発売日：2010年3月30日
ジャンル：ネオ・ソウル、R&B、ソウル、ファンク、ヒップホップ・ソウル、ジャズ・ソウル
概要
Erykah Baduの『New Amerykah Part Two (Return of the Ankh)』は、2010年に発表された通算5作目のスタジオ・アルバムであり、2008年の『New Amerykah Part One (4th World War)』に続く“New Amerykah”シリーズの第2部にあたる作品である。Erykah Baduは1997年のデビュー作『Baduizm』によって、1990年代後半のネオ・ソウル・ムーブメントを象徴する存在となった。Billie Holidayを思わせる柔らかな節回し、ジャズ、ソウル、ファンク、ヒップホップを横断するサウンド、アフリカ中心主義やスピリチュアルな美意識を含む歌詞によって、彼女は単なるR&Bシンガーではなく、ブラック・ミュージックの歴史を更新するアーティストとして評価された。
『New Amerykah Part Two (Return of the Ankh)』は、そのキャリアの中でも特に官能的で、個人的で、温度の高いアルバムである。前作『New Amerykah Part One (4th World War)』が、政治、社会、戦争、アメリカの崩壊、黒人共同体の不安をテーマにした硬質で実験的な作品だったのに対し、本作はより恋愛、身体、欲望、自己回復、女性性へ焦点を移している。タイトルにある“Ankh”は、古代エジプトにおける生命の象徴であり、Baduの音楽におけるアフロセントリックな精神性を示す重要な記号である。“Return of the Ankh”とは、政治的闘争の後に生命力、愛、身体、霊性へ戻ることを意味していると考えられる。
本作は、一般的な意味でのコンセプト・アルバムというより、ムードのアルバムである。楽曲は明確なポップ・シングルの形に収まりすぎず、ループ、グルーヴ、ベースライン、コーラス、アドリブ、間合いを重視して進む。Baduのヴォーカルも、主旋律を力強く歌い上げるだけではなく、声を楽器のように扱い、フレーズの背後や隙間に感情を滑り込ませる。そのため本作は、歌詞を追うだけでなく、音の質感、声の湿度、リズムの揺れを味わうべきアルバムである。
音楽的には、1970年代ソウル、ファンク、ジャズ・フュージョン、ヒップホップのサンプリング美学、ネオ・ソウルの有機的なグルーヴが融合している。The Roots周辺のフィラデルフィア・ソウル的な感覚、J Dilla以降の揺れたビート、Roy AyersやStevie Wonder、Marvin Gaye、Chaka Khan、Funkadelicの影響、そしてBadu自身のダラス的な自由さが混ざり合う。前作がざらついた政治的コラージュだったとすれば、本作はより滑らかで、温かく、肉体的である。しかし、滑らかだからといって単純に聴きやすいだけではない。曲の展開はしばしば脱力し、余白を残し、聴き手を急がせない。
キャリア上の位置づけとして、『New Amerykah Part Two』はErykah Baduが1990年代ネオ・ソウルの象徴という枠を越え、より成熟したブラック・ミュージックの実験家として存在していることを示した作品である。『Baduizm』のオーガニックなソウル、『Mama’s Gun』のバンド感と感情の深さ、『Worldwide Underground』のジャム的な浮遊感、『New Amerykah Part One』の政治的・実験的な鋭さを経て、本作ではそれらが官能と生命力の方向へ再配置されている。特に『Mama’s Gun』を好むリスナーにとって、本作はその延長線上にある愛と身体のアルバムとして聴きやすい。
歌詞面では、恋愛関係の不安定さ、依存、母性、女性としての主体性、愛の終わりと再生が中心となる。Baduは恋愛を単なる甘いロマンスとして描かない。相手への執着、身体的な欲望、精神的な距離、自己防衛、別れた後の孤独、そして自分を取り戻す過程が、柔らかなグルーヴの中に織り込まれる。彼女の言葉は時にユーモラスで、時に挑発的で、時に深くスピリチュアルである。愛は癒やしであると同時に、迷宮でもある。本作はその複雑さを、重くなりすぎない音楽的快楽の中で表現している。
全曲レビュー
1. 20 Feet Tall
