- 発売日: 1994年7月4日
- ジャンル: ビッグ・ビート、ブレイクビーツ、レイヴ、テクノ、ハードコア・テクノ、エレクトロニック・ロック、アシッド・ハウス
概要
The Prodigyの『Music for the Jilted Generation』は、1994年にリリースされたセカンド・アルバムであり、1990年代イギリスのレイヴ・カルチャーが持っていた反抗性、混沌、怒り、そして身体的なエネルギーを、アルバム作品として強烈に結晶化した重要作である。デビュー作『Experience』では、The Prodigyはブレイクビーツ・ハードコア／レイヴの若々しい爆発力を前面に出し、「Charly」「Everybody in the Place」「Out of Space」などのヒットによって、イギリスのダンス・ミュージック・シーンに大きな存在感を示した。しかし『Music for the Jilted Generation』では、その陽気でサンプリング感の強いレイヴ・サウンドから一歩進み、より暗く、攻撃的で、政治的なニュアンスを持つ音楽へと変化している。
アルバム・タイトルの「Jilted Generation」は「見捨てられた世代」「裏切られた世代」といった意味を持つ。この言葉は、当時のイギリスにおける若者文化と強く結びついている。1990年代初頭、レイヴ・カルチャーは倉庫、野外、違法パーティー、クラブを中心に広がり、若者たちにとって既存の社会秩序から離れた自由の空間を提供していた。しかし同時に、政府や警察による規制も強まり、特に1994年のCriminal Justice and Public Order Actに象徴されるように、反復的なビートを伴う集会への締め付けが問題となった。The Prodigyはこの時代の空気を鋭く捉え、レイヴ世代の怒りと疎外感をアルバム全体に反映させている。
本作の音楽的な核心は、ブレイクビーツの暴力的な切断感と、ロック的な攻撃性の融合である。Liam Howlettは、ヒップホップやファンク由来のブレイク、アシッド・テクノのうねり、ハードコア・レイヴのスピード感、インダストリアル的なノイズ、映画音楽的な緊張を組み合わせ、単なるクラブ用トラックではなく、アルバムとして聴ける重厚な電子音楽を作り上げた。ここでのThe Prodigyは、まだ後の『The Fat of the Land』ほどロック・バンド的なイメージを前面に出してはいないが、その種はすでに明確に存在している。
『Music for the Jilted Generation』は、ダンス・ミュージックでありながら、非常にパンク的な精神を持つアルバムである。レイヴの快楽性は残されているが、それは無邪気な高揚ではなく、抑圧に対する反撃として鳴っている。「Their Law」では、権力への怒りが露骨に表れ、「Voodoo People」ではブレイクビーツとギターの攻撃性が一体化し、「Poison」ではヒップホップ的な重さと暗いグルーヴが前面に出る。「No Good (Start the Dance)」のようなフロア向けの曲でさえ、単なる明るいレイヴ・アンセムではなく、鋭く荒いエネルギーを含んでいる。
本作はまた、アルバム後半の構成も非常に重要である。「The Narcotic Suite」と呼ばれる終盤の連作では、The Prodigyは単なるシングル集を超えた、暗く幻覚的な音響空間を作り出している。これにより、『Music for the Jilted Generation』は、クラブ・トラックの集合体ではなく、時代の不安、怒り、陶酔、幻覚を描くコンセプト性のあるアルバムとして成立している。ダンス・ミュージックのアルバムが、ロックやプログレッシブな電子音楽と同じように長い流れを持ち得ることを示した点でも、本作は重要である。
The Prodigyのキャリアにおいて、本作は決定的な転換点である。『Experience』がレイヴ・シーン内部の勢いを反映した作品だったのに対し、『Music for the Jilted Generation』は、The Prodigyをより広いロック／オルタナティブ層へ接続する作品となった。そして次作『The Fat of the Land』では、その方向性がさらに強まり、The Prodigyは世界的なロック・フェスティバル級の存在へと拡大していく。つまり本作は、レイヴの内部から生まれたグループが、ロック的な反抗性を獲得し、電子音楽を大衆的な攻撃音楽へ変えていく過程を示すアルバムである。
