発売日：2013年8月26日
ジャンル：インディー・ロック／ダンス・ロック／ポストパンク・リバイバル／アート・ロック
概要
Right Thoughts, Right Words, Right Actionは、スコットランド・グラスゴー出身のFranz Ferdinandが2013年に発表した4作目のスタジオ・アルバムである。2004年のセルフタイトル・デビュー作で「Take Me Out」を筆頭に世界的な成功を収め、2000年代のポストパンク・リバイバル／ダンス・ロックを代表する存在となった彼らが、前作Tonight: Franz Ferdinandから約4年を経て発表した作品であり、初期の鋭いギター・ポップと、後年に強まった電子的・ダンサブルな感覚をコンパクトに再統合した一枚として位置づけられる。
Franz Ferdinandの音楽の核は、デビュー当初から明確だった。ファンク的に刻むギター、直線的なベース、踊れるドラム、鋭いリフ、そしてAlex Kapranosによる皮肉と色気を帯びたヴォーカル。その背景にはGang of Four、Talking Heads、Wire、Orange Juice、David Bowie、Roxy Musicといったポストパンク／アート・ロックの伝統がある。
ただし彼らは、単なる70〜80年代英国ロックの再現ではない。
Franz Ferdinandの最大の発明は、ポストパンクの緊張感を「クラブで踊れるギター・ロック」へ変換したことにある。ギターを歪みの壁として使うのではなく、リズム楽器として扱う。コードを鳴らすよりカッティングし、ベースとドラムの隙間へ短い音を置く。
この方法が2000年代中盤のインディー・ディスコ文化と強く結びついた。
しかし2013年の時点では、彼らが登場したポストパンク・リバイバルはすでに一時代前の出来事になりつつあった。The Strokes、Bloc Party、Kaiser Chiefs、The Futureheadsなど同世代のバンドも、それぞれ異なる方向へ進んでいた。
そこでFranz Ferdinandが選んだのは、劇的な再発明ではなく、自分たちの原点をより効率的に磨き直すことだった。
タイトルのRight Thoughts, Right Words, Right Actionは、「正しい思考、正しい言葉、正しい行動」という道徳的・倫理的な標語のように見える。しかしFranz Ferdinandの場合、その言葉は完全に真面目ではない。
