発売日：1991年10月8日
ジャンル：グランジ／オルタナティヴ・メタル／ハード・ロック／ヘヴィ・メタル
概要
Soundgardenの3作目のスタジオ・アルバム『Badmotorfinger』は、グランジという言葉が世界的に定着していく1991年に発表され、その枠組みの中でも特にヘヴィ・メタル、70年代ハード・ロック、変拍子、ダウンチューニング的な重量感を強く押し出した作品である。Nirvanaの『Nevermind』、Pearl Jamの『Ten』とほぼ同時期に登場したが、Soundgardenの音楽はそれらとは明確に異なる。彼らはパンク由来の簡潔さより、Black Sabbath、Led Zeppelin、King Crimson、Rushといった重量級／技巧派ロックの遺産を、シアトルの荒れたオルタナティヴ感覚へ接続していた。
本作はベーシストにBen Shepherdが加入してから初のフル・アルバムでもある。彼の参加によって、Soundgardenのリズム・セクションには以前以上に不規則で肉体的な推進力が加わった。Matt Cameronのドラムは変拍子やポリリズムを自然に処理し、Kim Thayilのギターは単なる重量感だけでなく、不協和音、奇妙なチューニング、東洋的な響きまで取り込む。そしてChris Cornellは、圧倒的な高音域と低い唸り声を使い分けながら、自己嫌悪、宗教、権力、精神的不安、身体性を扱う。
『Badmotorfinger』という造語的タイトルも、アルバムの音そのものをよく表している。機械的で、油にまみれ、歪み、速度と重量が同時に存在する。整然としたハード・ロックではなく、エンジンそのものが異常振動しているような感触がある。
特に「Rusty Cage」「Outshined」「Jesus Christ Pose」の3曲は、本作の方向性を象徴する。巨大なギター・リフを中心にしながら、通常のハード・ロックより拍子や構成が複雑で、ヴォーカルも典型的なメタルの英雄性から離れている。Chris Cornellは強い声を持ちながら、歌詞では自分を勝者として描かない。むしろ力強い身体の中にある不安、怒り、自己否定を露出させる。
この点がSoundgardenを1980年代型ヘヴィ・メタルから分ける重要な要素である。
演奏は巨大。
声も巨大。
しかし主人公は必ずしも巨大ではない。
『Badmotorfinger』では、その矛盾がグランジという新しい時代の感覚と結びつき、1990年代のヘヴィ・ロックに大きな影響を与えることになる。
全曲レビュー
1. Rusty Cage
アルバムは「Rusty Cage」で始まる。Soundgardenの代表曲の一つであり、『Badmotorfinger』の機械的な重量感を最初の数秒で提示する楽曲である。
タイトルの“Rusty Cage”は「錆びた檻」を意味し、閉じ込められた状態、腐食した環境、そこから脱出しようとする衝動を象徴している。
歌詞では、主人公が自分を拘束する状況から抜け出そうとする。重要なのは、その「檻」が具体的な場所に限定されないことだ。社会、仕事、人間関係、自己認識など、様々な束縛として読むことができる。
音楽は冒頭から変則的なリズム感を持ち、ギター・リフがまっすぐ進むようで微妙に足場をずらす。
中盤から終盤にかけて曲はさらに重くなり、速度感のある前半から、巨大なスラッジ的パートへ移行する。この構成はSoundgardenの特徴を象徴している。
速い曲が単に速いまま終わらない。
一つの曲の中で重力が変わる。
この構築力が、彼らを単なるガレージ的グランジ・バンドから引き離している。
後にJohnny Cashがこの曲をカバーしたことも、そのリフと歌詞の普遍性を示している。
2. Outshined
「Outshined」は、本作の中でも特に強力なミッドテンポ・リフを持つ楽曲である。
タイトルは「輝きで負ける」「他者の方が目立つ」という意味を持ち、歌詞の中心には自己評価の揺れがある。
Chris Cornellは身体的には圧倒的なロック・フロントマンだったが、歌詞ではしばしば自信と自己嫌悪の間を揺れる人物を描いた。
「今日は調子がいい」と感じても、翌日には自分を価値のない存在のように感じる。
この感情の変動が「Outshined」の核である。
音楽は非常に重いが、テンポは速くない。
Kim Thayilのギターは低く粘り、Matt Cameronのドラムは複雑な拍子を自然なグルーヴへ変換する。
