発売日：1999年4月19日
ジャンル：オルタナティヴ・ロック、ポップ・ロック、インディー・ロック、ケルト風ロック、ポスト・グランジ
概要
The CranberriesのBury the Hatchetは、1999年に発表された通算4作目のスタジオ・アルバムであり、バンドが1990年代前半から中盤にかけて築いた世界的成功を経た後、再び自分たちの表現を整理し直した作品である。アイルランド・リムリック出身のThe Cranberriesは、ドロレス・オリオーダンの独特な歌声、ケルト的な旋律感、透明感のあるギター・サウンド、そして社会的・個人的なテーマを併せ持つ歌詞によって、1990年代オルタナティヴ・ロックの中で非常に特異な位置を占めた。
デビュー作Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?では、夢見るようなギター・ポップと恋愛の不安が中心にあり、続くNo Need to Argueでは「Zombie」に代表される社会的怒りとヘヴィなロック性が大きく打ち出された。3作目To the Faithful Departedでは、政治、死、宗教、暴力、メディア批判といった重いテーマにさらに踏み込み、バンドの音もより硬質で攻撃的になった。その後、ツアーや過密な活動による疲弊、ドロレス・オリオーダンの心身の負担もあり、The Cranberriesは一時的に活動のペースを落とすことになる。
その流れを受けて制作されたBury the Hatchetは、タイトルからして象徴的である。「斧を埋める」という英語表現は、争いや対立を終わらせる、和解するという意味を持つ。本作には、過去の怒りや緊張を抱えつつも、それを越えて新しい段階へ進もうとする意志が感じられる。音楽的には、前作のような過度な攻撃性はやや抑えられ、初期の透明感あるギター・ポップ、メロディアスなロック、フォーク的な親密さが戻っている。一方で、単なる原点回帰ではなく、母性、家庭、名声への疲労、暴力への批判、自己防衛といった成熟したテーマが加わっている。
本作の中心にいるのは、やはりドロレス・オリオーダンである。彼女の声はThe Cranberriesの最大の個性であり、アイルランド的な節回し、ヨーデルにも近い跳躍、鋭い高音、祈りのような柔らかさを併せ持つ。Bury the Hatchetでは、その声が怒りの刃としてだけではなく、母親としての視点、傷ついた人間の告白、静かな祈りとしても機能している。特に「Animal Instinct」「You and Me」「Dying in the Sun」などでは、彼女の声の繊細さが前面に出ている。
時代背景として、1999年はオルタナティヴ・ロックの全盛期が変化し、ポップ、ポスト・グランジ、ブリットポップ後のギター・ロック、ラテン・ポップ、R&B、電子音楽などが混在していた時期である。The Cranberriesはグランジの重さにも、ブリットポップの洒脱さにも完全には属さない存在だった。彼らの音楽は、アイルランド的な旋律、ポップな親しみやすさ、オルタナティヴ・ロックの陰影を組み合わせた独自のものだった。Bury the Hatchetは、その独自性を1990年代末の空気の中で再提示した作品である。
キャリア上の位置づけとして、本作は商業的な頂点を過ぎた後の再確認のアルバムといえる。世界的現象となった「Zombie」のような巨大な一曲を生み出す作品ではないが、アルバム全体としては非常にバランスが取れている。激しい楽曲、穏やかなバラード、ポップなメロディ、社会的テーマ、個人的な告白が並び、The Cranberriesというバンドの多面的な魅力がよく表れている。特に、バンドが単なる90年代のヒット・メーカーではなく、痛み、怒り、優しさを一貫して歌い続けた存在であることを理解するうえで重要な一枚である。
全曲レビュー
1. Animal Instinct
オープニングを飾る「Animal Instinct」は、Bury the Hatchetを象徴する楽曲のひとつである。タイトルは「動物的本能」を意味するが、ここで歌われるのは攻撃性ではなく、母性や保護本能に近い感情である。ドロレス・オリオーダンは、母親としての不安、子どもを守りたいという衝動、そして日常の中に生まれる生々しい感情を、優しくも切実なメロディに乗せて歌う。
