発売日：2010年5月4日
ジャンル：インディー・ロック、アート・ロック、チャンバー・ポップ、ポスト・ロック、ドリーム・ポップ、オルタナティヴ・ロック
概要
ブロークン・ソーシャル・シーンの『Forgiveness Rock Record』は、2010年に発表された通算4作目のスタジオ・アルバムである。カナダ・トロントを拠点とするこのバンドは、ケヴィン・ドリューとブレンダン・カニングを中心とした大所帯の音楽集団として知られ、2000年代インディー・ロックにおける「コレクティヴ」というあり方を象徴する存在だった。固定された少人数のロック・バンドというより、複数のソングライター、ヴォーカリスト、演奏者が緩やかに集まり、個々のバンドやソロ活動と並行しながら作品を作る。その開放的な構造こそが、彼らの音楽の核である。
彼らの代表作としてしばしば語られるのは、2002年の『You Forgot It in People』である。同作は、ローファイな親密さ、ポスト・ロック的な音響、インディー・ポップのメロディ、チャンバー・ロック的なアレンジを混ぜ合わせ、2000年代インディー・シーンに大きな影響を与えた。ファイスト、メトリックのエミリー・ヘインズ、スターズ、ドゥ・メイク・セイ・シンクなど、周辺アーティストとのつながりも含め、ブロークン・ソーシャル・シーンはカナダのインディー音楽の豊かさを世界に示す存在となった。
『Forgiveness Rock Record』は、その『You Forgot It in People』から約8年後、セルフタイトル作『Broken Social Scene』から約5年後に発表された作品であり、バンドが再び大規模なアルバムとして自分たちの共同体的な音を提示した重要作である。タイトルに含まれる「Forgiveness」は「赦し」を意味する。ロック・アルバムのタイトルとしては少し大仰にも見えるが、本作の音楽には、関係の修復、過去の傷の受容、共同体の再構築、個人と集団の間にある摩擦を乗り越えようとする姿勢が感じられる。
本作のプロデューサーには、トータスやザ・シー・アンド・ケイクで知られるジョン・マッケンタイアが参加している。彼の持つ緻密なポスト・ロック的感覚、音響の整理、リズムやテクスチャーの繊細な扱いは、本作のサウンドに大きく寄与している。ブロークン・ソーシャル・シーン特有の大人数による混沌は残しつつ、録音と構成はかなり明瞭で、過去作に比べて音の輪郭が整理されている。つまり『Forgiveness Rock Record』は、共同体的な混沌をそのまま放置するのではなく、より大きなスケールのロック・レコードとして組み上げた作品である。
音楽的には、インディー・ロックを中心に、チャンバー・ポップ、ポスト・ロック、ドリーム・ポップ、アート・ロック、ニュー・ウェイヴ的なリズム、サイケデリックな音響が混ざり合っている。冒頭の「World Sick」は、7分近い大曲でありながら、ブロークン・ソーシャル・シーンらしい多層的な音像と開放感を持つ。「Texico Bitches」では、より直線的なロックの勢いが前面に出る。「Sweetest Kill」や「Sentimental X’s」では、女性ヴォーカルを含む柔らかくメランコリックな側面が表れ、「Meet Me in the Basement」ではインストゥルメンタルの高揚感がアルバムの中心に置かれる。
本作は、2000年代前半のインディー・ロックの理想主義が、2010年代へ向かう時点でどのように変化したかを示す作品でもある。『You Forgot It in People』の時代には、インディー・ロックにはまだ「小さな共同体から新しい音楽が生まれる」という楽観が強くあった。しかし2010年頃には、インディー・ロック自体がより広く認知され、フェスティバルやメディアを通じて拡大していた。その中で、ブロークン・ソーシャル・シーンは、かつての親密な集団感を保ちながら、より大きな舞台に対応する音を作る必要があった。『Forgiveness Rock Record』は、その拡大と親密さの間で作られたアルバムである。