日本のリスナーにとって『Music for the Jilted Generation』は、1990年代UKダンス・ミュージックの激しさを理解するうえで極めて重要な作品である。テクノ、ブレイクビーツ、ビッグ・ビート、デジタル・ロック、インダストリアル、ミクスチャー・ロックの文脈にまたがって聴くことができる。クラブ・ミュージックとして身体を動かす力を持ちながら、同時に社会的な怒りとアルバムとしての構築性を備えている。本作は、レイヴ世代の怒れる声明であり、1990年代エレクトロニック・ミュージックの歴史的な到達点のひとつである。
全曲レビュー
1. Intro
「Intro」は、アルバム全体の導入として短く置かれたトラックであり、『Music for the Jilted Generation』が単なるダンス・トラック集ではなく、ひとつの世界観を持つ作品であることを示す。短い音響断片でありながら、そこには不穏さ、都市的な冷たさ、これから始まる攻撃的な音の儀式への予感がある。
The Prodigyの初期作品には、サンプリング文化特有のコラージュ感が強くあったが、この「Intro」ではそれがより暗く、映画的に使われている。聴き手はここで、陽気なレイヴ・パーティーへ入るというより、社会に見捨てられた世代の怒りが充満する地下空間へ連れ込まれる。アルバムの導入口として、短いながらも重要な役割を果たしている。
2. Break & Enter
「Break & Enter」は、実質的なオープニング曲として本作の凶暴なエネルギーを一気に解放する楽曲である。タイトルは「不法侵入」を意味し、アルバム全体に流れる反抗性とよく結びついている。社会のルールに従うのではなく、境界を破って侵入する。この言葉は、The Prodigyの音楽的姿勢そのものでもある。
音楽的には、ブレイクビーツが激しく切り刻まれ、シンセサイザーのリフが鋭く鳴り、リズムは非常に攻撃的である。『Experience』の明るいレイヴ感を残しながらも、ここでは音の密度と暗さが明らかに増している。ドラムの打撃感は強く、シンセは不穏で、全体に緊張感が漂う。
この曲の魅力は、クラブ・トラックとしての推進力と、ロック的な破壊衝動が同居している点にある。ブレイクビーツは踊らせるために機能しているが、その踊りは祝祭的というより、暴動的である。身体を動かすことが、社会への反抗として響く。The Prodigyはここで、ダンス・ミュージックを単なる快楽の道具ではなく、攻撃の手段として使っている。
「Break & Enter」は、アルバムの本格的な幕開けとして非常に強力である。タイトル通り、The Prodigyは既存のジャンルの扉を蹴破り、レイヴ、テクノ、パンク、ロック、ヒップホップの境界へ不法侵入している。
3. Their Law feat. Pop Will Eat Itself
「Their Law」は、本作の政治的な怒りが最も直接的に表れた楽曲である。タイトルは「奴らの法律」を意味し、若者文化やレイヴ・シーンを取り締まる権力への反発が明確に込められている。Pop Will Eat Itselfとの共演により、インダストリアル・ロックやミクスチャー的な要素も強くなっており、The Prodigyがロック的な攻撃性へ接近していることを示す重要曲である。
音楽的には、ギターの歪み、重いビート、叫びのようなヴォーカル・サンプルが組み合わさり、非常に戦闘的なサウンドになっている。これは単なるテクノではなく、電子音とロックの衝突である。ビートはクラブ的だが、音の感触はライブ会場やフェスのモッシュ・ピットにも近い。後の「Firestarter」や「Breathe」へ向かう道筋が、すでにこの曲に見える。
歌詞やサンプルに表れる「Fuck ’em and their law」という態度は、本作の反権力的な核心である。これは抽象的な反抗ではなく、当時のイギリスのレイヴ規制に対する具体的な怒りとして響く。反復するビートを禁止しようとする社会に対して、The Prodigyはさらに強烈なビートで応答している。
「Their Law」は、The Prodigyがレイヴ・アクトから、より広い反体制的なエレクトロニック・ロック勢力へと変貌していくうえで欠かせない楽曲である。『Music for the Jilted Generation』の政治的な牙が最も鋭く出た一曲である。
4. Full Throttle