Soundgardenの変拍子は、Rushのように数学的な精密さを誇示するためではない。
むしろ「歩いている地面が少し傾いている」ような違和感を作る。
そのためリスナーは拍子を意識しなくても、普通のハード・ロックとは異なる不安定さを身体で感じる。
3. Slaves & Bulldozers
「Slaves & Bulldozers」は、『Badmotorfinger』でも最も重く、暗い楽曲の一つである。
タイトルにある“slaves”と“bulldozers”は、人間の隷属と巨大な機械的暴力を並べる。
歌詞には権力関係、搾取、自由を奪われる感覚が漂う。
ただし、政治的スローガンとして直接整理されているわけではない。
Soundgardenの歌詞では、社会的圧力と個人的な心理がしばしば混ざり合う。
誰かに支配される感覚は、社会制度の問題であると同時に、人間関係や自己破壊の問題でもある。
音楽は非常に遅く、低く、粘る。
Ben Shepherdのベースが巨大な重力を作り、その上でThayilのギターが不協和音を引きずる。
Cornellのヴォーカルは終盤に向かって激しさを増し、ほとんど儀式的な絶叫へ達する。
Black Sabbath由来の重さを1990年代へ更新した、Soundgardenのスラッジ的側面を代表する一曲である。
4. Jesus Christ Pose
「Jesus Christ Pose」は、本作で最も攻撃的かつ象徴的な楽曲の一つである。
タイトルは「キリストのようなポーズ」を意味し、歌詞では宗教そのものより、自己犠牲や苦悩を演出して他者から同情や崇拝を得ようとする人物像が批判される。
ここでの“Jesus Christ Pose”は、殉教者であることを自ら演出する姿勢の比喩である。
自分は苦しんでいる。
自分は誰より傷ついている。
だから自分には特別な価値がある。
Cornellは、こうした自己神話化を冷徹に解体する。
音楽は猛烈で、Matt Cameronのドラムが非常に複雑なリズムを刻む。ギターとベースはほとんど機械のように反復し、ヴォーカルはその上を切り裂く。
ミュージック・ビデオを含め宗教的イメージの使用によって物議も呼んだが、本質は宗教への単純な攻撃ではない。
むしろ「苦しむ自分」を権力へ変換するナルシシズムへの批判である。
Soundgardenの知的な攻撃性が最も明確に表れた曲の一つである。
5. Face Pollution
「Face Pollution」は、アルバム中でも比較的短く、パンク的な速度感を持つ。
タイトルは「顔の汚染」という奇妙な言葉で、外見、イメージ、社会的な印象の汚染を連想させる。
サウンドはそれまでの巨大なミッドテンポ・リフから一転し、鋭く突進する。
ここにはSoundgardenのパンク・ルーツが強く出ている。
彼らはBlack Sabbath的な重量感だけでなく、シアトルのDIYシーンやハードコア／ポストパンクの荒さからも大きな影響を受けていた。
ギターは短く切れ、ドラムは前のめりに進む。
しかし完全なハードコアにはならず、途中の変則的なアクセントや歪んだ構成にSoundgardenらしさが残る。
アルバム全体の重量を一度加速させる役割を持つ曲である。
6. Somewhere
「Somewhere」はBen Shepherdの作曲による楽曲で、彼の加入がSoundgardenにもたらした新しい感覚を示す。
タイトルは「どこか」という非常に曖昧な言葉であり、現状とは異なる場所への憧れや、居場所のなさを連想させる。
サウンドは本作の他曲ほど直接的に攻撃的ではない。
メロディには少し浮遊感があり、ギターも壁のような音圧より、奇妙な空間を作る方向へ向かう。
Ben Shepherdの作曲には、CornellやThayilとは異なる、少し壊れたポップ感覚がある。
そのため「Somewhere」は、アルバムの中で異質でありながら重要な休息地点になっている。
歌詞も明確な結論を避け、「ここではないどこか」を求める心理を残す。
グランジ世代に頻繁に見られた疎外感を、Soundgarden独自の抽象性で表現した一曲である。
7. Searching with My Good Eye Closed
「Searching with My Good Eye Closed」は、タイトルそのものが矛盾を含む。
「良い方の目を閉じて探す」。