このアルバムに登場する人物たちは、必ずしも“right”に生きていない。
恋愛では迷う。
欲望に振り回される。
関係は崩れる。
言葉と行動が一致しない。
むしろタイトルは、人間が「正しく考え、正しく話し、正しく行動したい」と願いながら、実際にはその通りにできないことを皮肉っているように機能する。
音楽的には前作Tonightほどエレクトロニックに振り切らず、ギター・バンドとしての身体性を前へ戻した。
ただしデビュー作への単純な回帰でもない。
シンセサイザー。
スタジオ処理。
リズム・マシン的な感覚。
ファンク。
ディスコ。
グラム。
それらがすでにバンドの語彙として定着している。
結果として本作は、Franz Ferdinandが自分たちの「踊れるギター・ロック」を2010年代の感覚で再編集した成熟作となっている。
全曲レビュー
1. Right Action
アルバムはタイトルにもつながる「Right Action」で始まる。
非常にFranz Ferdinandらしい、タイトで即効性の高いオープニングだ。
ギターは鋭い。
ベースは動く。
ドラムは直線的。
そしてAlex Kapranosのヴォーカルが、ほとんど会話のような軽さで曲を進める。
タイトルは「正しい行動」。
しかし歌詞の中で描かれるのは、必ずしも確信を持って正しい道を選ぶ人物ではない。
むしろ、人間関係の中で何をするべきか考え、判断し、しかし感情によってその判断が揺れる。
このズレが重要である。
正しい行動とは何か。
相手に正直に話すことか。
離れることか。
続けることか。
Franz Ferdinandは答えを出さない。
その一方で、音楽そのものは迷わない。
リズムは極めて明快で、曲は一直線に進む。
「歌詞は迷うが、身体は踊る」。
この構造がFranz Ferdinandの魅力を象徴する。
2. Evil Eye
「Evil Eye」は、不吉な視線、邪視という古い民間信仰の言葉をタイトルに持つ。
誰かに見られる。
評価される。
悪意を向けられる。
その視線によって心理的な圧力が生まれる。
Franz Ferdinandの歌詞には、恋愛や人間関係を「見る／見られる」という構図で描くものが多い。
魅力とは、相手を見ることで生まれる。
しかし同時に、視線は支配にもなる。
音楽はファンキーで、反復するリフが強い。
ギターは和音を鳴らすより、短い音を切り刻むように配置される。
そのため曲全体に神経質な緊張感がある。
“evil eye”という不穏な言葉に対して、音楽は非常に踊れる。
この軽快さと不安の共存が、アルバム序盤を引き締めている。
3. Love Illumination
本作を代表するシングルの一つ。
タイトルは「愛の照明」「愛による啓示」といった意味を持つ。
“illumination”は、単に光が当たるだけでなく、何かを理解する、啓示を受けるという意味もある。
つまり恋愛によって世界の見え方が変わる。
しかしFranz Ferdinandは、そこへ少し皮肉を加える。
愛によってすべてが明確になるのではなく、むしろ人間は余計に混乱することもある。
音楽は非常にカラフルで、ギター・ロックでありながらブラス的な感触やグラム・ロック的な華やかさもある。
サビは開放的で、アルバム中でも特にポップ。
Franz Ferdinandが初期のクールなポストパンクから、より大きなポップ・ソングへ発展したことがよく分かる。
4. Stand on the Horizon
タイトルは「地平線に立つ」。
非常に視覚的な言葉である。
地平線は、到達できそうで永遠に遠ざかる場所でもある。
そこに立つという表現自体が少し非現実的だ。
歌詞では、未来、距離、関係の行方が曖昧に描かれる。
誰かとの関係が続くのか。
終わるのか。
自分がどこへ行くのか。
その不確実さが“horizon”というイメージへ集約される。
音楽は本作の中でも少しダークで、ベースとシンセの低音が印象的だ。
リズムにはダンス・ミュージック的な反復があり、ギター・バンドの演奏でありながら、クラブ・トラックのような持続感を持つ。
前作Tonightで培った電子的な感覚を、より自然にギター・ロックへ戻した一曲である。
5. Fresh Strawberries
タイトルは「新鮮なイチゴ」。
一見すると非常に軽く、可愛らしい。
しかしこの曲では、その「新鮮さ」が人生や感情の一時性と結びつく。
新鮮なものは、永遠に新鮮ではない。
果物は熟す。
傷む。
消費される。
人間関係も同じように、最初の瑞々しさを永久には維持できない。
この発想が曲の背景にある。