サウンドは、The Cranberriesらしい透明感のあるギター・ポップである。ノエル・ホーガンのギターは過度に歪まず、澄んだアルペジオと軽やかなリズムによって曲を支える。リズム隊も派手ではないが、曲全体を安定して前へ進める。メロディは非常に親しみやすく、アルバム冒頭にふさわしい開放感を持つ。
歌詞の中心にあるのは、母親になったことで生じる感情の変化である。愛情は穏やかなものだけではなく、不安、恐れ、過敏さ、守ろうとする本能も伴う。ドロレスはその感情を、抽象的な母性賛歌ではなく、非常に個人的な実感として歌っている。ここでの「本能」は、理屈を越えて湧き上がる愛と恐怖の混合物である。
「Animal Instinct」は、前作までの攻撃的なThe Cranberriesから、より内面的で生活感のあるThe Cranberriesへの移行を示している。社会的な怒りから個人的な保護感情へ。しかし、その切実さは決して弱まっていない。本作の入口として非常に重要な一曲である。
2. Loud and Clear
「Loud and Clear」は、アルバムの中でも比較的ロック色が強く、メッセージ性のはっきりした楽曲である。タイトルは「大きく、はっきりと」という意味を持ち、伝えるべきことを曖昧にせず主張する姿勢を示している。The Cranberriesは、繊細なメロディを持つ一方で、必要な場面では非常に直接的な言葉と強い演奏を使うバンドであり、この曲はその側面を示している。
サウンドは、硬質なギターと力強いビートが中心である。前曲「Animal Instinct」が柔らかな導入だったのに対し、この曲ではバンドのロック的な緊張感が前面に出る。ドロレスのヴォーカルも、やや鋭く、声の輪郭を強調するように歌われている。
歌詞では、誤解、対立、自己主張、あるいは外部からの圧力に対する反発が感じられる。The Cranberriesは世界的な成功を経験したことで、メディアや業界からの期待、批判、注目にさらされる立場になった。「Loud and Clear」は、そうした外部の声に対し、自分たちの意志をはっきり示そうとする曲として読むことができる。
この楽曲は、アルバムの中でバンドの骨太な部分を担っている。Bury the Hatchetは穏やかな作品ではあるが、単に柔らかくなったわけではない。怒りや反発はまだ存在している。ただし、それは前作のような全面的な攻撃性ではなく、より制御された形で表れている。
3. Promises
「Promises」は、本作の中で最も激しい楽曲のひとつであり、The Cranberriesのロック・バンドとしての力を再確認させる曲である。鋭いギター・リフ、疾走感のあるリズム、ドロレスの叫びに近いヴォーカルが組み合わさり、アルバム前半の大きな山場を作っている。
歌詞のテーマは、裏切られた約束、壊れた関係、信頼の崩壊である。タイトルの「Promises」は、本来なら希望や誓いを連想させる言葉だが、この曲ではむしろその空虚さが強調される。約束は守られず、言葉は裏切りに変わる。その怒りが、曲の激しいサウンドと結びついている。
ドロレスのヴォーカルは非常に印象的である。彼女特有の高音の跳躍やケルト的な節回しが、怒りと悲しみを同時に表現する。単なるロック的なシャウトではなく、声そのものが感情の亀裂を描いている。The Cranberriesの楽曲において、ドロレスの声は楽器であると同時に、物語の中心でもある。
音楽的には、「Zombie」以降のヘヴィなThe Cranberriesの流れを継ぐ曲といえる。ただし、「Zombie」が政治的暴力への怒りを扱ったのに対し、「Promises」はより個人的な関係の崩壊に焦点を当てている。社会的な怒りと個人的な怒りの間を行き来するのが、The Cranberriesの重要な特徴であり、本曲にもそれがよく表れている。
4. You and Me
