1. 楽曲の概要
Hideawayは、John Mayall & the BluesbreakersのアルバムBlues Breakers with Eric Claptonに収録されたインストゥルメンタル・ブルースである。
アルバムBlues Breakers with Eric Claptonは、1966年7月22日にDeccaからリリースされた。通称Beano Albumとして知られ、John Mayall、Eric Clapton、John McVie、Hughie Flintによる演奏を中心にした、英国ブルース・ロック史の重要作である。Hideawayはこのアルバムの中でも、Eric Claptonのギターを真正面から味わえる代表的なトラックとして語られてきた。
この曲には歌詞がない。
だから、通常の意味で歌詞の物語を追うことはできない。
しかし、Hideawayには歌詞以上に雄弁なものがある。
それは、ギターの声である。
原曲はFreddie KingのHide Away。1960年に録音され、1960〜61年にFederal Recordsからリリースされたブルース・ギター・インストゥルメンタルで、Freddie KingとSonny Thompsonの作として知られる。のちに多くのブルース／ロック・ギタリストが取り上げる定番曲となり、Rock and Roll Hall of FameやGrammy Hall of Fameでも評価されている。ウィキペディア
John Mayall & the Bluesbreakers版は、そのアメリカのエレクトリック・ブルースを、1960年代英国の若いロック・ギタリストの手で再点火した演奏である。
ここでの主役は、やはりEric Claptonだ。
Yardbirdsを脱退し、より本格的なブルースを求めてJohn MayallのBluesbreakersへ加わったClaptonは、このアルバムでギタリストとしての評価を決定的なものにした。Blues Breakers with Eric Claptonは、ギター主導のブルース・ロック・サウンドを切り拓いた作品としてしばしば語られ、当時のロック・ギターの音作りに大きな影響を与えた。
Hideawayは、その中でもClaptonのプレイがもっとも直接的に見える曲である。
ボーカルがない。
歌詞もない。
余計な説明もない。
ただ、リフとフレーズと音色がある。
その音は、いま聴くと驚くほど生々しい。
深く歪んでいるのに、輪郭ははっきりしている。
荒いのに、雑ではない。
ブルースの伝統をなぞっているのに、そこには若いロックの血が流れている。
Hideawayは、歌の代わりにギターが歌う曲である。
Freddie Kingの原曲が持っていた軽やかな切れ味、ダンス感、テキサス・ブルースの明るい推進力。
それをClaptonは、より太く、より硬く、より英国的なアンプの熱へ変換している。
この曲を聴くと、1960年代半ばの英国で何が起きていたのかがよくわかる。
若いミュージシャンたちは、アメリカのブルースに夢中になっていた。
レコードを聴き込み、フレーズを学び、音色を研究し、それを自分たちの身体で鳴らそうとしていた。
ただのコピーではない。
憧れと誤解。
敬意と野心。
研究と爆発。
そのすべてが混ざって、ブルース・ロックという新しい音が生まれた。
Hideawayは、その瞬間を記録した曲である。
2. 楽曲のバックグラウンド
Hideawayの原点は、Freddie KingのHide Awayにある。
Freddie Kingは、B.B. King、Albert Kingと並んでThree Kingsと呼ばれることもあるブルース・ギタリストで、太く鋭いトーン、歌うようなフレーズ、そしてインストゥルメンタル曲での強い存在感で知られる。
Hide Awayは、彼の代表的なインストゥルメンタルであり、ブルース・ギターの練習曲であると同時に、ステージの見せ場にもなるような曲だった。
曲は複数の小さなリックやモチーフをつなぎ合わせたような構成を持ち、演奏者のセンスがそのまま出る。
単純に弾くだけならできる。
でも、かっこよく弾くのは難しい。
そこがHideawayの面白さである。
John Mayall & the Bluesbreakersがこの曲を取り上げた時点で、彼らはただ名曲をカバーしたのではない。
自分たちがブルースをどれだけ理解し、どれだけ自分のものにできるかを示すための試金石として演奏している。