Franz Ferdinandは日常的な物を、少し皮肉な人生の比喩へ変えることがある。
「Fresh Strawberries」はその典型だ。
サウンドは明るく軽快。
しかし歌詞の奥には、時間が経つことへの感覚がある。
若さ。
恋愛。
魅力。
新鮮さ。
すべては失われる。
だからこそ今の瞬間が価値を持つ。
その意味で、本作の中でも意外に内省的な曲である。
6. Bullet
「Bullet」はタイトル通り「弾丸」。
音楽もそのイメージのように速い。
本作の中でも特に疾走感があり、初期Franz Ferdinandの鋭いギター・ロックを思わせる。
歌詞では、人物が何かに向かって一直線に進む感覚がある。
弾丸は発射されたら自分で方向を変えられない。
そのため“bullet”は、欲望や衝動に支配された人間の比喩としても機能する。
恋愛に突っ込む。
間違っていると分かっていても止まれない。
言葉を発してから後悔する。
そうした不可逆性が曲の中心にある。
音楽は短く、無駄がない。
Franz Ferdinandの得意とする「ギターをリズムへ変換する」方法が最も直接的に出た曲の一つである。
7. Treason! Animals.
タイトルからして奇妙で、政治的スローガンと動物を組み合わせたような不条理さがある。
“Treason!”は反逆。
“Animals.”は動物。
この二つが隣り合うことで、人間社会の秩序や文明そのものが少し滑稽に見えてくる。
人間は法律。
国家。
忠誠。
反逆。
そうした複雑な概念を作る。
しかし生物として見れば、人間も動物にすぎない。
このズレがタイトルのユーモアになっている。
音楽はややアート・ロック的で、直線的なシングル曲より変則的な感触を持つ。
リズムはダンサブルだが、フレーズの置き方が少し不安定。
アルバム中盤に、単純なポップ・ロックとは異なる知的な違和感を加える。
8. The Universe Expanded
「The Universe Expanded」は、本作の中でも特にスケールの大きなタイトル。
「宇宙が膨張した」。
物理学的な言葉を、人間関係や感情の比喩へ使う。
誰かと距離ができる。
以前は近かった。
しかし、世界そのものが膨張するように、二人の距離も広がっていく。
この発想が非常に美しい。
別れを「関係が終わった」とだけ言うのではない。
宇宙そのものが広がってしまったから、もう同じ場所には戻れない。
Franz Ferdinandの歌詞における、知的な比喩と恋愛感情の融合がよく表れている。
音楽も比較的ゆったりとしており、シンセサイザーや空間系の処理が広がりを作る。
アルバムの中で一度テンションを下げ、より内向きの景色を見せる重要な曲である。
9. Brief Encounters
“brief encounter”は「短い出会い」。
また、英国文化では同名の映画作品を想起させる言葉でもある。
ここで描かれるのは、永続的な恋愛より、一瞬だけ交差する人間関係。
出会う。
惹かれる。
しかし続かない。
その短さ自体に意味がある。
Franz Ferdinandの音楽には、恋愛を永遠の誓いとして歌うより、都市生活の一時的な関係として描く感覚が強い。
クラブ。
パーティー。
夜。
一時的な欲望。
朝になれば終わる。
「Brief Encounters」はその世界観を非常によく表している。
サウンドはセクシーで、ややファンキー。
リズムの余白が大きく、Kapranosのヴォーカルも語りかけるように配置される。
派手な曲ではないが、Franz Ferdinandの都会的な官能性をよく示している。
10. Goodbye Lovers & Friends
アルバム最後の曲は、そのタイトルからして別れを明確に意識している。
「さようなら、恋人たちと友人たち」。
非常に大きな言葉だが、曲は単純な悲しい別れのバラードではない。
ここには自己演出。
アイロニー。
人生の終わり。
関係の終わり。
バンドや作品そのものへのメタ的な距離。
複数の意味が重なる。
Franz Ferdinandは、深刻なテーマをそのまま深刻に演奏しない。
この曲でも、別れを扱いながら音楽はどこか芝居がかっている。
「自分がいなくなった後、どう語られるのか」という自己意識も感じられる。
それは死を思わせる一方、単なる人生の節目としても読める。
恋人。
友人。
過去。
キャリア。
それらに別れを告げる。
アルバムの最後に置くことで、Right Thoughts, Right Words, Right Actionという道徳的なタイトルにも別の意味が生まれる。
どれだけ正しく考え、正しく話し、正しく行動しても、最終的には別れが来る。
