アルバムレビュー：Joanne by Lady Gaga

発売日：2016年10月21日 / ジャンル：ポップ、カントリー・ポップ、ソフトロック、フォーク・ポップ、ダンス・ポップ

概要

Lady Gagaの5作目『Joanne』は、彼女のキャリアにおいて、過剰なポップ・アイコン性から一度距離を置き、より素顔に近い感情、家族の記憶、アメリカン・ルーツ・ミュージック、そしてシンガーソングライター的な表現へ向かった重要作である。2008年の『The Fame』でエレクトロ・ポップとクラブ・カルチャーを武器に世界的スターとなり、続く『The Fame Monster』『Born This Way』では、セクシュアリティ、自己肯定、怪物性、宗教的イメージ、クィア・カルチャーを巨大なポップ・パフォーマンスへ拡張した。2013年の『ARTPOP』では、さらにアート性とポップ性の融合を掲げ、より人工的で過剰な電子音楽へ向かった。

その流れの後に登場した『Joanne』は、表面的には大きな方向転換に見える。シンセサイザーとダンス・ビートを中心とした従来のGaga像から離れ、ギター、ピアノ、カントリー的なリズム、フォーク的な語り口、ロック色のある演奏が前面に出る。衣装やヴィジュアルも、肉のドレスや近未来的なアート・ポップのイメージではなく、ピンクのカウボーイ・ハット、デニム、革ジャン、バーや道路、家族写真を思わせるアメリカーナ的な質感へ変化した。ここでのLady Gagaは、巨大なポップ・キャラクターというより、Stefani Germanottaという個人に近い場所へ戻ろうとしている。

アルバム・タイトル『Joanne』は、Gagaの父方の叔母Joanne Germanottaに由来する。Joanneは若くして亡くなり、Gaga自身が直接長い時間を共にした存在ではないが、家族の記憶の中で大きな意味を持つ人物として語られてきた。つまり本作における「Joanne」は、単なる個人名ではなく、家族の喪失、受け継がれる痛み、女性たちの記憶、そして自分自身のルーツを象徴している。Lady Gagaはこのアルバムで、ポップ・スターとしての仮面を脱ぐというより、自分がどのような家族史と感情の上に立っているのかを確認しようとしている。

音楽的には、本作はカントリー・ポップ、フォーク・ロック、ソフトロック、ブルース、ファンク、ダンス・ポップを横断している。プロデューサーとしてMark Ronsonが深く関わり、BloodPop、Kevin Parker、Josh Homme、Florence Welch、Beck、Father John Mistyら、多様なミュージシャン／ソングライターの影響が作品に反映されている。結果として『Joanne』は、完全なカントリー・アルバムでも、ロック・アルバムでもなく、Lady Gagaのポップ感覚を保ったまま、アメリカン・ルーツ的な質感を取り込んだハイブリッドな作品となっている。

本作のテーマは、自己演出から自己検証への移行である。『The Fame』や『Born This Way』では、Gagaは自分自身を巨大なシンボルへ変換していた。名声、怪物、宗教、身体、クラブ、セクシュアリティ。そうした大きな記号を使い、世界へ向けて強烈なメッセージを放っていた。しかし『Joanne』では、彼女はより小さく、より個人的な場所へ向かう。家族の物語、失われた人、恋愛のすれ違い、アメリカ社会の分断、女性同士の連帯、孤独な夜、踊りながら痛みを忘れようとする時間。ここでは、巨大なポップ神話よりも、個人の生活と記憶が重要になる。

ただし、『Joanne』は完全な“素顔のアルバム”ではない。Lady Gagaは常にパフォーマーであり、ここでも「素顔らしさ」そのものが一種の演出として機能している。カウボーイ・ハット、ギター、バー、家族、カントリー風の語り口もまた、Gagaが選び取った新しいペルソナである。そのため本作は、仮面を脱いだ作品というより、仮面の種類を変えた作品と見る方が正確である。だが、その仮面の変化によって、彼女の声、歌詞、身体性がこれまでとは違う形で浮かび上がったことは確かである。

