発売日：1971年11月
ジャンル：ハードロック、ブルース・ロック、サイケデリック・ロック、プロト・メタル、ライブ・ロック
概要
Mountainの『Flowers of Evil』は、1970年代初頭のアメリカン・ハードロックにおいて、スタジオ録音とライブ録音を組み合わせることで、バンドの二面性を強く刻み込んだ作品である。Mountainは、Leslie Westの巨大なギター・サウンドと咆哮するヴォーカル、Felix Pappalardiのプロデュース感覚とメロディックなベース、Corky Laingの力強いドラムを中心に、ブルース・ロックをさらに重く、太く、鋭い形へ発展させたバンドだった。Cream以後のパワー・トリオ／ヘヴィ・ブルースの流れを受け継ぎながら、彼らはアメリカ的な重量感とメロディの分かりやすさを兼ね備えていた。
1969年のウッドストック出演を経て、Mountainは1970年の『Climbing!』で「Mississippi Queen」という代表曲を生み、続く『Nantucket Sleighride』で、よりメロディックかつ叙情的なハードロックへ広がった。『Flowers of Evil』は、その後に発表された作品であり、バンドがスタジオでの構築性とライブでの即興的な爆発力をどちらも提示しようとしたアルバムである。前半にはスタジオ録音、後半には1971年6月27日のニューヨーク、Fillmore Eastでのライブ録音が収められており、Mountainの本質が、曲作りと演奏の両面から示されている。
アルバム・タイトルの『Flowers of Evil』は、Charles Baudelaireの詩集『悪の華』を想起させる。もちろんMountainの音楽はフランス象徴詩の繊細さとは大きく異なるが、「美しさ」と「悪」、「花」と「毒」、「官能」と「破滅」というイメージの組み合わせは、本作の空気にもよく合っている。Mountainのサウンドには、甘いメロディやフォーク的な叙情がありながら、その表面を巨大なギターの歪みとヘヴィなリズムが覆う。美しい花が、重く黒い土から咲いているような音楽である。
本作の重要な特徴は、Mountainが単なる大音量のハードロック・バンドではなかったことを示している点である。Leslie Westのギターは、確かに巨大で、後のハードロックやヘヴィメタルの源流として聴けるほど重い。しかし彼の演奏は、速弾きや技巧の誇示よりも、太い一音、ブルース由来の泣き、リフの威力を重視する。Felix Pappalardiは、Creamの作品にも関わったプロデューサーとして知られ、Mountainの音にもメロディと構成感を与えている。Corky Laingのドラムは、単にリズムを刻むだけでなく、楽曲に肉体的な推進力をもたらす。
『Flowers of Evil』は、Mountainのディスコグラフィの中では、前二作に比べてやや過渡期的な作品として見られることもある。『Climbing!』ほどのシングル・ヒットの明快さ、『Nantucket Sleighride』ほどのアルバムとしての完成度に比べると、本作はスタジオ面とライブ面がはっきり分かれており、統一されたコンセプト・アルバムというより、バンドの現在地を切り取ったドキュメントに近い。しかし、その構成こそが本作の魅力でもある。Mountainのスタジオでの楽曲構築と、ライブでの荒々しい拡張力が、一枚の中で対比されるからである。
1971年という時代を考えると、本作はハードロックがブルース・ロックからよりヘヴィな表現へ進んでいく過程をよく示している。Led Zeppelin、Deep Purple、Black Sabbath、Grand Funk Railroad、Humble Pieなどが、それぞれ異なる形でロックの重量化を進めていた時代に、Mountainはアメリカ的なブルースの太さと、Cream直系のインプロヴィゼーション感覚を持ち込んだ。後のヘヴィメタルやストーナー・ロック、サザン・ハード、ジャム・ロックの文脈からも、本作は聴き直す価値がある。
全曲レビュー
1. Flowers of Evil
表題曲「Flowers of Evil」は、アルバム冒頭からMountainの重厚なサウンドを提示する楽曲である。タイトルが示す通り、美しさと不穏さが同居しており、曲全体にはハードロックの荒々しさと、どこか退廃的なムードがある。Leslie Westのギターは太く、リフは重く、バンド全体が低い重心で進む。
音楽的には、ブルース・ロックを基盤としながら、よりヘヴィでドラマティックな質感が強い。Mountainの特徴である、ギターの音圧とメロディックなヴォーカルの対比がよく表れている。Westの声は、荒々しさと哀愁を兼ね備えており、曲の持つ暗い色を強調する。
歌詞では、タイトル通り、悪や破滅の中に咲く美しさが暗示される。具体的な物語というより、象徴的なイメージが中心であり、ハードロック的な悪の美学に近い。1970年代初頭のロックでは、ブルースの痛みやサイケデリックな暗さが、より大きな音圧を持つハードロックへ変化していった。この曲はその流れを端的に示している。
