アルバムレビュー：『Songs of Faith and Devotion』 by Depeche Mode

発売日：1993年3月22日

ジャンル：オルタナティヴ・ロック、エレクトロニック・ロック、インダストリアル・ロック、シンセポップ、ゴスペル、ダークウェイヴ

概要

デペッシュ・モードの8作目のスタジオ・アルバム『Songs of Faith and Devotion』は、1990年代初頭のオルタナティヴ・ロックの時代精神と、彼らが1980年代から築き上げてきた電子音楽の美学が衝突した作品である。1980年代のデペッシュ・モードは、シンセサイザーを中心とするポップ・ミュージックの代表的存在として評価されてきたが、単なるシンセポップ・バンドにとどまらず、インダストリアル、ゴシック、ブルース、ソウル、ダンス・ミュージックを取り込みながら、暗く官能的な音楽世界を発展させてきた。

前作『Violator』は、彼らのキャリアにおける商業的・批評的な頂点の一つであり、「Personal Jesus」「Enjoy the Silence」などによって、デペッシュ・モードを世界的なスタジアム級バンドへと押し上げた。『Songs of Faith and Devotion』は、その成功の直後に制作された作品であり、バンドにとって非常に大きな転換点となった。電子音を基盤としながらも、ギター、ドラム、ゴスペル風コーラス、ロック的なダイナミズムが大きく導入され、サウンドはより生々しく、重く、肉体的なものになっている。

本作が発表された1993年は、ニルヴァーナ以降のグランジ／オルタナティヴ・ロックが世界的に大きな影響力を持っていた時期である。ロック・ミュージックでは、過剰に磨き上げられた1980年代的なサウンドよりも、歪み、痛み、告白性、精神的な不安定さが重視されるようになっていた。デペッシュ・モードはこの潮流に単純に便乗したわけではないが、本作には明らかに当時の空気が反映されている。ギターの存在感、ライブ感のあるドラム、荒々しいヴォーカル表現、宗教的かつ肉体的なイメージは、1980年代的なシンセポップからの脱皮を示している。

一方で、本作はデペッシュ・モードの本質を失ってはいない。マーティン・ゴアのソングライティングは、罪、信仰、依存、欲望、救済、献身といったテーマを中心に展開される。デイヴ・ガーンのヴォーカルは、かつての冷ややかでスタイリッシュな響きから、より傷つき、叫び、祈るような表現へと変化した。アラン・ワイルダーのプロダクション面での貢献も大きく、電子音と生楽器、ノイズと空間処理、ロック的な音圧とダンス・ミュージック的な構築性を緻密に結びつけている。

アルバム・タイトルに含まれる「Faith」と「Devotion」は、本作の中心テーマを端的に表している。ここで描かれる信仰や献身は、必ずしも宗教的な意味だけではない。恋愛への盲目的な依存、肉体への執着、精神的救済への渇望、自己破壊的な欲望、他者にすべてを委ねたいという危うい願望が、宗教的な言葉と結びつけられている。デペッシュ・モードは、神聖なものと俗世的なもの、信仰と欲望、祈りと快楽を意図的に交差させることで、非常に濃密な精神世界を作り出した。

本作は、バンド内の緊張やメンバーの個人的な問題とも切り離せない。制作当時、デイヴ・ガーンはロサンゼルスでの生活を通じてロック・スター的なイメージを強め、音楽的にもよりギター中心のサウンドを志向していた。マーティン・ゴアは作曲面で宗教的・精神的なテーマを深め、アラン・ワイルダーはサウンド面の実験を推進した。結果として、本作はバンドの内部矛盾がそのまま音に刻まれたような、緊張感の高い作品となった。

後の音楽シーンへの影響も大きい。『Songs of Faith and Devotion』は、エレクトロニック・ミュージックとオルタナティヴ・ロックの融合において重要な作品であり、ナイン・インチ・ネイルズ、マリリン・マンソン、スマッシング・パンプキンズ以降のダークなロック表現、さらにはインディー・エレクトロニカやゴシック系のポップ・ミュージックにも通じる道を開いた。デペッシュ・モードが築いた「電子音でありながら肉体的で、ポップでありながら宗教的な暗さを持つ音楽」は、本作で一つの極点に達している。

