発売日：2003年
ジャンル：ニューウェイヴ、ポップ・ロック、レゲエ・ロック、スカ、オーストラリアン・ロック
概要
Men at Workのコンピレーション・アルバム『The Essential Men at Work』は、1980年代前半に国際的な成功を収めたオーストラリアのバンド、Men at Workの代表的な楽曲をまとめたベスト盤である。スタジオ・アルバムとしての新作ではなく、彼らのキャリアを俯瞰する編集盤であるため、作品としての評価は、単一のアルバム・コンセプトよりも、バンドが短期間に残したポップ・ロック史上の足跡をどのように整理しているかに置かれる。
Men at Workは、Colin Hayの個性的なヴォーカルとソングライティング、Greg Hamのサックスやフルート、Ron Strykertのギター、John Reesのベース、Jerry Speiserのドラムを中心に形成されたバンドである。彼らの音楽は、ニューウェイヴの軽快さ、レゲエやスカのリズム、ポップ・ロックの親しみやすいメロディ、そしてオーストラリア的なユーモアや皮肉を組み合わせたものだった。1981年のデビュー・アルバム『Business as Usual』は、アメリカやイギリスを含む国際市場で大きな成功を収め、「Who Can It Be Now?」「Down Under」によってMen at Workは一躍世界的なバンドとなった。
彼らの最大の特徴は、軽快で聴きやすいポップ・ソングの中に、孤独、不安、社会風刺、アイデンティティの問題を忍ばせていた点にある。「Down Under」は、しばしば陽気なオーストラリア賛歌として受け取られるが、その歌詞には旅行者の視点、文化的なステレオタイプ、国家的アイデンティティへの皮肉が含まれている。「Who Can It Be Now?」はキャッチーなサックス・リフで知られるが、内容は他者への恐怖や引きこもりに近い心理を描いている。つまりMen at Workの楽曲は、表面上は明るく、内側には不安や批評性を持つ。
1980年代初頭の音楽シーンにおいて、Men at WorkはThe Police、Talking Heads、Split Enz、The Cars、XTC、INXSなどと同じく、ニューウェイヴ以後のロックをよりポップで国際的に開かれた形へ押し広げた存在である。特にThe Policeと同様、レゲエやスカのリズムを白人ロック・バンドの文脈に取り入れ、鋭いリズムとポップなフックを両立させた点は重要である。ただし、Men at Workの場合、そこにオーストラリア独自の乾いたユーモアと、日常的な人物描写が加わることで、独特の親しみやすさが生まれていた。
『The Essential Men at Work』は、そうしたバンドの魅力を短時間で把握できる作品である。収録曲は主に『Business as Usual』『Cargo』『Two Hearts』から選ばれており、初期の大ヒット曲から、やや成熟した後期の楽曲までを並べることで、彼らの変化を確認できる。デビュー期の明快なニューウェイヴ・ポップ、セカンド期のやや陰影を増したソングライティング、そして後期のシンセ・ポップ寄りの音作りが、一枚の中で流れとして見えてくる。
Men at Workのキャリアは長期間にわたる安定した成功というより、非常に短い期間に世界的なピークを迎え、その後急速に変化していったものだった。しかし、その短さは彼らの価値を減じるものではない。むしろ、1980年代初頭のポップ・ロックが持っていた鮮度、軽さ、不安、国際化の空気を非常に明確に記録している点で、彼らの音楽は今なお重要である。『The Essential Men at Work』は、その核心をまとめた入門編であり、同時にニューウェイヴ期のポップ・ロックを理解するための有効な資料でもある。
全曲レビュー
1. Down Under
「Down Under」は、Men at Workを象徴する代表曲であり、1980年代オーストラリアン・ポップの国際的成功を決定づけた楽曲である。タイトルの“Down Under”は、オーストラリアを指す俗称であり、曲は世界を旅するオーストラリア人の視点から歌われる。ディジュリドゥ風の響きや、Greg Hamによる印象的なフルート・リフ、跳ねるレゲエ調のリズムによって、楽曲は非常に明るく親しみやすい印象を与える。
しかし、この曲を単なる陽気な観光ソングとして捉えると、Men at Workの本質を見誤る。歌詞には、オーストラリア人が海外でどのように見られるのか、国家的なイメージがどのように消費されるのかという視点がある。ベジマイト・サンドイッチや旅人の会話といった具体的なイメージは、ユーモラスでありながら、同時にステレオタイプ化された国民性への皮肉として機能している。
サウンド面では、レゲエやスカの影響が明確である。The Policeにも通じる白人ロック・バンドによるレゲエ的リズムの応用だが、Men at Workの場合、より軽く、コミカルで、ポップな方向へ処理されている。Colin Hayのヴォーカルは語り口に近く、歌詞のユーモアを自然に伝える。
「Down Under」は、オーストラリアの国民的アンセムのように扱われる一方で、実際には国家イメージを少し斜めから眺める曲でもある。その二重性こそが、この曲を単なるノベルティ・ヒット以上のものにしている。
