発売日：1971年1月
ジャンル：ハードロック、ブルース・ロック、サイケデリック・ロック、ヘヴィ・ロック、クラシック・ロック
概要
Mountain の Nantucket Sleighride は、1971年に発表された2作目のスタジオ・アルバムであり、アメリカン・ハードロックがブルース・ロック、サイケデリック・ロック、フォーク的な叙情性、重厚なギター・サウンドを結びつけていく過程を示す重要作である。Mountain は、Leslie West の太く歪んだギターと力強いヴォーカル、Felix Pappalardi のメロディ感覚とプロデュース能力、Corky Laing の重いドラムを核にしたバンドであり、しばしば「アメリカ版Cream」とも呼ばれる。しかし、彼らの音楽は単なるCreamの模倣ではない。ブルースを基盤にしながら、より大きな音圧、アメリカ的な土臭さ、そして時に幻想的な叙情性を持っていた。
前作 Climbing! は、「Mississippi Queen」という代表曲によってMountainの名前を一気に広めた作品だった。あの曲に象徴されるように、Mountain は重いギター・リフとシンプルなロックンロールの快感を武器にしていた。しかし Nantucket Sleighride では、その豪快さに加えて、より幅広い表現が試みられている。アルバム全体にはハードロックの力強さがある一方で、メロディアスな曲、幻想的な展開、内省的な歌詞、長尺のタイトル曲などが含まれ、単なるリフ中心のロック・アルバムを超えた奥行きを持っている。
アルバム・タイトルの Nantucket Sleighride は、捕鯨用語に由来する。捕鯨船が銛を打ち込んだ鯨に引きずられて海上を激しく進む状態を指す言葉であり、そこには自然の巨大さ、人間の危険な冒険、死と生の境界が含まれている。タイトル曲は、捕鯨船員 Owen Coffin への献辞として知られ、単なるロックの題材を超えて、海、犠牲、英雄性、記憶をめぐる物語性を持つ。Mountain の音楽が持つスケール感は、このタイトルに非常によく表れている。
1971年という時代背景を考えると、本作はハードロックがブルース・ロックからヘヴィメタルへ向かう過渡期に位置している。Led Zeppelin、Black Sabbath、Deep Purple、Grand Funk Railroad などがそれぞれ重いロックの形を発展させていた時期であり、Mountain もその流れの中にいた。ただし、Mountain の重さはBlack Sabbathのような暗黒性とも、Led Zeppelinの神話的な多様性とも少し異なる。Leslie West のギターは非常に太く、シンプルで、肉体的であり、Felix Pappalardi のソングライティングはそこにメロディと幻想性を加える。この二つの要素の対比が、Mountain の独自性を作っている。
本作のサウンドは、非常に濃密である。Leslie West のギターは、低音域が太く、フレーズは比較的シンプルながら強い存在感を持つ。彼のギター・トーンは後のハードロック／ヘヴィメタル・ギタリストに大きな影響を与えた。速弾きや複雑な技巧よりも、一音の重み、リフの迫力、サステインの長さが重要であり、この感覚は1970年代以降の重いギター・ロックの基礎の一部となった。
一方で、Felix Pappalardi の存在はMountainを単なる重量級ロック・バンドに留めなかった。彼はCreamのプロデューサーとしても知られ、アレンジ、メロディ、構成感に優れていた。Nantucket Sleighride では、彼の感覚が「The Animal Trainer and the Toad」や「Travellin’ in the Dark」などの楽曲に表れ、バンドの音楽にポップ性やサイケデリックな広がりを与えている。つまり本作は、Leslie West の重厚なギターとPappalardiの構成力が拮抗することで成立している。
歌詞面では、ロックンロール的な欲望や関係の緊張を扱う曲もあれば、海や歴史、旅、夢のようなイメージを含む曲もある。Mountain は、ブルース・ロックの直接性と、1970年代初頭のアルバム・ロックが持っていた物語性の両方を持っていた。特にタイトル曲は、ハードロック・アルバムの中に叙事詩的な要素を持ち込んだ楽曲として重要である。