オープニング曲「20 Feet Tall」は、アルバム全体の心理的入口として機能する楽曲である。タイトルは「20フィートの高さ」を意味し、巨大化した自己像、外から見られる姿、あるいは本来の自分より大きく見せなければならない感覚を示している。Baduはここで、内面の脆さと、強く大きく見られることの間にあるズレを歌っている。
音楽的には、非常にミニマルで、空間の広いサウンドが特徴である。リズムは強く押し出されず、声とコードの余白が大きい。アルバムの冒頭に派手なグルーヴを置くのではなく、むしろ静かな自己対話から始めることで、本作が単なる官能的なソウル・アルバムではなく、自己認識のアルバムであることを示している。
歌詞では、誰かに傷つけられたこと、自分が本来より小さく感じられること、それでも大きく立とうとすることが示唆される。Baduの声は柔らかいが、その奥には疲労や警戒心がある。彼女はここで、無敵の女性像を演じるのではなく、強さの裏側にある不安を見せる。
「20 Feet Tall」は、以後の楽曲で展開される愛、欲望、別れ、回復の前に、まず「自分はどのように見られ、どのように立っているのか」という問いを置く。アルバム全体の精神的な姿勢を決定づける、静かで重要なオープニングである。
2. Window Seat
「Window Seat」は、本作を代表する楽曲であり、Erykah Baduのキャリアの中でも重要な一曲である。タイトルは「窓側の席」を意味し、移動中の孤独、外界を眺める距離感、逃避への欲望を象徴する。飛行機や電車の窓側に座り、誰にも邪魔されず、自分だけの視点から世界を眺めたい。その願いは、自由への欲望であると同時に、他者との関係から少し離れたいという疲労でもある。
音楽的には、滑らかなネオ・ソウルのグルーヴが中心で、ベースとドラムがゆったりと揺れる。メロディは親しみやすく、Baduの声も非常に自然に流れていく。曲全体には軽やかな浮遊感があるが、歌詞には強い孤独と自己防衛が含まれている。誰かと一緒にいたいが、一人にもなりたい。愛されたいが、干渉されたくない。その矛盾が曲の核心である。
歌詞では、周囲の期待や人間関係の重さから距離を置きたいという感覚が描かれる。窓側の席は、完全な孤立ではなく、世界を見ながら自分のスペースを確保する場所である。Baduはここで、女性として、母として、アーティストとして、周囲から求められる役割から一時的に離れたいと歌っているように響く。
「Window Seat」は、楽曲そのものだけでなく、そのミュージック・ビデオでも大きな議論を呼んだ。だが、曲単体としても、自由と孤独、愛と距離、社会的視線と自己の身体というテーマが鮮やかに表れている。本作の中心的なメッセージを最も開かれた形で提示する名曲である。
3. Agitation
「Agitation」は、短いインタールード的な楽曲でありながら、アルバムのムードに重要なアクセントを加える。タイトルは「動揺」「苛立ち」「扇動」を意味し、恋愛や自己の内側にある落ち着かなさを示している。前曲「Window Seat」が自由を求める比較的開かれた曲だったのに対し、この曲では心の中のざわめきが小さな断片として現れる。
音楽的には、短く、実験的で、ビートや声の処理に遊びがある。完成されたポップ・ソングというより、アルバム内の呼吸や転換点として機能する。Baduのアルバムでは、こうした短い断片が重要な役割を持つ。曲と曲の間にある感情の変化、意識の揺らぎを示すからである。
歌詞や声の扱いには、神経が少し高ぶっているような感覚がある。愛や欲望は心を満たすだけでなく、落ち着かなくもする。相手を求めること、自分を守ること、自由でいたいこと。その間で心が揺れる。この曲はその揺れを、短い音のスケッチとして提示している。
「Agitation」は単独で大きな曲として聴くより、アルバム全体の流れの中で重要である。Baduの作品におけるジャム的、コラージュ的な構成を示し、次曲以降のより濃いグルーヴへ向けて、心の波を作っている。
4. Turn Me Away (Get MuNNY)
「Turn Me Away (Get MuNNY)」は、Sylvia Striplinの「You Can’t Turn Me Away」を下敷きにした楽曲であり、ヒップホップ・ソウル的なサンプリング感覚が強く表れた一曲である。タイトルには、拒絶されることと、金銭、価値、欲望が絡み合うニュアンスがある。“MuNNY”という表記も、単なるmoneyではなく、Baduらしい言葉遊びと意味のズレを含んでいる。
