曲に軽い謎を残している。

「Lucy’s Shoe」は、Spacehogのポップな側面を示す楽曲である。奇妙なタイトルと親しみやすいメロディが結びつき、バンドの遊び心がよく表れている。

4. Mungo City

「Mungo City」は、『The Chinese Album』の中でも特に強い存在感を持つ楽曲であり、Spacehogの華やかで少し奇妙なロック感覚が凝縮されている。タイトルからは、架空の都市、異国的な場所、あるいは漫画的なロックンロールの舞台が連想される。実在感よりも、音の響きそのものが世界を作っている。

音楽的には、グルーヴのあるリズム、厚いギター、印象的なヴォーカルが特徴である。曲はエネルギッシュで、サビには大きなフックがある。Spacehogの持つグラムロック的な派手さと、90年代オルタナティブロックの力強さがバランスよく結びついている。

歌詞では、都市、逃避、欲望、異物感が感じられる。Mungo Cityは、現実の都市というより、Spacehogの内面にある架空都市のように響く。そこでは、人々が演じ、欲望し、迷い、ロックンロール的な幻想に巻き込まれる。こうした都市のイメージは、Bowie的な架空世界とも通じる。

「Mungo City」は、本作を代表する曲の一つである。Spacehogの強みであるメロディの派手さ、ロックの推進力、架空世界を作るセンスが明確に表れている。

5. Skylark

「Skylark」は、タイトルから鳥、空、高く舞う存在、軽やかな自由を連想させる楽曲である。Skylarkはヒバリを意味し、伝統的に歌や空への上昇と結びつくイメージを持つ。Spacehogの宇宙的な浮遊感とは異なるが、この曲にも上へ向かう感覚がある。

音楽的には、比較的メロディアスで、やや穏やかな空気を持つ。ギターは過度に重くなく、曲全体に広がりがある。ヴォーカルは高く伸び、タイトルの空のイメージとよく合っている。

歌詞では、自由、憧れ、手の届かないものへの視線が感じられる。ヒバリは空高く舞い上がり、歌う存在である。これはアーティスト自身の比喩としても読める。地上の重さから離れ、歌によって上昇すること。Spacehogの音楽には、そのようなロマンティックな衝動がある。

「Skylark」は、本作の中で比較的美しい浮遊感を持つ楽曲である。Spacehogの派手なグラムロックだけでなく、メロディを静かに広げる力も示している。

6. Sand in Your Eyes

「Sand in Your Eyes」は、目に入る砂という身体的で不快なイメージをタイトルにした楽曲である。砂は海岸や旅、乾いた風景を連想させる一方、目に入れば視界を奪い、痛みを生む。つまりこのタイトルには、自由や休暇のイメージと、不快感や見えにくさが同時に含まれている。

音楽的には、少しざらついたギターと、Spacehogらしいメロディが組み合わされている。曲には乾いた空気があり、前曲「Skylark」のような上昇感とは異なり、より地上の感覚が強い。ヴォーカルも、どこか皮肉を含んでいる。

歌詞では、視界が曇ること、真実を見にくくするもの、関係の中の違和感が暗示される。目に砂が入ると、世界はぼやけ、涙が出る。これは、感情や記憶によって物事を正しく見られなくなる状態の比喩として機能する。

「Sand in Your Eyes」は、Spacehogのロック的なざらつきと、比喩的な歌詞が結びついた楽曲である。派手なだけではなく、身体的な不快感を使って心理状態を描く点が印象的である。

7. Captain Freeman

「Captain Freeman」は、タイトルからしてキャラクター性の強い楽曲である。Captainという肩書きは、船長、指揮官、宇宙船の乗組員、冒険者を連想させる。一方でFreemanという名前には、自由人という意味が含まれる。つまり、自由を求める船長、あるいは自由を演じる人物像が浮かぶ。

音楽的には、Spacehogらしい演劇的なロックの色が強い。曲には物語性があり、単なる恋愛ソングというより、一人の架空人物のテーマ曲のように響く。ギターとヴォーカルが大きく動き、楽曲に冒険的な雰囲気を与えている。

歌詞では、Captain Freemanという人物を通じて、自由、逃避、リーダーシップ、孤独が描かれる。自由であることは魅力的だが、同時に帰る場所のなさも意味する。Spacehogの音楽における自由は、常に少し寂しい。どこへでも行けることは、どこにも属せないことでもある。

「Captain Freeman」は、本作の中でSpacehogのキャラクター作りの巧さを示す曲である。グラムロック的な架空人物の伝統を、90年代オルタナティブの文脈に持ち込んでいる。