「You and Me」は、アルバムの中でも特に穏やかで美しい楽曲である。タイトル通り、親密な二者関係を中心にした曲であり、ドロレスの柔らかなヴォーカルが前面に出ている。激しい「Promises」の後に置かれることで、アルバムに大きなコントラストが生まれている。
サウンドは、アコースティックな質感と透明感のあるギターが中心である。リズムは控えめで、メロディは優しく流れる。The Cranberriesが得意とする、シンプルな構成の中に深い感情を込める手法がよく表れている。大きなドラマを作るのではなく、声とメロディの自然な美しさで聴かせる曲である。
歌詞では、誰かとの絆、信頼、穏やかな愛情が描かれる。The Cranberriesの楽曲には痛みや怒りが多く含まれるが、「You and Me」ではそれらを越えた安らぎが感じられる。ここでの愛は派手な恋愛の高揚ではなく、そばにいることの安心感として表現されている。
この曲は、ドロレス・オリオーダンのヴォーカルのもうひとつの魅力を示している。彼女は激しく叫ぶこともできるが、静かに歌うときにも強い存在感を持つ。声の震え、息の置き方、母音の響きが、曲に繊細な温度を与えている。「You and Me」は、本作における優しさの中心となる楽曲である。
5. Just My Imagination
「Just My Imagination」は、アルバムの中でも特にポップで明るい印象を持つ楽曲である。The Cranberriesの持つメロディメイカーとしての力が端的に表れた曲であり、軽快なギター、親しみやすいサビ、前向きな雰囲気が特徴である。
タイトルは「ただの想像」と訳せる。歌詞では、現実から少し離れた理想の世界、空想の中で広がる幸福感が描かれる。The Cranberriesの楽曲には現実の痛みが多く登場するが、この曲では想像力が一種の逃げ場として機能している。厳しい現実の中でも、想像することによって自分の世界を保つことができる。その軽やかさが曲全体を包んでいる。
サウンドは、初期The Cranberriesに近いギター・ポップの透明感を持つ。暗い重さよりも、空の広がりや風通しの良さが印象に残る。ドロレスの歌唱も明るく、声の独特な揺れがポップなメロディに自然に乗っている。
この曲は、Bury the Hatchetの中で重要な役割を果たしている。アルバムには怒りや不安を扱う曲も多いが、「Just My Imagination」は、そうした重さを和らげ、The Cranberriesが持つ親しみやすいポップ感覚を示している。現実から逃げることを否定するのではなく、想像力を生きるための小さな力として描く点に、この曲の魅力がある。
6. Shattered
「Shattered」は、タイトル通り、壊れた心や関係をテーマにした内省的な楽曲である。The Cranberriesの音楽には、外へ向かう怒りと同じくらい、内側へ沈む悲しみが重要な要素として存在している。本曲はその後者を担う楽曲であり、アルバムの感情的な陰影を深めている。
サウンドは比較的落ち着いており、ギターの響きには憂いがある。リズムも強く押し出されるのではなく、曲の沈んだムードを支える。ドロレスの声は、激しい叫びではなく、壊れた感情を抱えたまま歌うように響く。そこには大げさな悲劇ではなく、日常の中で傷ついた人間の静かな痛みがある。
歌詞では、心が粉々になるような経験、期待が壊れる瞬間、あるいは自分自身が以前のようではいられなくなる感覚が描かれる。The Cranberriesの歌詞は時に非常に直接的だが、この曲ではシンプルな言葉がかえって感情の深さを引き出している。
「Shattered」は、アルバムの中で大きなシングル曲ほど目立つ存在ではないが、作品全体のバランスにとって重要である。明るい曲や激しい曲の間に、こうした沈んだ楽曲があることで、Bury the Hatchetは単なるポップ・ロック・アルバムではなく、感情の幅を持った作品になっている。
7. Desperate Andy
「Desperate Andy」は、タイトルからして人物描写的な楽曲である。The Cranberriesの歌詞には、特定の人物や状況を通じて、社会的な問題や心理的な不安を描くものが多い。本曲でも、Andyという人物の「desperate」、つまり追い詰められた状態が中心に置かれている。