「Full Throttle」は、タイトル通り全速力で突き進むようなエネルギーを持つ楽曲である。「フルスロットル」という言葉は、速度、機械、暴走、制御不能の感覚を連想させる。この曲では、The Prodigyのブレイクビーツがまさにエンジンのように鳴り、聴き手を高速で前進させる。
音楽的には、ビートの密度が非常に高く、リズムの切り替えやサンプルの配置が緻密である。Liam Howlettのプロダクションは、単に速いだけではなく、音の配置によって緊張と開放を作っている。シンセのフレーズは不穏で、ビートは身体を急かすように打ち込まれる。
この曲は、レイヴの高速性を受け継ぎながらも、より暗いサイバーパンク的な質感を持っている。夜の高速道路、機械化された都市、制御を失った乗り物のようなイメージが浮かぶ。The Prodigyの音楽はしばしば身体的だが、「Full Throttle」ではその身体が機械と一体化して暴走しているように感じられる。
「Full Throttle」は、アルバムの流れの中でテンションをさらに引き上げる楽曲である。レイヴのスピード感と、90年代的なデジタルな不安が結びついた、攻撃的なブレイクビーツ・トラックである。
5. Voodoo People
「Voodoo People」は、『Music for the Jilted Generation』を代表する楽曲のひとつであり、The Prodigyのサウンドがロック的な攻撃性とブレイクビーツの疾走感を融合させた瞬間を象徴している。タイトルの「Voodoo」は、呪術、儀式、トランス状態を連想させ、ダンス・ミュージックが持つ集団的な身体の陶酔と深く結びついている。
音楽的には、鋭いギター・リフと激しいブレイクビーツが中心である。ギターはロックの記号として使われているが、通常のバンド演奏のように鳴るのではなく、サンプル的に切り刻まれ、ビートと一体化している。これにより、曲はロックでもテクノでもない、The Prodigy独自の攻撃的なダンス・ロックとして成立している。
「Voodoo People」の重要性は、踊ることが儀式化されている点にある。レイヴのフロアは、現代社会における一種の共同体的な儀式空間であり、反復するビートは人々をトランス状態へ導く。この曲は、その原始的な力を非常に現代的な音で表現している。呪術的なタイトルは単なる装飾ではなく、音楽の機能そのものを表している。
この曲は、後のビッグ・ビートやデジタル・ロックに大きな影響を与えたと考えられる。Chemical Brothers、Fatboy Slim、Crystal Methodなどの流れと比較しても、「Voodoo People」の攻撃性と暗さは際立っている。The Prodigyがダンス・ミュージックをロック・フェスの文脈へ押し出していく力が、ここにはすでにある。
「Voodoo People」は、本作の中核となる楽曲である。ブレイクビーツ、ギター、呪術的な反復、レイヴの身体性が融合し、The Prodigyの最も強烈な個性を示している。
6. Speedway (Theme from Fastlane)
「Speedway (Theme from Fastlane)」は、タイトル通り速度と移動をテーマにした楽曲であり、前半の攻撃的な流れをさらにドライブ感のある方向へ展開する。副題の「Theme from Fastlane」は、架空の映画やテレビ番組のテーマ曲のような響きを持ち、The Prodigyの音楽が持つ映像的な性格を強めている。
音楽的には、ビートが機械的に前進し、シンセサイザーが高速移動の感覚を作る。ブレイクビーツの切断感よりも、持続的なスピード感が強く、まるで車やバイクが都市の夜を走り抜けるような音像である。レイヴの身体的な疾走感と、アクション映画的な緊張が結びついている。
この曲は、The Prodigyの音楽が単にクラブで鳴るだけでなく、映像的な想像力を刺激することを示している。後の『The Fat of the Land』でも、彼らの曲は映画、ゲーム、スポーツ映像と相性がよく使われることになるが、その感覚はすでにこの曲にある。
「Speedway」は、アルバム内ではややインストゥルメンタル的な機能を持ちながら、作品のテンションを保つ重要な曲である。速度、機械、都市、逃走というイメージを音楽化した、The Prodigyらしいトラックである。
7. The Heat (The Energy)
