発売日：2022年6月24日
ジャンル：Indie Rock / Alternative Rock / Indie Pop
概要
Sometimes, Foreverは、Soccer MommyことSophie Allisonが2022年に発表した3作目のスタジオ・アルバムである。前作color theoryまでのギター中心のインディー・ロックを土台にしながら、本作ではOneohtrix Point Neverとして知られるDaniel Lopatinをプロデューサーに迎え、シンセサイザー、電子的なノイズ、加工されたギターなどを大胆に取り入れた。もっとも、Lopatinの実験性によってSoccer Mommyの曲が別物になったわけではない。Allisonの明快なメロディと親密な歌声を中心に残し、その周囲の音だけが曲ごとに形を変えていく。
タイトルのSometimes, Foreverが示すように、本作では一時的な感情と永遠に続くように感じる感情の間を行き来する。恋愛の幸福がいつ失われるかという不安、自分への嫌悪、過去の記憶、誰かに必要とされたい気持ちなどが繰り返し現れるが、一枚を単純な悲しみの物語にはしていない。「Shotgun」のような即効性のあるギター・ポップから「Unholy Affliction」の電子的な不穏さ、「newdemo」の静けさまで振れ幅は大きい。1990年代のオルタナティヴ・ロックを思わせるギターと現代的な電子音響を、ソングライティングを崩さず共存させた作品である。
全曲レビュー
1. 「Bones」
くぐもったギターとAllisonの近い声から始まり、サビではバンドの音が大きく広がる。好きな相手に十分なものを与えたいのに、自分の内側にはそれを妨げる欠陥があると感じる語り手が描かれ、幸福な恋愛と自己否定が最初から同居している。ギターは激しく歪んでもメロディを覆わず、むしろサビの感情を一段押し上げる役割を担う。穏やかな歌と荒れた音の落差によって、本作が扱う愛情と不安の関係を端的に示すオープニングである。
2. 「With U」
重く歪んだギターがゆっくりとうねり、甘いラブソングとはかなり異なる緊張感を作る。歌詞では親密な関係にある二人が、愛情だけでなく互いを傷つける可能性まで共有しているように描かれる。Allisonのボーカルは演奏が厚くなっても冷静で、その温度差が関係の危うさを強めている。相手と一緒にいる幸福を素直に肯定するのではなく、近づくほど痛みも増えるという矛盾を、鈍く圧迫するギターの質感へ結びつけた曲だ。
3. 「Unholy Affliction」
アルバムでも特に大きく従来のSoccer Mommy像から外れる一曲である。機械的なビート、低く歪んだ電子音、途切れるようなボーカル処理が中心となり、生のロック・バンドらしい温度を意図的に薄くしている。歌詞で扱われるのは成功や欲望、自分自身を商品として差し出すような感覚で、何かを望みながら、その欲望によって自分が損なわれていく不安がある。Lopatinのプロダクションが装飾ではなく曲の心理そのものに入り込み、制御を失う感覚を音として具体化している。
4. 「Shotgun」
乾いたドラムと太いベースの上でギターが簡潔なフレーズを反復し、サビでは一気に視界が開ける。本作でも特にキャッチーな曲だが、歌詞は恋愛を安全な居場所として描くのではなく、強く依存してしまう対象として捉えている。薬物を思わせる比喩も使われ、相手を必要とする気持ちには幸福と危険が同時に含まれる。ヴァースの抑制とサビの開放感が非常に明快で、Allisonのメロディメーカーとしての強さと、新しい音作りが最も親しみやすい形で結びついた。
5. 「newdemo」
アコースティックな響きと柔らかな声を前に出し、前曲までの厚いプロダクションから大きく距離を取る。変化していく世界の中で、以前は確かだと思っていたものを保てなくなる感覚が歌われ、静かな演奏の中にも落ち着かなさが残る。後半に現れる電子的な音も曲を巨大化させるためではなく、輪郭を少し曖昧にする程度に使われている。音数を減らしたことでAllisonの言葉と旋律の強さがよく見え、アルバム前半をいったんリセットする役割も果たしている。
6. 「Darkness Forever」
題名どおり、本作の暗い側面を最も強く押し出した曲の一つ。静かな部分から歪んだギターが押し寄せる展開には、1990年代のオルタナティヴ・ロックやスロウコアを思わせる重さがある。歌詞では自分の内側にある苦痛から逃れようとする意識が、破壊や炎を連想させる強いイメージへ変わっていく。Allisonが淡々と歌うため、言葉の激しさを声で説明しすぎないのも効果的だ。終盤の厚いノイズは、抑えていた感情が言葉では処理できなくなる瞬間のように響く。
7. 「Don’t Ask Me」
前曲の重苦しさを引きずらず、テンポを上げたギター・ポップへ切り替える。ドラムが前へ走り、明るいギターが重なるため表面上は爽快だが、歌詞には過去の感情を整理しきれず、それについて問われること自体を避けたい心理がある。Allisonはこうした明るいメロディと暗い内面の組み合わせを得意としており、ここでも両者を無理に一致させない。短く勢いのある曲として配置することで、アルバム後半が暗いスロー・ナンバーだけに偏るのも防いでいる。
8. 「Fire in the Driveway」
静かなギターを中心にした演奏へ戻り、記憶の中に残った関係を慎重に見つめる。火という強いイメージがありながら、演奏そのものは燃え上がる方向へ進まず、失われたものを遠くから眺めるような距離を保つ。Allisonの声もささやきに近い柔らかさで、感情を大きく表現するより、言葉の間に残る沈黙を生かしている。「Darkness Forever」のように音そのものを爆発させる曲とは反対に、ここでは抑制によって喪失の大きさを伝えている。