サウンドは軽快さを持ちながらも、どこか不安定な雰囲気がある。ギターは明るく響くが、歌詞の内容は必ずしも楽観的ではない。このように、明るい音像と暗いテーマを重ねる手法はThe Cranberriesの得意とするところである。聴きやすいメロディの裏に、人間の弱さや社会の歪みが潜む。
歌詞では、孤立した人物、周囲から理解されない人物、あるいは自分の人生をうまく扱えない人物が描かれているように読める。The Cranberriesは、こうした弱さを単に笑いものにするのではなく、どこか距離を取りながらも共感を残す。Andyは特別な人物というより、誰の中にもある追い詰められた側面の象徴でもある。
「Desperate Andy」は、アルバムの中でThe Cranberriesの観察者としての視点を示す楽曲である。恋愛や個人的な感情だけでなく、周囲の人々の不安や奇妙さを歌に取り込むことで、作品世界に広がりを与えている。
8. Saving Grace
「Saving Grace」は、静かで祈りに近い雰囲気を持つ楽曲である。タイトルの「saving grace」は、救いとなるもの、欠点を補ってなお価値を与える要素を意味する。The Cranberriesの音楽において、救いはしばしば宗教的な言葉や祈りの感覚と結びつくが、本曲でも精神的な安らぎを求める姿勢が感じられる。
サウンドは穏やかで、メロディも柔らかい。派手な展開はなく、曲全体が静かに流れていく。ドロレスの声は、強く訴えるというより、内側からこぼれるように響く。このような歌唱は、彼女のケルト的な旋律感とよく合っており、曲に神秘的な色合いを与えている。
歌詞では、困難の中で支えとなる存在、あるいは自分を救ってくれる小さな光が描かれる。The Cranberriesの世界には、暴力、裏切り、孤独、不安が多く存在するが、それでも完全な絶望には沈まない。どこかに救いの可能性がある。本曲は、その希望を静かな形で表現している。
「Saving Grace」は、本作の中で精神的な深みをもたらす楽曲である。大きなヒット曲ではないが、アルバム全体のテーマである和解、回復、内面的な安定を考えるうえで重要な位置を占めている。
9. Copycat
「Copycat」は、模倣や表面的な追随をテーマにした、やや批評的な楽曲である。タイトルの「copycat」は、他人をまねる人を意味する。The Cranberriesは、音楽業界やメディア、社会的な流行に対して批判的な視点を持つことがあり、本曲もその流れにある。
サウンドは比較的シャープで、ギターとリズムの切れ味が印象的である。曲全体には皮肉っぽいトーンがあり、ドロレスのヴォーカルもやや鋭く響く。柔らかな曲が続いた後に、このような批評性のある楽曲が置かれることで、アルバムに緊張感が戻る。
歌詞では、独自性を持たず、流行や他者のスタイルをなぞるだけの存在への違和感が描かれる。これは音楽業界への批判としても、一般社会における同調圧力への批判としても読める。The Cranberriesは商業的成功を収めたバンドでありながら、常に自分たちの独自性を保とうとしていた。本曲には、その姿勢が反映されている。
「Copycat」は、バンドの自意識を示す楽曲でもある。The Cranberriesの音楽は、同時代のどのジャンルにも完全には収まりきらないものだった。そのため、模倣や型にはまることへの拒否は、彼ら自身の存在理由にも関わっている。本曲は、アルバムの中で辛口なアクセントとなっている。
10. What’s on My Mind
「What’s on My Mind」は、内面にある思考や感情を相手に伝えようとする楽曲である。タイトルは「私の心にあるもの」を意味し、コミュニケーション、告白、理解されたいという欲求が中心にある。The Cranberriesの多くの曲がそうであるように、ここでもシンプルな表現の中に強い感情が込められている。
サウンドはミディアム・テンポで、ポップ・ロックとしての聴きやすさを持っている。ギターは明るすぎず暗すぎず、曲の内省的な雰囲気を支える。ドロレスの歌唱は、相手へ直接語りかけるような距離感を持ち、曲に親密さを与えている。