全曲レビュー

1. I Feel You

アルバムの幕開けを飾る「I Feel You」は、本作の方向性を最も明確に示す楽曲である。冒頭の鋭い電子ノイズは、従来のデペッシュ・モードらしい機械的な質感を残しながらも、その直後に入る歪んだギター・リフによって、曲は一気にロック的な領域へと踏み込む。これは1980年代のシンセポップ・バンドとしてのイメージを強く持っていたリスナーに対して、バンドが新たな段階に入ったことを宣言するような導入である。

音楽的には、ブルースロック的なリフ、インダストリアルなノイズ、電子音の反復、ライブ感のあるドラムが混ざり合っている。ギターは装飾ではなく、曲の骨格そのものとして機能している。デペッシュ・モードにとってギターの導入は以前から見られたが、この曲ではその存在感が圧倒的に強い。サウンドは泥臭く、性的で、宗教的な高揚感を帯びている。

歌詞では、他者との一体化、肉体的接触、精神的救済が重ね合わせられている。「I feel you」という言葉は、単なる恋愛表現ではなく、相手の存在を通じて世界や神聖なものに触れるような感覚を示す。愛する相手が天国への扉、王国への道として描かれることで、恋愛は宗教的な体験へと変換される。

デイヴ・ガーンのヴォーカルは、かつてよりも荒々しく、身体性が強い。叫ぶようでありながら、祈るようでもあるその歌唱は、本作全体の重要な特徴である。ここでのデペッシュ・モードは、電子音楽の冷たさを捨てたのではなく、その冷たさの上に汗、欲望、痛みを重ねている。「I Feel You」は、アルバム全体の扉を開くと同時に、1990年代型のデペッシュ・モードを象徴する楽曲である。

2. Walking in My Shoes

「Walking in My Shoes」は、本作の中でも特に歌詞のテーマが明確で、デペッシュ・モードの倫理的・宗教的な問題意識が強く表れた楽曲である。タイトルの通り、語り手は自分の行為や罪を外側から裁く者に対して、自分の立場に立ってみるよう求める。ここには、罪、裁き、理解、共感というテーマがある。

音楽的には、重厚なビートと荘厳なシンセの響きが中心となっている。前曲「I Feel You」がロック的な爆発力を持っていたのに対し、この曲はよりドラマティックで、内省的な構造を持つ。低音域の電子音、緊張感のあるストリングス風の音色、重く刻まれるリズムが、裁きの場に立たされた人物の心理を描き出す。

歌詞では、語り手は自分の罪を否定しない。しかし同時に、安易な断罪を拒む。これは、デペッシュ・モードが繰り返し扱ってきたテーマである。人間は欲望や弱さを抱え、時に過ちを犯す存在である。その複雑さを理解せずに、外部から正義を振りかざすことの危うさが、この曲では強調されている。

「Walking in My Shoes」は、キリスト教的な罪の意識と、現代的な心理の問題を結びつけている。語り手は赦しを求めているようでありながら、単純な救済には到達しない。むしろ、自分の苦しみを理解できるかという問いを聴き手に突きつける。この構造により、曲は単なる懺悔ではなく、他者理解の限界を問う作品になっている。

サウンド面では、電子音の精密さとロック的な重量感が高度に融合している。派手なギター・リフに頼るのではなく、暗い音響空間を積み上げることで、深い緊張を作っている。アルバムの精神的核心を担う楽曲であり、デペッシュ・モードの歌詞表現の成熟を示す代表曲である。

3. Condemnation

「Condemnation」は、本作におけるゴスペル色が最も強く表れた楽曲である。ピアノ、手拍子、コーラス、ゆったりとしたリズムを用いながら、デペッシュ・モードは電子音楽の枠を超え、霊歌やブルースに近い領域へ接近している。ただし、それは伝統的なゴスペルの明るい救済感ではなく、罪と罰、苦悩と受容を抱えた暗いゴスペルである。

曲名の「Condemnation」は「非難」や「有罪宣告」を意味する。歌詞では、語り手が非難や裁きを受け入れながらも、自分の愛や信念を貫こうとする姿が描かれる。ここでも、信仰と恋愛、罪と献身が交差している。語り手は社会的・道徳的な裁きにさらされているが、その苦しみを通じて、むしろ自分の感情の純度を示しているようにも聞こえる。

デイヴ・ガーンのヴォーカルは、この曲で特に重要な役割を果たす。彼は大きく声を張り上げるのではなく、抑制された中に痛みを込める。これにより、曲は大仰な宗教劇ではなく、個人の内面から発せられる祈りとして響く。ゴスペル的な要素は、単なる様式の借用ではなく、歌詞のテーマと密接に結びついている。