「The Heat (The Energy)」は、タイトルが示す通り、熱とエネルギーをテーマにした楽曲である。本作の中では、ややアシッド・ハウスやテクノの色合いが強く、レイヴの熱気を直接的に感じさせるトラックである。The Prodigyの音楽が持つダンス・フロアへの根を強く示している。
音楽的には、反復するシンセのうねり、硬いビート、サンプルの切り込みが中心である。曲は複雑な歌ものとして展開するのではなく、ビートと音色の反復によって熱を作り出す。この反復が、レイヴにおける身体の持続的な興奮と結びついている。
タイトルの「heat」と「energy」は、クラブ・ミュージックの根本的な目的を表している。熱とは、フロアに集まった人々の身体から発せられるものでもあり、音響によって生まれる圧力でもある。エネルギーとは、社会的な抑圧を一時的に解放する力でもある。この曲では、政治的メッセージよりも、身体そのものが持つ反抗の力が前面に出る。
「The Heat (The Energy)」は、本作の中でレイヴの肉体的な側面を担う楽曲である。複雑な物語性よりも、音が生む熱量と反復の陶酔が重要であり、The Prodigyのクラブ・ミュージックとしての基盤を感じさせる。
8. Poison
「Poison」は、『Music for the Jilted Generation』の中でも特に重く、ヒップホップ的なグルーヴと暗いムードを持つ楽曲である。タイトルは「毒」を意味し、音楽全体にも危険で粘度の高い雰囲気が漂う。Maxim Realityのヴォーカルが強い存在感を放ち、The Prodigyのサウンドによりダークでストリート感のある側面を与えている。
音楽的には、テンポは比較的抑えられているが、ビートの重さが際立つ。高速レイヴの爆発力ではなく、低く沈むようなグルーヴが中心である。ブレイクビーツは鋭いが、曲全体は粘りがあり、まさに毒がゆっくり体内に回るような感覚を持つ。シンセやサンプルの配置も不穏で、アルバムの中でも特に暗い質感である。
Maximの声は、ここで曲のキャラクターを大きく決定している。彼のヴォーカルは、The Prodigyを単なるLiam Howlettのスタジオ・プロジェクトから、よりパフォーマンス性の高い集団へと押し上げる役割を果たしている。後のライブでのThe Prodigyの存在感を考えると、「Poison」はその方向性を強く示す曲である。
歌詞の「I got the poison」というフレーズは、危険な魅力、破壊的な力、自分たちの音楽そのものを表しているようにも響く。The Prodigyの音は、聴き手を中毒化させる毒であり、社会の清潔な秩序を汚染するものでもある。
「Poison」は、本作の中でも特に重要な楽曲である。レイヴの高速性から一度離れ、ヒップホップ的な重さと暗いグルーヴによって、The Prodigyの音楽的幅を大きく広げている。
9. No Good (Start the Dance)
「No Good (Start the Dance)」は、『Music for the Jilted Generation』の中でも最もフロア向けで、The Prodigyのレイヴ・アンセムとしての魅力が強く出た楽曲である。Kelly Charlesの「You’re No Good for Me」をサンプリングしたヴォーカル・フックが非常に印象的で、曲全体を強く引っ張っている。
音楽的には、アップリフティングなシンセ、力強いブレイクビーツ、反復するヴォーカル・サンプルが組み合わさり、非常に即効性の高いダンス・トラックになっている。デビュー作『Experience』の明るいレイヴ感にも通じるが、ここではビートの硬さや音の鋭さが増し、より強靭なサウンドになっている。
タイトルの「Start the Dance」は、まさにこの曲の機能を示している。踊りを始めろ、身体を動かせ、という命令である。しかし、The Prodigyの場合、そのダンスは単なる娯楽ではない。社会から見捨てられた世代が、自分たちの場所を作るための行為でもある。フロアで踊ることは、規制や抑圧への応答として響く。
この曲の魅力は、ポップなフックと攻撃的なビートのバランスにある。ヴォーカル・サンプルは非常にキャッチーで、メロディアスだが、ビートは容赦なく荒い。この組み合わせが、The Prodigyを単なるハードコア・レイヴから、より広いポップな領域へ押し出している。