歌詞では、自分の考えや感情を相手に分かってほしいという思いが描かれる。人間関係において、言葉にできないこと、誤解されること、伝わらないことは大きな痛みを生む。この曲は、そのもどかしさを素直に表現している。ドロレスの声には、訴えかける強さと、傷つきやすさが同時に存在する。
「What’s on My Mind」は、アルバムの中で大きく目立つ曲ではないが、The Cranberriesらしいメロディと感情の直線性を持つ楽曲である。複雑な比喩よりも、心にあることをそのまま伝えようとする姿勢が、曲の誠実さを生んでいる。
11. Delilah
「Delilah」は、聖書に登場するデリラの名をタイトルに持つ楽曲である。デリラはサムソンを裏切る女性として知られ、誘惑、裏切り、破滅の象徴として多くの音楽や文学で扱われてきた。The Cranberriesはこの名前を用いることで、危険な魅力や破壊的な関係を描いている。
サウンドは、アルバム後半の中でも比較的強いロック感を持つ。ギターは鋭く、リズムにも緊張感がある。ドロレスのヴォーカルは攻撃的で、相手への警戒や怒りが込められている。The Cranberriesの暗いロック・ナンバーとしての魅力がよく出た曲である。
歌詞では、相手の危険性、裏切り、操作的な態度への反発が読み取れる。デリラという名前は、単なる個人名ではなく、信頼を壊す存在の象徴として機能する。The Cranberriesは、こうした象徴的な言葉を使いながら、個人的な感情をより普遍的な物語へ広げている。
「Delilah」は、アルバムの中で怒りと警戒心を担う楽曲である。Bury the Hatchetは和解や回復をテーマにしているが、それはすべてを許すことを意味しない。危険なものを危険だと認識し、距離を取ることもまた、回復の一部である。この曲はその側面を示している。
12. Fee Fi Fo
「Fee Fi Fo」は、童話や民話の巨人を思わせるフレーズをタイトルにした楽曲である。英語圏では「fee-fi-fo-fum」という言葉が巨人の台詞として知られており、恐怖、威圧、子ども時代の不安を連想させる。本曲では、その童話的な響きを用いて、暴力や虐待、弱者への脅威を暗示している。
サウンドは暗く、不穏な雰囲気を持つ。ドロレスの声も、明るいポップ・ソングのような開放感ではなく、警告や恐れを帯びている。The Cranberriesは、子どもや無垢な存在が傷つけられることに対して強い感受性を持つバンドであり、この曲にもその視点が表れている。
歌詞では、危険な大人、弱者を脅かす存在、あるいは社会の中に隠された暴力が描かれる。童話の言葉を使うことで、現実の恐怖がかえって強調される。子どもの世界に入り込む暴力は、The Cranberriesが繰り返し扱ってきたテーマであり、「Zombie」における子どもたちの死への怒りとも遠くつながる。
「Fee Fi Fo」は、アルバム後半に重い影を落とす楽曲である。Bury the Hatchetは全体として前作より穏やかだが、社会的な暴力への感覚は失われていない。本曲は、The Cranberriesが持ち続けた倫理的な怒りを、暗い童話のような形で表現している。
13. Dying in the Sun
「Dying in the Sun」は、アルバム終盤の中でも特に美しく、哀しいバラードである。タイトルは「太陽の中で死んでいく」という印象的なイメージを持ち、光と死、温かさと消滅が同時に存在する。The Cranberriesのバラードの中でも、ドロレスの歌声の透明感が非常に強く表れた楽曲である。
サウンドはシンプルで、ピアノや穏やかなアレンジが中心となる。過度な装飾はなく、声とメロディの美しさがそのまま曲の核になっている。ドロレスのヴォーカルは繊細で、消え入りそうな弱さと、芯のある強さを同時に持つ。
歌詞では、過去の過ち、後悔、失われた時間、自己の崩壊感が描かれる。太陽は通常、生命や希望を象徴するが、この曲ではその光の中で消えていく感覚が歌われる。つまり、暗闇ではなく明るさの中にも苦しみがある。これは非常にThe Cranberriesらしい逆説的なイメージである。
