発売日：2022年1月14日
ジャンル：Indie Rock / Alternative Rock / Art Rock
概要
Old Dead Young: B-Sides & Raritiesは、カナダ・トロントのBroken Social Sceneが2022年に発表した編集盤である。2001年から2016年までに発表されたB面曲、限定盤収録曲、別バージョンなどを集めており、通常のスタジオ・アルバムとは成り立ちが異なる。Kevin DrewとBrendan Canningを中心に、多数のミュージシャンが出入りする集団として活動してきた彼らの約15年間を、正規アルバムの外側に残された音源から振り返る作品だ。
Broken Social Sceneは、複数のギター、管楽器、ストリングス、電子音、男女のボーカルを重ね、インディーロックを大人数のアンサンブルへ拡張してきた。完成されたポップソングと、セッションの断片を残したような実験的な録音が同居することも特徴である。本作では制作年代の異なる曲が並ぶため音質や編成は一定しないが、そのばらつきによって逆にバンドの制作方法が見えやすい。
とりわけ、2000年代の彼らが持っていた「音を重ねることで感情を大きくする」方法と、後年の整理されたアレンジとの差が興味深い。代表曲を集めたベスト盤ではなく、本編からこぼれた曲を通じてバンドの変化を見るアーカイブに近い。そのためBroken Social Sceneを初めて聴く入口というより、主要アルバムを知った後で制作の周辺まで掘り下げるための作品である。
全曲レビュー
1. 「Far Out」
初期Broken Social Sceneらしい、輪郭をあえて曖昧にしたインストゥルメンタルから始まる。電子音とギターがゆっくり重なり、はっきりした歌や大きなサビを作らず、音の層そのものを聞かせる。後に大人数のロックバンドとして知られる彼らだが、出発点にはアンビエントやポストロックへの関心があったことを思い出させる導入である。
2. 「Do the 95」
反復するリズムとギターを中心に、徐々に演奏の密度を上げていく。整然としたポップというより、複数の奏者が一つのグルーヴへ集まっていく過程をそのまま曲にしたような感触が強い。ホーンを含むさまざまな音が入り込んでも中心のビートは崩れず、Broken Social Sceneの大人数編成が混乱ではなく推進力へ変わる瞬間を捉えている。
3. 「Curse Your Fail」
PavementのScott Kannbergを迎えた曲で、ざらついたギターと力の抜けた歌唱が前面に出る。Broken Social Scene特有の音の厚さはありながら、磨き上げられたサビよりもインディーロックのラフな感触を残している。失敗や不満を思わせる言葉も断定的な物語には整理されず、声とギターの崩れかけた質感によって感情を伝えるタイプの録音だ。
4. 「Not at My Best」
題名が示す自己評価の低さを、過度に劇的にしないボーカルで聞かせる。ギターやリズムは比較的軽く、音数の多さで押し切る曲ではないため、Broken Social Sceneの作品としては歌の輪郭を追いやすい。自信のなさを告白しながら完全な絶望には向かわず、日常的な不調のように扱う距離感が、このバンドの歌詞にしばしば見られる曖昧な親密さにつながっている。
5. 「National Anthem of Nowhere」
タイトルには大げさな「National Anthem」という言葉を使いながら、実際の音は勝利を祝うような堂々としたものではない。複数の楽器が少しずつ重なり、中心の旋律を周囲からぼかしていくことで、「どこにも属さない」という題名に合う不安定な感覚を作る。大きな集団で演奏しながら孤独を表現できるBroken Social Sceneらしい逆説がよく出ている。
6. 「Golden Facelift」
長めの演奏時間を使い、反復から徐々にスケールを広げていく曲である。リズムの上へギターや電子音が層になって積み上がり、途中から曲全体が巨大な塊のように聞こえてくる。短いポップソングより、一定のモチーフを繰り返しながら音響を変化させるポストロック的な作りが中心で、後期Broken Social Sceneの実験的な側面をまとめて味わえる。
7. 「This House Is on Fire」