Nantucket Sleighride は、前作の代表曲「Mississippi Queen」ほど一曲で強烈に知られる曲がある作品ではないかもしれない。しかし、アルバム全体としてはMountainの音楽的な幅、重さ、叙情性がよく表れており、彼らの代表作として高く評価できる。アメリカン・ハードロックの形成期を理解するうえで欠かせない一枚である。
全曲レビュー
1. Don’t Look Around
オープニングを飾る「Don’t Look Around」は、Mountain のハードロック・バンドとしての力強さを明確に示す楽曲である。タイトルは「周りを見るな」「振り返るな」という意味に取れ、迷いや不安を捨てて前へ進むような緊張感を持つ。アルバムの開始にふさわしく、リフの重さとリズムの推進力が前面に出ている。
Leslie West のギターは冒頭から太く、存在感がある。リフは複雑ではないが、音の厚みと間の取り方によって強い迫力を生んでいる。Mountain の魅力は、技巧を詰め込むことよりも、リフそのものの重量を聴かせる点にある。この曲でも、ギターは曲を支配する中心的な力として鳴っている。
リズム隊も非常に重要である。Corky Laing のドラムは重く、曲を地面に叩きつけるように進める。Felix Pappalardi のベースは、ギターと対立するというより、低音の塊として全体を支える。バンド全体が一つの大きな音の壁のように機能している。
歌詞では、周囲の声や過去を気にせず、何かに向かって進む感覚がある。これはロックンロールの基本的なテーマでもあるが、Mountain の演奏によって、より肉体的な力を持つ。考えるよりも進む。振り返るよりも鳴らす。この曲は、アルバムを力強く始動させる役割を果たしている。
2. Taunta
「Taunta」は、短いインストゥルメンタル的な小品であり、アルバムの流れに幻想的な余白を作る楽曲である。Mountain は重いハードロックのイメージが強いバンドだが、こうした短い音響的な断片を挟むことで、アルバムに単調ではない起伏を与えている。
サウンドは前曲の重厚なロックとは異なり、より柔らかく、夢のような質感を持つ。曲名自体も抽象的で、明確な物語を語るというより、次の曲へつながる雰囲気を作る役割が強い。1970年代初頭のアルバム・ロックには、こうした短い導入や間奏が重要な意味を持つことが多かった。
この曲は、Mountain の音楽にあるサイケデリックな側面を示している。彼らは単に大音量でリフを鳴らすだけのバンドではなく、音色や空間の変化にも意識的だった。「Taunta」は短いながら、アルバム全体をより物語的に感じさせるための重要な橋渡しである。
3. Nantucket Sleighride
タイトル曲「Nantucket Sleighride」は、本作の中心に位置する大曲であり、Mountain の叙情性、構成力、スケール感を最もよく示す楽曲である。捕鯨船員 Owen Coffin に捧げられた曲として知られ、海、危険、犠牲、記憶をめぐる壮大なイメージを持つ。ハードロックの枠内に、歴史的・叙事詩的なテーマを持ち込んだ重要曲である。
曲は静かで美しい導入から始まり、徐々に大きく展開していく。Mountain のハードロック的な重量感はここでも存在するが、それ以上に重要なのは、曲全体のドラマ性である。Leslie West のギターは単にリフを刻むだけでなく、メロディックに歌い、海の広がりや悲劇性を表現する。Felix Pappalardi のアレンジ感覚も強く、曲は単調なジャムではなく、明確な起伏を持つ。
歌詞では、捕鯨という過酷な世界と、そこに生きた人物への追悼が描かれる。Nantucket Sleighride という言葉には、海上を暴力的に引きずられるスピードと恐怖が含まれるが、曲全体はただ激しいだけではない。そこには、海に飲み込まれる人間の小ささ、死者への敬意、自然の巨大さがある。ハードロックでありながら、非常に文学的な感触を持つ。
この曲の長尺構成は、1970年代初頭のロックにおけるアルバム志向をよく示している。シングルとしての即効性よりも、時間をかけて情景を作り、感情を展開することが重視されている。Mountain はここで、ブルース・ロックの重さを、アメリカ的な叙事詩へと拡張している。