キャリア上、『Joanne』は、後の『A Star Is Born』での歌唱表現や、よりクラシックなポップ・ヴォーカリストとしての評価につながる作品でもある。派手なダンス・ポップの枠を離れ、自分の声を中心に据えたことにより、Lady Gagaが単なるビジュアル・アーティストやクラブ・ポップのスターではなく、強い歌唱力とソングライティング能力を持つアーティストであることを再確認させた。本作は、彼女のディスコグラフィーの中で最も派手な作品ではないが、転換点として非常に大きな意味を持つ。

全曲レビュー

1. Diamond Heart

オープニング曲「Diamond Heart」は、『Joanne』の方向性を力強く示す楽曲である。ロック的なギター、力強いドラム、Gagaの太いヴォーカルが前面に出ており、アルバム冒頭から従来のエレクトロ・ポップ中心のイメージとは違う、生身のバンド・サウンドに近い印象を与える。タイトルの「Diamond Heart」は、ダイヤモンドのように硬く、傷つきながらも輝く心を意味する。

歌詞では、若い女性が社会や欲望の中で商品化され、見られ、消費されながらも、自分の価値を失わない姿が描かれる。Lady Gagaのキャリアそのものにも重なるテーマであり、名声によって身体や人格が消費されてきた経験が、ここではロック的な力強さで表現されている。ダイヤモンドは美しさの象徴であると同時に、圧力の中で形成される硬度の象徴でもある。この曲の語り手は、傷つきやすいが、簡単には壊れない。

音楽的には、ブルース・ロックやアリーナ・ロックの影響があり、Gagaの声が非常に大きく響く。これまでの作品では、電子音やクラブ・ビートの中で声が演出されることも多かったが、この曲では声そのものが楽曲を牽引している。特にサビでは、痛みを力へ変換するような歌唱が印象的である。

「Diamond Heart」は、『Joanne』が単なる内省的なフォーク・ポップ作品ではなく、強い身体性とロック的な気迫を持つアルバムであることを示す。Gagaはここで、自分の過去を振り返りながらも、弱さだけを見せるのではなく、傷を硬度へ変える。

2. A-YO

「A-YO」は、アルバム序盤に軽快なカントリー・ポップ／ファンクの勢いをもたらす楽曲である。手拍子のようなリズム、ギターのカッティング、陽気な掛け声が印象的で、Gagaが本作で取り入れたアメリカン・ルーツ的な要素を、ポップに消化している。タイトルの「A-YO」は意味を固定する言葉というより、ライブで観客を煽る掛け声に近い。

サウンドは非常にリズミカルで、ダンス・ポップ的な体感を持ちながら、音色はクラブよりもバーやライブハウスに近い。Mark Ronsonらしいファンク的な軽さと、カントリー風のギターが組み合わさり、Gagaの遊び心が前面に出る。『Joanne』はしばしば真剣で内省的なアルバムとして語られるが、この曲には、痛みを抱えながらも踊るという彼女らしい感覚がある。

歌詞では、自由、解放、挑発、身体を動かす快楽が描かれる。過去の重さや周囲の視線を振り払うように、Gagaはここで軽快に声を上げる。ただし、これは単なるパーティー・ソングではない。『Joanne』全体の文脈では、悲しみや家族史、自己検証の中にあっても、身体はまだ踊れるという宣言として機能している。

「A-YO」は、Lady Gagaのポップ・スターとしての明るさを保ちながら、新しい音楽的装いへ移行した楽曲である。カントリーやファンクの要素を使いながらも、最終的にはGagaらしいステージ映えするポップに仕上がっている。

3. Joanne

タイトル曲「Joanne」は、本作の感情的な中心にある楽曲である。Gagaの亡き叔母Joanneへの呼びかけとして書かれたこの曲は、家族の喪失と記憶を静かに扱う。これまでのLady Gagaの作品に多かった大きなスローガンやクラブ的な高揚から離れ、ここではアコースティック・ギターと声を中心に、非常に親密な空間が作られている。