「Flowers of Evil」は、アルバムの幕開けとして非常に効果的である。Mountainが持つ重さ、ブルース感、そして少し不吉な叙情が一曲の中に凝縮されている。
2. King’s Chorale
「King’s Chorale」は、短いインストゥルメンタル的な小品であり、アルバム前半に独特の荘厳さを与える楽曲である。タイトルの「Chorale」はコラール、すなわち賛美歌風の合唱や宗教的な和声を連想させる。Mountainのようなヘヴィなロック・バンドが、このようなクラシカル／宗教的な響きを取り入れることは、彼らの音楽が単なるブルース・ジャムにとどまらないことを示している。
音楽的には、短いながらも雰囲気作りの役割が大きい。重いリフや荒々しいヴォーカルは前面に出ず、むしろアルバムに一瞬の静寂や儀式的な空気をもたらす。前曲のハードな質感から、次曲以降へ向かう橋渡しとして機能している。
この曲は、Mountainの作品に時折現れる叙情性や構成感を象徴している。彼らはライブでは巨大な音で押し切るバンドだが、スタジオではこうした小さな間奏によってアルバムに陰影をつけることができた。Felix Pappalardiのプロデューサー的な感覚も、こうした配置に表れている。
「King’s Chorale」は単体の代表曲ではないが、『Flowers of Evil』のアルバムとしての流れを整える重要な短編である。
3. One Last Cold Kiss
「One Last Cold Kiss」は、Mountainのメロディックで叙情的な側面を代表する楽曲である。タイトルは「最後の冷たいキス」を意味し、別れ、死、喪失、冷えた愛情を連想させる。Mountainの音楽には、巨大なギター・リフだけでなく、こうした物語性と哀愁を持つ曲があり、それがバンドの魅力を広げている。
音楽的には、ハードロックの重さを保ちながらも、メロディの美しさが前面に出ている。Leslie Westのギターは、ここでは単なる力の象徴ではなく、歌心を持つ楽器として機能する。Felix Pappalardiの関与によるメロディックな構成も感じられ、MountainがCream以降のヘヴィ・ブルースを、より歌のある形へ発展させていたことが分かる。
歌詞では、冷たいキスというイメージが強く残る。愛の終わり、あるいは死者への別れのようにも読める。温かいはずのキスが冷たいという逆説が、曲に哀しみを与えている。Mountainは、こうしたロマンティックな陰影を、過剰に甘くならず、重いロックの音像の中で表現する。
「One Last Cold Kiss」は、本作の中でも特に完成度の高いスタジオ曲である。Mountainの力強さと叙情性がバランスよく結びついている。
4. Crossroader
「Crossroader」は、ブルース・ロック的な主題を持つ楽曲である。タイトルは、交差点を行く者、あるいはブルースの伝説における「クロスロード」のイメージを想起させる。クロスロードは、選択、運命、悪魔との契約、旅、漂泊を象徴する場所であり、ブルースやロックにおいて非常に重要なモチーフである。
音楽的には、Mountainのブルース的な根を強く感じさせる。リフは太く、リズムは粘りを持ち、Leslie Westのギターはブルース由来のフレーズをヘヴィな音で鳴らす。ここでのMountainは、メロディックなハードロック・バンドであると同時に、ブルースを土台にしたパワー・バンドでもある。
歌詞では、道を行く者、選択を迫られる者、あるいはどこにも定着しない人物の感覚が描かれる。ロック・ミュージシャンにとって道は自由の象徴であるが、同時に孤独と危険の場所でもある。「Crossroader」は、その二重性をブルース・ロックの形で表現している。
この曲は、Mountainがどれほどブルースの語法に根ざしていたかを示す重要曲である。後のヘヴィロックへつながる重さを持ちながら、根には古いブルースの影がある。
5. Pride and Passion
「Pride and Passion」は、スタジオ録音面を締めくくる楽曲であり、タイトル通り誇りと情熱をテーマにした力強い曲である。Mountainの音楽には、しばしば男らしいロックの豪快さがあるが、この曲ではその要素がかなり直接的に表れる。
音楽的には、重厚なバンド・サウンドとメロディックな展開が組み合わされている。ギターは強く、ドラムは大きく、ベースは曲の土台を支える。Mountainのスタジオ曲としては、彼らのハードロック面を明確に示す楽曲であり、ライブ録音へ移る前にバンドの基本姿勢を再確認させる。
歌詞では、誇り、情熱、信念、そして自分の道を進む姿勢が感じられる。1970年代のハードロックにおいて、こうしたテーマはしばしば大きなサウンドと結びついて表現された。Mountainの場合、その言葉は抽象的であっても、Leslie Westのギターと声によって肉体的な説得力を持つ。
「Pride and Passion」は、アルバム前半のスタジオ・パートを力強く閉じる曲である。ここまででMountainの曲作りの幅が示され、後半ではその演奏力がライブで拡張されていく。