音楽的には、滑らかなソウル・グルーヴとヒップホップ的な反復が融合している。ベースラインは心地よく、曲全体は非常にリラックスしているが、歌詞には関係性の駆け引きや、愛と価値の問題が潜んでいる。Baduは声を軽く流しながらも、フレーズの置き方で余裕と皮肉を感じさせる。
歌詞では、拒絶、欲望、自己価値、相手との力関係がテーマになる。相手に振り回されるのではなく、自分の価値を知っている女性の視点がある。Baduの恋愛表現は、ただ相手にすがるものではない。彼女は欲望を認めながら、自分が搾取されることには敏感である。この曲には、そのしたたかな主体性が表れている。
「Turn Me Away (Get MuNNY)」は、本作の中でも特にグルーヴの快楽が強い曲であり、同時にBaduのヒップホップ的な知性を示す。過去のソウルを引用しながら、現代的な女性の声へ変換する手つきが見事である。
5. Gone Baby, Don’t Be Long
「Gone Baby, Don’t Be Long」は、本作の中でも特に柔らかく、日常的な恋愛の距離感を描いた楽曲である。タイトルは「行ってしまった人、長くは離れないで」という意味を持ち、別れや不在の中に残る愛情を示している。完全な破局ではなく、離れている時間に相手を待つ感覚が中心にある。
音楽的には、Madlibによるプロダクションが生む浮遊感のあるビートと、Baduの柔らかな声が見事に合っている。リズムは硬くなく、少し揺れ、ループ感が強い。J Dilla以降のビート美学にも通じる、機械的でありながら人間的なズレがあり、そこにBaduの声が滑り込む。
歌詞では、相手が離れていくことへの寂しさと、それでも戻ってきてほしいという願いが描かれる。Baduは感情を大げさに爆発させず、むしろ軽く、少し諦めたような口調で歌う。そのため、曲には深刻な悲劇ではなく、生活の中の小さな不在の痛みがある。相手は今いない。しかし、まだ関係は終わっていない。その宙ぶらりんな状態が、曲の浮遊感と重なる。
「Gone Baby, Don’t Be Long」は、アルバムの中でも特に心地よいグルーヴを持つ楽曲であり、Baduの声とビートの相性が際立つ。恋愛の不在を、重い喪失ではなく、揺れる日常の感覚として表現した名曲である。
6. Umm Hmm
「Umm Hmm」は、タイトルからして声にならない相づちや、曖昧な同意、官能的な反応を思わせる楽曲である。言葉以前の声、身体的な反応、相手との間に生まれる空気が重要になる。Baduの音楽では、意味のある歌詞だけでなく、声の質感や間合いが大きな役割を持つが、この曲はその特徴をよく示している。
音楽的には、深いベースとゆったりしたグルーヴが中心で、非常に官能的な空気を持つ。曲は急がず、リズムの隙間を大切にしながら進む。Baduのヴォーカルは、強く歌い上げるのではなく、声を漂わせ、フレーズを伸ばし、時に言葉を溶かすように扱う。
歌詞では、恋愛や身体的な親密さにおける曖昧な感情が描かれる。はっきりとした宣言ではなく、「Umm hmm」という相づちの中に多くの意味が含まれる。肯定、疑い、余裕、挑発、受け流し。Baduはこの曖昧さを巧みに使い、関係性の中にある力の駆け引きを表現している。
「Umm Hmm」は、本作の官能性を象徴する楽曲である。R&Bにおいて声はしばしば身体の延長として機能するが、Baduはここでまさに声を身体的な反応として使っている。言葉にならない感覚を、音楽として成立させた一曲である。
7. Love
「Love」は、タイトルが示す通り、アルバムの中心テーマを直接扱う楽曲である。ただし、Baduにおける愛は単純な幸福ではない。愛は癒やしであり、混乱であり、依存であり、自己認識の鏡である。この曲では、その多面的な愛が、ゆったりしたグルーヴの中で展開される。
音楽的には、ソウルとジャズの温かい質感があり、Baduの声が非常に自然に響く。曲は大きなドラマを作るというより、愛という状態の中を漂うように進む。ベース、鍵盤、コーラスが柔らかく絡み合い、聴き手を包み込むような音像を作っている。
歌詞では、愛が人間をどう変えるのか、どう支え、どう傷つけるのかが示唆される。Baduは愛を神聖視しすぎない。愛には美しさがあるが、同時に不安定さもある。相手を求めることは、自分自身の弱さと向き合うことでもある。その認識が曲に深みを与えている。
