アルバムレビュー：Blondie by Blondie

発売日：1976年12月

ジャンル：ニューウェイヴ、パンク・ロック、パワーポップ、ガール・グループ・ポップ、ガレージ・ロック、アート・ポップ

概要

ブロンディのデビュー・アルバム『Blondie』は、1970年代ニューヨークのパンク／ニューウェイヴ・シーンから生まれた作品でありながら、単なるパンク・アルバムとしては収まりきらない多面的な魅力を持つ一枚である。1976年という時代は、ニューヨークのCBGBを中心に、ラモーンズ、テレヴィジョン、トーキング・ヘッズ、パティ・スミス、リチャード・ヘル、そしてブロンディがそれぞれ異なる形でロックの新しい語彙を作り出していた時期だった。その中でブロンディは、パンクの粗さと、1960年代ガール・グループのポップ感覚、ガレージ・ロックの衝動、映画的なイメージ、都市的なユーモアを混ぜ合わせた特異な存在として登場した。

ブロンディの中心にいたのは、ヴォーカリストのデボラ・ハリーとギタリストのクリス・スタインである。デボラ・ハリーは、従来のロックにおける女性ヴォーカリストの枠を大きく変えた存在だった。彼女は単にバンドのフロントに立つ歌手ではなく、ブロンドの髪、クールな表情、皮肉な演技性、ポップ・スター的な視覚性を持つ、きわめて意識的なイメージの操作者だった。マリリン・モンロー的なグラマー、フィルム・ノワールのヒロイン、ストリートのパンク少女、ガール・グループのリード・シンガー。そうした複数のイメージを同時にまといながら、彼女は男性中心のロック・シーンの中で独自の存在感を示した。

『Blondie』のサウンドは、後の『Parallel Lines』や『Eat to the Beat』に比べると、まだ荒く、コンパクトで、ガレージ・バンド的である。だが、その荒さの中には、すでにブロンディの重要な要素がそろっている。短くキャッチーなメロディ、軽快なギター、レトロなポップ・センス、B級映画のようなユーモア、都会的な視線、そしてデボラ・ハリーの声が持つ甘さと冷たさの同居。パンクのエネルギーを持ちながらも、ラモーンズのような一直線の単純さとは異なり、ブロンディは最初からポップ・カルチャー全体を素材として扱っていた。

この作品の重要性は、パンクとポップの関係を再定義した点にある。1970年代のパンクは、しばしばロックの過剰な装飾や商業性への反発として語られる。しかしブロンディは、ポップであることを拒否しなかった。むしろ、安価なテレビ番組、古い映画、ラジオで流れる60年代ポップ、少女雑誌的なロマンス、都市のナイトライフ、コミック的な悪趣味を取り込み、パンク以後のポップ・バンドとして機能した。彼らにとってポップは敵ではなく、解体し、再利用し、皮肉を込めて再演するための素材だった。

歌詞面では、恋愛、欲望、退屈、都市の夜、メディア的なイメージ、女性の視線、少し奇妙な人物像が多く扱われる。ブロンディの歌詞は、深刻な政治的メッセージを正面から掲げるものではない。しかし、その軽さの中には、1970年代ニューヨークの都市感覚や、消費文化への皮肉がある。恋愛の歌であっても、それは純粋な感情の告白というより、映画のワンシーンや古いポップ・ソングの形式を引用しながら演じられる。そこに、ブロンディ独自の知的な軽薄さがある。

音楽的背景としては、1960年代のロネッツ、シャングリラス、シュレルズといったガール・グループ、フィル・スペクター的なポップ・ドラマ、初期ビートルズやブリティッシュ・インヴェイジョン、ガレージ・ロック、サーフ・ロック、ニューヨーク・パンクが複雑に混ざっている。さらに、デボラ・ハリーとクリス・スタインの美意識には、アンダーグラウンド映画、キャンプ感覚、コミック・ブック的な色彩も感じられる。ブロンディの音楽は、ロックの純粋性よりも、ポップ・カルチャーの混合性を重視している。

キャリア上、本作はまだ完成形ではない。ブロンディが国際的なポップ・バンドとして大きく飛躍するのは、1978年の『Parallel Lines』以降であり、「Heart of Glass」「One Way or Another」「Sunday Girl」などによってニューウェイヴとディスコ、パワーポップを結びつけることになる。しかし『Blondie』には、その前段階としての粗削りな魅力がある。完成されたヒット・メイカーになる前のブロンディが、ニューヨークのクラブ・シーンで鳴らしていた、やや歪で、キッチュで、魅力的なポップ・パンクの姿が記録されている。