サウンドはシンプルで、フォーク・ポップ的な質感が強い。Gagaの歌唱も、過剰にドラマティックになりすぎず、言葉を丁寧に置いていく。曲の短さも重要である。大きなバラードとして盛り上げるのではなく、家族の記憶の中でそっと歌われる小さな祈りのように響く。

歌詞では、Joanneに対して「どこへ行くのか」「行かないでほしい」と呼びかけるような感情が描かれる。これは実際の別れの場面というより、家族の中に残された喪失の記憶を、Gaga自身が引き受け直す行為である。彼女はJoanneを直接的に語ることで、自分の名前、血筋、家族の歴史、そして女性として受け継がれる痛みに触れている。

「Joanne」は、Lady Gagaのキャリアの中でも特に抑制された楽曲であり、彼女が“巨大なポップ・アイコン”ではなく、“家族の記憶を歌う一人の人間”として現れる瞬間である。ただし、その親密さもまた、Gagaが選び取った表現であり、本作の美学を決定づける重要曲となっている。

4. John Wayne

「John Wayne」は、アメリカ西部劇の象徴的俳優John Wayneの名前をタイトルにした楽曲であり、男性性、危険な魅力、カウボーイ的な幻想、恋愛のスリルを扱っている。『Joanne』がアメリカーナ的なイメージを取り込む中で、この曲はそのイメージを最もポップで挑発的に使用している。

サウンドは、カントリー風のギターとエレクトロニックなビートが激しく混ざり合う。曲は非常に勢いがあり、アルバムの中でも従来のGagaらしいダンス・ポップに近いエネルギーを持つ。ただし、音色には西部劇的な埃っぽさやロック的な荒さもあり、本作ならではの質感がある。

歌詞では、上品で安定した愛ではなく、危険で荒々しい男性像に惹かれる感情が描かれる。John Wayneは、古典的なアメリカ男性性の象徴であり、強さ、無口さ、暴力性、ロマンティックな幻想をまとっている。Gagaはそのイメージを批判的に距離を置いて描くというより、危険だと知りながら惹かれてしまう欲望として歌う。

この曲の面白さは、カントリー的な男性幻想を、Lady Gagaの過剰なポップ感覚で再構成している点にある。アメリカーナへの接近でありながら、完全に素朴にはならない。むしろ、西部劇的な男らしさが、Gagaのポップ劇場の中で誇張され、少し漫画的に輝く。「John Wayne」は、本作の中で最も派手で刺激的な楽曲のひとつである。

5. Dancin’ in Circles

「Dancin’ in Circles」は、レゲエ・ポップやダンスホール風のリズムを取り入れた楽曲であり、アルバムの中で官能性と孤独が独特に結びついている。タイトルは「円を描いて踊る」という意味だが、曲全体には、一人で身体を動かしながら欲望や寂しさを処理する感覚がある。

音楽的には、軽いオフビートのリズムとポップなメロディが特徴で、Gagaの過去のダンス・ポップ的な側面にも近い。しかし、ここでのダンスは大勢のクラブでの祝祭というより、個人的で閉じた行為に近い。身体は動いているが、その中心には孤独がある。

歌詞では、性的な欲望、自己慰撫、孤独な夜の時間が暗示される。Lady Gagaはこれまでもセクシュアリティを大胆に扱ってきたが、この曲ではそれが過剰な外向きのパフォーマンスではなく、個人の身体感覚として描かれている。誰かと結ばれることではなく、一人で欲望と向き合うこと。それが曲の中心にある。

「Dancin’ in Circles」は、『Joanne』の中で最も隠れたGagaらしさを持つ曲といえる。カントリーやフォークへの接近が注目される本作において、この曲は彼女のダンス・ポップ的な身体性を残しつつ、それをより個人的な孤独へ結びつけている。

6. Perfect Illusion

「Perfect Illusion」は、『Joanne』のリード・シングルであり、アルバムの中でも最も強いロック／ダンスのエネルギーを持つ楽曲である。Kevin Parker、Mark Ronson、BloodPopらが関わったこの曲は、サイケデリックな推進力、エレクトロニックなビート、ロック的な歌唱が一体化している。タイトルは「完璧な幻想」を意味し、恋愛、名声、メディアによって作られたイメージへの失望を表す。