その現実を少し笑いながら受け入れる。
非常にFranz Ferdinandらしいエンディングである。
総評
Right Thoughts, Right Words, Right Actionは、Franz Ferdinandが自らの音楽的アイデンティティを再確認し、それを必要以上に懐古的にせず更新した作品である。
デビュー作の衝撃は非常に大きかった。
2004年当時、「Take Me Out」のような曲は、ギター・ロックでありながらクラブ・ミュージックのように踊れるという感覚を強く印象づけた。
テンポが変わる。
リフが反復する。
ギターがファンク的に刻む。
ロック・バンドなのに身体を揺らすことが前提になっている。
その方法は、2000年代インディー・ロックの重要なテンプレートの一つになった。
しかし大きな成功を得たバンドほど、その成功した様式から抜け出すことが難しい。
同じことをすればマンネリ。
変えすぎれば魅力を失う。
Franz Ferdinandも2作目、3作目でその問題に向き合った。
You Could Have It So Much Betterではロックの幅を広げ、Tonightではシンセサイザーとダンス・ミュージックの要素を強めた。
その後に出た本作は、「ではFranz Ferdinandらしさとは何か」を整理したアルバムに聞こえる。
答えは意外に単純だった。
ギター。
ベース。
ドラム。
反復。
色気。
皮肉。
ダンス。
この要素を、もう一度コンパクトにまとめる。
しかし2004年と同じ音には戻らない。
そこが重要だ。
シンセサイザーは残る。
スタジオ技術も使う。
前作で得たエレクトロニックな感覚も捨てない。
つまり本作は「原点回帰」ではなく、「原点の再編集」である。
音楽的には、特にギターとベースの関係が優れている。
Nick McCarthyとAlex Kapranosのギターは、分厚いコードを重ねるより、互いに隙間を作る。
一方が短いリフを弾く。
もう一方が別のリズムを入れる。
その下でBob Hardyのベースが旋律的に動く。
Paul Thomsonのドラムは大げさに叩かず、ダンスフロアの4つ打ちに近い安定感を作る。
この編成だから、Franz Ferdinandの曲はギター・ロックなのに重くなりすぎない。
ロックというより、ファンク的である。
Gang of Fourからの影響が語られる理由もそこにある。
Gang of Fourはギターを「和音を鳴らす楽器」から、「空間を切るリズム楽器」へ変えた。
Franz Ferdinandはその方法をよりポップにし、クラブ向けの快楽へ変換した。
本作では、その関係が非常にクリアに聞こえる。
歌詞についても、Kapranosの特徴がよく出ている。
彼は完全な告白型ソングライターではない。
自分の感情をそのまま日記のように書くより、少し距離を置く。
人物を演じる。
言葉遊びをする。
知的な比喩を使う。
そのため恋愛を扱っても、感傷だけにはならない。
「The Universe Expanded」はその好例である。
別れ。
距離。
その悲しみを宇宙膨張へ変える。
非常に大げさ。
しかし、その大げささにユーモアがある。
「Fresh Strawberries」も同じだ。
新鮮な果物と人生の一時性。
普通なら結びつかないものを結びつける。
この比喩の軽さがFranz Ferdinandの歌詞を独特にしている。
また、アルバム・タイトルのRight Thoughts, Right Words, Right Actionは作品全体に皮肉な枠を与えている。
人は正しくありたい。
正しく考える。
正しく話す。
正しく行動する。
しかし現実の人間関係は、そんなに整理されていない。
欲望。
誤解。
嫉妬。
別れ。
短い関係。
自己演出。
それらによって「正しさ」は簡単に崩れる。
つまりタイトルは理想。
収録曲は現実。
この対比がアルバムの知的な面白さになっている。
2013年という時代を考えると、この作品はギター・ロックの立場が変化した時期にも出ている。
2004年前後は、インディー・ロックがメインストリームの中心に近かった。
The Strokes。
Franz Ferdinand。
Bloc Party。
Arctic Monkeys。
Kaiser Chiefs。
多くのギター・バンドが大きな注目を集めた。
しかし2010年代に入ると、EDM、R&B、ヒップホップ、シンセポップの存在感がさらに拡大する。
ギター・ロックは以前ほど時代の中心ではなくなる。