「Nantucket Sleighride」は、バンドの代表曲の一つであり、アルバム全体の核である。前作の「Mississippi Queen」がMountainの肉体的なロックンロール性を象徴するなら、この曲は彼らの叙情性と構成力を象徴している。
4. You Can’t Get Away
「You Can’t Get Away」は、タイトル通り「逃げられない」という緊迫した感覚を持つ楽曲である。人間関係、欲望、過去、あるいは自分自身から逃げられないというテーマとして解釈できる。Mountain のブルース・ロック的な重さが、こうした心理的な圧迫感とよく結びついている。
サウンドは重く、ギターのリフが曲を強く引っ張る。Leslie West のギターはここでも非常に太く、逃げ場のない壁のように迫ってくる。曲調にはブルースの要素があり、逃れられない運命や繰り返される感情のループを感じさせる。
歌詞では、相手に対して、あるいは自分自身に対して、逃避の不可能性が突きつけられる。ロックやブルースにおいて「逃げられない」というテーマは非常に重要である。恋愛、罪、社会、内面の闇。どれほど遠くへ行っても、自分が抱えたものはついてくる。この曲は、その感覚をシンプルで力強いハードロックとして表現している。
「You Can’t Get Away」は、タイトル曲の叙事詩的な広がりの後に、再び地上の肉体的なロックへ引き戻す役割を持つ。Mountain のブルース・ロック的な側面がよく表れた曲である。
5. Tired Angels
「Tired Angels」は、アルバムの中でも比較的メロディアスで、内省的な雰囲気を持つ楽曲である。タイトルは「疲れた天使たち」を意味し、理想、純粋さ、救済の象徴である天使が疲弊しているというイメージが印象的である。これは1970年代初頭の時代感とも響き合う。1960年代の理想主義やヒッピー的な夢が疲れ始め、現実の重さが増していた時代にふさわしいタイトルである。
サウンドは、Mountain の重いギターを保ちながらも、やや柔らかい叙情性を持つ。Leslie West の演奏は力強いが、単純な攻撃性だけではなく、メロディに感情を込める。Pappalardi の感覚もあり、曲にはハードロックの中に漂う哀愁がある。
歌詞では、疲れた存在、理想を失いかけた者、あるいは世界の重さに傷ついた者たちへの視線が感じられる。天使という言葉は美しいが、それが疲れているという表現によって、曲には深い陰影が生まれる。救う側の存在さえ疲れているなら、人間は何に希望を見出せばいいのか。この問いが曲の背景にある。
「Tired Angels」は、本作における叙情的な側面を担う重要な曲である。Mountain がただ重いだけではなく、時代の疲労感や精神的な陰影を表現できるバンドだったことを示している。
6. The Animal Trainer and the Toad
「The Animal Trainer and the Toad」は、タイトルからして寓話的で奇妙な楽曲である。「動物の調教師とヒキガエル」という組み合わせは、童話、サーカス、幻想、皮肉を連想させる。Mountain の中ではやや風変わりな曲であり、Felix Pappalardi 的なポップ／サイケデリック感覚が強く出ている。
サウンドは重厚なハードロック一辺倒ではなく、どこか軽妙で、少し不思議な雰囲気を持つ。ギターの圧力よりも、曲のキャラクター性やリズムの面白さが前面に出ている。こうした曲があることで、アルバムは単なるヘヴィな作品ではなく、よりカラフルな表情を持つ。
歌詞は寓話的で、明確な意味を一つに限定しにくい。動物を調教する者とヒキガエルという関係には、支配、滑稽さ、自然と人間、見世物の感覚が含まれる。1970年代ロックには、こうした幻想的で少しナンセンスな歌詞がしばしば見られるが、Mountain の場合、それが重量級のサウンドと並ぶことで独特の味わいを持つ。
「The Animal Trainer and the Toad」は、本作に遊び心とサイケデリックな色彩を加える楽曲である。Mountain の音楽的な幅を示すうえで、見逃せない曲である。
7. My Lady
「My Lady」は、タイトル通り女性への思いを歌ったラブソング的な楽曲である。Mountain の重いサウンドの中で、比較的ストレートな感情が表現されている。ハードロック・バンドにとって、こうしたメロディアスなラブソングは、音楽的な柔軟性を示す重要な場面でもある。