サウンドは非常にタイトで、ほとんど息継ぎを許さない勢いを持つ。Gagaのヴォーカルは叫びに近く、曲全体が高いテンションで駆け抜ける。これまでのシングルのような明確なダンス・ポップの構造とは違い、よりロック的で、反復によって感情を追い詰めるような作りになっている。

歌詞では、愛だと思っていたものが実は幻想だった、という認識が繰り返される。「It wasn’t love, it was a perfect illusion」というフレーズは、恋愛だけでなく、ポップ・スターとしてのGagaが経験してきた名声やメディア上の自己像にも重ねて読める。完璧に見えるものほど、実体がない。美しく整ったイメージの裏には、空虚さがある。

「Perfect Illusion」は、発表当時、従来のGagaらしい大ヒット・シングルを期待した聴き手には異質に響いたが、『Joanne』全体の文脈では非常に重要である。過剰な幻想を作ってきたポップ・スターが、その幻想の空虚さをロック的な熱量で破壊しようとする曲である。

7. Million Reasons

「Million Reasons」は、『Joanne』の中で最も広く知られるバラードであり、Gagaのヴォーカリストとしての力を強く示した楽曲である。タイトルは「百万の理由」を意味し、去る理由は無数にあるが、それでも残るための一つの理由を求めるという、関係の限界と希望を描いている。

サウンドは、カントリー・バラード／ポップ・バラードの形式を持ち、ピアノとギターを中心にシンプルに構成されている。過剰な装飾はなく、Gagaの声が前面に置かれる。これにより、歌詞の切実さが直接伝わる。彼女の声は力強いが、ここでは傷つきやすさも大きく感じられる。

歌詞では、相手との関係に疲れ、去る理由ばかりが積み上がっていく状況が描かれる。それでも語り手は、残るための一つの理由を探している。これは恋愛の歌としても読めるが、信仰、家族、キャリア、ファンとの関係、あるいは自分自身との関係にも広げて解釈できる。Gagaはここで、強い人間ではなく、迷い、祈り、救いを求める存在として歌っている。

「Million Reasons」は、『Joanne』の感情的な柱である。派手なポップ・スターの衣装を脱いだGagaが、声と言葉だけでリスナーに向き合う曲であり、彼女の歌唱力が広く再評価されるきっかけにもなった。

8. Sinner’s Prayer

「Sinner’s Prayer」は、カントリー／フォーク色が強い楽曲であり、罪、愛、自己認識、赦しをテーマにしている。タイトルは「罪人の祈り」を意味し、宗教的な響きを持つ。Lady Gagaは以前から宗教的イメージを多く用いてきたが、本作ではそれが教会的な壮大さよりも、個人の告白や祈りとして表れる。

サウンドは、アコースティック・ギターを中心にしたカントリー・ロック的な質感で、語り口も非常に物語的である。派手なビートやシンセより、ギターと声のニュアンスが重要になる。Gagaの歌唱は、少し低く、落ち着いたトーンで、罪を告白する語り手のように響く。

歌詞では、自分が完全な人間ではないこと、愛する相手に対して誠実でありたいが、同時に自分の弱さや罪を抱えていることが描かれる。ここでの“罪”は宗教的な罪だけでなく、恋愛における裏切り、欲望、自己矛盾の比喩でもある。Gagaは自分を聖女としてではなく、罪を抱えた人間として位置づける。

「Sinner’s Prayer」は、『Joanne』のルーツ・ミュージック志向が最も自然に表れた曲のひとつである。Gagaの従来の過剰な宗教的演出が、ここでは小さな祈りへ変換されている点が重要である。

9. Come to Mama

「Come to Mama」は、本作の中で最も温かく、ソウル／ゴスペル／レトロ・ポップの色が強い楽曲である。タイトルは「ママのところへおいで」という意味で、包容、和解、社会的な分断の修復をテーマにしている。Gagaの作品には、アウトサイダーや傷ついた人々を受け入れる姿勢が一貫してあるが、この曲ではそれが家庭的で母性的な言葉に変換されている。