タイトルにある「Rock Record」という言葉も重要である。彼らは単に「赦しのアルバム」と言っているのではなく、「赦しのロック・レコード」と名づけている。これは、ロックという形式への自覚を示している。2000年代のインディー・ロックは、しばしばロックの伝統を解体し、電子音や室内楽的な要素を取り込んできた。しかし本作では、ギター、ドラム、ベース、コーラス、複数の声が大きく鳴る「ロック・レコード」としての力が強調されている。複雑なアレンジを持ちながらも、根底には集団で音を鳴らす喜びがある。
日本のリスナーにとって本作は、2000年代以降のカナダ・インディーを理解するうえで非常に重要な一枚である。アーケイド・ファイア、メトリック、ファイスト、スターズ、ウルフ・パレードなどと並び、カナダのインディー・シーンがいかに豊かな人脈と音楽的多様性を持っていたかを示している。ブロークン・ソーシャル・シーンは、その中でも特に「個人の才能を集団の音へ変換する」力に優れたバンドだった。『Forgiveness Rock Record』は、その集団性が成熟した形で表れた作品である。
全曲レビュー
1. World Sick
冒頭曲「World Sick」は、アルバムの幕開けにふさわしい壮大な楽曲である。タイトルは「世界病」とも訳せる言葉であり、世界そのものに対する疲労、現代社会への倦怠、同時代を生きることへの重さを感じさせる。ブロークン・ソーシャル・シーンは、個人的な感情を歌いながらも、それをしばしば社会的なスケールへ広げる。この曲はその代表例である。
音楽的には、ゆっくりと立ち上がるギターとリズムが、やがて大きな音の層へ発展していく。複数の楽器が重なり、声が加わり、曲は徐々に共同体的な高揚へ向かう。ポスト・ロック的な構築感と、インディー・ロックの歌心が自然に結びついている。7分近い長さがあるが、冗長ではなく、アルバム全体への導入として非常に効果的である。
歌詞では、世界に疲れ、愛や関係の中に救いを求めるような感覚がある。世界が病んでいるなら、人はどこに居場所を見出すのか。その問いに対して、曲は単純な答えを出さない。しかし、音が重なり合うことで、孤独な個人が集団の中で一時的に支えられるような感覚が生まれる。「World Sick」は、本作のテーマである痛みと共同性を最初に提示する重要曲である。
2. Chase Scene
「Chase Scene」は、タイトル通り映画の追跡場面を思わせるインストゥルメンタル的な緊張感を持つ楽曲である。ブロークン・ソーシャル・シーンは、歌もののバンドであると同時に、ポスト・ロックや映画音楽的な音響にも強い関心を持っている。この曲はその側面を示している。
音楽的には、リズムの推進力とギターの反復が中心である。曲は大きな歌詞の物語を持つというより、映像的な運動感を作る。タイトルが示すように、何かを追う、あるいは何かから逃げるような緊張がある。アルバム序盤でこのような曲が置かれることで、『Forgiveness Rock Record』は単なる内省的なインディー・ロックではなく、動きと映像性を持つ作品として広がる。
この曲の重要性は、アルバムに身体的なスピードを加える点にある。「World Sick」が大きく広がる曲だったのに対し、「Chase Scene」はよりタイトで、前へ進む力がある。集団の音が、感情の広がりだけでなく、運動としても機能することを示す楽曲である。
3. Texico Bitches
「Texico Bitches」は、本作の中でも比較的ストレートなロック色が強い楽曲である。タイトルには、メキシコとテキサスを混ぜたような「Texico」という言葉が使われ、国境、企業名、土地のイメージ、皮肉なスラング感が含まれている。ブロークン・ソーシャル・シーンらしい、軽さと批評性が混ざったタイトルである。
音楽的には、ギターの歯切れがよく、リズムも軽快である。曲はコンパクトで、アルバム序盤に明確なロック・ソングとしての勢いを与える。複雑なアレンジよりも、バンドが一体となって鳴らす快感が前に出ている。
歌詞には、消費社会、企業文化、国境をまたぐ資本、軽薄な快楽への皮肉が感じられる。ブロークン・ソーシャル・シーンは、政治的メッセージを前面に掲げるタイプのバンドではないが、現代社会への違和感はしばしば音楽の中に織り込まれる。この曲では、明るいロックの形を取りながら、タイトルや言葉の端々に現代的な歪みが現れている。