Blues Breakers with Eric Claptonは、1966年5月にロンドンのDecca Studiosで録音され、Mike Vernonがプロデュースした。アルバムは英国ブルース・ロックの決定的な作品のひとつとされ、Rolling Stoneの歴代アルバムリストにも選出されている。ウィキペディア
このアルバムが特別なのは、John Mayallのバンドとしてのまとまりと、Eric Claptonのギター・サウンドが同時に頂点に達しているからである。
John Mayallは、英国ブルースの父とも呼ばれる存在だった。
彼は自分自身が優れたシンガー、ハーモニカ奏者、キーボード奏者であるだけでなく、多くの才能ある若いミュージシャンを育てたバンドリーダーでもあった。Bluesbreakersには、Eric Claptonのほか、後にFleetwood MacへつながるPeter Green、Mick Taylor、John McVie、Mick Fleetwoodらが関わることになる。
つまりBluesbreakersは、単なるバンドではなく、英国ブルース・ロックの学校のような場所でもあった。
その中でClaptonが録音したHideawayは、ひとつの卒業制作のように聞こえる。
Freddie Kingへの敬意。
John Mayallのバンドの中で磨かれたブルース感覚。
マーシャル・アンプとレスポールによる太い音。
若いギタリストとしての自信。
それらが短いインストゥルメンタルの中に凝縮されている。
特に重要なのは、ギターの音色だ。
このアルバムのClaptonの音は、後のロック・ギターの基準を変えたとよく言われる。
厚く、歪み、サステインがあり、それでもブルースのニュアンスを失っていない。
Guitar Worldは、Mike Vernonの仕事について、このアルバムのギター・トーンがロック・ギターの設計図になったと紹介している。Guitar World
Hideawayでは、その音がまるごと聴ける。
歌の伴奏としてではない。
主役としてのギター。
この点で、Hideawayは単なるカバーではなく、英国ロック・ギターの宣言でもある。
3. 歌詞の抜粋と和訳
Hideawayはインストゥルメンタル曲であり、歌詞はない。
そのため、ここでは歌詞の引用や和訳ではなく、音の中で語られている要素を読み解く形で進める。
引用元としては、楽曲情報が確認できるSpotifyおよびApple Musicを参照する。Apple MusicではHideawayがBlues Breakers with Eric Clapton収録曲として掲載され、演奏者情報にEric Claptonのギター、Hughie Flintのドラムなどが記載されている。
歌詞なし
和訳：
言葉ではなく、ギターが歌う
この曲で歌詞にあたるものは、Claptonのフレーズである。
最初のテーマ。
少し跳ねるリズム。
短い応答のようなフレーズ。
ブルースの定型を踏まえたチョーキング。
音を伸ばすタイミング。
少し後ろへ引いてから、また前へ出る呼吸。
それらが、歌詞の代わりに物語を作っている。
インストゥルメンタル・ブルースでは、ギターは人間の声に近い役割を持つ。
弦を曲げるチョーキングは、声のうなりに近い。
ビブラートは、言葉の余韻に近い。
短いリックは、会話の返答のように聞こえる。
Hideawayでは、その声がとてもはっきりしている。
Freddie Kingの原曲が持っていた陽気さと鋭さを土台にしながら、Bluesbreakers版ではギターの音がより太く、ロック的な圧力を帯びる。
言葉はない。
けれど、言っていることはある。
俺はこのブルースを知っている。
俺はこの音で話せる。
そして、この音をもっと大きく鳴らせる。
そんな若い自信が聞こえる。
4. 楽曲の考察
Hideawayを聴くうえで大切なのは、これは歌のない曲なのに、決して単なる演奏技術の披露ではないということだ。
もちろん、Claptonのギターはうまい。
フレーズの切れ味、音の伸ばし方、休符の取り方、テーマの運び方。
どれも非常に見事である。
しかし、Hideawayの魅力は、速く弾くことや難しいことをすることだけではない。
むしろ、ブルースの文法をどうロックの音圧に変えるか、というところにある。
Freddie KingのHide Awayは、ダンス曲としての軽さがある。
リフは親しみやすく、曲は小気味よく進む。