サウンドは、60年代ソウルやブリル・ビルディング系ポップを思わせる明るいアレンジを持ち、ホーンやコーラスが温かい空気を作る。アルバムの中でも特にレトロで、祝祭的な曲である。ただし、その明るさは単なる楽観ではない。分断された人々へ向けた、少し理想主義的な呼びかけとして響く。

歌詞では、争いをやめ、互いを責めるのではなく、愛と理解の場所へ戻ろうとするメッセージが描かれる。これは『Born This Way』的な自己肯定のメッセージと共通するが、表現の仕方は大きく異なる。ここではクラブの解放ではなく、家庭の食卓や地域の集まりのような温かさが中心になっている。

「Come to Mama」は、『Joanne』における社会的な側面を担う曲である。家族、母性、共同体、和解というテーマを、Gagaらしい大きなポップ・メッセージとして提示している。

10. Hey Girl feat. Florence Welch

「Hey Girl」は、Florence + The MachineのFlorence Welchを迎えたデュエット曲であり、女性同士の連帯をテーマにした楽曲である。Lady GagaとFlorence Welchという、強い声と個性的な表現力を持つ二人が共演することで、アルバムの中でも特別な存在感を持つ。

サウンドは、80年代的なシンセの質感と、ソウル／ポップ的な温かさを併せ持つ。派手な歌唱対決ではなく、二人の声は互いを支え合うように配置されている。この点が重要である。楽曲のテーマが競争ではなく連帯であるため、アレンジも互いの声をぶつけるより、重ねて支える形になっている。

歌詞では、女性同士が互いに声をかけ、支え合う姿が描かれる。ポップ・ミュージックでは、女性同士が競争相手として描かれることも多いが、この曲ではそうした構図を避け、共に生き延びる関係が歌われる。傷ついたとき、孤独なとき、相手に「大丈夫」と声をかけること。その小さな連帯が曲の中心にある。

「Hey Girl」は、『Joanne』の中でフェミニンな連帯を最も明確に表す楽曲である。Gagaの自己表現が個人の痛みだけでなく、他者との支え合いへ向かっていることを示している。

11. Angel Down

「Angel Down」は、アルバム終盤に置かれた重いバラードであり、社会的暴力、喪失、祈りをテーマにしている。タイトルは「倒れた天使」を意味し、無垢な存在が傷つけられるイメージを持つ。アメリカ社会における暴力や、若い命が失われる現実への反応として聴くことができる。

サウンドは、ピアノとシンセを中心にした静かで荘厳なバラードである。Gagaの声は抑制されながらも深く、曲全体に祈りのような空気がある。『Joanne』の中でも特に暗く、重い曲であり、個人的な家族の喪失と社会的な喪失が交差する位置にある。

歌詞では、誰かが倒れても、周囲がそれを見過ごしてしまうことへの問いがある。天使が倒れているのに、人々はなぜ助けないのか。これは非常に強い倫理的な問いであり、Gagaのポップが単なる個人の感情表現にとどまらないことを示している。

「Angel Down」は、『Joanne』の終盤において、アルバムの親密なテーマを社会的な次元へ広げる楽曲である。家族の痛み、個人の孤独、社会の暴力が、静かな祈りの中で重なっている。

12. Grigio Girls

「Grigio Girls」は、デラックス版に収録された楽曲であり、女性同士の友情、悲しみ、酒、支え合いをテーマにしている。タイトルの「Grigio」はワインのPinot Grigioを指し、悲しみを抱えた女性たちが一緒に飲み、泣き、笑いながら時間を過ごすイメージがある。

サウンドは、穏やかなポップ・ロック／フォーク・ポップであり、アルバム全体の親密な質感に合っている。派手な曲ではないが、歌詞の具体性によって非常に生活感がある。Gagaの声も、ここでは大きなスターというより、友人に語りかけるように響く。

