アルバムレビュー：Language. Sex. Violence. Other? by Stereophonics

発売日：2005年3月14日

ジャンル：オルタナティブロック、ブリットロック、ポスト・ブリットポップ、ガレージロック、ハードロック、インディーロック

概要

Stereophonicsの『Language. Sex. Violence. Other?』は、2005年に発表された5作目のスタジオ・アルバムであり、バンドのキャリアにおいて大きな再起動を意味する作品である。1990年代後半、Stereophonicsはウェールズ出身のロック・バンドとして、ブリットポップ以後の英国ロック・シーンで急速に存在感を高めた。デビュー作『Word Gets Around』では、労働者階級的な日常描写と粗いギター・ロックを組み合わせ、続く『Performance and Cocktails』ではより大きなロック・アンセムを獲得した。2001年の『Just Enough Education to Perform』、2003年の『You Gotta Go There to Come Back』では、バラードやソウル、アメリカン・ロック的な要素も取り込み、商業的な成功を維持した。

しかし、その一方で、2000年代前半のStereophonicsは、初期の鋭さやスピード感が薄れ、ミドルテンポ中心の重いロック・バンドとして見られることもあった。『Language. Sex. Violence. Other?』は、そのイメージを大きく変えるアルバムである。ここでバンドは、余分な装飾を削ぎ落とし、短く、鋭く、攻撃的なギター・ロックへ回帰した。作品全体には、ガレージロック・リバイバル以後の時代感、ストレートなロックンロールの推進力、そしてKelly Jonesのしゃがれた声が持つ荒々しい魅力が強く刻まれている。

本作は、ドラマーJavier Weylerが初めて参加したアルバムとしても重要である。オリジナル・ドラマーStuart Cableの脱退後、Stereophonicsはバンドとしてのリズムの核を再構築する必要があった。Weylerの加入によって、サウンドはよりタイトで乾いたものになり、曲のスピード感と瞬発力が大きく増している。特に「Superman」「Doorman」「Brother」のような曲では、ドラムが単にビートを支えるだけでなく、曲全体を前へ押し出す推進力として機能している。

アルバム・タイトル『Language. Sex. Violence. Other?』は、分類、欲望、衝動、社会的なラベルを思わせる言葉の列である。言語、性、暴力、その他。これは人間の行動や社会的関心を大きく区分したような冷たい言葉でありながら、同時にロック・ミュージックが長く扱ってきたテーマの要約にも見える。Stereophonicsは本作で、過度な文学性や大きなコンセプトを掲げるのではなく、欲望、怒り、退屈、都市の騒音、人間関係の摩擦を、短いロックソングの形へ圧縮している。

音楽的には、本作はStereophonicsのディスコグラフィの中でも特にコンパクトで攻撃的である。前作『You Gotta Go There to Come Back』には、ブルース、ソウル、バラード的な重さがあったが、『Language. Sex. Violence. Other?』では、曲の多くが3分前後で切り上げられ、ギターリフ、鋭いドラム、簡潔なフックが中心になる。これは、2000年代初頭にThe Strokes、The White Stripes、The Hives、The Vinesなどによって再評価されたガレージロック的なエネルギーとも呼応している。ただし、Stereophonicsの場合、その音はアメリカ的なローファイ趣味ではなく、英国ロックらしい歌心とKelly Jonesの語り口に支えられている。

Kelly Jonesのヴォーカルは、本作の中心である。彼の声はハスキーで、やや荒れ、時に叫びに近い。美しく整った声ではないが、そこには現場感、苛立ち、疲労、欲望、皮肉がある。『Language. Sex. Violence. Other?』では、その声が最もロック的な形で前面に出ている。バラードで感情を広げるよりも、短く鋭いフレーズの中で感情をぶつける。そのため、アルバム全体に緊張感がある。

歌詞の面では、Stereophonicsらしい人物描写や日常の断片が、より鋭く、断片的に現れる。初期のKelly Jonesは、地元の人々や小さな町の日常を観察する語り手として評価されたが、本作ではその観察眼がより都市的で、神経質で、時に攻撃的な方向へ向かう。ドアマン、ドラッグ、テレビ的なイメージ、恋愛のすれ違い、虚勢、孤独、快楽、夜の場面。登場人物たちは明確な物語を持つというより、短い瞬間の中で切り取られる。