9. 「Following Eyes」
不穏な物語性が前面に出た曲で、暗いギターと電子音が一定の緊張を保ちながら進む。誰か、あるいは何かに見られているような感覚が歌詞を覆い、普段のAllisonによる直接的な内面描写とは少し違う、ホラーを思わせる雰囲気がある。音の配置にも空白が多く、そこへ小さなノイズやギターが現れるため、何も鳴っていない場所まで落ち着かなく聞こえる。アルバムの実験性を派手な電子処理ではなく、空間と物語によって示した曲である。
10. 「Feel It All the Time」
アコースティック・ギターを中心に、カントリー・ロックを思わせる素朴な響きを持ち込む。車を重要なイメージとして使いながら、年齢を重ねることや消耗していくことへの意識を自分自身と重ねているように読める。演奏は本作の中でも比較的自然で、電子的な加工を前面に出さないため、終盤になってソングライターとしてのAllisonそのものが改めて見えてくる。自分を完全に修復するのではなく、傷や疲労を抱えた状態で進む感覚が穏やかなメロディに残る。
11. 「Still」
最後は大きな解決を提示せず、静かなギターと声を中心にアルバムを閉じる。ここでのAllisonは苦しい感情が過去になったとは歌わず、それが今も残っている状態を見つめている。タイトルの「Still」には「今なお」という時間の継続が感じられ、Sometimes, Foreverというアルバム名とも自然につながる。音を壮大に広げて克服を演出するのではなく、消えない感情と一緒にいることを認めるような終わり方であり、本作が安易な回復の物語ではないことを最後に明確にしている。
総評
Sometimes, Foreverで最も成功しているのは、実験的なプロダクションとSoccer Mommyのソングライティングが主従関係になっていないことである。Daniel Lopatinはすべての曲を電子音楽へ変えるのではなく、「Unholy Affliction」ではビートと音響を大胆に変形させ、「Shotgun」ではロック・バンドの輪郭を保ち、「newdemo」では小さな音の変化にとどめている。曲ごとに加工の度合いを変えるため、アルバムには統一された音色より、同じ人物の感情が異なる環境に置かれていく面白さがある。
その中心で変わらないのがAllisonのメロディである。歌声は強く張り上げるタイプではなく、ギターが激しく歪んでも比較的平静な調子を保つ。この声と演奏の差によって、怒りや不安を直接叫ぶよりも、自分の感情を少し離れた場所から観察しているような感覚が生まれる。1990年代のオルタナティヴ・ロックを思わせる静と動の切り替えも多いが、単なる復古にならないのは、電子音や低音の処理が現代的な異物として入り込んでいるからだ。
歌詞を通して見えるのは、幸福と苦痛を反対の状態として整理できない人物である。誰かを愛するほど失うことが怖くなり、成功を望めば自分が消費される不安が生まれ、過去から離れようとしても記憶は残る。タイトルにある「Sometimes」と「Forever」は、この感情の時間感覚をうまく表している。一時的なはずの苦しみが永遠に思える瞬間があり、永遠を願った関係が突然変わることもある。本作はその矛盾を解決するより、矛盾したまま曲にすることを選んでいる。
前2作で確立したSoccer Mommyの魅力を考えれば、本作はかなり慎重な拡張でもある。ギター、明快なサビ、親密な一人称という核を捨てないため、「Shotgun」のような曲は従来のリスナーにもすぐ届く。その一方で「Unholy Affliction」や「Following Eyes」がアルバムの境界を押し広げ、終盤では再び素朴な曲へ戻る。この往復があることで、実験性そのものを目的にせず、曲ごとに必要な音を選んだ作品になった。インディー・ロックの伝統的な作曲と大胆な音響処理が、互いの長所を削らず共存したアルバムである。
おすすめアルバム
color theory by Soccer Mommy
2020年の前作。1990年代的なギター・ロックと柔らかなメロディを軸に、心身の不調や家族、喪失を扱っている。本作より音作りは統一されており、Sometimes, Foreverでどこまでプロダクションが広がったかを比較しやすい。
Clean by Soccer Mommy
2018年作。簡潔なギターと親密なボーカルによって、恋愛に伴う欲望や劣等感を鋭く描いた作品である。後年より音数が少ないぶんAllisonの作曲の骨格が見えやすく、本作まで変わらず残った部分がよく分かる。
Hounds of Love by Kate Bush
1985年作。強いメロディを保ちながら、電子音、加工された声、独特なリズムを曲の心理描写へ利用している。音楽自体はSoccer Mommyと大きく異なるが、ポップな作曲と大胆なスタジオ表現を対立させない点で関連性がある。
Puberty 2 by Mitski
2016年発表。短く明快な曲の中で、歪んだギターや電子的な音を使い、欲望、孤独、自己認識の揺れを描いている。静かな声と突然大きくなる演奏の落差も、Sometimes, Foreverの感情表現とよく響き合う。
Heaven or Las Vegas by Cocteau Twins
1990年作。ギターを伝統的なロックのリフだけに使わず、加工と重なりによって巨大な音の空間へ変えている。Soccer Mommyの方が歌詞と曲構成は直接的だが、本作で聞ける「ギターなのに現実離れした音」をたどるうえで興味深い一枚である。
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