発売日：2022年6月24日
ジャンル：インディー・ロック、オルタナティヴ・ロック、ドリーム・ポップ、シンセ・ロック、シンガーソングライター
概要
Soccer Mommyの『Sometimes, Forever』は、2022年に発表された3作目のスタジオ・アルバムであり、Sophie Allisonによるソングライティングが、従来のインディー・ロック／ベッドルーム・ポップ的な親密さを保ちながら、より暗く、広く、不穏な音響へ拡張された作品である。前作『color theory』では、青、黄、灰色という色彩のイメージを通して、憂鬱、病、家族、自己不信を緻密に描いたが、本作ではその内面性がさらに抽象化され、愛、死、永続性、消滅、欲望、孤独といったテーマへ向かっている。
本作の大きな特徴は、プロデューサーにOneohtrix Point NeverことDaniel Lopatinを迎えている点である。Lopatinは、実験的エレクトロニック・ミュージック、アンビエント、サウンド・コラージュ、映画音楽などを横断するアーティストであり、彼の参加によって『Sometimes, Forever』には従来のギター・ロックだけではない異物感が加わっている。ただし、本作はSoccer Mommyが電子音楽へ全面的に転向した作品ではない。むしろ、Sophie Allisonのメロディと歌詞を中心にしたインディー・ロックの構造の中へ、電子的な揺らぎ、ノイズ、低音の不安、夢の中のようなテクスチャーが忍び込んでいる。
タイトルの『Sometimes, Forever』は、非常に印象的な矛盾を含む言葉である。「時々」と「永遠」は、時間感覚として正反対に近い。何かが一瞬だけ存在することと、永遠に続くこと。その両方が同時にあるという感覚が、本作全体を貫いている。恋愛の幸福は一瞬かもしれないが、その傷は永遠に残る。死は一度の出来事だが、その不在はずっと続く。若い感情は移ろいやすいが、そこに刻まれた痛みは長く残る。このタイトルは、Soccer Mommyの歌詞世界における時間のねじれを象徴している。
Sophie Allisonの作風は、初期から一貫して親密である。彼女の歌詞は、日記のように具体的でありながら、決して単純な自己告白に留まらない。恋人への不安、身体への違和感、死への恐れ、自分の暗い衝動、救われたい気持ちと救われたくない気持ちが、率直な言葉で歌われる。『Sometimes, Forever』では、その率直さに、よりゴシックで幻想的なムードが加わった。これまでのSoccer Mommyが「部屋の中の孤独」を歌っていたとすれば、本作ではその部屋の壁が溶け、闇や宇宙、墓地、夢の中へ広がっていくような感覚がある。
音楽的には、90年代オルタナティヴ・ロック、ドリーム・ポップ、スローコア、シューゲイザー、そして現代的な電子音響が交差している。The Smashing Pumpkins、Liz Phair、Mazzy Star、The Cranberries、Slowdive、Elliott Smith、Yo La Tengoなどの影を感じさせながらも、Sophie Allisonはそれらを単なるリバイバルとして扱わない。彼女の音楽は、90年代的なギターの質感を、Z世代以降の不安、メンタルヘルス、自己表現、インターネット以後の孤独へ接続している。
本作の楽曲は、明るくキャッチーなものと、暗く実験的なものがはっきり同居している。「Shotgun」や「Feel It All the Time」は比較的開放的でメロディアスだが、「Unholy Affliction」や「Darkness Forever」では、ノイズや電子音が歌の背後で不穏にうごめく。「newdemo」や「Still」では、Sophie Allisonのソングライターとしての繊細さが前面に出る。つまり本作は、ポップな入口を持ちながら、奥へ進むほど暗い夢へ沈んでいくアルバムである。
『Sometimes, Forever』は、Soccer Mommyが単なるインディー・ロックの若手シンガーソングライターではなく、音響的な冒険と強いソングライティングを両立できるアーティストであることを示した作品である。親密さを保ちながら、音楽のスケールを広げる。そのバランスが、本作の最大の魅力である。