「Love」は、本作の中で最もタイトルが直截的な曲のひとつだが、内容は単純ではない。Baduは愛を定義するのではなく、愛の中にいる感覚を音楽化している。これは彼女のネオ・ソウル的美学の核心であり、グルーヴそのものが感情の説明になっている。
8. You Loving Me (Session)
「You Loving Me (Session)」は、タイトルに“Session”とある通り、完成されたポップ・ソングというより、セッション的な断片、あるいは親密な録音の記録のように響く楽曲である。Baduの作品では、こうしたラフな質感が重要である。完璧に磨かれたスタジオ作品ではなく、音楽が生まれている瞬間の空気を残すことで、アルバムに生々しさが加わる。
音楽的には、短く、柔らかく、ほとんどスケッチのようである。声と音の距離が近く、Baduが誰かに向かって直接歌っているような親密さがある。派手な展開はないが、その未完成感が、愛の不確かさや即興性と重なる。
歌詞では、相手に愛されること、その感覚を受け取ることが中心になる。Baduの歌において、愛されることは単純な安心ではない。愛を受け取るには、自分を開かなければならない。そこには喜びだけでなく、脆さもある。この短い曲は、その瞬間を切り取っている。
「You Loving Me (Session)」は、アルバムの大きな流れの中で小さな呼吸のように機能する。Baduの音楽が、完成された構造だけでなく、声、空気、瞬間を大切にしていることを示す楽曲である。
9. Fall in Love (Your Funeral)
「Fall in Love (Your Funeral)」は、本作の中でも特に強い個性を持つ楽曲であり、恋愛における危険性と自己防衛をユーモアを交えて描いている。タイトルは「恋に落ちるなら、それはあなたの葬式」という挑発的な言葉であり、Baduらしい皮肉、警告、官能性が同居している。
音楽的には、J Dillaの影響を強く感じさせるビートが印象的で、ヒップホップとソウルの境界にある揺れたグルーヴが曲を支えている。ベースとドラムの重心は低く、Baduの声はその上で余裕を持って動く。曲全体には、甘さよりも危険な魅力がある。
歌詞では、語り手が自分に恋をする相手へ警告している。自分に近づくなら傷つくかもしれない。恋に落ちることは幸福ではなく、破滅の始まりかもしれない。この視点は、女性を単なる愛される対象としてではなく、危険な主体、相手を揺さぶる力を持つ存在として描く。Baduはここで、自分の魅力を自覚しながら、それを無邪気には扱わない。
「Fall in Love (Your Funeral)」は、本作の中でもBaduのヒップホップ的な態度が最も鮮明な曲である。甘いラヴ・ソングの形式を反転させ、愛に潜むリスクを挑発的に提示している。アルバムの官能性に、鋭い毒を加える重要曲である。
10. Incense
「Incense」は、タイトルが「香」を意味するように、アルバムの中でも特にスピリチュアルで、煙のように漂う質感を持つ楽曲である。香は儀式、瞑想、浄化、室内の親密な空気を連想させる。本作における身体性と霊性の交差を象徴するような曲である。
音楽的には、ゆったりとしたビートと幻想的な音響が中心で、Baduの声が煙のように漂う。曲は明確なポップ構造に向かうのではなく、空間そのものを作ることに重点を置いている。聴き手はメロディを追うというより、音の中に身を置くような感覚になる。
歌詞では、香り、空気、身体、精神的なつながりが曖昧に重なる。Baduにとって官能性は単なる肉体的欲望ではなく、霊的な経験とも結びつく。相手と同じ空間にいること、香りを共有すること、呼吸が重なること。それらが愛や瞑想の一部になる。
「Incense」は、本作の中で最も雰囲気重視の楽曲のひとつであり、Baduのスピリチュアルな美学を示している。ネオ・ソウルが持つオーガニックな質感と、彼女独自のアフロセントリックな精神性が静かに表れた曲である。
11. Out My Mind, Just in Time
アルバムを締めくくる「Out My Mind, Just in Time」は、3部構成に近い長尺の楽曲であり、本作の感情的なクライマックスである。タイトルは「正気を失いかけて、ちょうど間に合った」というようなニュアンスを持ち、恋愛によって自己を失いかけた状態と、そこから自分を取り戻す瞬間を示している。
