発売日：2020年12月
ジャンル：インディー・ロック、オルタナティヴ・ロック、ドリーム・ポップ、インディー・ポップ、90年代オルタナティヴ・リヴァイヴァル
概要
Beabadoobeeの『Live in London』は、彼女の初期キャリアにおける重要なライヴ作品であり、スタジオ録音で築かれたローファイな親密さと、バンド編成によるオルタナティヴ・ロックの力強さが交差するアルバムである。Beabadoobee、本名Beatrice Lausは、フィリピン生まれロンドン育ちのシンガーソングライターで、2017年の「Coffee」をきっかけに注目を集めた後、Dirty Hit所属のアーティストとして、ベッドルーム・ポップから90年代オルタナティヴ・ロックへと音楽性を広げていった。
本作『Live in London』は、2020年のデビュー・アルバム『Fake It Flowers』期の楽曲を中心に構成されており、Beabadoobeeが単なる宅録系の若手シンガーソングライターではなく、バンド・サウンドの中で存在感を発揮できるロック・アーティストであることを示している。スタジオ作品では、ギターの音色やメロディの甘さ、繊細なヴォーカルが丁寧に配置されていたが、ライヴではそれらがより直接的で、感情の輪郭がはっきりしたものになる。
Beabadoobeeの音楽には、Pavement、The Smashing Pumpkins、Veruca Salt、Juliana Hatfield、Elliott Smith、The Sundays、Mazzy Star、初期Weezer、そして90年代の女性オルタナティヴ・ロックの影響が色濃く見られる。ただし、彼女はそれらを単なる懐古趣味として再現しているわけではない。Z世代以降の感情表現、SNS時代の孤独、移民的なアイデンティティ、若い恋愛や友情の不安定さを、90年代的なギター・サウンドを通じて再構成している。
『Live in London』の魅力は、Beabadoobeeの声が持つ脆さと、バンドの音が持つ厚みの対比にある。彼女のヴォーカルは、巨大な声量で圧倒するタイプではない。むしろ、少し頼りなく、親密で、時に淡々としている。しかし、その声が歪んだギターや強いドラムの中に置かれることで、楽曲は傷つきやすさと強さを同時に持つ。これはBeabadoobeeの音楽における最も重要な特徴である。
また、本作は2020年という時代背景とも強く結びついている。パンデミックによって通常のライヴ活動が制限される中、ライヴ録音は、観客とアーティストの距離が変化した時代の記録としても機能した。完全なフェスティバル的熱狂ではなく、やや閉じた空間の中で鳴るバンド・サウンドには、当時の不安と、それでも音楽を共有しようとする意志が刻まれている。
『Live in London』は、Beabadoobeeの楽曲がスタジオの中だけで成立するものではなく、ライヴの場でより荒く、より生々しく鳴ることを示す作品である。彼女の音楽の中にある甘さ、痛み、怒り、夢見心地、そして若い感情の揺れが、ここではより直接的な形で伝わる。
全曲レビュー
1. Care
「Care」は、Beabadoobeeのデビュー・アルバム『Fake It Flowers』を象徴する楽曲のひとつであり、ライヴ版でも強い存在感を放つ。タイトルは「気にかける」「世話をする」という意味を持つが、曲の中心には、相手の表面的な同情や理解への苛立ちがある。誰かに「分かるよ」と言われても、本当には分かってもらえていない。その距離感が、この曲の核である。
ライヴでは、ギターの歪みがより前面に出て、スタジオ版よりもロック色が強くなる。Beabadoobeeの声は柔らかいが、サビでは感情を押し出し、曲の持つ反発心を明確にする。90年代オルタナティヴ・ロック的なコード感と、現代的な感情の鋭さが結びついた楽曲である。