全曲レビュー
1. Bones
オープニング曲「Bones」は、アルバムの始まりにふさわしい、メロディアスでありながら不安を含んだ楽曲である。タイトルの「骨」は、身体の最も内側にある構造であり、愛や関係の表面を剥がした後に残るものを連想させる。ここで歌われるのは、恋愛における不安、相手に十分な自分でいられない感覚、そして関係を保とうとする痛みである。
サウンドはギターを中心にしたインディー・ロックだが、プロダクションには奥行きがある。ギターは明るく鳴りながらも、どこか霞んでおり、ドラムは曲を力強く支える。Sophie Allisonのヴォーカルは、甘さと諦めを同時に含み、メロディの親しみやすさの中に自己不信をにじませる。
歌詞では、相手の期待に応えたいが、どこかで失敗してしまうという感覚が描かれる。愛は幸福であると同時に、自分の欠落を突きつけるものでもある。「Bones」は、本作が恋愛の明るい表面だけではなく、その奥にある不安や身体的な痛みまで見つめるアルバムであることを示す導入曲である。
2. With U
「With U」は、誰かと一緒にいることへの願いを歌う楽曲である。タイトルは非常にシンプルで、チャットやメッセージのような略語的な表記にも見える。その簡潔さが、現代的な親密さと不安定さを感じさせる。愛する人と共にいたいという願いは普遍的だが、Soccer Mommyの曲では、その願いは常に不確かさを伴う。
サウンドは柔らかく、やや夢見心地である。ギターとシンセの質感が重なり、曲全体に淡い浮遊感を与える。明確なロックの推進力よりも、感情が空中に漂うような感覚が中心にある。Oneohtrix Point Neverのプロダクションはここで、楽曲を派手に変形するのではなく、空気の奥行きを加える役割を果たしている。
歌詞では、相手と一緒にいることで満たされたい気持ちが描かれる。しかし、その願いは完全な安心にはならない。誰かと一緒にいても、不安は消えないことがある。「With U」は、恋愛の親密さと孤独が同時に存在する、Soccer Mommyらしいラヴ・ソングである。
3. Unholy Affliction
「Unholy Affliction」は、本作の中でも最も不穏な楽曲のひとつである。タイトルは「神聖でない苦悩」「不浄な苦しみ」といった意味を持ち、宗教的な言葉と身体的・精神的な痛みが結びついている。ここでは、従来のギター・ポップ的なSoccer Mommyのイメージを大きく揺さぶる、暗く実験的な音響が展開される。
サウンドは低く、歪み、電子的なノイズが曲の背後でうごめく。リズムは機械的で、声はどこか閉じ込められているように響く。Oneohtrix Point Neverの影響が特に強く感じられる曲であり、楽曲はポップ・ソングというより、内面の悪夢を音にしたような印象を持つ。
歌詞では、自分の中にある暗い衝動や、逃れられない苦しみが描かれる。苦悩は清らかなものではなく、汚れたもの、恥ずべきもの、自分でも受け入れがたいものとして存在する。「Unholy Affliction」は、Soccer Mommyの音楽にあるゴシックな側面を前面に出した楽曲であり、本作の音響的な挑戦を象徴している。
4. Shotgun
「Shotgun」は、本作の中でも特にキャッチーで、シングルとしての強さを持つ楽曲である。タイトルの「ショットガン」は、助手席に乗ることを意味する俗語としても読めるし、暴力的なイメージも含んでいる。曲全体では、恋愛の高揚、相手に身を委ねる感覚、そしてその中に潜む危うさが描かれる。
サウンドは開放的で、ギターのリフも親しみやすい。メロディは非常に強く、アルバムの中でも最もポップな入口となる曲である。しかし、明るい曲調の裏には、相手に依存するような感情もある。Soccer Mommyは、幸福な恋愛を歌っていても、その中にある不均衡や危険を見逃さない。