「Dying in the Sun」は、ドロレス・オリオーダンの表現力を強く示す楽曲である。大きな声で叫ぶのではなく、静かに歌うことで、深い痛みを伝える。アルバム終盤に置かれることで、作品全体に沈静化と余韻をもたらしている。
14. Sorry Son
アルバムの最後を飾る「Sorry Son」は、The Cranberriesらしい社会的視点と個人的な痛みが結びついた楽曲である。タイトルは「ごめんね、息子よ」と訳せるが、その言葉には親から子へ、社会から次世代へ、あるいは加害者から被害者へ向けられた謝罪のような響きがある。
サウンドはロック的な重さを持ちながら、終曲らしいまとめの感覚もある。ギターは力強く、ドロレスの声には厳しさと悲しみが混ざる。アルバム全体で扱われてきた母性、暴力、責任、回復といったテーマが、この曲で再び社会的な広がりを持つ。
歌詞では、子どもや若い世代に対して残される傷、謝罪しても取り返せない過去、社会の責任が示唆される。The Cranberriesは、個人の痛みを社会の問題と切り離さないバンドである。「Sorry Son」は、その姿勢を最後に再確認する曲といえる。
この曲でアルバムが終わることには大きな意味がある。Bury the Hatchetは、争いを終わらせる、和解するというタイトルを持つが、和解は簡単な忘却ではない。謝罪し、責任を見つめ、傷を認識することが必要である。「Sorry Son」は、その重さを背負った終曲であり、本作を単なる穏やかな復帰作に終わらせない重要な役割を果たしている。
総評
Bury the Hatchetは、The Cranberriesが過去の緊張や疲弊を経て、自分たちの音楽性を再び整えたアルバムである。初期の透明感、メロディアスなギター・ポップ、ドロレス・オリオーダンの唯一無二の声が戻っている一方で、歌詞のテーマはより成熟している。母性、家庭、名声による疲労、裏切り、社会的暴力、心の回復といったテーマが、アルバム全体を通して描かれる。
本作の大きな魅力は、激しさと優しさのバランスにある。「Promises」「Loud and Clear」「Delilah」のような楽曲では、The Cranberriesのロック・バンドとしての鋭さが前面に出る。一方で、「Animal Instinct」「You and Me」「Saving Grace」「Dying in the Sun」では、柔らかく内省的な表現が際立つ。この二面性こそが、The Cranberriesの核である。彼らは怒りを歌うバンドであると同時に、祈りや慰めを歌うバンドでもある。
音楽的には、1990年代末のオルタナティヴ・ロックとしては過度に流行を追っていない。電子音楽やヒップホップ的な要素が主流へ入り込む中で、The Cranberriesはギター、ベース、ドラム、声という基本的な編成を軸に、自分たちのサウンドを守っている。そのため、本作は時代の派手なトレンドとは少し距離があるが、逆にバンドの個性は明確である。ケルト的な旋律感、ドロレスの声の跳躍、ノエル・ホーガンの清澄なギターが、The Cranberriesならではの音像を作っている。
歌詞面では、ドロレス・オリオーダンの個人的な経験が強く反映されている。特に母親としての視点は、本作の重要な特徴である。「Animal Instinct」や「Sorry Son」には、子どもを守りたいという感情、次世代へ何を残すのかという問いが込められている。これは初期作品の恋愛の不安や、前作までの政治的怒りとは異なる成熟した視点である。ただし、彼女の怒りが消えたわけではない。むしろ、怒りはより生活に根ざしたものになっている。
アルバムとして見ると、Bury the HatchetはThe Cranberriesの最高傑作として語られることは少ないかもしれない。初期2作に比べると、時代を象徴するほどの衝撃や革新性は控えめである。しかし、本作にはバンドの安定したソングライティング、メロディの強さ、ヴォーカルの表現力が十分に刻まれている。特に「Animal Instinct」「Promises」「Just My Imagination」「Dying in the Sun」は、The Cranberriesの代表的な魅力を分かりやすく示す楽曲である。