切迫したタイトルに合わせ、ギターとリズム隊にも落ち着かない動きがある。音を一つずつ明瞭に分離するより、複数のパートを重ねて少し飽和させることで緊張を作るのは、このバンドが得意としてきた方法だ。危機を直接説明するというより、何かが崩れつつある状態を繰り返される演奏によって体感させるため、歌詞以上に音の密度が曲の意味を担っている。
8. 「Canada vs. America」
題名は政治的な対立を連想させるが、単純な国家批評へ整理するより、ノイズを含んだロックの勢いを優先した曲として聞こえる。ギターはきれいなコードを響かせるよりざらついた塊として鳴り、リズム隊も強く前へ進む。トロントのインディー集団として、巨大な隣国アメリカの文化と接してきた彼らの立ち位置をタイトルだけでも意識させる。
9. 「Day of the Kid」
柔らかな旋律と少し遠くから聞こえるようなボーカルによって、前曲までの密度を緩める。Broken Social Sceneは大音量のクライマックスで知られる一方、こうした静かな曲では複数の音を薄く配置し、空白を残すことでも独特の奥行きを作る。記憶の断片を眺めるような感触があり、編集盤の中で一度時間を止めるような役割を果たしている。
10. 「Stars and Spit」
ギターの反復と電子的な処理が交差し、ロックと音響実験の中間へ向かう。明確なヴァースとサビを追うより、同じ音型が少しずつ形を変えていく過程を聞くタイプの曲だ。Broken Social Sceneの初期作品にあったポストロック的な発想が強く、メロディ中心の代表曲だけでは見えにくい、彼らのもう一つの制作方法を示している。
11. 「Until It’s Dead」
題名の強さに対して、演奏にはどこか力の抜けたインディーロックらしい感触がある。ギターを幾重にも重ねながら完全に整えず、ざらつきや演奏の揺れを残すことで、人間が大勢集まって鳴らしている感覚を保っている。楽曲を完璧な形へ閉じ込めるより、その場のエネルギーを録音へ残すというBroken Social Sceneの美学がよく分かる。
12. 「All My Friends」
親密なタイトルを持つこの曲では、バンドの共同体的な性格と歌の内容が自然に重なる。Broken Social Sceneでは個人の告白のような歌詞でも、複数の声や楽器が周囲へ集まることで、一人だけの感情ではないように聞こえることがある。ここでもメロディを中心にしながら演奏が徐々に広がり、「友人」という言葉を大人数バンドならではの響きで包んでいる。
13. 「Death Cock」
短く荒々しい感触を持ち、完成されたポップソングというより、セッションから飛び出した断片のような勢いを楽しむ曲である。ギターのノイズやリズムの粗さを整理しすぎないため、通常盤の流れでは扱いにくい一方、B面／レア音源集という本作ではこうした録音も重要になる。バンドの遊びや衝動まで保存する編集盤らしい一曲だ。
14. 「Old Dead Young」
タイトル曲は「古い」「死んだ」「若い」という矛盾した言葉を並べ、過去の音源を現在から振り返る編集盤そのものにも似た感覚を作る。若い時期に録音された音楽は、時間がたっても録音の中では当時の状態を保ち続ける。Broken Social Sceneのノスタルジーには単純な美化だけでなく、戻れない時間への違和感が伴うことが多く、その性格をアルバム名としてうまく言い表している。
15. 「And Then We Were Moved」
静かな始まりから音を少しずつ増やし、空間そのものを変化させるように進む。旋律を強く押し出すより、ギターや鍵盤の響きが重なったときに生まれる質感を重視しており、アンビエントとポストロックに近い初期の感覚が戻ってくる。編集盤後半でこうした曲を置くことで、Broken Social Sceneが単なる大編成インディーロックではなかったことを改めて示している。
16. 「Rimember Memember」
言葉遊びのようなタイトルからして、記憶をそのまま再現することの不確かさを感じさせる。演奏にも夢の中のようなぼやけた感触があり、はっきりした輪郭を持つギター・ロックとは異なる。過去15年分の断片を並べてきた作品の終盤に置かれることで、「昔の音源を聞く」という行為そのものへ意識を向けさせるような曲になっている。
17. 「Her Disappearing Theme」