『Blondie』は、パンクの原初的な勢いだけでなく、後のニューウェイヴが持つ視覚性、アイロニー、ジャンル横断性を予告したアルバムである。ロックが怒りや反抗だけではなく、スタイル、イメージ、引用、演技、ポップな記憶によっても新しくなり得ることを示した点で、本作は非常に重要なデビュー作である。

全曲レビュー

1. X Offender

「X Offender」は、アルバムの冒頭を飾る楽曲であり、ブロンディのデビューを象徴する重要曲である。タイトルは当初「Sex Offender」に近い意味を持っていたとされるが、より曖昧で記号的な「X Offender」として提示されることで、危険、欲望、犯罪、メディア的なセンセーションが混ざった印象を生んでいる。ブロンディらしい、ポップでありながら少し不穏な世界の入口である。

音楽的には、60年代ガール・グループ風のメロディと、ニューヨーク・パンク的なギターの軽い荒さが結びついている。イントロからして明るくキャッチーだが、演奏には完全に磨き上げられていない生々しさがある。デボラ・ハリーの歌声は甘く、やや芝居がかっており、歌詞の危うい主題をポップな魅力へ変換している。

歌詞では、警察官への恋、逮捕、欲望、倒錯的なロマンスが描かれる。これは単なる恋愛ソングではなく、犯罪とロマンスを混ぜ合わせたB級映画的な物語である。語り手は受け身の被害者ではなく、むしろ状況を楽しんでいるようにも聞こえる。危険なものに惹かれ、その危険をポップな演技として歌う点に、デボラ・ハリーの魅力がある。

「X Offender」は、ブロンディが最初からパンクの粗さとポップの甘さを両立させていたことを示している。曲は短く、明るく、キャッチーだが、歌詞は奇妙で、少し倒錯している。清潔なポップではなく、都市の夜と安い犯罪映画の匂いがするポップである。この二重性が、ブロンディの核である。

2. Little Girl Lies

「Little Girl Lies」は、タイトルが示す通り、少女的なイメージと嘘を結びつけた楽曲である。ブロンディの音楽では、しばしば「少女」や「女性」のイメージが単純な無垢としてではなく、演技、策略、欲望、自己演出と結びつく。この曲も、かわいらしい外見の裏側にある複雑さをポップに描いている。

音楽的には、軽快なギターとシンプルなリズムが中心で、曲はコンパクトに進む。メロディには60年代ポップの影響があり、コーラスも親しみやすい。しかし、演奏の質感は完全にレトロではなく、パンク以後の乾いた軽さがある。甘いポップ・ソングの形式を借りながら、少し歪んだ感情を表現している。

歌詞では、小さな女の子の嘘、あるいは女性が演じる無邪気さの裏にある駆け引きが描かれる。ここで重要なのは、女性像が単純に批判されているわけではない点である。むしろ、嘘をつくことや演じることが、都市の人間関係の中で生きるための戦略として見えてくる。ブロンディの歌詞は、女性を純粋な被写体としてではなく、自分でイメージを操作する存在として描く。

「Little Girl Lies」は、アルバムの中でブロンディのキッチュなポップ感覚をよく示す曲である。かわいらしさと不誠実さ、無垢と演技が同時に鳴っている。デボラ・ハリーの声は、その曖昧な女性像を非常に自然に演じている。

3. In the Flesh

「In the Flesh」は、本作の中でも特にレトロなポップ感覚が強い楽曲であり、1960年代ガール・グループやドゥーワップの影響が明確に表れている。タイトルは「実物で」「生身で」という意味を持ち、写真や夢や噂ではなく、実際に目の前に現れる存在への感情を示す。

音楽的には、ゆったりしたテンポ、甘いメロディ、柔らかなコーラスが特徴である。パンクの激しさはほとんど前面に出ず、むしろ古いポップ・バラードを再演しているような雰囲気がある。だが、ブロンディの場合、このレトロさは単なる懐古ではない。1970年代ニューヨークのパンク・バンドが、あえて古いロマンティックな様式を引用している点に、ニューウェイヴ的なアイロニーがある。

歌詞では、憧れの相手が実際に目の前に現れたときの感覚が描かれる。夢や想像の中で作られた恋愛対象が、現実の身体を持つ存在になる。その瞬間のときめきと戸惑いが、甘く歌われる。タイトルの「in the flesh」は、肉体性を示す言葉でもあり、ブロンディらしい官能的な含みもある。