後の音楽シーンへの影響という点では、本作単体が新しい潮流を生んだというより、The Cranberries全体の美学を1990年代末に継続させた作品として重要である。女性ヴォーカルを中心としたオルタナティヴ・ロック、ケルト的旋律とギター・ポップの融合、社会的テーマと個人的感情を結ぶ手法は、後続の多くのバンドやシンガーに影響を与えた。特にドロレスの声は、単なる歌唱技術ではなく、地域性、身体性、感情の鋭さを一体化させた表現として、今なお特別な存在である。
日本のリスナーにとって、Bury the HatchetはThe Cranberriesを「Zombie」だけで理解しないための重要なアルバムである。もちろん「Promises」のような激しい曲もあるが、本作の本質は、むしろ日常の不安、母性、静かな悲しみ、回復への願いにある。メロディは親しみやすく、英語詞を細かく追わなくてもドロレスの声から感情は伝わる。一方で、歌詞を読み込むことで、表面的な美しさの奥にある痛みや責任の意識が見えてくる。
総合的に見て、Bury the Hatchetは、The Cranberriesが過去の怒りを完全に捨てるのではなく、それをより成熟した形へ変えようとした作品である。争いを終わらせること、傷を癒すこと、子どもを守ること、過去を謝罪すること。それらは簡単なテーマではない。本作は、その難しさをポップで美しいメロディの中に抱え込んでいる。The Cranberriesの柔らかさと強さを同時に味わえる、1990年代末の重要なギター・ロック・アルバムである。
おすすめアルバム
1. The Cranberries — Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?
The Cranberriesのデビュー作であり、初期の透明感あるギター・ポップを最も美しく示した作品。「Dreams」「Linger」に代表されるように、恋愛の不安や憧れを、清澄なギターとドロレスの柔らかな歌声で描いている。Bury the Hatchetの穏やかな側面が好きなリスナーに適している。
2. The Cranberries — No Need to Argue
バンド最大の代表作のひとつであり、「Zombie」を収録した重要作。社会的怒り、重いギター、切実なバラードが並び、The Cranberriesの激しさと繊細さが最も広く知られる形で提示されている。Bury the Hatchetの「Promises」や「Sorry Son」に通じる怒りの源流を理解できる。
3. Sinéad O’Connor — I Do Not Want What I Haven’t Got
アイルランド出身の女性アーティストによる、個人的痛みと社会的視点を結びつけた名作。声の存在感、宗教や社会への批判、繊細さと怒りの共存という点で、The Cranberriesと深い共通点がある。ドロレス・オリオーダンの表現を広いアイルランド音楽の文脈で理解するうえで重要である。
4. R.E.M. — Automatic for the People
1990年代オルタナティヴ・ロックにおける内省的な傑作。フォーク・ロック、メランコリー、社会的な不安、死生観が静かに結びついている。The Cranberriesのメロディアスで陰影のある側面が好きなリスナーには、非常に相性がよい作品である。
5. Alanis Morissette — Supposed Former Infatuation Junkie
1990年代後半の女性シンガーソングライター／オルタナティヴ・ロックにおける内省的な作品。怒り、自己分析、精神的な回復をテーマにしており、Bury the Hatchetと同じく、成功後の疲労や成熟が音楽に反映されている。ポップな構造の中に複雑な心理を込めたアルバムとして関連性が高い。
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