6. Dream Sequence: Guitar Solo / Roll Over Beethoven / Dreams of Milk and Honey / Variations / Swan Theme
アルバム後半を占める「Dream Sequence」は、Fillmore Eastでのライブ録音による長大なメドレー／ジャムであり、本作のもうひとつの核である。ここではMountainのライブ・バンドとしての本質、すなわちスタジオ曲では収まりきらない即興性、音圧、ブルース・ロック的な拡張力が前面に出る。
まず「Guitar Solo」では、Leslie Westのギターが主役となる。彼の演奏は、当時のギター・ヒーロー的文脈の中でも非常に個性的である。細かい速弾きで埋めるというより、太い音色、長く伸びる音、ブルース的な間、リフの重量によって聴かせる。彼のギターは、音の数よりも一音の大きさで勝負するタイプであり、後のヘヴィロック・ギタリストにも大きな影響を与えた。
「Roll Over Beethoven」はChuck Berryの古典的ロックンロールを素材にしているが、Mountainの演奏では、その軽快なロックンロールがはるかに重く、分厚いものへ変化する。これは1970年代初頭のハードロックの典型的な手法でもある。1950年代のロックンロールの骨格を、巨大なアンプとブルース・ジャムの感覚で再構築する。Mountainはここで、ロックの歴史を自分たちの重量感で塗り替えている。
「Dreams of Milk and Honey」は、バンド初期からのレパートリーであり、サイケデリック・ブルース色の強い楽曲である。ライブでは、スタジオ版以上に自由度が増し、ギターとリズム隊が絡み合う。タイトルにある「milk and honey」は豊かさや理想郷を示すが、音楽は決して甘くない。むしろ、欲望と幻想が重いロックの音で表現される。
「Variations」では、テーマが変形され、バンドの即興性が前面に出る。Mountainはジャズ・ロックのような高度な変拍子や複雑な和声を中心にするバンドではないが、ライブではブルース・ロックを基盤にしながら、大きく楽曲を引き伸ばす力を持っていた。ここでは、三人の演奏が互いに反応しながら、音の圧力を高めていく。
最後の「Swan Theme」は、メドレーの締めくくりとして、やや叙情的な余韻を与える。白鳥のテーマという言葉には、優美さ、別れ、終わりの美しさが含まれる。激しいジャムの後に、このようなテーマが現れることで、単なる長尺演奏ではなく、ひとつの流れとして聴ける構成になっている。
「Dream Sequence」は、Mountainがスタジオだけでは理解できないバンドであることを示す重要な録音である。長さゆえに聴き手を選ぶ部分もあるが、1970年代初頭のハードロック・ライブの熱と過剰さを知るには非常に貴重なパートである。
7. Mississippi Queen
ライブ・パートの最後に置かれる「Mississippi Queen」は、Mountain最大の代表曲であり、1970年代ハードロックを象徴する名リフのひとつを持つ楽曲である。スタジオ版は『Climbing!』に収録されているが、本作ではライブ演奏として収められ、バンドの荒々しい勢いが強く表れている。
音楽的には、カウベルのイントロ、巨大なギター・リフ、簡潔で力強い構成が非常に印象的である。この曲の魅力は、複雑さではなく、リフと声の圧倒的な即効性にある。Leslie Westのギターは太く、Corky Laingのドラムは前へ突き進み、Felix Pappalardiのベースが楽曲を支える。ライブ版では、スタジオ版以上に荒く、熱量がある。
歌詞では、ミシシッピの女性をめぐる欲望、南部的なイメージ、ロックンロールの身体性が歌われる。物語はシンプルだが、曲の力はそのシンプルさにある。セクシュアルで、土臭く、ブルースの伝統を引き継ぎながら、音は完全にハードロック化されている。
「Mississippi Queen」は、Mountainがなぜハードロック史に残るバンドなのかを一曲で示す。リフの強度、声の荒々しさ、演奏の肉体性。すべてがここにある。本作の最後にこの曲が置かれることで、アルバムはライブ・バンドとしてのMountainの威力を強く印象づけて終わる。
総評
『Flowers of Evil』は、Mountainの作品の中でも、スタジオ・アルバムとライブ・アルバムの中間に位置する独特な一枚である。前半ではバンドの曲作りの幅が示され、後半ではライブでの拡張力と音圧が示される。この二部構成は、アルバムとしての統一感という点では賛否が分かれるかもしれない。しかし、Mountainというバンドの本質を理解するには非常に有効である。彼らは、スタジオでメロディックなハードロックを作れるバンドであり、同時にステージ上で曲を巨大なジャムへ変えるバンドでもあった。
本作のスタジオ面では、「Flowers of Evil」「One Last Cold Kiss」「Crossroader」などが特に重要である。これらの曲には、Mountainの重さ、ブルース性、叙情性がよく表れている。「One Last Cold Kiss」のような曲を聴くと、彼らが単なるリフ主体のバンドではなく、メロディと哀愁を持つバンドであったことが分かる。一方、「Crossroader」では、ブルース・ロックの根が強く感じられ、Mountainの音楽がどこから来たのかが明確になる。