本作最大の代表曲は「Dakota」である。この曲はStereophonicsにとって重要なシングルであり、バンドの再浮上を象徴する楽曲となった。シンプルなギター・リフ、エモーショナルなコーラス、回想的な歌詞が結びつき、Stereophonicsの中でも最も普遍的なロック・アンセムの一つになっている。「Dakota」は、アルバム全体の荒々しいトーンの中で、過去の記憶と喪失感を大きなメロディへ変える役割を担う。

一方で、本作には「Deadhead」「Girl」「Lolita」のように、より猥雑で、皮肉があり、時に不穏な曲も含まれる。アルバムは単純に爽快なロックンロール作品ではなく、欲望や暴力性を含んだ人間の衝動を、あえて整理しすぎずに並べている。タイトルにある「Sex」「Violence」は、単なる挑発的な言葉ではなく、作品全体に漂う身体性や摩擦を表している。

日本のリスナーにとって『Language. Sex. Violence. Other?』は、Stereophonicsの中でも聴きやすく、かつロック・バンドとしての勢いを感じやすい作品である。代表曲「Dakota」から入ると、メロディアスなバンドとしての魅力が分かりやすいが、アルバム全体を聴くと、それ以上に荒々しいギター・ロックへの回帰が見えてくる。ブリットポップ以後の英国ロックが、2000年代のガレージロック的な時代感とどのように接続したかを知るうえでも重要な作品である。

全曲レビュー

1. Superman

「Superman」は、アルバムの冒頭を飾る楽曲であり、本作の再起動感を強く示す。タイトルは「スーパーマン」だが、ここで描かれるのは無敵の英雄というより、現代社会の中で過剰な自己像を演じる人物、あるいは自分を強く見せようとする人間の滑稽さである。Stereophonicsはこの曲で、前作までの重いミドルテンポ路線から離れ、より鋭いロックンロールへ舵を切ったことを明確にする。

音楽的には、タイトなドラムと荒いギターが前面に出る。曲はコンパクトで、余分な装飾が少ない。Kelly Jonesの声はしゃがれ、鋭く、曲のリフに食い込むように響く。サウンド全体にはガレージロック的な乾きがあり、2000年代前半のロック・リバイバルと呼応する感覚もある。

歌詞では、強さや虚勢、自己演出がテーマになる。スーパーマンのように振る舞う人物は、実際には脆さや不安を隠しているのかもしれない。ロックにおけるヒーロー像もまた、演じられたものとして見ることができる。この曲は、そうした過剰な自己像を軽く皮肉りながら、勢いのあるロックソングとして成立している。

「Superman」は、『Language. Sex. Violence. Other?』の導入として非常に効果的である。バンドが再び短く鋭いギター・ロックへ戻ったことを、最初の一曲で力強く示している。

2. Doorman

「Doorman」は、タイトル通りドアマン、つまりクラブやバーの入口に立つ人物を題材にした楽曲である。夜の街、出入りを管理する者、入れる人間と拒まれる人間の境界が、この曲の背景にある。Stereophonicsらしい人物観察の感覚が、より荒々しいロックの形で現れている。

音楽的には、短く、速く、攻撃的である。ギターはざらつき、ドラムは前のめりに進む。曲にはパンク的な勢いがあり、細かな装飾よりも瞬発力が重視されている。ライブでの爆発力を想定したような直線的な作りである。

歌詞では、ドアマンという存在が社会的なフィルターとして機能する。誰が中に入り、誰が外に残るのか。その判断は、階級、見た目、態度、金、暴力性と結びつく。夜の娯楽の場は自由に見えて、実際には多くの境界線によって管理されている。この曲は、その緊張を荒いリフの中に閉じ込めている。

Kelly Jonesのヴォーカルは、ここで非常に荒々しい。物語を丁寧に語るというより、場面を一瞬で切り取る。ドアの前の苛立ち、酒の匂い、人々の虚勢が、短い曲の中に凝縮されている。

「Doorman」は、本作の中で最もガレージロック的な勢いを持つ楽曲の一つである。Stereophonicsの観察眼が、夜の街の粗い空気と結びついている。

3. Brother

「Brother」は、タイトルから兄弟、仲間、親密な関係、あるいは同じ境遇にいる者への呼びかけを連想させる楽曲である。本作の中では、荒々しいギター・ロックでありながら、感情的なつながりも感じさせる曲である。

音楽的には、リフ主体のロックで、ドラムの推進力が強い。曲は直線的に進むが、メロディにはStereophonicsらしい哀愁がある。単に攻撃的なだけではなく、Kelly Jonesの声が感情の重さを加えている。