2. Who Can It Be Now?
「Who Can It Be Now?」は、Men at Workのもう一つの代表曲であり、サックス・リフだけで瞬時に識別できる名曲である。曲は明るくキャッチーだが、歌詞の内容は非常に不安に満ちている。タイトルは「今度はいったい誰なんだ？」という意味で、部屋に閉じこもる人物が、訪問者に対して恐怖や苛立ちを抱く様子が描かれる。
この曲の魅力は、ポップなサウンドと心理的な閉塞感の対比にある。Greg Hamのサックスは軽快で、ほとんどコミカルに響くが、その裏で歌われるのは、他者との接触を拒む人物の不安である。ドアを叩く音、誰かが来る気配、社会との接触への恐怖が、非常に分かりやすいポップ・ソングの形で表現されている。
Colin Hayのヴォーカルは、少し神経質で、語り手の疑心暗鬼を巧みに表現している。Men at Workの音楽では、こうした不安や孤独が、重苦しいロックではなく、軽快なニューウェイヴ・ポップとして提示されることが多い。この曲はその典型である。
1980年代初頭のニューウェイヴには、都市生活や現代社会の疎外感をポップな形で扱う傾向があった。「Who Can It Be Now?」は、その流れの中でも特に成功した例であり、今聴いても、コミカルさと不穏さが同時に響く。
3. Be Good Johnny
「Be Good Johnny」は、少年Johnnyを主人公にした楽曲であり、Men at Workのユーモアと社会観察がよく表れた曲である。タイトルは「いい子にしなさい、Johnny」という大人から子どもへの命令を思わせる。歌詞では、周囲の期待にうまく適応できない少年の姿が描かれる。
サウンドは軽快で、レゲエやスカのリズム感を含んだポップ・ロックである。曲調は明るいが、歌詞には教育や社会化への違和感がある。Johnnyは、典型的な「良い子」として振る舞うことを求められているが、その期待と本人の内面の間にはズレがある。
この曲は、子どもを主人公にしながら、大人社会の規範を皮肉っている。Men at Workは、重い社会批判を直接的に叫ぶバンドではないが、日常的な人物描写を通じて、社会の窮屈さを浮かび上がらせるのがうまい。「Be Good Johnny」は、その代表的な例である。
また、Colin Hayのヴォーカルには、語り手としての軽妙さがある。彼はJohnnyを単に笑いものにするのではなく、少し距離を置きながらも共感を込めて描く。ニューウェイヴ期のポップ・ソングとして、奇妙な人物像とキャッチーなメロディをうまく結びつけた楽曲である。
4. Overkill
「Overkill」は、Men at Workのセカンド・アルバム『Cargo』を代表する楽曲であり、彼らのソングライティングがより内省的な方向へ進んだことを示す名曲である。タイトルは「やりすぎ」「過剰」を意味し、歌詞では夜中に考えすぎて眠れない人物の不安が描かれる。
サウンドは、初期の陽気なスカ／レゲエ調の曲に比べると、より落ち着いている。ギターの響きは繊細で、メロディには哀愁がある。サックスも使われているが、「Who Can It Be Now?」のようなコミカルなフックではなく、曲の孤独感を支える役割を担っている。
歌詞のテーマは、思考の暴走である。夜になると、過去の失敗、未来への不安、自分自身への疑念が頭の中で膨らみ、眠れなくなる。これは非常に普遍的な感情であり、Men at Workの曲の中でも特に大人びた内省を持つ。Colin Hayの歌唱も、ここでは軽妙さよりも切実さが前面に出ている。
「Overkill」は、Men at Workが単なる明るいヒット曲のバンドではなかったことを証明する曲である。ポップでありながら、精神的な不安を丁寧に描く。後にColin Hayがソロでも重要な曲として歌い続けたことからも、この楽曲の核心的な価値が分かる。
5. It’s a Mistake