サウンドは力強さを持ちながらも、メロディが前面に出ている。Leslie West のヴォーカルには粗さと温かさがあり、技巧的な滑らかさよりも、感情の直接性が魅力になっている。ギターも曲を重く支えつつ、歌の流れを壊さない。
歌詞では、相手への思い、愛情、距離感が比較的素直に描かれる。Mountain の歌詞世界には、海や歴史、幻想的なモチーフもあるが、この曲ではより個人的な感情が中心になる。アルバム全体の中では、叙事詩的なタイトル曲や政治的・寓話的な曲の間に置かれることで、人間的な親密さを与えている。
「My Lady」は、派手な曲ではないが、Mountain のメロディアスな側面を示す楽曲である。重いリフだけでなく、愛情を歌うロック・バラード的な表現にも対応できるバンドであることが分かる。
8. Travellin’ in the Dark
「Travellin’ in the Dark」は、暗闇の中を旅するというタイトルを持つ楽曲であり、移動、不確かさ、人生の方向感覚の喪失を連想させる。Mountain の音楽における旅の感覚は、単なるロード・ソング的な明るさではなく、危険や迷いを伴うものとして描かれることが多い。
サウンドは比較的コンパクトで、ハードロックの力強さとメロディアスな展開が組み合わさっている。ギターのリフは曲に推進力を与え、リズムは前へ進む感覚を作る。しかしタイトルの通り、そこには明確な目的地の明るさよりも、暗闇を進む不安がある。
歌詞では、どこへ向かっているのか分からないまま進む感覚が描かれる。暗闇の中の旅は、人生そのものの比喩として機能する。進むしかないが、先は見えない。Mountain の重いサウンドは、この不確かな前進を身体的に表現している。
「Travellin’ in the Dark」は、本作の中でロック・ソングとしてのまとまりがよく、アルバム後半を引き締める役割を持つ。Mountain のハードロック的な推進力と、やや内省的な歌詞のバランスがよく取れた曲である。
9. The Great Train Robbery
アルバムを締めくくる「The Great Train Robbery」は、タイトルからして西部劇、犯罪史、アメリカン・フォークロアを連想させる楽曲である。「大列車強盗」という題材は、初期映画史やアウトロー神話とも結びつき、Mountain のアメリカ的な物語性を感じさせる。
サウンドはアルバムの終曲らしく、勢いと荒々しさを持つ。ギターは重く、バンド全体が力強く進む。タイトル曲が海と捕鯨の叙事詩であったのに対し、この曲は陸のアウトロー的なイメージを持つ。海と列車、捕鯨と強盗という題材の違いはあるが、どちらにも危険、移動、冒険、死の気配がある。
歌詞では、列車強盗というドラマティックな題材を通じて、逃走、暴力、アメリカ的な無法性が描かれる。1970年代ロックでは、西部劇的なアウトロー像がしばしばロックンロールの自由や反抗と結びつけられた。Mountain もこの曲で、アメリカの荒々しい物語をハードロックとして鳴らしている。
「The Great Train Robbery」は、アルバムの最後にふさわしいエネルギーを持つ曲である。タイトル曲の海洋叙事詩とは異なる形で、Mountain の物語性と重いロック・サウンドを結びつけている。
総評
Nantucket Sleighride は、Mountain の音楽的な幅と成熟を示す重要なアルバムである。前作 Climbing! が「Mississippi Queen」の豪快なハードロックによって強い印象を残したのに対し、本作はよりアルバム全体としての奥行きがある。重厚なギター・リフ、ブルース・ロックの土台、サイケデリックな小品、メロディアスな曲、長尺の叙事詩的タイトル曲が並び、Mountain が単なる一発のリフ・バンドではなかったことを示している。
本作の中心にあるのは、Leslie West のギターの圧倒的な存在感である。彼の音は、後のハードロック／ヘヴィメタルのギター・トーンに大きな影響を与えた。速さや技巧よりも、太さ、重さ、サステイン、リフの説得力が重要であり、この美学は1970年代以降の重いロックの基本の一つとなった。「Don’t Look Around」や「You Can’t Get Away」では、その重量感が直接的に味わえる。
