発売日：2024年8月9日
ジャンル：Indie Rock / Alternative Rock / Indie Pop
概要
This Is How Tomorrow Movesは、BeabadoobeeことBeatrice Lausが2024年に発表した3作目のスタジオ・アルバムである。前作Beatopiaでは90年代オルタナティヴ・ロックを軸にしながら、フォークやドリーム・ポップ、ボサノヴァ風の感触まで取り込み、曲ごとに景色を変える作品を作っていた。本作ではその幅広さを残しつつ、音の意外性を追うよりも、歌とメロディ、そしてLaus自身の声を中心に据える方向へ進んでいる。プロデュースにはRick Rubinと長年の共同制作者Jacob Bugdenが参加し、RubinのShangri-Laスタジオで制作された。
ギターにはこれまで通り90年代のインディー／オルタナティヴ・ロックを思わせる質感があるが、アコースティック楽器やピアノを使った静かな曲も増えた。特に大きな変化は、ボーカルが以前より裸に近い形で聞こえることである。囁くような歌い方から声を張る瞬間まで距離が近く、楽器が引いた場面では息遣いまで曲の一部になる。バンド・サウンドを強く押し出した曲でも、ギターの音量そのものより歌の輪郭が中心に置かれている。
歌詞では恋愛だけでなく、自分の未熟さ、他人への依存、過去への執着、それらを認めたうえでどう変わるかが繰り返し扱われる。ただし成長を「すべて解決した状態」として描く作品ではない。自分にも相手にも問題があると分かりながら同じ感情へ戻ってしまう、その揺れを隠さないことが本作の特徴である。
全曲レビュー
1. 「Take A Bite」
低く歪んだギターと軽快なドラムが組み合わさり、アルバムの入口から過去作との連続性を感じさせる。ヴァースではLausの柔らかな声を前に出し、サビになるとギターが広がるため、静と動の差が自然に生まれている。歌詞では、自分が他人の振る舞いや考え方を取り込みながら生きていることを見つめ、その欲望や自己矛盾まで認めようとする。自己分析を重く語るのではなく、親しみやすいギター・ポップへ変換している点が本作らしい。
2. 「California」
冒頭からギターとドラムを強く押し出し、前曲より明確にロックへ振れる。タイトルが示すCaliforniaは単純な憧れの土地ではなく、成功のために移動し続ける生活と、そこから生じる孤独や疲労を思わせる場所として現れる。サビでは声とギターが一緒に大きくなり、感情を抑えていたヴァースから一気に解放される。華やかなキャリアの裏側にある居心地の悪さを、勢いのある演奏で包んだ曲である。
3. 「One Time」
ざらついたギターを前面に出し、90年代オルタナティヴ・ロックへの接近が特に分かりやすい。ギターは低い音域で重さを作る一方、Lausのボーカルはそれに対抗して叫び続けるのではなく、比較的軽い声を保っている。この重量差が曲に独特の緊張を与える。関係の中で傷つけられた記憶と怒りを扱いながら、単純な告発にはせず、自分自身の感情の処理まで視野に入れている。
4. 「Real Man」
ピアノを軸にした軽やかなアレンジへ切り替わり、前曲までのギターの重さをきれいに断ち切る。跳ねるようなリズムと親しみやすいメロディには古いポップスを思わせる感触があり、その明るさに対して歌詞はかなり辛辣である。語り手は相手の未熟さに苛立ちながら、それでもその人物から離れ切れない。相手を批判する言葉と自分自身の執着が同居するため、単純な別れの歌より複雑に聞こえる。
5. 「Tie My Shoes」
アコースティック・ギターを中心に音数を抑え、ボーカルの近さを生かした一曲。タイトルの「靴ひもを結ぶ」という幼い行為のイメージが、誰かに世話をしてもらうことや精神的な依存を連想させる。成長したいという意識と、まだ誰かに支えてほしいという感覚がぶつかり、アルバムの成長という主題を身近な言葉へ落とし込んでいる。派手な展開を作らないこと自体が、歌詞への集中につながっている。