歌詞では、他者からの不十分なケア、形式的な優しさへの違和感が描かれる。これは若い世代のメンタルヘルスや人間関係にも通じるテーマであり、Beabadoobeeが単なるノスタルジックなギター・ポップではないことを示している。「Care」は、本作のライヴ感を最初に強く提示する重要曲である。
2. Worth It
「Worth It」は、恋愛の揺れ、浮気への誘惑、自己嫌悪、若い関係性の不安定さを扱った楽曲である。タイトルの「それに価値があるのか」という問いは、恋愛の中で一瞬の衝動が関係全体を壊す可能性を見つめている。Beabadoobeeの歌詞はしばしば平易だが、若い感情の矛盾を非常に率直に捉える。
ライヴ版では、リズムの跳ね方とギターのざらつきが際立つ。曲自体はポップでキャッチーだが、その奥には関係の危うさがある。軽やかに聴こえるほど、歌詞の不安がより生々しく響く。
この曲では、恋愛が美しいだけのものではなく、退屈、誘惑、不満、罪悪感によって揺さぶられるものとして描かれる。Beabadoobeeはそれを重い告白としてではなく、若い日常の中で起こる感情として歌う。「Worth It」は、彼女のポップ・ソングライターとしての強さを示す楽曲である。
3. Dye It Red
「Dye It Red」は、自己決定と変化をテーマにした楽曲である。タイトルの「赤く染める」という表現には、外見を変えること、自分の気分を塗り替えること、あるいは過去の自分から離れることが含まれる。髪を染めるような小さな行為が、自己表現や抵抗の象徴になる。
ライヴでは、ギターの勢いが増し、楽曲の持つガールズ・オルタナティヴ的な力強さが前面に出る。Beabadoobeeのヴォーカルは過度に攻撃的ではないが、曲全体には自分の人生を自分で決めるという意志がある。
歌詞では、他者にどう見られるかではなく、自分がどうありたいかが重視される。これはBeabadoobeeのキャリア全体にも通じる姿勢である。彼女は90年代的な音を参照しながらも、自分自身の世代の言葉でそれを鳴らしている。「Dye It Red」は、自己表現の小さな革命を歌う楽曲である。
4. Back to Mars
「Back to Mars」は、比較的短く、浮遊感のある楽曲である。タイトルは現実からの離脱、別の惑星へ戻るような感覚を示している。Beabadoobeeの音楽には、現実の人間関係の痛みと、そこから少し離れた夢見心地の感覚が同時に存在するが、この曲は後者が強く表れている。
ライヴでは、曲の短さと余白が印象的である。大きく展開するというより、感情の断片が一瞬だけ浮かび上がるように鳴る。ギターの響きも柔らかく、ヴォーカルはどこか遠くを見ているようである。
歌詞では、現実に居場所を見つけにくい感覚が漂う。火星へ戻るという表現は、孤独であると同時に、自分だけの場所へ逃げる願望でもある。「Back to Mars」は、アルバムの中で小さな夢のように機能する楽曲である。
5. Charlie Brown
「Charlie Brown」は、Beabadoobeeの楽曲の中でも特にグランジ／オルタナティヴ・ロック色が濃い曲である。タイトルは『Peanuts』のCharlie Brownを連想させ、うまくいかない人物、自己不信、少し滑稽な孤独を思わせる。Beabadoobeeの世界では、こうしたキャラクター的な弱さが、ロックの歪みと結びつく。
ライヴ版では、ギターの厚みとドラムの重さが際立ち、彼女の柔らかな声との対比が強くなる。スタジオ版以上に、曲の中にある苛立ちや焦燥が表面化する。90年代オルタナティヴへの接近が最も明確な曲のひとつである。