つまり、見る能力を自ら制限しながら何かを探している。
これは人間の認識の不完全さを示す優れた比喩である。
人は真実を知りたいと言いながら、自分にとって都合の悪い部分は見ない。
あるいは、完全に見ることのできない状態で何かを理解しようとする。
曲の冒頭にはユーモラスな導入があるが、本編は極めて重い。
反復するリフには催眠的な感覚があり、サイケデリック・ロックの影響も感じられる。
Cornellのヴォーカルは高音へ上がりながら、単なるメタル的な勝利の雄叫びではなく、混乱や探求の感覚を強める。
長めの構成によってトランス状態を作る、アルバム中でも特にサイケデリックな一曲である。
8. Room a Thousand Years Wide
「Room a Thousand Years Wide」はKim ThayilとMatt Cameronの共作で、Soundgardenの抽象的かつ時間感覚の歪んだ側面を示す。
タイトルは「千年分の広さを持つ部屋」という、物理的には成立しないイメージである。
空間と時間が混ざる。
この感覚はSoundgardenの音楽にも一致する。
リフは巨大で、一音一音が長く残り、曲の中の時間が通常より遅く進んでいるように感じられる。
一方、Matt Cameronのドラムは複雑なアクセントを入れ、完全な停滞を避ける。
サックスが使用される点も特徴的である。
ヘヴィ・ロックにサックスが入ることで、通常のメタルとは異なる不穏な色彩が生まれる。
歌詞は時間、存在、孤立を思わせる抽象性を持ち、『Badmotorfinger』の中でも特にアート・ロック的な曲である。
9. Mind Riot
「Mind Riot」は、精神内部の混乱を直接タイトルにした楽曲である。
“riot”は暴動を意味する。
つまり、頭の中で秩序が崩れ、複数の思考や感情が衝突している状態である。
この曲では変則的なチューニングが強い不安定さを作る。
通常のギター・コード感から外れた響きがあり、曲全体がどこにも安定して着地しない。
これは歌詞の精神状態とよく一致する。
Soundgardenの優れた点は、歌詞で「不安」と言うだけでなく、楽器のチューニングや拍子そのものを不安定にすることで、心理状態を音響へ変換するところにある。
Cornellのヴォーカルも、ここでは単純な絶叫より内向きである。
巨大な声を使いながら、実際に描かれているのは頭の中の孤独である。
10. Drawing Flies
「Drawing Flies」は、腐敗や不潔さを想起させるタイトルを持つ。
“draw flies”は「ハエを引き寄せる」という意味であり、何かが腐っていることを示す。
歌詞では自己嫌悪、生活の混乱、精神的な汚れがユーモラスかつグロテスクに表現される。
音楽は比較的速く、ホーンの導入によって独特の騒々しさが生まれる。
一般的なヘヴィ・メタルのホーン使用とは異なり、華やかさではなく混乱を増幅するために使われている。
曲全体がゴミ箱をひっくり返したような雑然としたエネルギーを持つ。
この「汚さを意図的に音楽化する」感覚はグランジの美学とも深く結びついている。
洗練されたロック・スター像ではなく、汗、臭い、腐敗、自己嫌悪をそのまま曲にする。
Soundgardenのユーモアがよく表れた一曲である。
11. Holy Water
「Holy Water」は、宗教的な純化の象徴である「聖水」をタイトルにした楽曲である。
しかしSoundgardenが宗教的イメージを使う場合、それは単純な信仰表現にはならない。
歌詞では浄化、罪、信仰、偽善といった問題が暗示される。
人は自分を清めたいと願う。
しかし、外側から聖なる水をかけるだけで本当に変われるのか。
ここには「Jesus Christ Pose」と共通する、宗教的記号が人間の自己演出へ利用されることへの疑念がある。
サウンドは非常に重く、遅い。
ギターの低音が地面を押し下げるように響き、Cornellの声がその上で不安定に伸びる。
Black Sabbath的なドゥーム感をSoundgarden独自の変拍子的感覚へ変換した曲であり、本作の暗い宗教性を象徴する。
12. New Damage
アルバムを締めくくる「New Damage」は、そのタイトル通り「新たな損傷」を意味する。
アルバム全体が自己嫌悪、束縛、権力、宗教、精神的混乱を扱った後、最後に残るのが「新しい傷」であることは象徴的である。
解決はない。
浄化もない。
ただ次の損傷が加わる。