一方で、Felix Pappalardi の役割も非常に大きい。彼のプロデュース感覚、メロディのセンス、アレンジの広がりがなければ、Mountain はより単純なハードロック・バンドに留まっていた可能性がある。Nantucket Sleighride では、彼のサイケデリックで叙情的な感覚が、Leslie West のギターの重さと絶妙に組み合わされている。タイトル曲の構成や、「The Animal Trainer and the Toad」の奇妙な色彩は、そのバランスをよく示している。
アルバムの最大のハイライトは、やはり「Nantucket Sleighride」である。この曲は、捕鯨という歴史的題材を通じて、海、犠牲、冒険、死を描く大きなスケールを持つ。ハードロックが単なる若者の騒音ではなく、叙事詩的な物語を担えることを示した曲として重要である。Mountain の音楽的野心は、この曲に最もよく表れている。
本作は、1970年代初頭のハードロックの中でも、アメリカ的な質感が強い作品である。英国のLed ZeppelinやDeep Purpleがブルース、フォーク、クラシック的要素を取り込みながら独自の世界を築いたのに対し、Mountain にはアメリカのロード感、荒々しい自然、アウトロー的な物語、肉体的なギター・サウンドがある。そこにサイケデリックな幻想性が加わることで、独自の存在感を持っている。
歌詞面では、全体を貫く明確なコンセプト・アルバムではないものの、移動、危険、逃避、疲労、愛、物語といったモチーフが散りばめられている。海に引きずられる捕鯨船、暗闇の旅、大列車強盗、疲れた天使。これらのイメージは、1970年代初頭のロックが持っていた、現実と幻想の境界の曖昧さをよく示している。
日本のリスナーにとっては、Led Zeppelin、Cream、Grand Funk Railroad、Free、Humble Pie、Blue Cheer、Deep Purple、初期Black Sabbath などに関心がある場合、非常に聴き応えのある作品である。特に、ブルース・ロックを基盤にした太いギター、重いリズム、アルバム・ロック的な構成を好むリスナーには強く響くだろう。
Nantucket Sleighride は、Mountain の代表作の一つであり、アメリカン・ハードロック形成期の重要なアルバムである。豪快なリフだけではなく、叙情性、物語性、幻想的な空気を併せ持つ点で、バンドの音楽的な核心がよく表れている。海に引きずられる捕鯨船のように、重く、危険で、時に美しい。Mountain というバンドの魅力が、力強く刻まれた一枚である。
おすすめアルバム
1. Mountain – Climbing!
Mountain のデビュー作であり、「Mississippi Queen」を収録した代表作。よりストレートなハードロック色が強く、Leslie West のギターの重さとバンドの初期衝動を知るうえで欠かせない。Nantucket Sleighride の前段階として必聴である。
2. Mountain – Flowers of Evil
スタジオ録音とライヴ録音を含む作品で、Mountain のハードロック・バンドとしての迫力と即興的な演奏力を確認できる。Nantucket Sleighride の叙情性に対し、よりライヴ感のある重量級ロックを味わえる。
3. Cream – Disraeli Gears
Mountain がしばしば比較されるCreamの代表作。ブルース・ロック、サイケデリア、強力なトリオ編成の演奏が特徴であり、Felix Pappalardi がプロデュースに関わった点でも関連性が高い。Mountain の背景を理解するうえで重要である。
4. Leslie West – Mountain
Mountain 結成前のLeslie West名義の作品で、後のバンド名の由来にもなった重要作。Leslie West のギター・スタイルと、Felix Pappalardiとの音楽的な関係がすでに表れている。Mountain の原点を知るために適している。
5. Humble Pie – Performance Rockin’ the Fillmore
ブルース・ロックとハードロックを融合したライヴ名盤。Mountain と同じく、重いギター、ソウルフルなヴォーカル、ライヴでの迫力を重視するバンドであり、1970年代初頭の重量級ロックの空気を知るうえで関連性が高い。
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