歌詞では、自分自身の欠点や精神的な揺れが描かれる。Charlie Brown的な人物像は、いつも少し失敗し、少し傷つき、それでも日常を続ける存在である。「Charlie Brown」は、Beabadoobeeが持つ自己不信とロックのノイズを結びつけた重要曲である。
6. Emo Song
「Emo Song」は、タイトル通りエモ的な感情表現を意識した楽曲である。ただし、ここでのエモは大げさな演劇性ではなく、傷ついた感情を率直に歌う姿勢として現れる。Beabadoobeeの世代にとって、エモは単なるジャンルではなく、感情を隠さずに表現する文化的な記憶でもある。
ライヴでは、曲の内省的な側面が強く響く。ギターは厚いが、ヴォーカルは親密で、感情の距離が近い。バンド・サウンドの中でも、歌の個人的な痛みが埋もれない。
歌詞では、過去の傷や、うまく処理できない感情が描かれる。Beabadoobeeは、若い痛みを過度に美化せず、むしろ少し不器用なまま提示する。「Emo Song」は、その不器用さが魅力となる楽曲である。
7. Sorry
「Sorry」は、『Fake It Flowers』の中でも特に感情の深い楽曲であり、謝罪、後悔、距離の変化をテーマにしている。タイトルの「ごめん」は非常に単純だが、実際に誰かへ謝ることは簡単ではない。特に、時間が経ってしまった関係や、すでに壊れてしまった友情や恋愛においては、その言葉はより重くなる。
ライヴ版では、曲の緊張感が増す。静かな部分ではBeabadoobeeの声が近く響き、盛り上がる部分ではギターが感情を押し広げる。彼女の声は完璧に安定したものではなく、その揺れが謝罪の不安定さとよく合っている。
歌詞では、相手を傷つけたこと、自分が変われなかったことへの後悔が感じられる。単なる失恋ソングではなく、成長の遅れや人間関係の取り返しのつかなさを扱う曲である。「Sorry」は、本作の中でもBeabadoobeeのソングライティングの成熟が強く表れた楽曲である。
8. Further Away
「Further Away」は、距離が広がっていく関係をテーマにした楽曲である。タイトルは「さらに遠くへ」という意味を持ち、物理的な距離だけでなく、心の距離も示している。Beabadoobeeの歌詞には、近くにいるはずなのに届かないという感覚が多く登場する。
ライヴでは、曲のドリーム・ポップ的な浮遊感と、バンド・サウンドの強さが共存する。ギターは霞みながらも厚みがあり、ヴォーカルはその中に溶け込む。距離のテーマが、音の遠さとしても表現されている。
歌詞では、相手との関係が少しずつ離れていく様子が描かれる。大きな事件があるわけではなく、気づけば遠くなっている。その静かな喪失感が、Beabadoobeeのメロディによって優しく、しかし痛みを伴って響く。「Further Away」は、関係の変化を繊細に捉えた楽曲である。
9. Horen Sarrison
「Horen Sarrison」は、Beabadoobeeの柔らかなメロディ・センスがよく表れた楽曲である。タイトルはやや不思議な響きを持ち、固有名詞のようでもあり、記憶の中の言葉のようでもある。曲全体には、個人的な思い出や、特定の人物への親密な感情が漂っている。
ライヴでは、アコースティック寄りの温かさと、バンドの支えが自然に共存する。Beabadoobeeの声はここで特に近く、歌詞の細かな感情が伝わりやすい。激しい曲の間に置かれることで、アルバム全体に優しい緩急を与える。
歌詞では、愛情や記憶が直接的すぎない言葉で描かれる。Beabadoobeeの曲には、説明されない感情が多い。聴き手は、その余白の中に自分の記憶を重ねることができる。「Horen Sarrison」は、その余白の美しさを持った楽曲である。