音楽的には、余白が多い。デペッシュ・モードのサウンドはしばしば緻密なプログラミングによって構築されるが、この曲では音数を抑えることで、声とリズムの重みが際立つ。手拍子のようなリズムは、教会的な共同体感を生みつつも、どこか孤独で閉ざされた印象を残す。

「Condemnation」は、デペッシュ・モードが持つ宗教的モチーフの中でも、最も直接的でありながら、最も複雑な曲の一つである。信仰はここで救済だけを意味しない。むしろ、それは苦しみを受け入れ、裁きの中でも自分の感情を保持するための姿勢として描かれている。

4. Mercy in You

「Mercy in You」は、本作のテーマである救済への渇望を、より個人的で恋愛的な形で描いた楽曲である。タイトルの「Mercy」は慈悲や赦しを意味し、語り手は相手の中に自分を救う力を見出している。ここでは、愛する相手が宗教的な救済者のように扱われる。

音楽的には、跳ねるようなリズムと緊張感のあるシンセが特徴的で、ロック的なギターも加わる。曲は比較的アップテンポだが、明るさよりも焦燥感が強い。ビートは前進する力を持ちながら、どこか不安定で、語り手が救いを求めて追い詰められているような印象を与える。

歌詞では、語り手が自分の内面の弱さや罪を認識しながら、相手の慈悲によって生き延びようとする姿が描かれる。これは恋愛の歌であると同時に、依存の歌でもある。相手への献身は美しいものとして表現される一方で、自分の救済を他者に完全に委ねる危うさも含んでいる。

デペッシュ・モードの特徴は、このような二重性にある。愛は救済であるが、同時に束縛でもある。信仰は希望であるが、同時に自己喪失でもある。「Mercy in You」は、その曖昧な領域をポップ・ソングとして成立させている。サビの高揚感は強いが、それは開放的な幸福ではなく、苦しみの中で必死に見つけた光のように響く。

サウンド面では、電子音とギターが互いに対立せず、緊張を保ちながら共存している。『Songs of Faith and Devotion』全体に言えることだが、このアルバムではロック化が単なる生楽器の追加ではなく、電子音楽の構造そのものを変化させている。「Mercy in You」は、その融合が比較的コンパクトな形で示された楽曲である。

5. Judas

「Judas」は、アルバムの中でも静謐で、神秘的な雰囲気を持つ楽曲である。タイトルは新約聖書における裏切り者ユダを想起させるが、曲の内容は単純な裏切りの物語ではない。むしろ、献身、犠牲、信頼、裏切りの可能性が複雑に絡み合う、内省的な楽曲である。

音楽的には、繊細なシンセの響き、柔らかなリズム、民族音楽的な装飾が印象的である。重いギターや攻撃的なビートは控えめで、アルバム前半の緊張を一度内側へ沈める役割を持つ。マーティン・ゴアのヴォーカルが中心となっており、デイヴ・ガーンとは異なる柔らかく中性的な声質が、曲の神秘性を高めている。

歌詞では、相手への献身を求める言葉が語られる。愛のために犠牲を払うこと、苦しみを受け入れること、ただ受動的に信じるのではなく、行動によって信仰を示すことが強調される。ここでの「Judas」というタイトルは、裏切りの象徴であると同時に、信頼が常に裏切りの可能性を含んでいることを示している。

この曲の重要性は、信仰を美化しない点にある。献身は純粋なものとして描かれる一方で、それは苦痛や試練を伴う。愛することは救われることではなく、自分を差し出すことでもある。デペッシュ・モードは、このような重い主題を、静かな電子音の空間の中で表現している。

「Judas」は、アルバム全体の中で派手なシングル曲ではないが、精神的な深度を支える重要な楽曲である。ロック的な外向性が強い本作において、この曲は内省と神秘性の核となっている。

6. In Your Room

「In Your Room」は、本作の中でも最も濃密で、閉塞感の強い楽曲の一つである。タイトルが示す「あなたの部屋」は、単なる物理的な空間ではなく、支配、服従、依存、欲望が絡み合う心理的な密室として機能している。デペッシュ・モードが長年扱ってきた支配と被支配、快楽と苦痛のテーマが、ここで非常に洗練された形に到達している。