終盤では再び旋律と音響の境界を曖昧にする。題名にある「disappearing」という言葉の通り、何かを強く提示するというより、音が遠ざかったり輪郭を失ったりする感覚が中心だ。多数の奏者による厚い音を得意とするバンドだからこそ、逆に音が消えていく方向へアレンジしたときの空間が際立ち、レア音源集の終わりに静かな余韻を作る。
18. 「Looks Just Like the Sun」
最後はBroken Social Scene初期を代表する楽曲の別バージョンへ戻る。穏やかな反復と柔らかな歌声を中心に、楽器がゆっくり周囲へ広がる作りは、彼らが後に巨大なアンサンブルへ発展していく以前の核をよく伝える。キャリア各期の周辺音源を巡った末に初期の曲へ着地することで、変化の大きかった15年間にも一貫した感覚があったことを確認させる締めくくりである。
総評
Old Dead Youngは一般的な意味での「裏ベスト」ではない。シングル候補になりそうな完成度の高い曲だけを集めるのではなく、インストゥルメンタル、別バージョン、荒いロック、長い音響的な曲まで含めている。そのため一枚のスタジオ作品ほど流れは統一されないが、Broken Social Sceneという集団が何を試し、何をアルバム本編の外へ残してきたのかを見る資料として面白い。
特に分かるのは、このバンドにとって「大人数」であることが単純な音圧の問題ではないという点だ。全員が同時に大きな音を出す曲だけでなく、一部の楽器が引き、別の楽器が空いた場所へ入ることでアンサンブルを動かしている。逆にクライマックスでは、それまで別々に聞こえていたギター、ホーン、声、リズムが一つの塊へ変わる。この収縮と拡大が、年代や編成が変わっても繰り返し現れる。
また、編集盤という形式はBroken Social Sceneの音楽と意外によく合っている。もともと彼らのアルバムには、完成されたシングルと即興的な断片、静かな音響作品と大人数のロックが同居していたからだ。本作のばらつきは確かに大きいものの、それ自体がKevin DrewやBrendan Canningを中心とする緩やかな共同体の性格を映している。誰か一人の作家性へすべてを統一しないことが、このバンドでは長所にもなる。
2000年代のカナダ・インディーを代表する存在となったBroken Social Sceneだが、その影響を代表曲だけから考えると、巨大なコーラスや多層的なギターに目が向きやすい。Old Dead Youngを通すと、その背後にアンビエント、ポストロック、ローファイな録音、セッション的な即興性があったことまで見えてくる。完成された歴史を整理する作品ではなく、歴史の周辺に残った不揃いな断片を保存することに意味がある編集盤である。
おすすめアルバム
You Forgot It in People by Broken Social Scene
バンドの評価を決定づけた2002年作で、静かな音響、荒いギター、大人数のコーラスが一枚の中で共存する。Old Dead Youngに散らばるさまざまな制作方法が、アルバムとして最も鮮やかに結びついた作品である。
Broken Social Scene by Broken Social Scene
2005年のセルフタイトル作では、前作以上に音を密集させ、ギターや管楽器、声を巨大なアンサンブルへまとめた。レア音源集にある粗さや実験性が、正規アルバムではどのように整理されたかを比較しやすい。
Forgiveness Rock Record by Broken Social Scene
2010年作では大人数の混沌を残しながら、リズムや録音の輪郭が以前より整理されている。Old Dead Youngに収められた中期以降の音源と合わせると、初期のローファイな密集感からの変化が見えやすい。
Set Yourself on Fire by Stars
同じトロント周辺のインディー・シーンから生まれ、男女の声やストリングスを使って個人的な感情を大きなアンサンブルへ広げた作品。Broken Social Sceneより整ったポップ寄りの作曲を持ち、同時代の別方向の発展として比較できる。
Funeral by Arcade Fire
複数の楽器と声を重ね、個人的な喪失や記憶を共同体的なスケールのロックへ変えた2004年作。Broken Social Sceneとは構成の緻密さが異なるが、大人数編成をインディーロックの感情的な力へ結びつけた流れを考えるうえで関連の深い作品である。
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