音楽は重く、不穏で、終曲らしい巨大さを持つ。
リフは前進するというより押し潰すように進み、Cornellのヴォーカルも勝利へ向かわない。
『Badmotorfinger』は、典型的なハード・ロック・アルバムのようにカタルシスで完結しない。
むしろ最後まで緊張を残す。
この終わり方によって、本作の世界はアルバム終了後も続いているように感じられる。
総評
『Badmotorfinger』は、Soundgardenがグランジという時代的カテゴリーを超えて、独自のヘヴィ・ロックを完成させた作品である。
1991年という年はロック史において特別だった。
Nirvanaの『Nevermind』がオルタナティヴ・ロックをメインストリームへ押し上げ、Pearl Jamの『Ten』が巨大なアリーナ・ロック的スケールを持つグランジを提示し、Alice in Chainsもシアトルの暗いヘヴィネスを広げていた。
その中でSoundgardenは最も明確に1970年代ハード・ロック／ヘヴィ・メタルとの連続性を持っていた。
Black Sabbathの重さ。
Led Zeppelinの声とリフ。
King Crimson的な変拍子。
パンクの荒さ。
サイケデリアの不穏さ。
これらを一つのサウンドへ統合している。
しかし、彼らは80年代型メタル・バンドではない。
最大の違いは「自己像」にある。
1980年代の主流ヘヴィ・メタルでは、フロントマンはしばしば強者として描かれた。
性的で、自信があり、支配的で、観客を導く。
Chris Cornellには、その外見と声だけを見れば同様のスター性があった。
しかし歌詞では逆である。
「Outshined」では自己評価が崩れる。
「Searching with My Good Eye Closed」では真実を見ることができない。
「Mind Riot」では精神内部が暴動状態になる。
「Drawing Flies」では自己嫌悪が腐敗のイメージへ変わる。
つまり巨大な身体と巨大な声の中に、極めて不安定な自己がいる。
これが90年代的である。
グランジがヘヴィ・メタルから受け継いだのは音量やリフだった。
しかし「ロック・スターとは強者である」という神話は受け継がなかった。
Soundgardenはその転換を最も明確に示すバンドの一つだった。
Kim Thayilのギターも、本作の個性を決定づける。
彼は典型的なリード・ギタリストのように長いソロを中心にはしない。
むしろリフ、ノイズ、不協和音、フィードバック、奇妙な音階を使って曲全体の空間を歪ませる。
彼のギターは「メロディを弾く楽器」である以上に「環境を汚染する装置」として機能する。
この考え方は、グランジとノイズ・ロックの接点でもある。
さらにMatt Cameronのドラムが重要である。
Soundgardenの変拍子はかなり複雑だが、多くの場合それが難解に聞こえない。
その理由はCameronが拍子の複雑さよりグルーヴを優先しているからだ。
「Outshined」「Jesus Christ Pose」などでは、リズム構造を分析すれば普通のハード・ロックより複雑である。
しかし身体で聴けば自然に流れる。
この「複雑なのに重い」という両立は、後のオルタナティヴ・メタル、プログレッシヴ・メタルにも大きな影響を与える。
Ben Shepherdの加入も本作では決定的である。
彼のベースは低音の補強だけではない。
時にギターとずれ、独立した旋律を作り、曲へ奇妙な揺れを加える。
「Somewhere」のような楽曲では、彼の作曲感覚そのものがアルバムの色を広げている。
前任のHiro Yamamoto期Soundgardenが持っていた独特の複雑さを維持しつつ、より肉体的で荒々しいバンドへ変化した。
歌詞面では、宗教的イメージが繰り返し使われる点も重要だ。
「Jesus Christ Pose」「Holy Water」などでは、宗教そのものへの攻撃というより、宗教的な言葉やポーズを人間がどのように権力や自己演出へ変えるかが問題となる。
Cornellは絶対的な答えを提示しない。
むしろ、信仰、自己嫌悪、ナルシシズムが絡み合う状態を描く。
これは後の『Superunknown』でさらに深まるテーマでもある。
『Badmotorfinger』のプロダクションは、後の『Superunknown』ほど立体的でも洗練されてもいない。
しかし、その粗さが本作には合っている。