歌詞では、相手と一緒にいることで得られる陶酔感が描かれる。車、移動、助手席というイメージは、自由と委ねることを同時に表す。自分で運転しているのではなく、誰かの横にいる。その関係性が、この曲のロマンティックさと危うさを作っている。「Shotgun」は、本作の中で最も親しみやすい楽曲でありながら、愛の依存性を巧みに含んでいる。
5. newdemo
「newdemo」は、タイトルからして未完成さや親密さを感じさせる楽曲である。「新しいデモ」という言葉は、完成された商品としての楽曲ではなく、作りかけのメモ、個人的な録音、まだ誰にも見せる前の感情を連想させる。Soccer Mommyの原点であるベッドルーム・ポップ的な質感が強く表れた曲である。
サウンドは控えめで、歌とメロディが中心に置かれる。派手な音響処理よりも、Sophie Allisonの声とコードの動きが前面に出る。アルバムの中で、実験的な曲やロック色の強い曲に挟まれることで、この曲の素朴さが際立つ。
歌詞では、内面の揺れや、まだ言葉として定着していない感情が描かれる。タイトル通り、曲そのものが完成された結論ではなく、途中の状態として存在しているように響く。「newdemo」は、Soccer Mommyのソングライターとしての核が、複雑なプロダクションの奥にも変わらず存在していることを示す楽曲である。
6. Darkness Forever
「Darkness Forever」は、本作のタイトルにも通じる「永遠」の感覚を、最も暗い形で表現した楽曲である。タイトルは「永遠の闇」を意味し、死、抑うつ、消滅願望、破滅的なロマンティシズムを連想させる。アルバムの中でも特にゴシックなムードが強い曲である。
サウンドは不穏で、ギターと電子音が重く絡む。曲は単純に暗いだけでなく、どこか美しさも持っている。暗闇は恐ろしいものであると同時に、静かで、包み込むようなものとしても描かれる。Sophie Allisonの声は、曲の暗さに完全に飲み込まれず、淡々と感情を運ぶ。
歌詞では、永遠に続く闇への憧れや恐れが描かれる。死や消滅への思いは、単なるショック表現ではなく、苦しみから解放されたいという感情とも結びつく。「Darkness Forever」は、本作における死生観を最も濃く示す楽曲であり、Soccer Mommyの表現がより危険で深い領域へ向かっていることを示している。
7. Don’t Ask Me
「Don’t Ask Me」は、タイトル通り「私に聞かないで」という拒絶の姿勢を持つ楽曲である。この言葉には、説明を求められることへの疲れ、他者に自分の内面を差し出すことへの抵抗がある。Soccer Mommyの歌詞には自己開示が多いが、この曲ではむしろ、その自己開示への限界が示される。
サウンドは比較的ロック色があり、ギターが曲をしっかり支える。メロディはキャッチーだが、ヴォーカルには距離感がある。親密に歌っているようでいて、相手を少し突き放す。この感情の二重性が曲の魅力である。
歌詞では、自分の気持ちを完全には説明できない、または説明したくないという態度が描かれる。誰かに理解されたい気持ちと、理解されることへの恐れはしばしば同時に存在する。「Don’t Ask Me」は、Soccer Mommyの内省的な作風の中にある、自己防衛の感覚を表す楽曲である。
8. Fire in the Driveway
「Fire in the Driveway」は、非常に映像的なタイトルを持つ楽曲である。家の前の私道に火があるというイメージは、日常的な場所に突然危険や破壊が現れる感覚を生む。Soccer Mommyの音楽では、家庭的な空間や親密な場所が、しばしば不安や恐怖と結びつく。この曲もその一例である。
サウンドはゆったりとしており、少し夢のような不穏さがある。曲は派手に燃え上がるというより、静かに炎がくすぶっているように進む。ギターと電子的な質感が混ざり、現実と夢の間にあるような空間を作る。
歌詞では、身近な場所にある破壊の予感が描かれる。火は浄化でもあり、危険でもあり、制御できない感情の象徴でもある。「Fire in the Driveway」は、本作の中で日常の風景を不穏な象徴へ変える楽曲である。
9. Following Eyes