8. 2nd Avenue

「2nd Avenue」は、都市の具体的な通りをタイトルにした楽曲であり、Spacehogのニューヨーク的な側面を感じさせる。2nd Avenueという地名は、生活、夜、移動、都市の孤独、若いバンドの拠点を連想させる。宇宙的なイメージが多いSpacehogにとって、こうした都市の具体性は重要な対比になっている。

音楽的には、比較的落ち着いたメロディアスな曲であり、都会的な哀愁がある。ギターは強く鳴りすぎず、歌を中心に据えた構成になっている。Royston Langdonの声は、ここでは少し回想的に響く。

歌詞では、都市の通りを歩くこと、誰かとの記憶、場所に結びついた感情が描かれる。通りの名前は、単なる地理情報ではなく、過去の時間や人間関係を呼び起こす装置である。2nd Avenueは、個人的な記憶の舞台として機能している。

「2nd Avenue」は、本作の中で日常的・都市的な側面を担う楽曲である。宇宙船や架空都市だけでなく、実際の街角の哀愁もSpacehogの音楽には含まれている。

9. Almond Kisses

「Almond Kisses」は、本作の中でも特に異色で、R.E.M.のMichael Stipeが参加している点でも重要な楽曲である。タイトルは「アーモンドのキス」という甘く奇妙なイメージを持ち、親密さ、味覚、異物感が混ざっている。甘さの中に少し苦味があるアーモンドの感覚は、Spacehogの美学にも合っている。

音楽的には、やや暗く、幻想的で、アルバムの中でもアートロック的な雰囲気が強い。Michael Stipeの声が加わることで、曲には別の重心が生まれる。Royston Langdonのグラム的な声と、Stipeの内省的で独特な声が交わることで、Spacehogの通常の華やかさとは異なる陰影が生まれている。

歌詞では、親密さと不安、甘い記憶と奇妙な距離感が描かれる。アーモンドのキスという表現は、単純なロマンティックさではなく、どこか癖のある感触を残す。愛情は甘いが、完全には滑らかではない。そこにStipeの参加がもたらす曖昧さも重なる。

「Almond Kisses」は、『The Chinese Album』の中で最も陰影のある楽曲の一つである。Spacehogが単なる派手なグラムロック・バンドではなく、より暗く複雑なムードにも接近できることを示している。

10. Carry On

「Carry On」は、タイトル通り「続ける」「進み続ける」という意味を持つ楽曲である。ロックソングにおいて非常に普遍的なテーマであり、困難、疲労、失敗の後も前へ進む意志を感じさせる。Spacehogのようなバンドにとって、この言葉はロックンロールそのものの継続とも結びつく。

音楽的には、メロディアスで、比較的前向きな響きを持つ。ギターは力強く、サビには開放感がある。だが、単純な応援歌というより、少し疲れた上での継続の歌として響く。Royston Langdonの声には、明るさと哀愁が同時にある。

歌詞では、立ち止まらずに進むこと、過去を抱えたまま生きることが示される。Spacehogの音楽では、前へ進むことは必ずしも完全な勝利ではない。むしろ、滑稽さや傷を抱えたまま、それでも演奏し続けることが重要である。

「Carry On」は、本作の中でアルバム後半を支える堅実な楽曲である。Spacehogのロックンロールへの信頼と、人生への少し苦い肯定が感じられる。

11. Anonymous

「Anonymous」は、匿名性をテーマにした楽曲である。タイトルは「無名の」「匿名の」を意味し、バンドが成功と注目を経験した後に、個人であること、見られること、名前を持つことへの意識が感じられる。ロックスター的な自己演出と、匿名でいたい願望は、Spacehogにとって重要な矛盾である。

音楽的には、やや内省的で、曲の雰囲気も少し暗い。ギターは厚く鳴るが、派手なロックンロールというより、感情の重さを支える役割を持つ。ヴォーカルには孤独がにじむ。

歌詞では、名前を失うこと、個人として認識されないこと、あるいは逆に名前を持つことの重さが描かれる。匿名であることは自由でもあり、消失でもある。音楽業界の中で、バンドは名前を売ることを求められるが、その一方で個人の内面は見えにくくなる。この曲は、その矛盾を含んでいる。