「It’s a Mistake」は、『Cargo』期のMen at Workが持っていた社会的な視点を示す楽曲である。タイトルは「それは間違いだ」という直接的な表現であり、歌詞には軍事的緊張や戦争への不安が反映されている。1980年代前半は冷戦の緊張が強く、核戦争への恐怖がポップ・カルチャーにも影を落としていた。この曲もその時代背景と深く結びついている。
サウンドは、レゲエ的なリズムを含みつつ、全体としてはやや暗いトーンを持つ。軽快なビートの上に、不穏な歌詞が乗る構造はMen at Workらしい。曲のリズムは身体を揺らすが、内容は世界情勢への不安を扱っている。この対比が曲の力になっている。
歌詞では、軍や政府の判断、権力者の誤算、戦争が「間違い」として起こりうる恐怖が描かれる。Men at Workは政治的なバンドとして強く語られることは少ないが、この曲では明確に社会的な緊張を扱っている。直接的なスローガンではなく、ポップ・ソングとして不安を伝える点が特徴である。
「It’s a Mistake」は、Men at Workの音楽が持つ軽さと批評性のバランスをよく示している。聴きやすいが、内容は決して軽くない。1980年代ニューウェイヴが時代の不安をどのようにポップへ変換したかを知るうえで重要な曲である。
6. Dr. Heckyll & Mr. Jive
「Dr. Heckyll & Mr. Jive」は、Robert Louis Stevensonの小説『ジキル博士とハイド氏』をもじったタイトルを持つ楽曲である。原作の二重人格のテーマを、Men at Workらしいユーモアとニューウェイヴ的な軽快さで再構成している。Dr. Heckyllという名前のずらし方も、バンドの言葉遊びのセンスを示している。
サウンドは明るく、ややコミカルで、シンセやサックスを含んだニューウェイヴ・ポップとして機能している。曲には演劇的な要素があり、キャラクター・ソングのような楽しさがある。Men at Workは、人物や設定を使って曲を作ることに長けており、この曲もその一例である。
歌詞のテーマは、内面の二重性である。人は社会的に見せる顔と、隠された欲望や奇妙さを持っている。Dr. HeckyllとMr. Jiveは、その二つの顔を象徴する。重く扱えば心理ホラーになる題材だが、Men at Workはそれを軽妙なポップへ変えている。
この曲は、彼らの音楽にあるコミック的な想像力を示している。深刻なテーマをユーモラスに扱い、ニューウェイヴの軽さに乗せることで、独自の魅力を作っている。
7. Upstairs in My House
「Upstairs in My House」は、家という身近な空間を舞台にした楽曲である。タイトルは「僕の家の上の階で」という意味を持ち、日常の中にある秘密、プライベートな空間、家族や個人の内面を連想させる。Men at Workの曲には、外の世界を旅する曲と、部屋や家の中に閉じこもる曲があり、この曲は後者に近い。
サウンドは比較的落ち着いており、ポップ・ロックとして親しみやすい。初期の大ヒット曲ほど派手ではないが、メロディにはMen at Workらしい明快さがある。曲全体には、少し奇妙で家庭的な空気が漂う。
歌詞のテーマは、内側の世界である。家の上の階という場所は、他者からは見えにくい場所であり、記憶や秘密がしまわれた空間として機能する。Men at Workはこうした日常的な設定を使って、個人の心理や関係性を描くことがある。
この曲は、ベスト盤の中では大ヒット曲ほど有名ではないが、バンドの作風を広く理解するうえで重要である。彼らは国際的なヒット曲だけでなく、こうした少し地味で生活感のある曲にも魅力を持っていた。
8. Everything I Need
「Everything I Need」は、Men at Work後期の楽曲であり、彼らが初期のスカ／ニューウェイヴ色から、より洗練されたポップ・ロックへ移行していたことを示す曲である。タイトルは「必要なものすべて」という意味で、歌詞には愛や関係性への肯定的な視点がある。