「In the Flesh」は、ブロンディの重要な側面であるレトロ・ポップへの愛情を示す曲である。パンク・シーン出身でありながら、彼らは古いポップの甘さを恥ずかしがらずに取り込んだ。その結果、ブロンディは他のニューヨーク・パンク勢とは異なる、広いポップ性を獲得していく。この曲はその初期の証拠である。

4. Look Good in Blue

「Look Good in Blue」は、タイトルからして色彩とイメージの感覚が強い楽曲である。「青が似合う」という言葉には、ファッション、視覚的な魅力、そしてブルーという色が持つ憂鬱の意味が重なっている。ブロンディにとって、見た目やスタイルは単なる装飾ではなく、音楽の一部である。この曲も、視覚的なイメージと感情が結びついている。

音楽的には、ギターのリフがやや荒く、アルバムの中ではパンク／ガレージ・ロック的な質感が強い。デボラ・ハリーのヴォーカルは、甘さよりも少し冷たく、挑発的に響く。曲全体には、明るいポップというより、都会的な皮肉と少しの暗さがある。

歌詞では、相手の外見や雰囲気、そしてその人物をめぐる欲望が描かれる。青が似合うという表現は、単なるファッションの褒め言葉にも聞こえるが、同時に相手が憂鬱や孤独をまとっているようにも感じられる。ブロンディの歌詞は、こうした表面的なスタイルの中に、感情や関係の歪みを忍ばせる。

「Look Good in Blue」は、ブロンディの視覚的な美学を音楽化した曲である。色、服、顔、態度。それらはポップ・ソングの中で重要な意味を持つ。ブロンディは、ロックが内面の真実だけでなく、表面のスタイルによっても成立することをよく理解していた。この曲は、そのスタイルへの鋭い感覚を示している。

5. In the Sun

「In the Sun」は、タイトル通り太陽や明るさを連想させる楽曲だが、ブロンディらしく、その明るさは単純な幸福ではなく、少し作り物めいたポップな光として響く。曲にはサーフ・ロックや60年代ポップの影響が感じられ、ニューヨークのパンク・バンドでありながら、西海岸的な陽光のイメージを引用している点が興味深い。

音楽的には、軽快なギターと跳ねるリズムが中心で、短く明るい印象を持つ。サーフ・ミュージック的な響きもあり、アルバムの中で少し開放的な雰囲気を作る。ただし、演奏にはまだ荒さがあり、完全に洗練されたポップではない。その粗さが、逆に曲の魅力になっている。

歌詞では、太陽の下にいる感覚、外へ出ること、光を浴びることが描かれる。だが、ブロンディの世界では、太陽すらも映画のセットの照明のように感じられる。自然な明るさと人工的なポップ・イメージが混ざっている。これは、彼らがポップ・カルチャーの記号を意識的に使うバンドだったことを示している。

「In the Sun」は、アルバムの中で軽い遊び心を担う楽曲である。ニューヨークの地下クラブから生まれたバンドが、サーフ・ロック的な明るさを引用することで、ジャンルの境界を軽やかに横断している。後のブロンディがレゲエ、ディスコ、ラップまで取り込んでいく柔軟性の初期形とも言える。

6. A Shark in Jets Clothing

「A Shark in Jets Clothing」は、タイトルからして映画的で、ユーモラスで、少し危険な楽曲である。「Jets Clothing」はミュージカル『West Side Story』に登場するギャング「Jets」を連想させ、「サメがジェッツの服を着ている」という奇妙なイメージは、変装、都市のギャング文化、捕食者、演劇性を同時に示す。ブロンディらしい、ポップ・カルチャーの引用と悪趣味なユーモアが表れたタイトルである。

音楽的には、軽快なロックンロールを基盤にしながら、やや芝居がかった雰囲気を持つ。リズムは明快で、ギターはコンパクトに鳴る。デボラ・ハリーの歌唱は、物語の登場人物を演じるような感覚があり、曲全体が短いB級映画の一場面のように響く。

歌詞では、危険な人物や、見た目とは違う本性を持つ存在が描かれる。サメは捕食者であり、服は社会的な役割や仮面である。つまり、この曲は外見と本性のズレをコミカルに扱っている。ブロンディの世界では、誰もが何かを演じており、服装やスタイルはその演技の一部である。