クラブで聴いても、ステージの見せ場として聴いても楽しい。
Bluesbreakers版は、その軽さを保ちながら、もっとアンプの熱を加える。
ここで重要なのは、重くなりすぎないことだ。
Claptonのトーンは太い。
しかし、演奏は鈍くない。
リズムは跳ねている。
John McVieのベースとHughie Flintのドラムは、ギターを前へ押し出しながらも、必要以上に暴れない。
このバンドの土台があるから、Claptonのギターは自由に歌える。
John Mayallの存在も見逃せない。
この曲でMayallがボーカルを取るわけではない。
だが、Bluesbreakersという場を作ったのはMayallである。
彼は若いギタリストに、ブルースを本気で演奏する場所を与えた。
その場所がなければ、このHideawayのような録音は生まれなかった。
つまり、この曲はClaptonのギター・ショーであると同時に、Mayallのバンド運営の成果でもある。
また、Hideawayはブルースの継承について考えさせる曲でもある。
アメリカで生まれたブルースが、英国の若者に渡る。
彼らはレコードから学ぶ。
耳で覚える。
自分たちの楽器とアンプで鳴らす。
そこには、文化的な距離がある。
英国の白人青年たちが、アメリカの黒人ブルースを演奏する。
この構図には、単純な礼賛だけでは済まない複雑さもある。
しかし同時に、彼らの演奏がブルースをロックの次の世代へつなげたことも確かである。
Hideawayは、その継承と変換の記録だ。
Freddie Kingの曲が、Claptonの手によって英国ブルース・ロックのアンセムになる。
その音を聴いた若いギタリストたちが、さらにロック・ギターを発展させていく。
この連鎖の中で、Hideawayは非常に重要な役割を持つ。
曲の構造はシンプルだ。
テーマがあり、ギターが展開し、バンドが支え、またテーマへ戻る。
大げさなアレンジはない。
しかし、そのシンプルさが強い。
ブルースの良さは、複雑な構成ではなく、同じ型の中でどれだけ表情を出せるかにある。
Hideawayは、その典型だ。
同じようなフレーズを弾いても、弾く人によってまったく違う。
Freddie KingにはFreddie Kingの表情があり、ClaptonにはClaptonの表情がある。
Bluesbreakers版のClaptonは、まだCream前夜の若いギタリストである。
この時点では、サイケデリックな長尺即興へ向かう前の、ブルースに強く根を下ろしたClaptonがいる。
そのため、プレイは派手に広がりすぎず、曲の枠の中で非常に集中している。
これがいい。
後年のClaptonの滑らかさとは違う。
ここには、もっと硬い熱がある。
少し荒く、少し尖っていて、音の一つひとつに「証明してやる」という感じがある。
Hideawayは、若いClaptonの野心が最もわかりやすく出た曲のひとつなのだ。
5. この曲が好きな人におすすめの曲 5曲
- Hide Away by Freddie King
まず聴くべきは原曲である。Freddie KingのHide Awayは、1960年録音のブルース・ギター・インストゥルメンタルで、後に多くのミュージシャンが取り上げるスタンダードになった。John Mayall & the Bluesbreakers版を聴いたあとに原曲へ戻ると、Claptonが何を受け継ぎ、何を変えたのかがよくわかる。ウィキペディア
- All Your Love by John Mayall & the Bluesbreakers
同じBlues Breakers with Eric Clapton収録曲。Otis Rushの曲を取り上げたもので、Claptonのギターが歌の背後で燃えるように絡む。Hideawayがインストでギターを主役にした曲なら、All Your Loveはボーカル曲の中でClaptonの表現力を味わえる曲である。
- Steppin’ Out by John Mayall & the Bluesbreakers
同じアルバムのもうひとつの重要なインストゥルメンタル。こちらもClaptonのギターが前面に出る曲で、後にCream時代にも重要なレパートリーとなる。Hideawayよりもさらにロック的な即興へつながる扉のような曲だ。
- The Stumble by Freddie King