サウンドは、初期よりも滑らかで、1980年代半ばのポップ・ロック／アダルト・コンテンポラリーに近い質感を持つ。シンセや整ったプロダクションが目立ち、デビュー期のラフなバンド感とは異なる。Men at Workが時代の音に合わせて変化していたことがよく分かる。
歌詞のテーマは、満足、愛、支えである。初期の楽曲に多かった不安や皮肉に比べると、この曲はよりストレートで温かい。必要なものは遠くにあるのではなく、すでに目の前にあるという感覚が歌われる。
この曲は、Men at Workの後期を理解するうえで重要である。初期の鋭さや奇妙さは薄れているが、その代わりに、より成熟したポップ・ソングとしての安定感がある。
9. Man with Two Hearts
「Man with Two Hearts」は、タイトルからして二重性を持つ楽曲である。「二つの心を持つ男」という表現は、感情の分裂、愛の複数性、内面の矛盾を示している。Men at Workは、人物の内面にある二重性を描くことが多く、この曲もその系譜にある。
サウンドは、1980年代中盤らしいシンセ・ポップ／ポップ・ロック色を持つ。初期のレゲエ的な軽さよりも、やや硬質で整理された音作りが特徴である。バンドが『Two Hearts』期に向かう中で、音楽的にも人間関係的にも変化していたことが反映されている。
歌詞では、ひとつの心では処理できない感情が描かれる。二つの心を持つことは豊かさであると同時に、苦しさでもある。愛する相手が複数いるという意味にも、異なる自分が同時に存在するという意味にも読める。この曖昧さが曲の魅力である。
バンド後期のMen at Workは、初期の明るい奇妙さから、より内省的でシリアスな方向へ傾いていった。「Man with Two Hearts」は、その変化を示す重要な楽曲である。
10. Snakes and Ladders
「Snakes and Ladders」は、すごろくに似たボードゲームの名前をタイトルにした楽曲である。蛇と梯子のゲームは、人生の浮き沈み、偶然、上昇と転落を象徴する。Men at Workはこのタイトルを使い、人生や社会における不安定さをポップ・ソングとして描いている。
サウンドは、ニューウェイヴ的な軽快さを持ちながら、どこか不穏な空気もある。ゲーム的なタイトルに合わせて、曲全体には少し戯画的な印象がある。しかし、歌詞の背後には、人生が自分の努力だけではどうにもならないという苦い認識がある。
歌詞のテーマは、運と転落である。梯子を登ったと思えば蛇に落とされる。成功と失敗は常に隣り合わせであり、人生は単純な上昇物語ではない。この視点は、国際的成功から急速な変化を経験したMen at Work自身のキャリアとも重ねて聴くことができる。
「Snakes and Ladders」は、バンドのユーモアと人生観がよく表れた曲である。軽いゲームのイメージを使いながら、人生の不確実性を描いている。
11. Down by the Sea
「Down by the Sea」は、Men at Workの楽曲の中でも、比較的長く、静かな余韻を持つ曲である。タイトルは「海辺で」という意味を持ち、オーストラリアの地理的感覚や、海という広大なイメージを連想させる。海は自由、孤独、記憶、終わりと始まりを象徴する場所である。
サウンドは、代表曲のような即効性よりも、ゆったりとした雰囲気を重視している。ギターやキーボードの響きは広がりがあり、曲全体に水平線を眺めるような感覚がある。Men at Workの中でも、より叙情的な側面を示す楽曲である。
歌詞のテーマは、場所と心の静けさである。海辺に立つことは、日常から距離を取り、自分自身や過去を見つめる行為として機能する。初期のユーモラスな楽曲とは異なり、この曲ではより落ち着いた情景描写が中心にある。
ベスト盤の中では、ヒット曲ほど目立たないかもしれないが、Men at Workが単なる軽快なニューウェイヴ・バンドではなく、風景と感情を結びつける力を持っていたことを示している。
12. Blue for You