「A Shark in Jets Clothing」は、ブロンディの初期アルバムらしいキッチュな魅力を持つ曲である。深刻なロックの真実ではなく、映画、ミュージカル、ギャング、ファッション、危険な人物像を軽く混ぜ合わせる。その雑多なポップ感覚が、ブロンディを単なるパンク・バンドではなく、ニューウェイヴ的な総合ポップ・バンドにしている。

7. Man Overboard

「Man Overboard」は、タイトルが示す通り、船から人が落ちる緊急事態を意味する言葉である。ここでは、恋愛や人間関係の中で制御を失い、感情の海へ落ちてしまうような感覚として機能している。アルバムの中でも、少しドラマ性のある楽曲である。

音楽的には、軽快なリズムとギターを中心にしながら、曲にはどこか不安定な揺れがある。タイトルの海のイメージに対応するように、演奏にも少し波のような動きが感じられる。デボラ・ハリーの声は、緊急性を過度に強調するのではなく、クールに状況を観察しているように響く。

歌詞では、誰かが感情的に危険な状態に陥っていること、あるいは関係の中で沈みかけていることが示される。ブロンディの恋愛ソングは、しばしばロマンティックな幸福ではなく、危険、滑稽さ、事故のような展開を伴う。この曲でも、恋愛は安全な港ではなく、人を落とす可能性のある不安定な船のように描かれる。

「Man Overboard」は、ブロンディのポップ・ソングライティングが持つ比喩の軽さと鋭さを示している。深刻な状況を、あえて軽快な曲調で描くことで、聴き手は危険を楽しむように曲へ引き込まれる。ブロンディの都市的なユーモアがよく表れた楽曲である。

8. Rip Her to Shreds

「Rip Her to Shreds」は、本作の中でも特に辛辣で、ブロンディの初期代表曲の一つである。タイトルは「彼女をズタズタに引き裂け」という非常に攻撃的な言葉で、女性に向けられる視線、噂、批判、メディア的な消費を皮肉に描いている。デボラ・ハリーのキャラクター性を考えるうえでも重要な曲である。

音楽的には、テンポのよいロックンロールで、ギターとキーボードが軽快に絡む。曲は明るくキャッチーだが、歌詞は毒を含んでいる。この明るさと攻撃性の組み合わせが、ブロンディらしい。デボラ・ハリーのヴォーカルは、批判する側を演じているようにも、その視線を嘲笑しているようにも聞こえる。

歌詞では、派手な格好をした女性が周囲から嘲笑され、批判され、消費される様子が描かれる。重要なのは、この曲が単にその女性を攻撃しているのではなく、攻撃する社会的な視線そのものを露出させている点である。女性は見られ、評価され、裁かれる。デボラ・ハリーはその構造を、皮肉なポップ・ソングとして歌う。

この曲は、ブロンディが表面的なスタイルを武器にしながら、そのスタイルがどのように消費されるかにも自覚的だったことを示している。デボラ・ハリー自身も、メディアによって外見を強く注目された人物である。その彼女が「女性をズタズタに批評する視線」を歌うことには、強い自己言及性がある。

「Rip Her to Shreds」は、ブロンディの中でも最も鋭い社会的観察を持つ楽曲の一つである。軽快で楽しい曲に聞こえながら、女性のイメージ消費に対する冷たい皮肉が込められている。

9. Rifle Range

「Rifle Range」は、タイトルが示す通り射撃場を意味し、暴力、狙うこと、訓練、標的といったイメージを持つ楽曲である。ブロンディのデビュー作には、恋愛やポップな遊び心だけでなく、都市的な暴力性や危険のイメージも多く含まれている。この曲はその側面を担っている。

音楽的には、ややガレージ・ロック的で、荒さのある演奏が特徴である。ギターは鋭く、リズムは直線的に進む。曲全体には、パンク的なシンプルさと、少し不穏な緊張がある。デボラ・ハリーの歌声は、過度に攻撃的ではなく、むしろクールに状況を描くことで、曲に独特の冷たさを与えている。

歌詞では、射撃場という場所のイメージを通じて、狙われること、狙うこと、危険なゲームのような関係が描かれる。ブロンディの歌詞において、恋愛や欲望はしばしば遊びでありながら、同時に危険な行為でもある。この曲でも、標的になることと欲望されることが重なっているように聞こえる。