歌詞では、病や喪失に向き合う友人たちを支える姿が描かれる。悲しみに対して大きな解決策があるわけではない。ただ一緒に飲み、話し、泣き、そばにいる。その小さな共同体が、曲の中心にある。『Joanne』の家族や女性の連帯というテーマにおいて、この曲は非常に重要な補助線となる。

「Grigio Girls」は、Gagaの作品の中でも特に友愛的な楽曲である。大きなメッセージではなく、親しい人のためにそこにいること。その具体的な優しさが、この曲の魅力である。

13. Just Another Day

「Just Another Day」は、デラックス版の終盤を軽やかに締めくくる楽曲であり、The Beatlesや70年代ポップを思わせる明るいピアノ・ポップの質感を持つ。タイトルは「ただの別の日」という意味で、日常の中で前へ進む感覚が描かれている。

サウンドは軽快で、アルバム本編の重さを少し和らげる。Gagaのヴォーカルもリラックスしており、遊び心がある。大きな悲劇や祈りの後に、このような日常的な明るさが置かれることで、『Joanne』の世界は完全な悲しみでは終わらない。

歌詞では、人生にはつらい日もあるが、それでもまた一日が来るという感覚が描かれる。これは単純な楽観ではなく、日常を続けることそのものの強さを示している。Gagaはここで、悲しみを乗り越えた英雄としてではなく、次の日を迎える人間として歌う。

「Just Another Day」は、『Joanne』の補足的な楽曲でありながら、アルバム全体の後味を明るくする重要な役割を持つ。大きな感情の後に残るのは、また普通の一日を生きること。そのシンプルさが、作品の人間的な側面を強めている。

総評

『Joanne』は、Lady Gagaのキャリアにおいて、最も大きなイメージ転換を示したアルバムのひとつである。クラブ・ポップ、エレクトロニックな過剰性、アート的な演出から距離を置き、ギター、ピアノ、カントリー、フォーク、ロック、ソウルを取り入れることで、彼女は自分の声と歌詞をより前面に出した。結果として、本作はGagaのディスコグラフィーの中で最も“人間的”に響く作品となっている。

本作の中心には、家族の記憶がある。タイトル曲「Joanne」は、亡き叔母への呼びかけであり、Gagaが自分のルーツを見つめるための軸となっている。アルバム全体は、Joanneという人物そのものだけでなく、家族の中に残る喪失、女性たちの痛み、受け継がれる名前、そしてその痛みを歌に変える行為を扱っている。この点で『Joanne』は、単なる音楽的方向転換ではなく、自己の出自と向き合う作品である。

一方で、『Joanne』は完全な素朴さへ向かったアルバムではない。Lady Gagaは、どれほどアコースティックな音を使っても、常に演出のアーティストである。ピンクのカウボーイ・ハット、アメリカーナ的な衣装、カントリー風の響きもまた、Gagaが選んだ新たな表現形式である。その意味で、本作は“仮面を脱いだ”というより、“より個人的に見える仮面を選んだ”アルバムといえる。しかし、その仮面によって、彼女の歌唱やソングライティングの強さが改めて浮かび上がったことは大きい。

音楽的には、アルバムは多様である。「Diamond Heart」や「John Wayne」にはロック的なエネルギーがあり、「A-YO」にはファンク／カントリー・ポップの軽快さがある。「Million Reasons」や「Joanne」では、声とシンプルな伴奏が中心となり、「Dancin’ in Circles」ではダンス・ポップ的な身体性が残る。「Come to Mama」や「Hey Girl」では、共同体や女性同士の連帯が描かれ、「Angel Down」では社会的な悲しみが祈りとして表現される。この幅広さが、本作を一面的なカントリー転向作にしていない。

歌詞面では、従来のGaga作品にあった巨大な自己肯定のスローガンは後退し、より個人的な迷いや祈りが増えている。「Million Reasons」では去る理由と残る理由の間で揺れ、「Perfect Illusion」では愛と幻想の区別が崩れ、「Sinner’s Prayer」では罪を抱えたまま赦しを求める。「Hey Girl」や「Grigio Girls」では、女性同士が支え合う姿が描かれる。ここには、強いポップ・スターとしてのGagaだけでなく、疲れ、迷い、誰かに頼り、誰かを支えるGagaがいる。