「Blue for You」は、ブルース的な感情をポップ・ロックの形で表現した楽曲である。タイトルの“blue”は、憂鬱、悲しみ、ブルースを連想させる。Men at Workの音楽には、軽快なリズムの裏に孤独や不安が存在するが、この曲ではその感情がより直接的に表れている。
サウンドは、派手なニューウェイヴというより、やや落ち着いたロック寄りである。メロディには哀愁があり、Colin Hayの声も柔らかく響く。彼のヴォーカルは、コミカルな曲では語り手として機能するが、こうした曲ではシンガーソングライター的な内省を感じさせる。
歌詞のテーマは、誰かのために悲しむこと、あるいは相手への思いが憂鬱として残ることにある。Men at Workの曲において、恋愛はしばしば軽いユーモアや皮肉を伴うが、この曲ではより素直な感情が前面に出ている。
「Blue for You」は、バンドの柔らかな側面を示す楽曲であり、ベスト盤の流れの中で感情的な陰影を加えている。
13. Maria
「Maria」は、人物名をタイトルに持つ楽曲であり、Men at Workが得意とするキャラクター描写の一例である。VirginiaやJohnnyのように、彼らの曲では名前を持つ人物がしばしば印象的に描かれる。Mariaもまた、単なる恋愛対象ではなく、語り手の記憶や感情を映す存在として機能する。
サウンドは、後期Men at Workらしいポップ・ロックの質感を持つ。初期のレゲエ的な軽さよりも、より整ったアレンジが中心である。メロディは親しみやすく、Colin Hayの語り口が曲に人間味を与えている。
歌詞のテーマは、人物への呼びかけと記憶である。Mariaという名前は、特定の人物であると同時に、過去の関係や失われた時間の象徴でもある。Men at Workの人物ソングは、非常に具体的でありながら、どこか普遍的な感情を引き出す。
この曲は、バンドの大ヒット曲とは異なるが、彼らのソングライティングにおける人物描写の魅力を補完する楽曲である。
14. Still Life
「Still Life」は、タイトル通り「静物画」を意味する楽曲である。静物画とは、動かない物を描く絵画形式であり、時間が止まったような感覚を持つ。Men at Workの楽曲としては、非常に内省的で、動きよりも観察に重点を置いた曲といえる。
サウンドは落ち着いており、派手なフックよりも雰囲気が重視されている。ニューウェイヴ期の軽快なビートから距離を置き、より成熟したポップ・ロックの質感がある。曲全体には、静かな時間の流れが感じられる。
歌詞のテーマは、停止、観察、記憶である。静物画は動かないが、その中には時間や人生の痕跡が刻まれている。人間関係や人生の一場面も、後から振り返ると静物画のように見えることがある。この曲は、そのような視点を持っている。
ベスト盤の中では比較的地味だが、Men at Workが単なる軽妙なヒット・メーカーではなく、静かな情景を描く力を持っていたことを示す曲である。
15. Underground
「Underground」は、タイトルが示す通り、地下、隠れた場所、社会の表面から外れた領域を連想させる楽曲である。Men at Workの音楽には、表面的な明るさの裏に、孤独や社会からの距離感が存在する。この曲では、その感覚がより直接的に示される。
サウンドは、やや暗く、引き締まったポップ・ロックである。リズムにはニューウェイヴ的な硬さがあり、曲全体に都市的な緊張がある。初期の陽気なイメージとは異なる、影のあるMen at Workが聴こえる。
歌詞のテーマは、表に出られないもの、隠された感情、社会の下層にある現実として読める。地下は、抑圧されたものが存在する場所であり、同時にサブカルチャーや別の自由の場所でもある。この二面性が曲に深みを与えている。
「Underground」は、バンドのニューウェイヴ的な側面を補完する楽曲であり、ベスト盤の中に陰影を加えている。
16. Hard Luck Story