歌詞では、兄弟や親しい相手に向けた言葉が中心になる。そこには支え合いの感覚もあれば、同じ痛みを共有する者同士の連帯もある。タイトルの「Brother」は血縁だけでなく、人生の中で近くにいる者、同じ場所で傷ついている者を含んでいるように聴こえる。

本作は欲望や暴力性を感じさせる曲が多いが、「Brother」には人間的な温度がある。荒いサウンドの中でも、Stereophonicsが単なる姿勢のバンドではなく、関係性や感情を歌うバンドであることが分かる。

「Brother」は、『Language. Sex. Violence. Other?』の中で、ロックの推進力と人間的な連帯感を結びつける楽曲である。

4. Devil

「Devil」は、タイトル通り悪魔的な誘惑や内面の暗い衝動を扱う楽曲である。Stereophonicsの音楽には、日常の人物描写の中に、しばしば道徳的な曖昧さや欲望の影が入り込む。この曲では、その暗い要素がより直接的に現れている。

音楽的には、やや重く、ねじれた雰囲気を持つ。ギターは鋭いが、単純な疾走感だけではなく、曲全体に不穏さがある。リズムはタイトで、Kelly Jonesの声は低く、少し危険な響きを帯びる。アルバムの中で、攻撃性とダークな色合いが結びついた曲である。

歌詞では、悪魔という言葉が、外部の存在というより、人間の内側にある誘惑や破壊的な衝動の比喩として機能する。誰かを傷つけること、欲望に負けること、正しくないと分かっている方向へ進むこと。そうした人間の弱さが、悪魔という言葉で表現されている。

この曲は、Stereophonicsが持つブルージーな暗さともつながる。悪魔的なモチーフはロックやブルースの伝統的な題材でもあり、バンドはそれを現代的なギター・ロックの中で扱っている。

「Devil」は、本作の中で人間の暗い衝動を担う楽曲である。アルバムタイトルの「Violence」や「Sex」とも響き合う、危険な雰囲気を持つ一曲である。

5. Dakota

「Dakota」は、『Language. Sex. Violence. Other?』を代表する楽曲であり、Stereophonicsのキャリア全体でも最重要曲の一つである。アルバムの荒々しいロックンロール路線の中にあって、この曲はより大きなメロディと感情的な広がりを持ち、バンドの再浮上を象徴するアンセムとなった。

音楽的には、非常にシンプルで効果的である。反復されるギター・フレーズ、力強いビート、徐々に開けていくコーラスが、曲に大きなスケールを与えている。派手な複雑さはないが、構成が非常に明快で、聴き手を自然に引き込む。Kelly Jonesの声は、ここで特にエモーショナルに響く。

歌詞では、過去の記憶、若さ、関係の断片が描かれる。具体的な物語を説明するというより、ある時代、ある相手、ある瞬間を思い出すような言葉が並ぶ。タイトルの「Dakota」は、地名や名前のように響き、記憶の中の象徴として機能している。聴き手は、その言葉の背後に自分自身の記憶を重ねることができる。

この曲の魅力は、個人的な回想が普遍的なロック・アンセムへ変わる点にある。過ぎ去った時間を思うこと、若い頃の感情を振り返ること、もう戻れない場所を歌うこと。これらが、シンプルなギター・ロックの形で非常に強く響く。

「Dakota」は、本作の中心であり、Stereophonicsのメロディメーカーとしての力を改めて示した名曲である。荒々しいアルバムの中で、最も広いリスナーに届く感情的な核となっている。

6. Rewind

「Rewind」は、タイトル通り「巻き戻す」ことをテーマにした楽曲である。過去へ戻りたい、時間をやり直したい、記憶を再生したいという感覚が中心にある。前曲「Dakota」と同様に、本作における回想的な側面を担う曲である。

音楽的には、アルバム前半の荒々しい曲に比べ、やや抑制されたトーンを持つ。メロディは哀愁があり、Kelly Jonesの声が感情を丁寧に運ぶ。ギターは鋭さを保ちながらも、曲全体はより内省的である。

歌詞では、時間を巻き戻したいという願いが描かれる。人は過去の出来事を変えることはできない。しかし、記憶の中では何度も同じ場面を再生し、別の選択を想像する。この曲は、その反復する後悔や未練を扱っている。