10. How Was Your Day?
「How Was Your Day?」は、非常に日常的な言葉をタイトルにした楽曲である。「今日はどうだった？」という問いは、恋人や友人、家族の間で交わされる小さな会話である。しかし、その小さな言葉の中には、相手を気にかける気持ち、距離を縮めたい願い、そしてうまく伝えられない愛情が含まれる。
ライヴでは、曲の素朴さが強く残る。大きなロック・アレンジで押し切るのではなく、言葉の親密さを保ちながら演奏される。Beabadoobeeの声は、まるで相手に直接話しかけるように響く。
歌詞では、日常の中の小さな気遣いが中心となる。大きな告白ではなく、相手の日を知りたいという感情が、関係の深さを示している。「How Was Your Day?」は、Beabadoobeeの音楽が持つ生活感と優しさを象徴する楽曲である。
11. Together
「Together」は、タイトル通り、誰かと一緒にいることをテーマにした楽曲である。ただし、Beabadoobeeの「一緒にいる」は、単純な幸福ではない。相手と共にいることで救われる一方で、依存や不安も生まれる。その複雑さが曲の中にある。
ライヴ版では、バンドのグルーヴが曲の前向きな力を強める。ギターとドラムは軽快に進み、サビではポップな開放感が生まれる。Beabadoobeeの声も比較的明るく、聴き手を引き込む。
歌詞では、相手と一緒にいる時間の大切さが描かれる。若い関係において、「一緒にいる」ことは、時に世界のすべてのように感じられる。「Together」は、その幸福と危うさを、シンプルなギター・ポップとして表現した楽曲である。
12. Yoshimi, Forest, Magdalene
「Yoshimi, Forest, Magdalene」は、Beabadoobeeの中でも非常に印象的なタイトルを持つ曲である。複数の名前やイメージが並ぶことで、曲には個人的な記憶や物語の断片が含まれているように感じられる。明確な意味をすべて説明するのではなく、言葉の響きと感情によって世界を作る楽曲である。
ライヴでは、曲のドリーム・ポップ的な側面が際立つ。ギターの響きは柔らかく、ヴォーカルはやや幻想的である。激しいオルタナティヴ・ロック曲とは異なり、この曲では空気感が重要になる。
歌詞では、人物、場所、記憶が重なり合う。Beabadoobeeの音楽には、具体的な日常と、少し夢のようなイメージが共存している。この曲はそのバランスがよく表れた楽曲であり、アルバムに幻想的な深みを与えている。
13. Coffee
「Coffee」は、Beabadoobeeのキャリアを大きく動かした初期の代表曲であり、彼女の原点とも言える楽曲である。シンプルなコード、素朴なメロディ、親密な歌詞によって作られたこの曲は、ベッドルーム・ポップ的な感覚を象徴している。
ライヴ版では、初期のローファイな親密さを保ちながら、観客の前で歌われることによって別の意味を持つ。もともとは非常に個人的で小さな曲だったものが、多くのリスナーに共有される歌へ変わっている。その変化こそ、Beabadoobeeのキャリアの歩みを象徴している。
歌詞では、相手にコーヒーを淹れるという日常的な行為を通じて、愛情や気遣いが表現される。大げさな言葉ではなく、小さな行為によって感情を示す点が美しい。「Coffee」は、Beabadoobeeのソングライティングの原点であり、本作の中でも特別な温度を持つ楽曲である。
14. She Plays Bass
「She Plays Bass」は、Beabadoobeeの初期代表曲のひとつであり、バンド・カルチャー、憧れ、恋愛、自己表現が結びついた楽曲である。タイトルの「彼女はベースを弾く」という言葉には、具体的な人物への視線と、音楽を通じた魅力の発見がある。
ライヴでは、曲のロック的な高揚が強く出る。ギターとドラムは勢いよく鳴り、観客と共有しやすいフックがある。Beabadoobeeのヴォーカルも明るく、曲全体に若いバンドの楽しさがある。
歌詞では、ベースを弾く女性への憧れや親密さが描かれる。これは単なるラヴ・ソングであると同時に、音楽を通じて誰かに惹かれる感覚を歌った曲でもある。「She Plays Bass」は、Beabadoobeeのバンド志向とインディー・ポップ的な甘さが結びついた楽曲である。
総評
『Live in London』は、Beabadoobeeがスタジオ録音の繊細なインディー・ポップから、ライヴで鳴る本格的なオルタナティヴ・ロックへと自然に移行していく過程を捉えた作品である。彼女の音楽は、もともと小さな部屋から始まった親密な歌だった。しかし本作では、その親密さがバンド・サウンドによって大きく広がり、観客と共有されるロックへと変化している。