「Hard Luck Story」は、不運な物語、苦労話を意味するタイトルを持つ楽曲である。Men at Workの楽曲には、日常の中でうまくいかない人々がしばしば登場する。この曲も、そうした人物へのまなざしを持っている。
サウンドは軽快で、聴きやすいポップ・ロックとして構成されている。歌詞の内容は苦労や不運を扱うが、曲調は過度に暗くならない。この対比がMen at Workらしい。彼らは悲惨さをそのまま重く描くのではなく、ユーモアとメロディによって少し距離を置く。
歌詞のテーマは、不運、人生の失敗、そしてそれを語ることにある。人は自分の苦労話を語ることで、自分の人生を少し整理しようとする。「Hard Luck Story」は、その行為をポップ・ソングとして描いている。
この曲は、Men at Workの庶民的な視点をよく示している。英雄やスターではなく、どこかうまくいかない普通の人々を描くことが、彼らのソングライティングの魅力の一つだった。
17. High Wire
「High Wire」は、高い場所に張られた綱を意味するタイトルであり、危険、緊張、バランスを象徴する。人生やキャリア、人間関係において、落ちる危険を抱えながら進む状態を表す比喩として機能している。
サウンドは、緊張感を持つポップ・ロックである。リズムには慎重な推進力があり、曲全体がバランスを取りながら進むような印象を与える。Men at Workの後期に見られる、より大人びたソングライティングが感じられる曲である。
歌詞のテーマは、危うさと持続である。高い綱の上を歩く人は、前へ進まなければならないが、少しでもバランスを崩せば落ちてしまう。このイメージは、短期間で世界的成功を経験し、その後に変化を迫られたバンド自身の状況とも重なる。
「High Wire」は、ベスト盤の終盤にふさわしい楽曲である。Men at Workの明るい成功の裏にあった緊張感、そしてポップ・バンドとしての不安定な立場を象徴する曲として聴くことができる。
総評
『The Essential Men at Work』は、Men at Workというバンドの魅力を、代表曲と重要曲を通じて整理したコンピレーションである。単一のスタジオ・アルバムのような統一された物語を持つ作品ではないが、彼らの短く濃密なキャリアを理解するうえでは非常に有効である。特に、「Down Under」「Who Can It Be Now?」「Overkill」「It’s a Mistake」といった曲が並ぶことで、Men at Workが単なる陽気な80年代ポップ・バンドではなく、不安、孤独、社会批評、国民的アイデンティティへの皮肉を含むバンドだったことがよく分かる。
本作の最大の魅力は、ポップとしての親しみやすさと、歌詞の屈折した視点の共存である。「Down Under」は明るく聴こえるが、国家イメージへのアイロニーがある。「Who Can It Be Now?」はサックス・リフが楽しいが、実際には他者への恐怖を描いている。「Overkill」は美しいメロディを持つが、夜中の不安と思考の暴走を歌っている。「It’s a Mistake」は軽快なリズムを持ちながら、冷戦期の軍事的緊張を背景にしている。この二重性こそがMen at Workの本質である。
音楽的には、ニューウェイヴ、レゲエ、スカ、ポップ・ロックが自然に混ざり合っている。The Policeと比較されることもあるが、Men at Workはよりコミカルで、より日常的で、よりオーストラリア的な視点を持っていた。Greg Hamのサックスやフルートはバンドの音に独特の色彩を与え、Colin Hayの声は皮肉、弱さ、ユーモア、哀愁を自在に表現する。彼のヴォーカルは派手なロック・スター的なものではなく、観察者としての語りに近い。
また、本作を通して聴くと、バンドの変化も見えてくる。初期の『Business as Usual』では、軽快なリズムと明快なフックが中心にあり、国際的なヒットにふさわしい鮮度がある。『Cargo』では、「Overkill」や「It’s a Mistake」に見られるように、より内省的で社会的なテーマが強まる。後期の『Two Hearts』関連曲では、シンセ・ポップやアダルト・ポップ寄りの音作りが増え、初期のバンド感とは異なる成熟と不安定さが表れている。