ギターはざらつき、ドラムは生々しく、ヴォーカルは時に音像から飛び出す。
全体に鉄、錆、油、埃のような質感がある。
タイトル通り「悪いモーター」が激しく回転しているような音である。
この工業的感触は、アルバム・ジャケットや曲名だけでなく、実際の演奏にも一貫している。
「Rusty Cage」。
「Slaves & Bulldozers」。
「Badmotorfinger」。
「New Damage」。
作品全体に機械、損傷、圧力のイメージがある。
そしてその機械の中に人間の精神が閉じ込められている。
この構造が本作の核心である。
後世への影響も大きい。
Soundgardenの変拍子と重量感は、90年代以降のオルタナティヴ・メタル、ストーナー・ロック、スラッジ、プログレッシヴ系ヘヴィ・ロックへ幅広く波及した。
Toolのように変拍子と心理的な暗さを組み合わせるバンド、Queens of the Stone Ageのように反復リフと乾いた重量感を使うバンド、さらに多くのポスト・グランジ勢まで、Soundgardenが開いた道の一部を引き継いでいる。
ただし『Badmotorfinger』の魅力は、その後のジャンルを予告したことだけではない。
1991年という瞬間にしか存在し得なかった不安定な混合物であることにも価値がある。
ヘヴィ・メタルなのか。
グランジなのか。
オルタナティヴ・ロックなのか。
プログレッシヴなのか。
パンクなのか。
どれも正しい。
そしてどれだけでも説明しきれない。
その分類不能な重量こそSoundgardenの個性である。
『Badmotorfinger』は、彼らが後に『Superunknown』でさらに大きな商業的・芸術的成功へ到達する直前、最も荒々しい状態で完成した作品である。
『Superunknown』が陰影、サイケデリア、ポップ感覚まで含んだ総合的な傑作だとすれば、『Badmotorfinger』はSoundgardenの金属的な骨格を最も強く露出させたアルバムである。
リフ。
変拍子。
高音ヴォーカル。
不協和音。
自己嫌悪。
宗教への疑念。
そして巨大な音圧。
これらが一枚の中で衝突し続ける。
その意味で『Badmotorfinger』は、グランジの名盤であるだけでなく、1990年代ヘヴィ・ロックの設計図の一つとして位置づけられる作品である。
おすすめアルバム
Soundgarden – Superunknown（1994）
『Badmotorfinger』で完成した重量感と変拍子を、サイケデリア、ポップ、より深い内省へ拡張した代表作。「Black Hole Sun」「Spoonman」「Fell on Black Days」などを収録し、Soundgardenの音楽性が最も総合的な形で完成している。
Alice in Chains – Dirt（1992）
同じシアトルから登場したヘヴィ・グランジの重要作。Soundgardenよりもドゥーム的で、依存症、自己破壊、絶望を極端に暗く描く。Black Sabbath由来の重量感を90年代オルタナティヴへ変換したという点で『Badmotorfinger』と強く共鳴する。
Melvins – Bullhead（1991）
スラッジ、ドゥーム、パンクを融合したMelvinsの重要作。極端に遅いリフと荒い音響は、シアトル周辺のヘヴィ・ロック文化の基礎を形成した。『Badmotorfinger』の「Slaves & Bulldozers」などに見られる重量感の背景を理解するうえで重要である。
Black Sabbath – Master of Reality（1971）
ダウンチューニング、巨大なリフ、暗い音像によって後世のドゥーム、スラッジ、グランジへ決定的な影響を与えた作品。Soundgardenが70年代ヘヴィ・ロックから何を受け継ぎ、それを90年代へどう変換したかを確認するための基準点となる。
Jane’s Addiction – Ritual de lo Habitual（1990）
ハード・ロック、オルタナティヴ、ファンク、サイケデリアを混ぜ、80年代型メタル以後のヘヴィ・ロックの可能性を提示した作品。Soundgardenとはリズム感も美学も異なるが、「ヘヴィでありながら既存のメタル文化には収まらない」という90年代初頭の転換を理解するうえで関連性が高い。
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