『Joanne』は、発表当時から評価が分かれやすい作品でもあった。『The Fame Monster』や『Born This Way』のようなクラブ的な高揚や、巨大なポップ・アンセムを期待したリスナーにとって、本作は地味に感じられる部分がある。また、カントリーやロックへの接近も、ジャンルとして徹底されているわけではなく、あくまでGaga流のポップとして処理されている。そのため、本格的なルーツ・ミュージック作品として聴くと、物足りなさを感じる可能性もある。

しかし、本作の価値は、ジャンルの純度ではなく、Lady Gagaがポップ・スターとして自分のイメージを再構築しようとした点にある。彼女はここで、ダンスフロアの女王でも、怪物たちの母でも、アート・ポップの象徴でもない。家族の名を背負い、愛に疲れ、友人を支え、社会の痛みに祈り、また普通の一日へ戻る人間として歌っている。その人間的な揺れが、『Joanne』を特別な作品にしている。

日本のリスナーにとって『Joanne』は、Lady Gagaの派手なヒット曲から入った場合、最初は異色に響くかもしれない。しかし、彼女の歌唱力やソングライティング、バラード表現に関心がある場合、本作は非常に重要である。『A Star Is Born』の「Shallow」や「Always Remember Us This Way」に強く惹かれるリスナーにとって、『Joanne』はその前段階として自然につながる。Gagaがポップ・アイコンから本格的なヴォーカリスト／ソングライターへ評価を広げていく過程を理解できるアルバムである。

『Joanne』は、Lady Gagaの最高傑作と断定されるタイプの作品ではないかもしれない。だが、彼女のキャリアにおける最も重要な転換点のひとつであることは確かである。過剰な衣装と電子音の奥にいた一人の人間が、家族の名前を借りて、自分の痛みと声をもう一度確認する。本作は、その過程を記録したアルバムである。華やかな怪物から、傷ついた娘へ。そして傷ついた娘から、誰かを抱きしめる女性へ。『Joanne』は、その変化を静かに、しかし力強く刻んでいる。

おすすめアルバム

1. Lady Gaga – Born This Way

Lady Gagaの自己肯定、クィア・カルチャー、宗教的イメージ、ダンス・ポップの巨大なスケールが最も強く表れた作品。『Joanne』とは音楽的には対照的だが、Gagaが一貫して扱ってきたアイデンティティ、救済、アウトサイダーへの連帯というテーマを理解するうえで重要である。

2. Lady Gaga – A Star Is Born Soundtrack

『Joanne』で前面に出た生身の歌唱、ロック／カントリー寄りの質感、ピアノ・バラードの表現が、映画の物語と結びついてさらに広がった作品。「Shallow」や「Always Remember Us This Way」は、『Joanne』の方向性をより大衆的かつドラマティックに発展させた楽曲として聴ける。

3. Kacey Musgraves – Golden Hour

カントリー、ポップ、フォーク、柔らかなサイケデリアを自然に融合させた作品。『Joanne』のカントリー・ポップ的な側面をより洗練された形で楽しめる。ルーツ・ミュージックと現代ポップの橋渡しという点で関連性が高い。

4. Miley Cyrus – Younger Now

ポップ・スターがカントリーやアメリカーナ的なルーツへ接近し、自己イメージを再構築しようとした作品。『Joanne』と同様に、過去の派手なポップ・ペルソナから距離を置き、家族的・ルーツ的な表現へ向かう流れがある。

5. Florence + The Machine – How Big, How Blue, How Beautiful

大きなヴォーカル表現、ロック／ソウル／バロック・ポップ的な広がり、感情の劇的な表現を持つ作品。『Joanne』で共演したFlorence Welchの音楽性を理解するうえでも重要であり、Gagaのロック寄りの歌唱やドラマティックな感情表現と親和性が高い。