「Following Eyes」は、誰かに見られている感覚、視線に追われる不安をテーマにした楽曲である。タイトルは「ついてくる目」を意味し、監視、罪悪感、自己意識、他者の評価が混ざり合う。Soccer Mommyの歌詞では、自分がどう見られているかという感覚がしばしば精神的な圧力として現れる。
サウンドはやや浮遊感があり、同時に不安定である。ギターの響きは柔らかいが、曲全体には落ち着かない空気がある。ヴォーカルも、誰かの視線を意識しながら歌っているように感じられる。
歌詞では、どこへ行っても視線から逃れられない感覚が描かれる。それは外部の他者かもしれないし、自分自身の内なる批判者かもしれない。「Following Eyes」は、現代的な自己意識の疲労を、ドリーム・ポップ的な音像の中に包んだ楽曲である。
10. Feel It All the Time
「Feel It All the Time」は、本作の中でも比較的明るく、カントリー・ロックやロード・ソング的な感覚を持つ楽曲である。タイトルは「いつもそれを感じている」という意味を持ち、漠然とした感情や欲望が常に身体の中にあることを示している。暗い曲が多い本作の中で、少し開放的な空気を与える重要な曲である。
サウンドは軽快で、ギターの鳴り方にも温かさがある。リズムは前へ進み、曲全体に車で走るような感覚がある。Sophie Allisonの声も比較的明るく、しかし完全には楽観的にならない。その微妙なバランスが魅力である。
歌詞では、感情や衝動を常に感じている状態が描かれる。それは不安かもしれないし、愛かもしれないし、生きていることそのもののざわめきかもしれない。「Feel It All the Time」は、暗い内省の中にも身体的な前進感を持ち込む楽曲である。
11. Still
アルバムを締めくくる「Still」は、非常に静かで、深い余韻を持つ楽曲である。タイトルの「Still」は、「まだ」「静かな」「それでも」といった複数の意味を持つ。この多義性が、本作の終曲として非常に重要である。何かが終わった後も、まだ残っている。動きが止まっても、感情は消えない。
サウンドは抑えられており、Sophie Allisonの声が中心に置かれる。曲全体は非常に親密で、アルバム前半の不穏な電子音響やロックの高まりから、最後には小さな歌へ戻ってくる印象がある。この終わり方によって、本作の中心があくまでソングライティングにあることが示される。
歌詞では、残り続ける感情や、消えない思いが描かれる。愛も痛みも、時間が経っても完全には消えない。それは「forever」ほど大きな言葉ではなく、「still」という静かな持続として存在する。「Still」は、『Sometimes, Forever』を小さく、しかし深い余韻で閉じる名曲である。
総評
『Sometimes, Forever』は、Soccer Mommyのキャリアにおいて、音響面と歌詞面の両方で大きな拡張を示したアルバムである。『Clean』や『color theory』で確立された親密なインディー・ロックの感覚は保たれているが、本作ではそこに電子音響、ゴシックな暗さ、不穏な低音、サイケデリックな浮遊感が加わり、より広く、より危うい世界が作られている。
本作の最大の魅力は、ポップなメロディと不穏な音響が同時に存在している点である。「Shotgun」や「Bones」のような楽曲は、Soccer Mommyの強いメロディ・センスを示している。一方で、「Unholy Affliction」「Darkness Forever」「Fire in the Driveway」では、曲の奥に不気味な影が広がる。この二面性によって、アルバムは単なるインディー・ロック作品ではなく、心の明るい部分と暗い部分がせめぎ合う音の空間になっている。
Oneohtrix Point Neverのプロデュースは、本作において非常に効果的である。彼はSophie Allisonの曲を過度に破壊するのではなく、歌の周囲に異物を配置する。ギター・ロックの親しみやすい構造の中に、不自然な電子音、歪んだ質感、空間的な揺れを忍ばせることで、楽曲は安定した地面を失う。これは、本作のテーマである不安、死、永遠性、自己崩壊とよく合っている。