その中でFranz Ferdinandは、「ロックらしさ」を強調するより、自分たちがもともとダンス・ミュージックと親和性の高いバンドだったことを活用した。
だから本作は古臭くならない。
ギターが鳴っている。
しかしロックの力強さを誇示しない。
むしろ、リズム。
反復。
身体性。
そこを重視する。
この姿勢は、後のダンス・パンクやインディー・ディスコの継続にもつながる。
LCD Soundsystem、Hot Chip、Foalsなどと並べても、Franz Ferdinandの立ち位置が理解しやすい。
また、本作はバンドのキャリア上、一つの区切りとしても重要である。
この時期まで続いたオリジナルの主要編成によるFranz Ferdinandの完成形の一つであり、後の活動では編成や制作方法にも変化が生じる。
そのため現在から振り返ると、Right Thoughts, Right Words, Right Actionは初期〜中期Franz Ferdinandの美学を集約したアルバムとしても聞こえる。
特に10曲というコンパクトな構成がよい。
余分な楽曲を増やさない。
一曲ごとの役割が明確。
アップテンポ。
ダークな曲。
内省。
最後の別れ。
その流れが非常に整っている。
これはタイトルにも通じる。
“Right Thoughts, Right Words, Right Action”。
無駄を削る。
必要なことだけ置く。
それは彼らのアレンジにも共通する。
ギターを弾きすぎない。
ドラムを叩きすぎない。
歌詞を説明しすぎない。
だから音楽が踊れる。
空間がある。
この「少ない音で動かす」能力こそ、Franz Ferdinandの最大の長所の一つである。
本作はデビュー作ほど歴史的な衝撃を持つアルバムではない。
しかし、それを弱点と考える必要はない。
むしろ、最初に発明した方法を10年近く経てどう成熟させるかという意味で価値がある。
若さの勢いだけではない。
演奏の精度。
曲の構造。
サウンドの整理。
皮肉の使い方。
それらが非常に洗練されている。
Right Thoughts, Right Words, Right Actionは、Franz Ferdinandが自分たちのダンス・ロックという発明を、2010年代にもう一度最適化した作品である。
ポストパンクの緊張。
ファンクのリズム。
インディー・ロックの軽さ。
アート・ロックの皮肉。
ポップの即効性。
そのすべてを過剰にせずまとめたことが、このアルバムの強さである。
おすすめアルバム
1. Franz Ferdinand – Franz Ferdinand（2004）
Franz Ferdinandのデビュー作にして代表作。「Take Me Out」「The Dark of the Matinée」「Michael」などを収録し、ポストパンク的なギターとダンス・ビートを融合したバンドの基本形を確立している。Right Thoughts, Right Words, Right Actionがどこへ「戻り」、何を更新したのかを理解するうえで最重要の一枚。
2. Franz Ferdinand – Tonight: Franz Ferdinand（2009）
本作の前作。シンセサイザー、電子ビート、クラブ・ミュージック的な反復をより大胆に導入し、ギター・バンドとしての枠を広げた。Right Thoughts, Right Words, Right Actionに残る電子的な質感の直接的な前段階である。
3. Gang of Four – Entertainment!（1979）
ファンクのリズムと鋭いポストパンク・ギターを融合した歴史的作品。ギターをコードの壁ではなくリズム楽器として扱う方法や、知的な歌詞と身体的なグルーヴを共存させる美学は、Franz Ferdinandの重要な源流となっている。
4. Orange Juice – You Can’t Hide Your Love Forever（1982）
グラスゴー周辺のインディー・ポップ史を考えるうえでも重要な作品。ポストパンク、ファンク、ソウル、ジャングリーなギターを軽やかに融合し、Franz Ferdinandの都会的で皮肉なポップ感覚につながる先駆的な一枚である。
5. Talking Heads – Speaking in Tongues（1983）
ニューウェイヴ、ファンク、アート・ロック、ダンス・ミュージックを高度に融合した代表作。知的なコンセプトを持ちながら身体的に踊れるという点で、Franz Ferdinandの音楽的理念と強く共鳴する。
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