6. 「Girl Song」
ピアノと声を中心にした静かな曲で、Lausのボーカルが最も無防備に聞こえる場面の一つである。ここで描かれるのは理想化された女性像ではなく、自分の外見や振る舞いを他人と比べてしまう不安であり、「女性であること」に伴う自己評価の揺れが率直に表れる。旋律にも大きな劇的展開を与えず、言葉が途切れそうな感触を残す。前半のロック曲とは違う方法で、本作の自己観察的な性格を深めている。
7. 「Coming Home」
柔らかなアコースティック・ギターと穏やかなメロディによって、ツアー生活から日常へ戻る願望を小さなスケールで描く。重要なのは「家」を壮大な安息の象徴にするのではなく、皿洗いなどのごく普通の生活へ結びつけていることである。離れている恋人との時間や家庭的な行為への憧れが、スターとして移動を続ける生活との対照を作る。短く簡潔な曲だが、アルバム中盤に温かい休息を与えている。
8. 「Ever Seen」
アコースティックな響きから始まりながら、進むにつれてドラムやエレクトリック・ギターが加わり、視界が開けるように音が大きくなる。恋する相手を見つめる歌詞は本作の中ではかなり素直で、自己批判や関係の摩擦よりも、誰かの存在によって生まれる高揚を前に出す。サビの伸びやかな旋律もその感覚に合っている。中盤までに積み重なった不安をいったん外へ開放する役割を持つ曲である。
9. 「A Cruel Affair」
軽いギターと弾むリズムによって、嫉妬や比較という題材を意外なほどさらりと聞かせる。語り手は別の女性を意識し、その魅力を認めながら、自分の中に生まれる不快な感情とも向き合っている。ここでも相手を悪者にして終わるのではなく、問題の一部が自分の視線にあることを理解している点が重要だ。甘いメロディと居心地の悪い心理の組み合わせが、歌詞を必要以上に深刻にしない。
10. 「Post」
抑えたヴァースからギターが膨らむ展開を使い、後半に向けて感情の圧力を上げていく。相手との距離や、自分の行動が誰かにどう見られるかという意識が入り込み、個人的な関係と外から向けられる視線が重なって聞こえる。Lausの歌声も序盤では細く近いが、曲が進むにつれて力を増す。整ったポップ・ソングというより、抑えていた感情が演奏を押し広げていく過程そのものを聞かせる曲だ。
11. 「Beaches」
明るいギターの反復と前へ進むドラムが中心となり、本作でも特に開放感のあるバンド・サウンドを作る。制作の停滞や自信の揺れを経て、物事が正しい場所へ収まっていく感覚を歌っており、海辺の景色が精神的な解放と結びついている。サビでは複数の楽器が一斉に広がるが、メロディは明快なので音が濁らない。アルバム後半で「変わること」を不安だけでなく前向きな実感として聞かせる転換点になる。
12. 「Everything I Want」
親密なボーカルと控えめな伴奏によって、誰かを必要とする感情をまっすぐに扱う。大げさな恋愛表現へ向かわず、相手がいることで生活の細かな部分まで安定していくような感覚を描くのが特徴である。メロディにも派手な山場を設けず、同じ気持ちを確かめるように進んでいく。後半の曲としては穏やかだが、「Coming Home」で示された日常への憧れを別の角度から受け継いでいる。
13. 「The Man Who Left Too Soon」
ピアノと控えめな演奏を中心に、喪失を扱った静かな曲である。タイトル通り、十分な時間を共有できないまま去った人物への思いが中心にあり、歌詞は不在そのものよりも、残された側がその空白をどう受け止めるかへ目を向ける。Lausは感情を過剰に盛り上げず、声の弱さや間を残して歌うため、悲しみが演出されたものではなく会話の途中に現れたように聞こえる。終盤の空気を大きく静める一曲だ。
14. 「This Is How Tomorrow Moves」