本作の大きな魅力は、Beabadoobeeの声の弱さを隠さない点にある。多くのロック・シンガーは声を大きく、強く、前へ押し出すことで存在感を示す。しかしBeabadoobeeは、必ずしもそうしない。彼女の声は時に淡く、時に不安定で、時に日記のように近い。その声が歪んだギターや強いドラムと重なることで、傷つきやすさがそのまま強さになる。
音楽的には、90年代オルタナティヴ・ロックの影響が非常に明確である。グランジ、ドリーム・ポップ、ジャングル・ポップ、エモ、ローファイ・インディーの要素が混ざり合っている。しかし、それらは過去の音楽の再現ではない。Beabadoobeeは、自分自身の世代の言葉で、90年代的なギター・サウンドを再び生きたものにしている。『Live in London』では、その再解釈がライヴの熱を通じてより明確になる。
歌詞の面では、恋愛、友情、謝罪、自己決定、メンタルヘルス、距離感が繰り返し扱われる。「Care」では形式的な優しさへの苛立ちが、「Sorry」では後悔が、「How Was Your Day?」では日常の気遣いが、「Coffee」では小さな愛情が歌われる。これらはすべて、若い世代の生活感に近い言葉で書かれている。Beabadoobeeの強みは、深刻なテーマを難解にせず、日常の会話の延長として歌える点にある。
また、本作は彼女のキャリアの幅を示している。初期の「Coffee」のようなベッドルーム・ポップ的な曲から、「Care」「Charlie Brown」のようなバンド感の強いオルタナティヴ・ロックまでが同じライヴの中で並ぶことで、Beabadoobeeの音楽的な成長が分かる。彼女は、可憐なアコースティック・シンガーとしてだけでなく、ギター・ロックのフロントパーソンとしても成立している。
日本のリスナーにとって本作は、90年代オルタナティヴ・ロックやインディー・ポップを好む人にとって非常に聴きやすい作品である。The Sundays、Mazzy Star、Pavement、The Smashing Pumpkins、Veruca Salt、Juliana Hatfield、Soccer Mommy、Snail Mail、Clairo、Phoebe Bridgers、Japanese Breakfastなどに関心があるリスナーには特に響くだろう。柔らかな歌声と歪んだギターの組み合わせを好む場合、本作はBeabadoobeeの魅力を理解するうえで重要なライヴ盤である。
『Live in London』は、Beabadoobeeが自分の小さな歌を、バンドと観客の中で大きく育てていく瞬間を記録した作品である。親密で、少し不安定で、しかし確かに力強い。彼女の音楽が持つ甘さ、痛み、ノイズ、優しさが、ライヴという形で自然に浮かび上がるアルバムである。
おすすめアルバム
1. Fake It Flowers by Beabadoobee
2020年発表のデビュー・アルバム。『Live in London』の中心となる楽曲を多く含み、Beabadoobeeがベッドルーム・ポップから本格的なオルタナティヴ・ロックへ進んだ作品である。90年代ギター・ロックの影響と、現代的な若い感情表現が最も分かりやすく表れている。
2. Beatopia by Beabadoobee
2022年発表の2作目。『Fake It Flowers』よりもサウンドが広がり、フォーク、サイケデリック・ポップ、ドリーム・ポップの要素が強まっている。Beabadoobeeのソングライティングがより成熟し、内面的な世界を豊かに展開した作品である。
3. Sometimes, Forever by Soccer Mommy
2022年発表のアルバム。90年代オルタナティヴ・ロックやドリーム・ポップの影響を受けながら、若い女性の内面、不安、恋愛、自己認識を描いた作品である。Beabadoobeeと同じく、柔らかな声と歪んだギターの対比が重要な魅力になっている。
4. Lush by Snail Mail
2018年発表のデビュー・アルバム。ギターを中心にしたインディー・ロックと、若い感情の繊細な表現が高い完成度で結びついている。Beabadoobeeよりも内省的で乾いた質感を持つが、現代の女性インディー・ロックの文脈で非常に関連性が高い。
5. Last Splash by The Breeders
1993年発表のオルタナティヴ・ロック名盤。女性ヴォーカル、歪んだギター、ローファイな質感、ポップなメロディが同居しており、Beabadoobeeの90年代ロック的な背景を理解するうえで重要な作品である。甘さとノイズ、かわいらしさと荒さのバランスに共通点がある。
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