4. Forced to Love
「Forced to Love」は、本作の中でも特にポップな魅力を持つ楽曲である。タイトルは「愛することを強いられる」と訳せる。愛は本来自発的な感情として考えられるが、ここではそれが強制と結びついている。この矛盾が、ブロークン・ソーシャル・シーンらしい複雑な感情を作っている。
音楽的には、軽快なリズム、明るいギター、キャッチーなメロディが印象的である。曲は非常に聴きやすく、アルバムの中でもシングル向きの明快さを持つ。しかし、歌詞のテーマは単純な幸福ではない。愛さなければならない、関係を維持しなければならない、あるいは社会的に「愛すること」を求められるという圧力が感じられる。
歌詞では、愛の中にある義務感や不自由さが描かれているように聴ける。人は愛を望むが、愛によって縛られることもある。共同体を重視するブロークン・ソーシャル・シーンにとって、他者とのつながりは救いであると同時に、負担でもある。この曲は、その二面性を明るいポップ・ロックとして表現している。
5. All to All
「All to All」は、アルバムの中でもドリーム・ポップ的な質感が強い楽曲である。タイトルは「すべてからすべてへ」と訳せるような抽象的な言葉で、個人から集団へ、ある関係から別の関係へ、感情が拡散していく感覚を示している。
音楽的には、柔らかなビートと浮遊感のあるシンセ、女性ヴォーカルが中心となり、ブロークン・ソーシャル・シーンのロック的な側面とは異なる、より電子的で夢幻的な空気を作る。曲は大きく爆発せず、ゆるやかに広がる。アルバムの中で、音の温度を少し下げ、内面的な空間を作る役割を持つ。
歌詞では、関係の広がり、自己の輪郭の曖昧さ、愛や記憶が一方向ではなく多方向に流れる感覚が表れる。ブロークン・ソーシャル・シーンは複数の声が集まるバンドであり、この「All to All」という発想は、彼らの共同体的な音楽そのものとも重なる。一人から一人へではなく、すべてからすべてへ。個人の感情が集団の中へ広がっていく曲である。
6. Art House Director
「Art House Director」は、タイトルからして映画的で、少し皮肉な響きを持つ楽曲である。「アート映画の監督」という言葉には、芸術性、自己演出、知的なポーズ、映像的な美意識が含まれる。ブロークン・ソーシャル・シーンはインディー・ロックの中でもアート志向の強いバンドだが、この曲ではその文化的な身振りを自覚的に扱っている。
音楽的には、軽快で、ホーンやリズムの配置に華やかさがある。曲はポップでありながら少しひねりがあり、まさにアート映画のような洒落た違和感を持つ。聴きやすさと知的な遊びが同居している。
歌詞では、映像を撮ること、誰かを演出すること、あるいは自分自身の人生をアート作品のように見せようとする態度が皮肉られているように聞こえる。インディー文化には、自然体であることさえ一種の演出になるという矛盾がある。この曲は、その自己意識を軽妙に扱う。『Forgiveness Rock Record』の中でも、バンドの文化的な知性とユーモアが強く表れた楽曲である。
7. Highway Slipper Jam
「Highway Slipper Jam」は、タイトルからロード・ムービー的な移動感と、ジャム・セッション的な自由さを感じさせる楽曲である。「Highway」は高速道路、「Slipper」は滑るもの、あるいは室内履きのスリッパを連想させる奇妙な言葉であり、真面目な道路のイメージと脱力した感覚が混ざっている。
音楽的には、インストゥルメンタルに近い感覚があり、バンドがゆったりと音を展開していく。曲は明確な歌ものというより、アルバムの中の風景転換として機能する。ロード感、余白、軽いサイケデリック性があり、ブロークン・ソーシャル・シーンの大所帯バンドとしての自由な側面が表れる。
この曲は、アルバム全体に呼吸を与えている。『Forgiveness Rock Record』は曲数も多く、感情や音の密度が高い作品だが、こうしたジャム的な曲があることで、聴き手は少し景色を眺めるような時間を得る。バンドの「集まって鳴らす」感覚が自然に表れた楽曲である。
8. Ungrateful Little Father