タイトル曲を最後に置き、アルバムで繰り返してきた自己分析を「これからどう生きるか」という視点へまとめていく。ピアノを基調とした落ち着いたアレンジの中で、Lausは過去の自分や人間関係を完全に清算するのではなく、矛盾を抱えたまま前へ進む姿勢を歌う。ここでいう「tomorrow」は劇的な再出発というより、今日の選択が少しずつ明日を動かすという感覚に近い。大音量のクライマックスを避けた終わり方だからこそ、本作の成長観がよく伝わる。
総評
This Is How Tomorrow Movesで大きく変わったのは、Beabadoobeeがギター・ロックを捨てたことではなく、それを作品の中心そのものとして扱わなくなったことである。「California」や「One Time」、「Beaches」では十分に大きなギターが鳴っているが、同じアルバムに「Girl Song」のピアノや「Coming Home」の家庭的なアコースティック・サウンドが自然に収まっている。ジャンルを次々と切り替えるというより、曲が必要とする大きさまで伴奏を引いたり広げたりする発想が強い。
それによって目立つのがLausの歌である。初期作品では囁くようなボーカルが歪んだギターの中へ溶け込むことも魅力だったが、本作では声そのものが曲を動かす場面が増えた。強く歌えばロックになるという単純な方法ではなく、小さな声、息遣い、音を伸ばす瞬間まで含めて感情の変化を作っている。Rick Rubinとの制作も、音を豪華に積み重ねるより、曲の核となる要素を見えやすくする方向に作用している。
歌詞にも同じ整理がある。恋人への愛情、嫉妬、依存、自信のなさ、仕事による疲労といった題材はそれぞれ別だが、共通しているのは自分を一方的な被害者にも完成した大人にも置かないことである。「Real Man」で相手の未熟さを批判しながら自分の執着も露出し、「A Cruel Affair」では他人への嫉妬を自分自身の問題としても眺める。成長とは欠点が消えることではなく、自分が同じ問題を繰り返す仕組みを少しずつ理解することだ、という視点が曲をつないでいる。
その意味で、本作はBeabadoobeeのキャリアにおける「大人っぽい作品」というだけでは説明しにくい。初期から続く90年代的なギターへの愛着を保ちながら、そこに頼らなくても曲を成立させられる作曲家・歌手になったことの方が大きい。前作Beatopiaほど音楽的な寄り道の多さで驚かせる作品ではないが、その分だけメロディ、言葉、演奏の役割が整理されている。タイトルが示す「明日への移動」は急激な変身ではなく、これまで身につけたものを残したまま次の段階へ進むこととして、アルバムの音そのものに表れている。
おすすめアルバム
Beatopia by Beabadoobee
前作ではギター・ロックだけでなく、フォーク、ドリーム・ポップなどをより自由に行き来している。本作で作曲とアレンジがどう整理されたのかを比較するうえで、最も分かりやすい一枚である。
Fake It Flowers by Beabadoobee
Beabadoobeeの1stアルバム。歪んだギターと柔らかな声をぶつける初期の方法がより前面に出ており、This Is How Tomorrow Movesまでにボーカルと曲作りがどう変化したかを追える。
Either/Or by Elliott Smith
小さな声とアコースティック・ギターを軸にしながら、親密な歌を決して単調にしない作品。本作の静かな曲に惹かれたなら、簡潔な演奏で感情の細部を伝える作曲法に共通点を見つけられる。
Exile in Guyville by Liz Phair
ざらついたギターと会話に近い率直な歌詞を組み合わせ、親密さや欲望、自己評価の揺れを複雑なまま描いた90年代作品。Beabadoobeeの音楽が接続するオルタナティヴ・ロックの一側面を理解しやすい。
Sling by Clairo
若い時期の成功を経たソングライターが、派手さを抑えた演奏と近いボーカルで自己認識や人間関係を掘り下げた作品。音楽性は同一ではないが、インディー・ポップからより繊細な作曲へ進む変化が本作と響き合う。
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