「Anonymous」は、本作の中で、Spacehogの内省的な側面を示す楽曲である。派手な自己演出の裏側にある、名前を持つことへの不安が静かに響く。

12. Beautiful Girl

「Beautiful Girl」は、タイトルだけを見ると非常にストレートなラブソングのように思える楽曲である。美しい女性への賛美、憧れ、恋愛感情が連想されるが、Spacehogの曲では、その美しさはどこか手の届かないものとして描かれることが多い。

音楽的には、メロディが前面に出た比較的親しみやすい曲である。Spacehogのパワーポップ的な才能が表れ、サビには分かりやすい魅力がある。ギターは厚いが、曲全体は歌を中心にまとまっている。

歌詞では、美しい女性への視線が中心になる。ただし、その視線は単純な賛美ではなく、距離や憧れを含む。美しいものは魅力的であると同時に、相手を不安にさせる。自分の届かない場所にいる存在として、Beautiful Girlはほとんど象徴的なものになる。

「Beautiful Girl」は、本作の中で最も素直なポップソングに近い楽曲である。だが、Spacehogらしい少し芝居がかった歌唱によって、普通のラブソングよりも大きなロマンティシズムが加わっている。

13. Wish You Well

「Wish You Well」は、アルバム終盤に置かれた、別れと祈りの感覚を持つ楽曲である。タイトルは「君の幸せを願う」という意味であり、関係が終わった後の距離、相手への残った思い、そして諦めを含んでいる。

音楽的には、比較的穏やかで、メロディアスなバラード寄りの曲である。Royston Langdonの声は、ここでは派手さよりも感情の余韻を重視している。ギターやアレンジも、曲の言葉を支えるように配置されている。

歌詞では、相手への願いが歌われる。怒りや未練がまったくないわけではないが、それでも最後には相手の幸福を願う。これは成熟した別れの歌として聴ける。Spacehogの音楽にはしばしば自虐や皮肉があるが、この曲では比較的素直な優しさが前面に出ている。

「Wish You Well」は、本作の終盤に温かい余韻をもたらす楽曲である。グラムロック的な派手さの奥にある、人間的な情の部分が表れている。

14. The Chinese Album

表題曲「The Chinese Album」は、アルバム全体のタイトルを背負う楽曲であり、作品の雑多さと異国趣味、そしてSpacehogらしいユーモアを象徴している。タイトル自体が少し不思議で、明確な意味を提示するというより、聴き手に「これは何なのか」と考えさせる。Spacehogは、こうした説明しきれない異物感を楽しむバンドである。

音楽的には、アルバムの最後に置かれることで、作品全体をまとめるというより、もう一つの奇妙な余韻を残す役割を持つ。ロックとしての骨格はありながら、曲にはどこか脱力した雰囲気や、自己言及的な感覚がある。アルバムそのものを曲にしてしまうような身振りは、グラムロック的な自己演出とも通じる。

歌詞では、明確な物語よりも、タイトルが持つ奇妙な響きが重要である。中国というイメージはここで、厳密な文化表象というより、遠い場所、異国、不可解なもの、ポップ・カルチャー的な記号として扱われている。現代的な視点では慎重に受け取る必要もあるが、Spacehogの文脈では、それはアルバム全体の雑多で架空的な性格を示す装置になっている。

「The Chinese Album」は、終曲として分かりやすい感動を与えるタイプの曲ではない。むしろ、バンドの遊び心、自己言及、奇妙なタイトル感覚を残してアルバムを閉じる。Spacehogらしい曖昧で少し笑える終幕である。

総評

『The Chinese Album』は、Spacehogがデビュー作『Resident Alien』の成功後に、自分たちの音楽的可能性を広げようとしたセカンド・アルバムである。前作には「In the Meantime」という圧倒的な代表曲があったため、本作は比較されやすい。しかし、アルバムとして聴くと、Spacehogの多様性、グラムロックへの愛着、パワーポップ的なメロディ感覚、そして90年代オルタナティブシーンの中での独自の立ち位置がよく分かる作品である。

本作の魅力は、曲ごとの振れ幅にある。「One of These Days」や「Mungo City」は、Spacehogらしい勢いと華やかさを持つ。「Goodbye Violet Race」や「Captain Freeman」では、架空世界やキャラクター性を帯びたグラムロック的な表現が現れる。「Skylark」や「2nd Avenue」では、よりメロディアスで叙情的な側面が見える。「Almond Kisses」ではMichael Stipeの参加によって、バンドの音楽にアートロック的な陰影が加わる。そして「Wish You Well」では、比較的素直な別れの情感が歌われる。