Men at Workのキャリアは、長い時間をかけてゆっくり発展したものではない。むしろ、短期間に世界的な成功を収め、その後、内部の変化や音楽シーンの変化の中で急速に形を変えていった。そのため、彼らの音楽には、1980年代初頭という時代の勢いが非常に強く刻まれている。ニューウェイヴが世界的なポップになり、オーストラリアのバンドが国際市場で大きく受け入れられ、MTV時代の視覚的なユーモアと音楽が結びついていく。その瞬間を、Men at Workは鮮やかに体現した。
日本のリスナーにとって『The Essential Men at Work』は、80年代洋楽ポップの入門としても、ニューウェイヴとレゲエ・ロックの関係を知る作品としても聴きやすい。代表曲は非常にキャッチーで、英語が分からなくてもメロディやリズムの楽しさは伝わる。しかし歌詞を追うと、そこには意外なほど不安や皮肉が含まれていることが分かる。このギャップが、Men at Workを単なる懐かしのヒット・バンド以上の存在にしている。
『The Essential Men at Work』は、バンドの全体像を知るための最良の入口である。陽気なオーストラリアン・ポップ、ニューウェイヴ的な軽さ、レゲエのリズム、サックスの印象的なフック、そして孤独や社会不安を描く歌詞。そのすべてがこの一枚に詰まっている。Men at Workは短い期間で強い光を放ったバンドだったが、その光の中には、80年代初頭のポップ・ロックが持っていた複雑な影も確かに存在していた。
おすすめアルバム
1. Men at Work – Business as Usual（1981）
Men at Workのデビュー作であり、「Down Under」「Who Can It Be Now?」「Be Good Johnny」を収録した代表作。ニューウェイヴ、レゲエ、スカ、ポップ・ロックを融合し、バンドの国際的成功を決定づけた。『The Essential Men at Work』を聴いた後、まず確認すべきオリジナル・アルバムである。
2. Men at Work – Cargo（1983）
「Overkill」「It’s a Mistake」「Dr. Heckyll & Mr. Jive」を収録したセカンド・アルバム。デビュー作の明るさを引き継ぎながら、より内省的で社会的な歌詞が増え、バンドの成熟が感じられる。Men at Workのソングライティングの深さを理解するうえで重要な作品である。
3. The Police – Zenyatta Mondatta（1980）
レゲエ、ニューウェイヴ、ポップ・ロックを融合したThe Policeの代表作の一つ。Men at Workと同様に、白人ロック・バンドがレゲエ的なリズムを取り入れ、国際的なポップへ展開した例として重要である。より緊張感が強く、硬質なサウンドを持つ関連作である。
4. Split Enz – True Colours（1980）
ニュージーランド出身のバンドSplit Enzによるニューウェイヴ／アート・ポップ作品。奇妙なメロディ、カラフルなアレンジ、知的なユーモアが特徴で、Men at Workのオセアニア発ニューウェイヴという文脈と近い。INXSやCrowded Houseへつながる地域的な流れを理解するうえでも重要である。
5. INXS – Shabooh Shoobah（1982）
オーストラリアのロック・バンドINXSが国際的に注目され始めた作品。ニューウェイヴ、ファンク、ロックを融合し、Men at Workとは異なる形でオーストラリアン・ロックを世界へ広げた。より官能的でダンサブルな方向から、同時代のオーストラリア勢を理解できるアルバムである。
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