Freddie Kingのインストゥルメンタル・ブルースの魅力をさらに知るなら、この曲も外せない。Hide Awayと同じく、ギターが歌い、跳ね、踊る。ClaptonやPeter Greenら英国ブルース・ギタリストがFreddie Kingからどれほど多くを学んだかが見えてくる。
- Have You Heard by John Mayall & the Bluesbreakers
Blues Breakers with Eric Claptonの終盤を飾る名演。スロー・ブルースの中で、Claptonのギターが深く沈み、長く歌う。Hideawayが軽快なインストの見せ場なら、Have You Heardは感情をゆっくり絞り出すタイプのブルースである。
6. ギターが歌詞になる瞬間
Hideawayは、歌詞のない曲である。
しかし、この曲ほどギターが語っている演奏も少ない。
Freddie Kingが作ったブルース・インストゥルメンタルを、John Mayall & the Bluesbreakersが1966年のロンドンで録音する。
そこにいるのは、若きEric Clapton。
アンプは熱を持ち、ギターは歪み、ブルースは英国ロックの新しい言語へ変わっていく。
この曲を聴くと、ロック・ギターがまだ新しい武器だった時代の空気が伝わってくる。
いまでは、太く歪んだギターは当たり前に聞こえる。
だが1966年のこの音には、発見の興奮がある。
ギターは伴奏だけではない。
歌の合間の装飾でもない。
曲そのものを背負える。
Hideawayは、それを示した曲である。
Claptonはここで、Freddie Kingへの敬意を隠さない。
フレーズも構成も、ブルースの伝統に深く根ざしている。
だが、音色と攻撃力は明らかに1960年代英国ロックのものだ。
そこに、この演奏の価値がある。
ただ古いブルースを再現するのではない。
そのブルースを、自分たちの時代の音量と熱で鳴らす。
この変換こそ、Bluesbreakers版Hideawayの本質である。
また、この曲はClaptonというギタリストを理解するうえでも重要だ。
後のCreamでは、彼はより長い即興やサイケデリックなロックへ向かう。
さらにその後は、シンガーソングライター的な側面や、より落ち着いたブルース表現へ進んでいく。
しかしHideawayには、その前のClaptonがいる。
ブルースに憧れ、ブルースを弾き尽くそうとし、自分の音を作り上げようとしている若いギタリスト。
その集中力が、短い曲の中でまっすぐ光っている。
John MayallのBluesbreakersは、その才能を受け止める器だった。
Mayallは、Claptonを主役にしすぎず、しかし十分に前へ出す。
バンドは堅実に支え、曲は決して崩れない。
だからClaptonは自由に弾ける。
このバランスも素晴らしい。
Hideawayは、ギター・ヒーローの曲である。
しかし、バンドの曲でもある。
John McVieのベースがなければ、曲は地面を失う。
Hughie Flintのドラムがなければ、曲は跳ねない。
Mayallのブルースへの献身がなければ、この録音そのものが存在しない。
そのうえで、Claptonのギターが歌う。
この構造が、Bluesbreakersの魅力である。
歌詞がないからこそ、演奏者の個性がむき出しになる。
ごまかしがきかない。
リズム、トーン、間、ニュアンス。
それらがすべて曲の表情になる。
Hideawayは、ブルース・ギターを学ぶ人にとって、今でも重要な曲である。
ただし、これは単なる練習曲ではない。
弾けることと、歌えることは違う。
フレーズをなぞれることと、ブルースとして響かせることは違う。
ClaptonのHideawayが強いのは、フレーズが音符ではなく声になっているからだ。
チョーキングひとつに感情がある。
ビブラートひとつに体温がある。
短い休符に、次の音を待たせる力がある。
そこが、この曲の聴きどころである。
Hideawayは、派手な歌詞も、長いストーリーも、壮大なアレンジも必要としない。
ギターがあれば十分だ。
ただし、そのギターは本当に歌わなければならない。
John Mayall & the Bluesbreakers版Hideawayは、そのことを教えてくれる。
Freddie Kingから始まった曲が、Claptonを通じて英国ブルース・ロックの中核へ入り、そこから数え切れないギタリストたちへ受け継がれていく。
その流れの中で、この演奏は今も生きている。
言葉はない。
けれど、ギターがすべてを語っている。
コメント