「Rifle Range」は、アルバムの中ではややラフな印象の曲だが、ブロンディの初期サウンドの荒削りな魅力をよく示している。まだ後年のような洗練はないが、その分、クラブ・シーンのバンドらしい生々しさがある。ポップな表面の下にある危険な都市感覚が感じられる一曲である。

10. Kung Fu Girls

「Kung Fu Girls」は、タイトルからして当時のカンフー映画ブームやB級アクション映画への参照を感じさせる楽曲である。ブロンディは、ロックの伝統だけでなく、テレビ、映画、コミック、安価な娯楽文化を積極的に取り入れたバンドだった。この曲はそのポップ・カルチャー嗜好を端的に示している。

音楽的には、速いテンポと軽快なギターが特徴で、パンク・ポップ的な勢いがある。曲は短く、コミカルで、やや漫画的な感触を持つ。デボラ・ハリーのヴォーカルも、深刻な感情表現ではなく、キャラクターを演じるような軽さがある。

歌詞では、カンフー・ガールという架空的でアクション映画的な女性像が描かれる。これは異国趣味やB級映画的なイメージの引用であると同時に、強く、素早く、戦う女性像の提示でもある。ブロンディの女性像は、受動的なロマンスの対象にとどまらず、時に危険で、時に攻撃的で、時に漫画的な力を持つ。

「Kung Fu Girls」は、ブロンディのユーモアとジャンル横断性をよく示す曲である。パンクの文脈の中で、カンフー映画的な題材を軽く扱うことで、ロックの真面目さをずらしている。後にブロンディがレゲエ、ディスコ、ラップなどを取り込むことを考えると、この時点ですでに彼らの雑食性は明確だった。

11. The Attack of the Giant Ants

アルバムの最後を飾る「The Attack of the Giant Ants」は、タイトルからしてB級SF映画のような楽曲である。「巨大アリの襲撃」というイメージは、1950年代のモンスター映画や安価なホラー／SF文化を強く連想させる。ブロンディのデビュー作は、このようなキャンプでキッチュなイメージを臆せず取り込むことで、独自のポップ感覚を作っている。

音楽的には、アルバムの終曲としてやや奇妙で、芝居がかった雰囲気を持つ。演奏はロックンロールを基盤にしているが、曲全体にはコミカルな不気味さがある。シリアスな終幕ではなく、B級映画のエンドロールのような後味を残す点が非常にブロンディらしい。

歌詞では、巨大アリの襲撃という荒唐無稽な題材が扱われる。これは現実的な物語ではなく、ポップ・カルチャーの記号を使った遊びである。しかし、こうした怪物映画的なイメージには、都市生活の不安や、日常が突然異常なものに変わる感覚も含まれている。ブロンディはそれを深刻な恐怖ではなく、ユーモアとスタイルで処理する。

「The Attack of the Giant Ants」は、デビュー作の終曲として、ブロンディが真面目すぎるロック・バンドではなかったことを示している。彼らはパンクの一員でありながら、ポップ・カルチャーの安っぽさ、映画的な悪趣味、コミック的な過剰さを愛していた。この曲は、その遊び心を象徴する終曲である。

総評

『Blondie』は、後の大成功作『Parallel Lines』と比べると、まだ荒削りで、サウンドもコンパクトで、楽曲ごとの完成度にもばらつきがある。しかし、その未完成さこそが、このデビュー作の魅力である。ここには、ニューヨークのクラブ・シーンから出てきたバンドが、パンク、ガール・グループ、ガレージ・ロック、B級映画、ファッション、都市的な皮肉を混ぜ合わせながら、自分たちのスタイルを作り始めた瞬間が記録されている。

本作の最大の特徴は、パンクのエネルギーとポップの記憶が同時に存在している点である。ラモーンズがロックンロールを極限まで単純化したのに対し、ブロンディは単純化と同時に引用を行った。60年代のガール・グループの甘いメロディ、サーフ・ロック、古い映画、少女的なロマンス、犯罪映画、コミック的な怪物。そのすべてをパンク以後の軽いスピードで再構成したのが『Blondie』である。

デボラ・ハリーの存在は、本作の評価において決定的である。彼女の声は、甘く、冷たく、挑発的で、時に無邪気に聞こえる。だが、その無邪気さは常に演技性を含んでいる。彼女は単に歌詞の主人公を表現するのではなく、女性イメージそのものを演じ、操作し、ずらしている。ブロンドのポップ・アイコンでありながら、そのイメージを自分で利用する姿勢が、後のマドンナ、シンディ・ローパー、グウェン・ステファニー、カレンO、さらに多くの女性ポップ／ロック・アーティストへつながっていく。