Stereophonicsの強みは、こうした感情を過度に抽象化せず、ロックソングとして分かりやすく届ける点にある。「Rewind」は、難しい言葉を使わず、誰にでもある過去への未練を歌っている。

「Rewind」は、本作の中で、記憶と後悔を描く楽曲である。「Dakota」の大きな回想に続き、より個人的な巻き戻しの感覚を示している。

7. Pedalpusher

「Pedalpusher」は、タイトルから自転車のペダルを踏む人、あるいはドラッグや売人を連想させる俗語的な響きも持つ楽曲である。本作の中でも、荒々しく、スピード感のあるロックンロールとして機能している。

音楽的には、ギターのリフとドラムの勢いが中心で、曲は短く鋭い。アルバム全体にあるガレージロック的な感覚がここでも強く出ている。サウンドは飾り気がなく、ライブで一気に駆け抜けるような勢いを持つ。

歌詞では、移動、売買、欲望、都市の裏側のようなイメージが浮かぶ。明確な物語よりも、言葉の響きとスピード感が重要である。Stereophonicsはこの曲で、初期の人物観察的な語りよりも、より断片的でリズム重視の言葉遣いを見せている。

Kelly Jonesの声は、ここで非常に粗く、曲のリフと一体化している。歌詞を丁寧に語るというより、音の一部として吐き出すような歌唱である。その荒さが曲の魅力になっている。

「Pedalpusher」は、本作の中で、スピードと猥雑さを担う楽曲である。アルバムの攻撃的な流れを維持する、短く鋭いロック・ナンバーである。

8. Girl

「Girl」は、タイトルだけを見るとシンプルな恋愛曲のように思えるが、本作の文脈では、相手への欲望、距離感、関係の不安定さが混ざった楽曲として響く。Stereophonicsの恋愛表現はしばしば直接的でありながら、どこか乾いている。この曲もその性格を持つ。

音楽的には、ミドルテンポ寄りで、ギターとリズムが曲をしっかり支える。荒々しい曲が多い本作の中では、少し余裕のあるグルーヴを持つ。Kelly Jonesの声は、相手に語りかけるようでありながら、完全には感情を開ききらない。

歌詞では、ある女性をめぐる感情が描かれる。魅力、苛立ち、執着、距離が同時に存在しているように聴こえる。タイトルがあまりに単純であるため、逆にその人物像は具体的に固定されない。彼女は特定の相手であると同時に、欲望の対象としての「Girl」でもある。

この曲は、アルバムタイトルの「Sex」とも関係する。恋愛は純粋な感情だけでなく、身体的な欲望や視線、所有したい感覚を含む。Stereophonicsはその曖昧さを、過度に美化せずに描いている。

「Girl」は、本作の中で、欲望と距離感を描く楽曲である。シンプルなタイトルの奥に、関係の複雑さがにじんでいる。

9. Lolita

「Lolita」は、タイトルから文学的・文化的な連想を強く呼び起こす楽曲である。もちろん、この語はナボコフの小説『ロリータ』以降、欲望、若さ、危うさ、視線、倫理的な不安を伴う象徴として広く使われてきた。Stereophonicsはこのタイトルを通じて、欲望の危険な側面をロックの中に持ち込んでいる。

音楽的には、鋭く、少し不穏な響きがある。ギターの音は荒く、曲全体に猥雑さと緊張感がある。Kelly Jonesのヴォーカルも、完全に感情移入するというより、少し距離を置いた語り口で響く。

歌詞では、若さや誘惑、見る者と見られる者の関係が示唆される。ここで重要なのは、欲望が単純に肯定されているわけではない点である。タイトル自体が持つ不穏さによって、曲は聴き手に居心地の悪さを与える。Stereophonicsは、ロックにおける性的なイメージを利用しながら、その危険な曖昧さも残している。

「Lolita」は、本作の中で、欲望と倫理的な不穏さを最も強く感じさせる楽曲である。アルバムタイトルにある「Sex」と「Violence」の交差点に位置するような曲である。

10. Deadhead

「Deadhead」は、本作の中でも特に荒々しく、直接的なロック・ナンバーである。タイトルは、ぼんやりした人物、無気力な人間、あるいはドラッグ文化を連想させる言葉でもあり、アルバムにある退廃的なムードとよく結びついている。

音楽的には、短く、鋭く、ガレージロック的なエネルギーが強い。ギターはざらつき、リズムは強く、曲はあまり余韻を残さず突き進む。この荒さは、本作の意図的なサウンド設計の一部である。Stereophonicsはここで、洗練よりも衝動を優先している。