曲の前半は、ピアノを中心にした静かなバラードとして始まる。Baduの声は非常に脆く、恋愛の終わりや依存の痛みを直接的に表現する。ここでは、彼女の普段の余裕やユーモアは後退し、傷ついた人間の声が前面に出る。相手を愛しすぎたこと、自分を見失ったこと、その代償が歌われる。
中盤以降、曲は徐々に変化し、リズムや音の層が加わることで、自己回復の方向へ進む。Baduはただ崩れるだけではなく、そこから自分を引き戻そうとする。恋愛によって壊されそうになった自己が、音楽の中で少しずつ形を取り戻す。この展開は、アルバム全体のテーマと深く結びついている。
歌詞では、依存、自己犠牲、愛の中で失われる主体性が描かれる。Baduは愛を美化するだけではなく、愛が人を狂わせる力を持つことを認める。しかし、最終的にはその狂気から戻ってくる。ここに“Return of the Ankh”というタイトルの意味が重なる。生命力の回復、自己の帰還、女性としての主体性の再獲得である。
「Out My Mind, Just in Time」は、本作の終曲として極めて重要である。アルバム全体に漂っていた愛、欲望、距離、依存、自由への願いが、この曲で最も深く掘り下げられる。Baduは最後に、恋愛の中で自分を失った経験を、再生の物語へ変える。ただし、それは単純な勝利ではない。傷を抱えたまま、それでも自分へ戻る。その過程が、この曲の長い展開に刻まれている。
総評
『New Amerykah Part Two (Return of the Ankh)』は、Erykah Baduのディスコグラフィにおいて、最も官能的で、柔らかく、同時に自己回復のテーマを強く持つアルバムである。前作『New Amerykah Part One (4th World War)』が政治的で硬質な作品だったのに対し、本作は愛、身体、女性性、欲望、スピリチュアルな生命力へと焦点を移している。しかし、それは社会性を捨てたという意味ではない。Baduにとって、個人の愛や身体の問題は、黒人女性としての主体性や霊性と切り離せない。社会的な戦いの後に、自分の身体と心を取り戻すこと。それが本作の重要な主題である。
音楽的には、本作はネオ・ソウルの成熟した形を示している。1990年代後半のネオ・ソウルは、クラシック・ソウルへの回帰、ジャズやヒップホップとの融合、オーガニックな演奏感を特徴としていた。Baduはその中心人物の一人だったが、『New Amerykah Part Two』では、その美学がさらに緩やかで、実験的で、深いグルーヴへ発展している。曲はしばしば明確なポップ構造から離れ、ループやセッション、間合いを重視する。これは一見地味に感じられるかもしれないが、聴き込むほど音の配置や声の動きが豊かに感じられる。
本作の最大の魅力は、Baduの声の使い方にある。彼女は圧倒的な声量で聴き手を支配するタイプのシンガーではない。むしろ、声を柔らかく置き、ずらし、重ね、囁き、揺らすことで、グルーヴの中に感情を溶かしていく。歌詞の意味だけでなく、声のニュアンスそのものが物語を語る。これはR&Bやソウルにおける高度な表現であり、Baduが単なるソングライターではなく、声の音響作家でもあることを示している。
歌詞面では、恋愛と自己の関係が繰り返し問われる。「Window Seat」では自由と孤独の欲望が歌われ、「Turn Me Away」では自己価値と駆け引きが描かれ、「Fall in Love (Your Funeral)」では愛の危険性が挑発的に語られる。そして「Out My Mind, Just in Time」では、恋愛によって失われかけた自己を取り戻す過程が長尺で描かれる。アルバム全体は、愛に向かい、愛に揺さぶられ、愛から距離を取り、最終的に自分へ戻る流れを持っている。
また、本作には母性や女性としての身体感覚も深く流れている。Baduの音楽における女性性は、単に優しさや受容だけではない。そこには欲望があり、怒りがあり、ユーモアがあり、霊的な強さがある。彼女は恋愛の対象としての女性ではなく、愛する主体、選ぶ主体、去る主体、回復する主体として歌う。この視点が、本作を単なるロマンティックなR&Bアルバムではなく、女性の自己回復のアルバムにしている。