音楽的には、重く沈み込むビート、暗いシンセの層、抑制されたギター、緊張感のある展開が特徴である。曲は大きく爆発するというよりも、じわじわと圧力を高めていく。反復されるフレーズは、密室の中で逃げ場を失っていく感覚を生む。サウンドは冷たく、同時に官能的である。

歌詞では、語り手が相手の部屋の中で完全に支配されているような状態が描かれる。時間、行動、感情、存在そのものが相手によって定義される。ここには恋愛の親密さがある一方で、自己を失う危うさもある。デペッシュ・モードは、愛を単なる幸福としてではなく、依存と権力関係を含む複雑な心理として描く。

「In Your Room」における信仰のテーマは、宗教的というよりも、相手を絶対的存在として崇拝する心理に近い。恋人の部屋は教会であり、牢獄であり、告解室でもある。語り手はそこに留まることで安心を得るが、同時に自由を失っている。この二重性こそが、曲の緊張を生んでいる。

デイヴ・ガーンのヴォーカルは、ここで非常に抑制されている。叫びではなく、内側から滲み出るような声によって、支配される者の陶酔と不安を表現する。アルバムの中でも特に完成度の高い楽曲であり、デペッシュ・モードのダークな官能性を代表する作品である。

7. Get Right with Me

「Get Right with Me」は、ゴスペルとソウルの影響が強い楽曲であり、アルバム後半において共同体的な響きを持ち込む。タイトルには、関係を正す、和解する、精神的に正しい状態へ戻るという意味が含まれている。ここでも宗教的な言葉と人間関係の修復が重ね合わされている。

音楽的には、コーラスの存在感が大きい。デペッシュ・モードの音楽はしばしば孤独で閉じた印象を持つが、この曲では複数の声が加わることで、教会的な集団性が表れる。ただし、その響きは明るく開放的というよりも、苦しみを共有する人々の祈りに近い。

歌詞では、過ちやすれ違いを認めたうえで、関係を修復しようとする姿勢が描かれる。相手との関係だけでなく、自分自身、世界、あるいは神との関係を正すという意味にも読める。『Songs of Faith and Devotion』では、罪や依存が何度も描かれるが、この曲ではそこからの回復や和解への意志が比較的前面に出ている。

リズムは穏やかに進み、派手な展開は少ない。しかし、コーラスと反復によって徐々に高揚感が生まれる。これはクラブ・ミュージック的な高揚とは異なり、ゴスペル的な精神の上昇に近い。苦しみを通過した先にある小さな救済感が、この曲の中心にある。

「Get Right with Me」は、アルバム全体の重苦しさの中で、関係修復の可能性を示す楽曲である。完全な救済ではなく、回復へ向かう姿勢が描かれている点で、本作の宗教的テーマに重要な広がりを与えている。

8. Rush

「Rush」は、アルバム後半で再び強い身体性と緊張感を取り戻す楽曲である。タイトルが示す通り、ここでは高揚、衝動、陶酔、依存が中心的なテーマとなっている。デペッシュ・モードの音楽における快楽と危険の結びつきが、非常に直接的に表現されている。

音楽的には、インダストリアル・ロック的な硬質さが目立つ。打ちつけるようなビート、歪んだ音響、緊迫したシンセの反復が、曲全体を駆動する。前半の「I Feel You」がブルースロック的な肉体性を持っていたのに対し、「Rush」はより機械的で、神経質な陶酔感を持つ。

歌詞では、相手から得られる強烈な感覚が、薬物的な高揚にも似たものとして描かれる。ここでの愛や欲望は、穏やかな感情ではなく、身体と精神を突き動かす危険な力である。語り手はその力に魅了されながらも、それが自分を壊す可能性を含んでいることを感じさせる。

本作の制作時期におけるバンドの状況を考えると、この曲の依存や陶酔のテーマは、単なる比喩以上の重みを持って聞こえる。もちろん歌詞を一対一で実生活に還元するべきではないが、アルバム全体に漂う自己破壊的な空気は、この曲で特に濃く表れている。

「Rush」は、デペッシュ・モードが電子音楽の精密さを保ちながら、オルタナティヴ・ロック的な暴力性を取り込んだ好例である。後のインダストリアル・ロックやダーク・エレクトロ系の音楽にも通じる、攻撃性と官能性の融合が見られる。