「Ungrateful Little Father」は、奇妙で少し辛辣なタイトルを持つ楽曲である。「恩知らずな小さな父」と訳せるが、父性、未熟さ、家族、感謝の欠如といったテーマが含まれているように響く。ブロークン・ソーシャル・シーンの歌詞は抽象的で断片的なことが多く、この曲も明確な物語より感情の連鎖が中心である。
音楽的には、複数の展開を含む構成で、静かな部分と盛り上がる部分が混在している。曲は一つの感情に固定されず、途中で表情を変えながら進む。これはブロークン・ソーシャル・シーンの典型的な手法であり、感情の複雑さをそのまま曲構成に反映している。
歌詞では、家族的な関係や責任、感謝、未成熟さが暗示される。タイトルに「Father」が含まれることで、個人的な関係だけでなく、権威や保護者性への違和感も感じられる。曲全体には、親密な関係の中で生まれる苛立ちや、うまく言葉にできない不満が漂っている。
9. Meet Me in the Basement
「Meet Me in the Basement」は、本作の中でも特に重要なインストゥルメンタル曲であり、ブロークン・ソーシャル・シーンの集団的な高揚感が最も強く表れた楽曲の一つである。タイトルは「地下室で会おう」という意味で、インディー・ロックの原点である地下、練習場所、秘密の集まり、共同体の場を連想させる。
音楽的には、反復するギターと力強いリズムが少しずつ重なり、曲は大きなカタルシスへ向かっていく。歌詞はないが、複数の楽器が声のように機能し、バンド全体が一つの巨大な感情を作り出す。ポスト・ロック的な構築と、ロック・バンドとしての肉体的な高揚が結びついている。
この曲は、言葉なしで「共同体」を表現している。地下室は、商業的な大舞台ではなく、仲間が集まり音を鳴らす場所である。ブロークン・ソーシャル・シーンが巨大なインディー・バンドになった後も、音楽の根本にはその地下室的な感覚がある。「Meet Me in the Basement」は、その原点を祝祭的に鳴らす曲であり、本作の感情的な中心の一つである。
10. Sentimental X’s
「Sentimental X’s」は、女性ヴォーカルを中心にした美しい楽曲であり、アルバムの中でも特にメランコリックな魅力を持つ。タイトルの「X’s」は、元恋人たち、未知数、あるいはキスの記号として読める。そこに「Sentimental」が加わることで、過去の関係への感傷、記憶の中の親密さが浮かび上がる。
音楽的には、柔らかなドリーム・ポップ／チャンバー・ポップ的な質感があり、声の重なりが非常に美しい。ブロークン・ソーシャル・シーンの魅力の一つは、男性ヴォーカルの粗さと女性ヴォーカルの透明感が共存する点にあるが、この曲では後者の美しさが前面に出ている。
歌詞では、過去の恋人や関係が、完全には消えずに感傷として残っている感覚が描かれる。人間関係は終わっても、記憶の中では形を変えて残り続ける。タイトルの「X」は、消されたもの、過去のもの、しかしまだ印として残るものを象徴している。『Forgiveness Rock Record』というタイトルを考えると、この曲は過去の関係を赦し、記憶として受け入れるための楽曲とも読める。
11. Sweetest Kill
「Sweetest Kill」は、本作の中でも特に静かで、官能的で、陰影の深い楽曲である。タイトルは「最も甘い殺し」と訳せる。甘さと死、愛と破壊、快楽と痛みが結びつく言葉であり、恋愛の危険な側面を示している。
音楽的には、抑制されたビートと柔らかな音像が中心で、声は近く、親密に響く。曲は大きく盛り上がらず、むしろ静かな緊張を保つ。ブロークン・ソーシャル・シーンの大人数による壮大なサウンドとは異なり、ここでは余白と声の距離感が重要である。
歌詞では、愛や欲望が人を傷つけること、しかしその傷が甘美でもあることが描かれる。恋愛は癒やしだけではなく、自己を壊す力を持つ。この曲では、その破壊性が美しく抑制された形で表現されている。『Forgiveness Rock Record』の中でも、最も夜の空気を持つ楽曲である。
12. Romance to the Grave