歌詞面では、恋愛や欲望が扱われているが、それは純粋なロマンティック・ポップではない。「X Offender」では犯罪と恋愛が混ざり、「Rip Her to Shreds」では女性への消費的な視線が皮肉られ、「A Shark in Jets Clothing」や「The Attack of the Giant Ants」では映画的な悪趣味がポップに変換される。つまり本作の歌詞は、深刻な内面告白ではなく、ポップ・カルチャーの表面を通じて都市的な感情を描いている。

音楽的には、まだ後年のような洗練されたプロダクションはない。しかし、だからこそ初期ブロンディの勢いが感じられる。ギターは荒く、リズムは軽く、曲は短い。ところどころにチープさもあるが、それがB級映画的な美学と結びついている。完成された大作ではなく、雑多なアイデアがそのまま詰め込まれたポップ・パンクの原石である。

『Blondie』は、ニューウェイヴというジャンルの成立を考えるうえでも重要である。ニューウェイヴは、パンクの後に現れたより多様で、スタイル意識が強く、ポップ・カルチャーへの自覚を持つ音楽として広がった。ブロンディはその代表的な存在であり、本作にはすでにその特徴が見える。ジャンルを純粋に守るのではなく、混ぜる。ロックの真実性だけでなく、表面のスタイルを重視する。反抗だけでなく、遊び、引用、演技を使う。この姿勢が、後の80年代ポップへつながっていく。

日本のリスナーにとって本作は、ブロンディを『Parallel Lines』の完成されたヒット・バンドとしてだけでなく、ニューヨーク・パンク／ニューウェイヴの現場から生まれたバンドとして理解するうえで重要なアルバムである。洗練されたディスコ・ポップやニューウェイヴ・ポップを期待すると、音の粗さに驚くかもしれない。しかし、その粗さの中に、後のブロンディが持つポップな柔軟性、視覚的な強さ、ジャンル横断性の種がある。

『Blondie』は、完成された名盤というより、強烈な個性を持つデビュー作である。ガール・グループの甘さ、パンクの速さ、B級映画の悪趣味、都市の皮肉、デボラ・ハリーの圧倒的なアイコン性。それらがまだ整理されきらないまま、勢いよく並んでいる。この雑多さこそが、本作の魅力であり、ブロンディというバンドの原点である。

おすすめアルバム

1. Blondie『Parallel Lines』

1978年発表。ブロンディの代表作であり、デビュー作の荒削りなポップ・パンクを、より洗練されたニューウェイヴ／パワーポップへ発展させた作品である。「Heart of Glass」「One Way or Another」「Sunday Girl」「Hanging on the Telephone」などを収録し、バンドの国際的成功を決定づけた。『Blondie』の原石が完成形へ進む過程を理解するうえで必聴である。

2. Blondie『Plastic Letters』

1978年発表のセカンド・アルバム。デビュー作の延長にある荒さと、より明確なポップ志向が同居した作品である。「Denis」などを収録し、ブロンディがパンク・シーンのバンドからポップ・チャートへ向かう中間地点を示している。初期ブロンディの変化を追ううえで重要な一枚である。

3. Ramones『Ramones』

1976年発表。ニューヨーク・パンクの基本形を作ったデビュー・アルバムであり、短く速いロックンロールの極限的な単純化が特徴である。ブロンディと同じCBGB周辺の文脈を共有しながら、よりストレートなパンクの方向を示す作品である。『Blondie』のパンク的背景を理解するために有効である。

4. The Shangri-Las『Leader of the Pack』

1965年発表。ドラマティックな語り、少女的ロマンス、悲劇的なポップ感覚を持つガール・グループの重要作である。ブロンディのレトロなポップ美学、特に「In the Flesh」や「X Offender」に感じられるガール・グループ的な演劇性を理解するうえで重要な参照点となる。

5. Talking Heads『Talking Heads: 77』

1977年発表。ブロンディと同じニューヨーク・ニューウェイヴの文脈から登場した作品であり、神経質なリズム、知的な歌詞、パンク以後のロックの再構築が特徴である。ブロンディがポップ・カルチャーと女性アイコン性を武器にしたのに対し、トーキング・ヘッズは都市的な不安と知性を前面に出した。1970年代ニューヨークの多様なニューウェイヴを理解するうえで関連性が高い。