歌詞では、無気力、麻痺、刺激への依存、あるいは社会の中で感覚が鈍った人物像が浮かぶ。タイトルの「Deadhead」は、肉体は動いていても精神が鈍っているような状態を思わせる。現代的な退屈や消耗が、短い曲の中に詰め込まれている。

Kelly Jonesの声は、ここで苛立ちを帯びている。彼は観察者でありながら、同時にその退廃した空気の中にいる人物にも聞こえる。外側から批判するのではなく、その場の濁りを声にしている。

「Deadhead」は、本作の中で、無気力と退廃を攻撃的なロックとして表現する楽曲である。アルバム全体の荒い質感を補強している。

11. Feel

「Feel」は、タイトル通り「感じること」をテーマにした楽曲であり、本作の中ではやや感情的な広がりを持つ曲である。短く荒いロック・ナンバーが並ぶ中で、この曲はより内面へ向かう要素を持っている。

音楽的には、ミドルテンポで、メロディの比重が比較的大きい。ギターはしっかり鳴っているが、曲の中心にはKelly Jonesの声とメロディがある。攻撃性だけでなく、感情の余韻を聴かせるタイプの楽曲である。

歌詞では、何かを感じることの必要性、あるいは感覚が失われた状態から抜け出したいという願いが示唆される。本作には、欲望や暴力性、退廃的な人物像が多く登場するが、その中で「Feel」という言葉は、感覚を取り戻すための小さな宣言のようにも響く。

Kelly Jonesの歌唱は、ここで少し柔らかくなる。荒い声はそのままだが、感情を丁寧に伝える方向へ向かっている。Stereophonicsが単なるリフ主体のバンドではなく、メロディと情感を大切にするバンドであることが分かる曲である。

「Feel」は、本作の中で、感情の回復や感覚の確認を担う楽曲である。アルバムの荒さの中に、人間的な脆さを加えている。

12. Deadhead（別ヴァージョン／リプライズ的扱いの版について）

一部の版や流通形態では、トラック構成やボーナストラックの扱いに違いが見られるが、本作の本編は基本的に短く鋭い曲を中心に構成されている。『Language. Sex. Violence. Other?』において重要なのは、個々の曲が長く展開することよりも、アルバム全体が一つの圧縮されたロックの塊として機能する点である。

このため、同時期のシングルや追加トラックを含めて聴く場合でも、中心にある美学は変わらない。すなわち、短い時間の中で、欲望、苛立ち、記憶、衝動を叩きつけること。Stereophonicsは本作で、長いブルースロック的な余韻よりも、瞬間的な反応を重視している。

本作の終盤では、アルバム冒頭から続く荒々しいエネルギーが、やや内省的な曲と混ざり合いながら、Stereophonicsの再出発を締めくくる。完全な解決や物語の終着点はない。むしろ、言語、性、暴力、その他という断片的なテーマが、そのままロックのノイズの中に残される。

総評

『Language. Sex. Violence. Other?』は、Stereophonicsのキャリアにおいて、非常に重要な再活性化のアルバムである。1990年代末から2000年代初頭にかけて、彼らは英国ロックを代表する人気バンドとして成功を収めたが、同時にサウンドがやや重く、保守的になったと見なされる時期もあった。本作は、そのイメージを大きく刷新し、短く、鋭く、攻撃的なギター・ロックへ戻ることで、バンドの新しい生命力を示した。

最大の成果は「Dakota」である。この曲は、Stereophonicsのメロディの強さと、シンプルなロック・アレンジの力を見事に結びつけている。過去の記憶や喪失感を、広いリスナーに届くアンセムへ変える力は、Kelly Jonesのソングライターとしての大きな強みである。「Dakota」は本作だけでなく、バンド全体の代表曲としても重要である。

一方で、本作の本質は「Dakota」だけにあるわけではない。「Superman」「Doorman」「Pedalpusher」「Deadhead」のような曲には、バンドがガレージロック的な荒さを取り戻した姿がある。音はタイトで、曲は短く、余計な装飾は少ない。この方向性は、2000年代前半のロック・リバイバルとも呼応しており、Stereophonicsが時代の空気を自分たちなりに吸収していたことを示している。