歌詞の面では、Sophie Allisonの内面描写がさらに深まっている。恋愛の不安、相手への依存、自己嫌悪、死への引力、孤独、視線への恐れが、直接的な言葉と象徴的なイメージの間で歌われる。前作『color theory』が色彩によって感情を整理するアルバムだったとすれば、『Sometimes, Forever』は、その整理が崩れ、感情がより暗い夢の中へ流れ込むアルバムである。
タイトルが示す「Sometimes」と「Forever」の対比も、本作の核心である。感情は一時的である。しかし、その一時的な感情が人生に長く残ることがある。恋愛の幸福は短くても、傷は永遠のように感じられる。抑うつは波のように訪れるが、訪れるたびに永遠に続くように思える。この時間感覚の歪みを、本作は音楽的にも歌詞的にも表現している。
Soccer Mommyのヴォーカルも、本作の重要な軸である。Sophie Allisonの声は、圧倒的な声量で支配するものではない。むしろ、淡く、少し疲れたように、しかし非常に近く響く。その声が、不穏な電子音や歪んだギターの中でも失われないため、アルバム全体は実験的でありながら、常に個人的な親密さを保っている。
日本のリスナーにとって本作は、Snail Mail、Beabadoobee、Japanese Breakfast、Phoebe Bridgers、Mitski、Big Thief、Slowdive、Mazzy Star、The Smashing Pumpkinsのメロディアスな側面、あるいは現代的なインディー・ロックと電子音響の融合に関心がある場合に響きやすい作品である。ギター・ロックの親しみやすさを求めるリスナーにも、より暗く実験的な音を好むリスナーにも、それぞれ入口がある。
『Sometimes, Forever』は、Soccer Mommyが自分の内面を単に告白するだけでなく、それを複雑な音響世界へ変換したアルバムである。美しいメロディの奥に暗闇があり、暗闇の奥にまだ消えない光がある。時々であり、永遠でもある。移ろいやすい感情と、消えない傷。その両方を抱えた、2020年代インディー・ロックの重要作である。
おすすめアルバム
1. color theory by Soccer Mommy
2020年発表の前作。青、黄、灰色という色彩を軸に、憂鬱、病、家族、喪失を描いたアルバムである。『Sometimes, Forever』の暗い内省の前段階にあたり、Sophie Allisonのソングライティングが大きく成熟した作品として重要である。
2. Clean by Soccer Mommy
2018年発表のブレイク作。ベッドルーム・ポップ由来の親密さと、90年代オルタナティヴ・ロック的なギター・サウンドが自然に結びついている。『Sometimes, Forever』よりもシンプルで直接的だが、Soccer Mommyの原点を理解するために欠かせない。
3. Lush by Snail Mail
2018年発表のデビュー・アルバム。若い感情、ギター・ロック、恋愛の不安、自己認識の揺れを繊細に描いた作品であり、Soccer Mommyと並んで2010年代後半の女性インディー・ロックを代表する一枚である。メロディアスなギターと親密な歌詞という点で関連性が高い。
4. Jubilee by Japanese Breakfast
2021年発表のアルバム。喪失を経た後の喜びをテーマに、インディー・ポップ、シンセ、オーケストラルな要素を広げた作品である。『Sometimes, Forever』とは明暗の方向性が異なるが、個人的な痛みを豊かなサウンドへ拡張する点で共通している。
5. Heaven or Las Vegas by Cocteau Twins
1990年発表のドリーム・ポップ名盤。浮遊するギター、幻想的な音響、甘さと不安が混ざるサウンドは、『Sometimes, Forever』のドリーム・ポップ的な側面を理解するうえで有効である。Soccer Mommyの方が歌詞は具体的だが、音の中に感情を滲ませる方法に深い共通点がある。
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