9. One Caress

「One Caress」は、ストリングスを中心に構成されたバラードであり、本作の中でも特にクラシカルで劇的な楽曲である。電子音やロック的なリズムはほとんど前面に出ず、マーティン・ゴアのヴォーカルと弦楽の響きが中心となる。そのため、アルバムの中では異色でありながら、テーマ面では極めて重要な位置を占めている。

歌詞では、悪魔、天使、誘惑、救済といった宗教的・神話的なイメージが用いられる。語り手は、自分が正しい道から外れていることを自覚しながらも、一つの愛撫、一つの接触によって救われることを望む。ここでも、肉体的な行為と精神的救済が密接に結びついている。

「One Caress」の特徴は、欲望の表現が非常に繊細である点にある。アルバム内の他の楽曲では、欲望はしばしば重いビートや歪んだ音で表現されるが、この曲では弦楽の優雅さによって、より悲劇的で崇高なものとして描かれる。愛撫という親密な行為が、宗教的な救済に近い意味を持つことで、曲には危うい美しさが生まれている。

マーティン・ゴアの声は、ここで弱さと透明感を帯びている。デイヴ・ガーンの肉体的なヴォーカルとは対照的に、ゴアの歌唱は内面的で、祈りに近い。これにより、曲はアルバムの中で一種の告解のように響く。

「One Caress」は、デペッシュ・モードがポップ・ミュージックの範囲を超え、室内楽的なドラマ性を取り込んだ楽曲である。過剰な装飾ではなく、最小限の要素によって強い感情を表現しており、本作の精神的な暗さを美しく凝縮している。

10. Higher Love

アルバムの締めくくりとなる「Higher Love」は、本作のテーマを総括するような楽曲である。タイトルが示す「より高次の愛」は、恋愛、信仰、救済、精神的上昇を含む複合的な概念である。アルバム全体を通じて描かれてきた罪、欲望、裁き、依存、献身は、この曲で一つの高みへ向かう感覚にまとめられる。

音楽的には、壮大なシンセの広がりと重いビートが組み合わさり、アルバムの終曲にふさわしい荘厳さを持つ。派手に爆発するというよりも、ゆっくりと上昇していくような構成である。電子音の層は厚く、空間的な奥行きがあり、聴き手を精神的な儀式の中へ導く。

歌詞では、語り手が高次の愛に導かれ、内面的な変化を経験しているように描かれる。ここでの愛は、単なる個人間の感情ではなく、自分を超えた力として表現される。アルバム内の多くの楽曲では、愛は依存や苦痛と結びついていたが、「Higher Love」ではそれがより超越的な形に変化する。

ただし、この曲は完全な救済を明言しているわけではない。デペッシュ・モードの世界では、救済は常に不確かで、危うい。高次の愛に触れることは、同時に自分を失うことでもある。その曖昧さが、曲に深みを与えている。希望はあるが、単純なハッピーエンドではない。

「Higher Love」は、『Songs of Faith and Devotion』を閉じるにふさわしい楽曲である。信仰と欲望、肉体と精神、罪と救済というアルバム全体の対立項が、ここで完全に解決されるのではなく、より大きな問いとして残される。聴後には、暗い儀式を通過したような余韻が残る。

総評

『Songs of Faith and Devotion』は、デペッシュ・モードのキャリアにおいて最も劇的で、最も危ういバランスの上に成立したアルバムである。前作『Violator』が、彼らの電子音楽的ポップネスを洗練の極点まで高めた作品だったとすれば、本作はその完成された美学をあえて壊し、ロック、ゴスペル、ブルース、インダストリアル、宗教的象徴を取り込むことで、より生々しい表現へと進んだ作品である。

本作の最大の特徴は、電子音楽とロックの融合が単なるサウンド上の変化にとどまらない点にある。ギターや生ドラム的な質感が導入されているが、それは流行への対応ではなく、歌詞のテーマと深く結びついている。信仰、献身、罪、救済、欲望、依存といった主題を表現するために、サウンドそのものが肉体性を帯びる必要があった。その結果、デペッシュ・モードの音楽は、より汗ばみ、傷つき、叫ぶものになった。

歌詞面では、マーティン・ゴアの作家性が非常に濃く表れている。彼は宗教的な語彙を用いながら、制度としての宗教を語るのではなく、人間の内面にある信仰の構造を描いている。人はなぜ他者に救いを求めるのか。なぜ愛を信仰のように扱うのか。なぜ欲望は罪の意識と結びつくのか。本作は、こうした問いをポップ・ミュージックの形式の中で扱っている。