Javier Weylerの加入も大きい。彼のドラムは、バンドのリズムを引き締め、本作のスピード感と攻撃性を支えている。Stuart Cable時代のStereophonicsには独特の重みとラフさがあったが、Weyler加入後の本作では、より乾いたタイトさが前面に出る。これはバンドのサウンドに新しい緊張感を与えた。

Kelly Jonesのヴォーカルは、本作で非常に強く機能している。彼の声は滑らかではなく、ざらつき、疲労し、時に怒っているように響く。その声が、アルバム全体のテーマである欲望、暴力性、苛立ち、記憶とよく合っている。Stereophonicsの曲は、声の質感によって大きく印象が決まる。『Language. Sex. Violence. Other?』では、その声が最もロック的に使われている。

アルバムタイトルも重要である。『Language. Sex. Violence. Other?』という言葉の列は、冷たく分類的でありながら、人間の衝動を端的に示している。言葉で関係を作り、性で欲望を表し、暴力で破壊し、それでも分類できない「その他」が残る。本作の曲たちは、その四つの領域を明確な物語としてではなく、断片的な場面として描く。夜の街、ドアマン、悪魔、少女、過去、記憶、無気力。これらが、荒いロック・サウンドの中に配置されている。

本作の弱点を挙げるなら、アルバム全体が短く鋭い方向に振り切れているため、曲によっては深い展開や繊細な情感に欠けるように感じられる点である。『Just Enough Education to Perform』や『You Gotta Go There to Come Back』のバラード的な豊かさを好むリスナーには、やや荒く、直線的すぎるかもしれない。また、「Dakota」の完成度が突出しているため、他の曲がその陰に隠れやすい面もある。

しかし、その直線性こそが本作の魅力でもある。Stereophonicsはここで、長い余韻や複雑な構成を捨て、ロック・バンドとしての瞬発力を取り戻した。これは単なる原点回帰ではなく、2005年という時代のロック感覚を取り込みながら、彼ら自身の声とメロディに再接続する試みだった。

日本のリスナーにとって本作は、Stereophonicsの中でも特に聴きやすい入口の一つである。「Dakota」のメロディアスな魅力から入ることができ、同時にアルバム全体では荒いギター・ロックのエネルギーを楽しめる。ブリットポップ後の英国ロック、2000年代ガレージロック・リバイバル、そしてStereophonics独自の労働者階級的な声とメロディが交差する作品として、聴く価値が高い。

総じて『Language. Sex. Violence. Other?』は、Stereophonicsが停滞を振り切り、再び鋭いロック・バンドとしての存在感を示したアルバムである。荒々しいリフ、タイトなドラム、Kelly Jonesのしゃがれた声、そして「Dakota」という大きなアンセム。これらが一枚の中で結びつき、バンドのキャリア中盤における重要な転換点を作っている。Stereophonicsの作品の中でも、最も勢いと再生感に満ちた一枚である。

おすすめアルバム

1. Stereophonics – Word Gets Around（1997）

Stereophonicsのデビュー作であり、ウェールズの小さな町の日常や人物描写を荒いギター・ロックに乗せた重要作である。『Language. Sex. Violence. Other?』の攻撃的なロック感を理解するには、初期の生々しい観察眼と勢いを確認することが有効である。

2. Stereophonics – Performance and Cocktails（1999）

バンドを大きくブレイクさせたセカンド・アルバムであり、「The Bartender and the Thief」「Just Looking」などを収録している。初期の荒さと、より大きなロック・アンセム志向が結びついた作品で、『Dakota』へつながるメロディの強さも感じられる。

3. Stereophonics – You Gotta Go There to Come Back（2003）

『Language. Sex. Violence. Other?』の前作であり、よりブルージーで重いロックやソウル色を含んだ作品である。本作と比較すると、Stereophonicsがどれほどサウンドを引き締め、短く鋭い方向へ転換したかがよく分かる。

4. The Strokes – Room on Fire（2003）

2000年代前半のガレージロック・リバイバルを象徴する作品の一つである。Stereophonicsとは出自も歌詞の質感も異なるが、『Language. Sex. Violence. Other?』のタイトで乾いたギター・ロック感を時代背景として理解するうえで関連性が高い。

5. Kasabian – Kasabian（2004）

同時期の英国ロックにおいて、ガレージ、ダンスロック、サイケデリックな要素を混ぜながら新しいロックの勢いを提示した作品である。Stereophonicsよりもクラブ寄りだが、2000年代中盤の英国ロックが再び攻撃性とリズムを求めていた流れを理解するうえで有効である。