「Romance to the Grave」は、タイトルから「墓場までのロマンス」と訳せる。恋愛と死、永続性と終末が結びついた非常にロマンティックで、同時に不吉な言葉である。ブロークン・ソーシャル・シーンの作品には、こうした大きな感情を少し崩した形で扱う曲が多い。
音楽的には、ややラフで、ロック的な質感がある。前曲「Sweetest Kill」の静かな官能性から、より外向きの動きへ移るような役割を果たしている。曲には軽さもあるが、タイトルの暗さがその軽さに影を落としている。
歌詞では、恋愛がどこまで続くのか、死や終わりとどう関係するのかが暗示される。ロマンスは永遠を望むが、人間の関係には必ず終わりがある。その矛盾を、曲は過度に悲劇的にせず、どこか皮肉を含んだロックとして鳴らしている。愛と死を大仰に扱わず、インディー・ロックのざらついた感覚の中に置く点がこの曲の魅力である。
13. Water in Hell
「Water in Hell」は、非常に強い対比を持つタイトルである。地獄という乾きや苦痛の場所に、水という救済のイメージが置かれている。これは、最悪の状況の中にあるわずかな救い、あるいは救いのように見えるものさえ地獄の一部であるという感覚を示している。
音楽的には、やや荒々しく、ブルース的な粘りも感じられる。アルバム後半で、再びロック的な重みを与える楽曲である。ブロークン・ソーシャル・シーンの音楽は美しいだけでなく、時にざらついたギターと混沌を持つが、この曲ではその側面が表れている。
歌詞では、苦しい状況の中で何かを求める感覚がある。水は生命を支えるものだが、地獄の中にある水は、普通の救いとは違う。赦しや愛があっても、それが苦しみを完全に消すわけではない。この曲は、『Forgiveness Rock Record』の中で、赦しの困難さをより荒い形で示している。
14. Me and My Hand
「Me and My Hand」は、アルバムの中でも短く、奇妙な親密さを持つ楽曲である。タイトルは「私と私の手」という意味で、身体、孤独、自己との関係を連想させる。ブロークン・ソーシャル・シーンは大所帯のバンドであるが、その音楽にはしばしば個人の身体的な孤独も現れる。
音楽的には、小品的で、アルバムの流れの中で少し内側へ入り込むような役割を持つ。大きなバンド・サウンドではなく、より私的で、少し奇妙な空気がある。タイトルが持つ身体性と、曲の控えめな雰囲気が結びついている。
歌詞では、自分の身体、自分の手、自己慰撫や孤独な行為が暗示されるように聞こえる。これは明確に説明されるより、曖昧なユーモアと親密さの中に置かれている。大きな共同体のアルバムの中に、こうした非常に個人的な小品があることで、作品は単なる集団の祝祭ではなく、個人の孤独も含むものになる。
総評
『Forgiveness Rock Record』は、ブロークン・ソーシャル・シーンが2000年代インディー・ロックの代表的コレクティヴとしての美学を、2010年代に向けて再構築したアルバムである。『You Forgot It in People』のような初期の衝撃やローファイな親密さとは異なり、本作はより大きく、より明瞭で、よりロック・レコードとしての完成度を意識した作品になっている。
本作の中心にあるのは、共同体と赦しである。ブロークン・ソーシャル・シーンというバンド自体が、複数の人間関係、友情、創作上の摩擦、離合集散によって成り立っている。そのような集団が長く続くためには、単なる理想主義だけでは不十分である。誤解、疲労、距離、過去の傷を抱えながら、それでも再び一緒に音を鳴らすためには、何らかの「赦し」が必要になる。本作のタイトルは、その現実を示している。
音楽的には、非常に多彩である。「World Sick」の壮大な幕開け、「Forced to Love」のポップな推進力、「All to All」の浮遊感、「Meet Me in the Basement」のインストゥルメンタルな高揚、「Sentimental X’s」や「Sweetest Kill」のメランコリー、「Water in Hell」の荒さ。これらが一枚の中に共存している。統一された単一の音色というより、多様な声と音の集合体としてのアルバムである。