デイヴ・ガーンのヴォーカルも、本作の重要な要素である。『Violator』以前の彼の歌唱には、冷たく端正な魅力があったが、本作ではよりロック的で、痛みを帯びた表現が目立つ。声はしばしば荒れ、祈りや叫びに近づく。この変化は、アルバムの宗教的・肉体的なテーマと強く結びついている。

アラン・ワイルダーのサウンド構築も見逃せない。電子音、ノイズ、リズム、空間処理、生楽器の響きを緻密に配置し、アルバム全体に統一感を与えている。『Songs of Faith and Devotion』は、表面的には荒々しいロック化の作品に見えるが、実際には非常に精密なプロダクションによって成立している。混沌として聞こえる音の奥には、細部まで計算された構造がある。

本作は、リリース当時からデペッシュ・モードのイメージを大きく変えた。シンセポップの代表格としてではなく、オルタナティヴ・ロック時代にも通用するダークで重厚なバンドとして再定義したのである。後のエレクトロ・ロック、インダストリアル・ポップ、ゴシック系のオルタナティヴ音楽において、本作の影響は大きい。電子音と信仰的な暗さ、ロック的な肉体性を結びつける手法は、多くの後続アーティストに参照された。

日本のリスナーにとって本作は、『Violator』の洗練された美しさとは異なる、より重く、濃密で、聴き手を選ぶ作品として映るかもしれない。しかし、デペッシュ・モードの本質を理解するうえでは非常に重要である。彼らが単なるエレクトロ・ポップの名手ではなく、人間の欲望、信仰、罪悪感、救済願望を描くバンドであることを最も劇的に示した作品だからである。

『Songs of Faith and Devotion』は、暗いロック、ゴシックなポップ、インダストリアル、宗教的モチーフを持つ音楽に関心のあるリスナーに適している。また、1990年代のオルタナティヴ・ロックと電子音楽の関係を理解するうえでも重要なアルバムである。完成度、緊張感、歴史的意義のいずれにおいても、デペッシュ・モードのディスコグラフィの中で特別な位置を占める作品である。

おすすめアルバム

1. Depeche Mode『Violator』

1990年発表。『Songs of Faith and Devotion』の前作であり、デペッシュ・モードの洗練された電子音楽的ポップネスが完成した作品である。「Personal Jesus」「Enjoy the Silence」「Policy of Truth」などを収録し、ブルース的なギター、ダンス・ビート、暗いシンセの美学が高い完成度で融合している。本作を理解するうえで、直前の到達点として重要なアルバムである。

2. Depeche Mode『Music for the Masses』

1987年発表。デペッシュ・モードがより大規模なロック的スケールへ向かい始めた重要作である。「Never Let Me Down Again」「Strangelove」「Behind the Wheel」などを収録し、電子音楽の冷たさとスタジアム級の壮大さが結びついている。『Songs of Faith and Devotion』における荘厳なサウンドの前段階として聴くことができる。

3. Nine Inch Nails『The Downward Spiral』

1994年発表。インダストリアル・ロックを1990年代オルタナティヴの中心へ押し上げた重要作である。電子音、ノイズ、ロック、自己破壊的な歌詞を結びつける点で、『Songs of Faith and Devotion』と共通する要素を持つ。ただし、ナイン・インチ・ネイルズはより攻撃的で破壊的な方向へ進んでおり、デペッシュ・モードの官能的な暗さとは異なる極端さがある。

4. U2『Achtung Baby』

1991年発表。1980年代的なロック・バンド像を壊し、インダストリアル、ダンス・ミュージック、電子音を取り込んだ転換作である。巨大な成功を収めたバンドが、自らのイメージを破壊しながら1990年代の音へ適応したという点で、『Songs of Faith and Devotion』と比較できる。宗教的なイメージ、欲望、皮肉、自己変革が交差する点でも関連性が高い。

5. The Cure『Disintegration』

1989年発表。ゴシックロック、ニューウェイヴ、ダークなポップ感覚が壮大なスケールで結びついた作品である。デペッシュ・モードとは音楽的手法は異なるが、暗い情緒、内省的な歌詞、重厚な音響空間という点で共通する。『Songs of Faith and Devotion』の持つ沈鬱な美しさや精神的な深さに惹かれるリスナーにとって、重要な関連作である。