ライブ面では、「Dream Sequence」が本作の評価を大きく左右する。長尺で、即興的で、時に荒々しく、現在のリスナーには過剰に感じられる部分もある。しかし、1970年代初頭のハードロックにおいて、こうした長いライブ・ジャムは重要な表現形式だった。ロック・バンドはスタジオで曲を作るだけでなく、ステージ上で曲を引き伸ばし、解体し、再構築することで、自分たちの力を示していた。Mountainもその系譜にあり、本作のライブ・パートはその証拠である。
Leslie Westのギターは、本作全体を通じて圧倒的な存在感を持つ。彼の音は、後のヘヴィメタル的な鋭さとは少し異なり、より丸く、太く、ブルースに根ざしている。しかし、その太さこそがMountainの個性である。一音鳴らすだけで空間が変わるようなギターであり、音数の多さよりも音そのものの重さで聴かせる。これは、後のストーナー・ロックやドゥーム系のギター感覚にも通じる。
Felix Pappalardiの役割も重要である。彼は単なるベーシストではなく、バンドの音楽的構成を支える存在だった。Creamとの関わりからも分かるように、彼にはブルース・ロックをアルバムとして整える感覚があった。Mountainの音が単なる轟音にならず、メロディや構成を保っているのは、Pappalardiの存在が大きい。Corky Laingのドラムは、バンドに肉体的な勢いを与え、ライブ・パートでは特にその力がよく伝わる。
『Flowers of Evil』は、Mountainの最高傑作としては『Climbing!』や『Nantucket Sleighride』に一歩譲るかもしれない。しかし、本作には、バンドが1971年時点で持っていた生々しい力が刻まれている。スタジオの構築美とライブの荒々しさが同居し、Mountainの音楽的な幅と矛盾がそのまま残されている。その意味で、本作は非常に重要なドキュメントである。
日本のリスナーにとって本作は、1970年代ハードロックがどのようにブルース・ロック、サイケデリック・ロック、ライブ・ジャムの文化から生まれてきたかを知るうえで有効である。現代的なメタルの精密さや、パンク以降の簡潔さとは異なり、ここには長く、重く、時に荒いロックの時間が流れている。そこに身を置くことで、ハードロックがまだ形式化される前の熱と混沌を感じることができる。
『Flowers of Evil』は、悪の花というタイトルにふさわしく、美しさと重さ、叙情と轟音、構成と過剰が同時に咲くアルバムである。Mountainというバンドの完全な整合性ではなく、むしろ荒々しい生命力を聴く作品である。ヘヴィなギター・ロックがまだ新しい地平を切り開いていた時代の熱を、そのまま封じ込めた一枚である。
おすすめアルバム
1. Mountain『Climbing!』
Mountainのデビュー・アルバムであり、「Mississippi Queen」を収録した代表作。Leslie Westの太いギター、Felix Pappalardiのメロディ感覚、Corky Laingの力強いリズムが最も分かりやすく提示されている。『Flowers of Evil』を聴くうえで、バンドの原点として欠かせない。
2. Mountain『Nantucket Sleighride』
Mountainのセカンド・アルバムで、より叙情的で構成力のある作品。表題曲をはじめ、ハードロックの重さとメロディックな美しさが高い水準で結びついている。『Flowers of Evil』のスタジオ録音面に惹かれるリスナーには特に重要な一枚である。
3. Cream『Wheels of Fire』
スタジオ録音とライブ録音を組み合わせた構成を持つ、Creamの重要作。Felix Pappalardiが関わった文脈も含め、Mountainの音楽的背景を理解するうえで非常に重要である。ブルース・ロックが長尺ジャムとハードロックへ向かう過程を比較できる。
4. Humble Pie『Performance Rockin’ the Fillmore』
1971年のFillmore Eastでのライブ録音を収めた、ハードロック／ブルース・ロックの名ライブ盤。Mountainの『Flowers of Evil』後半にあるライブの熱量と同時代性を共有しており、当時のアメリカのライブ・ロック文化を理解するうえで重要である。
5. Grand Funk Railroad『Closer to Home』
アメリカン・ハードロックの重量感とシンプルなリフ、ラフなバンド・エネルギーを代表する作品。Mountainと同じく、ブルース・ロックをより大音量で直接的な形へ発展させたバンドとして関連性が高い。1970年代初頭のアメリカン・ヘヴィ・ロックを知るために有効である。
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