ジョン・マッケンタイアのプロデュースは、本作の完成度を高めている。ブロークン・ソーシャル・シーンの音楽は、ともすれば音数の多さによって混沌としすぎる危険があるが、本作では音の層が整理され、各楽器の役割が比較的明確に聴こえる。それによって、大人数のエネルギーを保ちながら、アルバム全体として聴きやすいバランスが生まれている。
一方で、本作は初期のファンにとっては、やや整いすぎているように感じられるかもしれない。『You Forgot It in People』にあった偶然性や、壊れそうな親密さ、手作りの熱は、本作ではよりプロフェッショナルな音に置き換えられている。しかし、それは単なる弱点ではない。バンドが成熟し、より大きな音楽的スケールを獲得した結果でもある。『Forgiveness Rock Record』は、若い共同体の奇跡ではなく、時間を経た共同体が再び自分たちの音を鳴らすための作品である。
歌詞面では、世界への疲労、愛の強制性、過去の関係、感傷、死、赦し、身体的な孤独が散りばめられている。ブロークン・ソーシャル・シーンの歌詞は、常に明確な物語を語るわけではないが、断片的な言葉が音の層と結びつくことで、感情の風景を作る。特に「World Sick」「Forced to Love」「Sentimental X’s」「Sweetest Kill」などでは、関係の中にある痛みと美しさが強く表れている。
日本のリスナーにとって本作は、2000年代インディー・ロックの成熟を知るうえで非常に有効なアルバムである。アーケイド・ファイアのような祝祭性、ポスト・ロック的な構築、ドリーム・ポップの柔らかさ、オルタナティヴ・ロックのギター感覚が好きなリスナーには、聴きどころが多い。特に、個人の感情を集団の音へ拡張するバンドに関心があるなら、本作は非常に重要である。
総じて『Forgiveness Rock Record』は、ブロークン・ソーシャル・シーンの大所帯バンドとしての魅力が成熟した形で刻まれたアルバムである。若さゆえの混沌ではなく、時間を経た後の再結集。傷ついた世界への疲労と、それでも人とつながろうとする意思。ロック・レコードとしての開放感と、内側にある複雑な感情。そのすべてが、本作には詰まっている。タイトル通り、赦しをロックとして鳴らす、2010年代インディーへ向かう重要作である。
おすすめアルバム
1. Broken Social Scene『You Forgot It in People』（2002年）
ブロークン・ソーシャル・シーンの代表作であり、2000年代インディー・ロックを象徴する名盤である。ローファイな親密さ、ポスト・ロック的な音響、複数の声と楽器が生む共同体感が強く、『Forgiveness Rock Record』の原点を知るために欠かせない。
2. Broken Social Scene『Broken Social Scene』（2005年）
前作にあたるセルフタイトル作で、より混沌とした大所帯サウンドが展開されている。『Forgiveness Rock Record』よりも荒く、散漫な部分もあるが、バンドの拡張された音楽性と複数のアイデアが入り乱れる魅力を味わえる。
3. Feist『The Reminder』（2007年）
ブロークン・ソーシャル・シーンとも関係の深いファイストの代表作である。より親密で洗練されたシンガーソングライター／インディー・ポップ作品だが、繊細なメロディ、声の表情、カナダ・インディーの人脈を理解するうえで重要である。
4. Arcade Fire『The Suburbs』（2010年）
同じカナダのインディー・ロックを代表する作品であり、郊外、記憶、共同体、喪失を大きなスケールで描いている。『Forgiveness Rock Record』と同じ2010年の重要作として、カナダ・インディーが大きな表現へ向かった時期を理解するうえで関連性が高い。
5. The Dears『No Cities Left』（2003年）
モントリオールのインディー・ロック・バンドによる濃密でドラマティックな作品である。ブロークン・ソーシャル・シーンとは異なる暗さと演劇性を持つが、カナダ・インディーにおける大編成的なロック、感情のスケール、都市的な孤独という点で共通する魅力がある。
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