サウンド面では、Madlib、J Dilla的なビート感覚、1970年代ソウルのサンプリング的記憶、ファンクのベースライン、ジャズ的な余白が混ざり合う。特に「Gone Baby, Don’t Be Long」や「Fall in Love (Your Funeral)」では、ヒップホップのループ感とBaduの声が非常に高い精度で結びついている。一方で、「20 Feet Tall」や「Out My Mind, Just in Time」では、より裸に近い感情表現も見られる。アルバム全体は滑らかだが、実際には多様な質感を持っている。
『New Amerykah Part Two』は、即効性のあるヒット曲だけで構成されたアルバムではない。「Window Seat」のような代表曲はあるが、作品全体の魅力は、曲単位の強いフックよりも、アルバムを通して流れるムードにある。夜、部屋、香、肌、記憶、低音、声の余韻。そうした感覚的な要素が重なり、聴き手をBaduの内的空間へ誘う。これは、ストリーミング時代の単曲消費とは異なる、アルバムとしての体験を重視する作品である。
日本のリスナーにとって本作は、ネオ・ソウルを理解する上で非常に重要なアルバムである。『Baduizm』のジャズ・ソウル的な分かりやすさから入ったリスナーには、本作の緩やかで断片的な構成は少し捉えにくいかもしれない。しかし、D’Angelo、The Roots、Jill Scott、Musiq Soulchild、J Dilla、Madlib周辺の音楽を好むリスナーには、本作のグルーヴと余白の美学は深く響くはずである。
『New Amerykah Part Two (Return of the Ankh)』は、政治的な怒りの後に、生命、身体、愛、女性性へ戻っていくアルバムである。だが、その帰還は単純な癒やしではない。愛は人を壊すこともあり、欲望は自分を見失わせることもある。それでも、Baduはその中から自分自身を取り戻す。アンクが象徴する生命の力は、傷のない純粋さではなく、傷ついた後に戻ってくる力である。本作は、その回復のプロセスを、深いグルーヴと柔らかな声で描いた、2010年代ネオ・ソウルの重要作である。
おすすめアルバム
1. Erykah Badu – Mama’s Gun
Erykah Baduの代表作のひとつであり、バンド感の強いネオ・ソウル、深い感情表現、恋愛と自己回復のテーマが結びついたアルバム。『New Amerykah Part Two』の個人的で官能的な側面を理解する上で最も関連性が高い。特に「Green Eyes」に見られる長尺の感情展開は、「Out My Mind, Just in Time」と響き合う。
2. Erykah Badu – New Amerykah Part One (4th World War)
本作の前編にあたる作品。政治的、社会的、実験的な色が強く、アメリカ社会、戦争、黒人共同体の不安がテーマになっている。『Part Two』の柔らかさと対比して聴くことで、“New Amerykah”シリーズが、社会的闘争と個人的回復の二面性を持っていることが分かる。
3. D’Angelo – Voodoo
ネオ・ソウルの金字塔であり、J Dilla的な揺れたビート、ファンク、ソウル、ゴスペル、官能性が融合した作品。『New Amerykah Part Two』の深いグルーヴ、身体性、ループ感を理解する上で欠かせない。Baduの音楽と同じく、曲単位のフックよりも、音の粘度と時間の流れを重視するアルバムである。
4. Jill Scott – Who Is Jill Scott? Words and Sounds Vol. 1
フィラデルフィア・ネオ・ソウルを代表する作品で、詩、会話、ジャズ、ソウル、女性の愛と身体感覚が豊かに表現されている。Baduよりも温かく語り口が明確だが、女性の主体性とネオ・ソウルの有機的なサウンドを理解する上で関連性が高い。
5. The Roots – Things Fall Apart
ヒップホップ、ソウル、ジャズ、社会性を高いレベルで融合したThe Rootsの代表作。Erykah Baduとも深い関係を持つフィラデルフィア周辺のネオ・ソウル／ヒップホップ文脈を理解する上で重要である。『New Amerykah Part Two』の背後にあるヒップホップ的なグルーヴ感を補助線として聴ける。
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