一方で、本作は非常に統一感のあるアルバムというより、バンドがさまざまな方向を試した作品である。そのため、前作のように一気に聴きやすい印象を持つとは限らない。曲ごとの個性が強く、流れにはやや散漫さもある。しかし、その散漫さは、Spacehogが一つのヒット曲のイメージに縛られず、より広いロック表現へ進もうとした証でもある。

音楽的には、1970年代英国グラムロックの影響が本作でも明確である。Royston Langdonの高く芝居がかったヴォーカル、厚いコーラス、メロディの大きな振る舞い、架空人物や宇宙的な感覚は、David BowieやQueenの系譜を思わせる。しかし、Spacehogは単なる懐古バンドではない。彼らのギターの音、リズムの重さ、曲のざらつきには、1990年代オルタナティブロックの空気がある。過去のロック幻想と同時代のギターサウンドが、彼らの中で混ざっている。

歌詞の面では、孤独、自由、別れ、自己演出、都市、幻想が繰り返し現れる。Spacehogは、自分たちの感情をそのまま裸で差し出すより、少し変わったタイトルやキャラクター、宇宙的なイメージ、異国的な言葉遊びを通して表現する。そこには、ロックンロールを一つの仮面劇として捉える感覚がある。仮面をかぶることで、かえって本音に近づく。このグラムロック的な逆説が、Spacehogの重要な美学である。

『The Chinese Album』は、商業的には『Resident Alien』ほど大きな成功を収めたとは言いにくい。しかし、作品としてはバンドの野心が強く表れた一枚である。前作の路線を安全に繰り返すのではなく、より多様な曲調、より奇妙なタイトル、より幅広いムードに挑んでいる。結果として、アルバムは少し不均一になったが、その不均一さこそがSpacehogの「変な魅力」を生んでいる。

日本のリスナーにとって本作は、グラムロックやパワーポップ、90年代オルタナティブロックの交差点として聴くと面白い。BowieやQueenの演劇性が好きなリスナーには、Spacehogのロック・スター的な身振りが響くだろう。一方で、90年代のギターロックやブリットポップに親しんだリスナーには、メロディの強さとバンドサウンドの厚みが魅力的に映るはずである。

本作の弱点は、明確な代表曲の強さという点では前作に及ばないこと、そしてアルバム全体の焦点がやや分散していることにある。しかし、Spacehogというバンドを一曲だけでなく、より立体的に理解するには欠かせない作品である。彼らが単に「In the Meantime」のバンドではなく、グラムロックの遺産を90年代末のオルタナティブな文脈で再構成しようとしたバンドであることが、本作からよく分かる。

総じて『The Chinese Album』は、Spacehogのセカンド・アルバムとして、成功後の迷いと野心、多様な音楽的趣味、そしてグラムロック的な自己演出が詰め込まれた作品である。完璧に整った名盤というより、過剰で、少し散らかっていて、奇妙で、愛すべきアルバムである。Spacehogの持つ華やかさ、孤独、ユーモア、ロックンロールへの過剰な愛情が、もっとも複雑な形で表れている一枚と言える。

おすすめアルバム

1. Spacehog – Resident Alien（1995）

Spacehogのデビュー作であり、「In the Meantime」を収録した代表作である。グラムロック、ブリットポップ、オルタナティブロックの要素が最も分かりやすく結びついており、『The Chinese Album』の前提を理解するために欠かせない作品である。

2. Spacehog – The Hogyssey（2001）

本作の次に発表されたサード・アルバムであり、Spacehogのグラムロック的な宇宙感覚とパワーポップのメロディをさらに押し出した作品である。『The Chinese Album』で広がった多様性が、よりロックンロール的な旅の感覚へつながっている。

3. David Bowie – Aladdin Sane（1973）

Bowieのグラムロック期を代表する作品であり、都市、狂気、演劇性、ロックンロールの派手さが強く表れている。Spacehogのヴォーカルの芝居がかった感覚や、架空世界を作る手法を理解するうえで重要な先行作である。

4. Queen – A Night at the Opera（1975）

ロック、オペラ、バラード、ハードロック、ポップを大胆に混ぜたQueenの代表作である。Spacehogの大仰なメロディ感覚、コーラスの華やかさ、ロックを劇場的に鳴らす姿勢と強く響き合う。

5. Supergrass – In It for the Money（1997）

1990年代英国ロックにおけるメロディアスでエネルギッシュな作品であり、グラムロックやパワーポップの影響を現代的に鳴らしている。Spacehogよりブリットポップ寄りだが、クラシックロックへの愛着と90年代的なギターの勢いという点で関連性が高い。