「No Good (Start the Dance)」は、本作の中で最も踊りやすく、同時にThe Prodigyらしい攻撃性も備えた楽曲である。レイヴの快楽と反抗が、最も分かりやすく結びついた名曲である。
10. One Love
「One Love」は、The Prodigy初期からのレイヴ的な側面を引き継ぎつつ、本作の暗いトーンの中で独特の位置を占める楽曲である。タイトルは「ひとつの愛」という一見ポジティブな言葉を掲げているが、The Prodigyの文脈では、それは単純な平和主義的メッセージというより、フロア上で一体化する身体の感覚に近い。
音楽的には、アシッド・ハウス的なシンセのうねりと、ブレイクビーツのリズムが組み合わさる。曲は反復を基盤にしており、クラブ・トラックとしての機能性が高い。『Experience』のレイヴ感を残しながらも、音の質感はより硬く、重くなっている。
この曲における「One Love」は、個人的な恋愛ではなく、集団的な陶酔の合言葉として響く。レイヴのフロアでは、階級、職業、日常の役割から一時的に離れ、人々が同じビートに同期する。The Prodigyはその感覚を、甘く理想化するのではなく、激しい電子音の中で描いている。
「One Love」は、アルバムの中では比較的ストレートなレイヴ・トラックであり、The Prodigyのルーツを確認できる楽曲である。同時に、本作の文脈では、見捨てられた世代が一時的に共有する連帯の音として機能している。
11. 3 Kilos
「3 Kilos」は、アルバム終盤に入る「The Narcotic Suite」の入口となる楽曲であり、本作の雰囲気を大きく変える重要なトラックである。タイトルは薬物を連想させるが、曲調はそれまでの攻撃的なブレイクビーツから離れ、よりジャジーで、緩やかで、サイケデリックな質感を持つ。
音楽的には、フルートのような音色や柔らかなグルーヴが印象的で、The Prodigyの中ではかなり異色である。ここでは爆発的なビートよりも、音の空間、浮遊感、幻覚的なムードが重視されている。攻撃的な前半を経て、アルバムはここから内面的でドラッグ的な深い領域へ入っていく。
この曲は、レイヴの高揚の後に訪れる、疲労、浮遊、意識の変容を表しているようにも聴こえる。The Prodigyは単に速く激しい曲だけを作るのではなく、トリップの後半にある奇妙な静けさも音楽化できることを示している。
「3 Kilos」は、アルバムの構成上非常に重要である。前半の暴力的なエネルギーから、終盤の幻覚的な組曲へ移行する橋渡しとして機能し、本作を単なるレイヴ・アルバム以上のものにしている。
12. Skylined
「Skylined」は、「The Narcotic Suite」の中核をなす楽曲であり、アルバムの中でも特にメランコリックで広がりのあるトラックである。タイトルは空や地平線、都市の輪郭を連想させ、前半の閉塞的で攻撃的な音とは異なる、開けた感覚を持っている。
音楽的には、ゆったりとしたビートと浮遊するシンセが中心で、アンビエント・テクノやプログレッシブな電子音楽にも近い雰囲気がある。ビートはあるが、フロアを攻撃するというより、意識をゆっくりと漂わせる。The Prodigyのサウンドとしては穏やかだが、不穏さは失われていない。
「Skylined」は、アルバムの中で都市や社会の圧力から一時的に離れ、空を見上げるような感覚を与える。しかし、それは完全な解放ではなく、どこか薬物的な浮遊感を伴う。現実から離れているが、完全には自由ではない。この曖昧さが曲の魅力である。
この曲によって、『Music for the Jilted Generation』はアルバムとしての深さを増す。The Prodigyは、怒りや攻撃だけでなく、疲れた意識の漂流や夜明け前の空気も描けることを示している。「Skylined」は、本作の中で最も美しい余韻を持つ楽曲のひとつである。
13. Claustrophobic Sting
「Claustrophobic Sting」は、アルバム終盤の暗く閉じた感覚を強烈に示す楽曲である。タイトルは「閉所恐怖的な刺痛」とでも訳せる言葉であり、息苦しさ、圧迫感、神経を刺すような不快感を示している。『Music for the Jilted Generation』の最後は、完全な解放ではなく、この閉塞した音響の中へ向かう。
音楽的には、不穏なシンセ、重いビート、圧迫感のある音の配置が中心である。曲はダンス・トラックとしての快楽を持ちながらも、明るい解放感はない。むしろ、音が四方から迫ってくるような感覚がある。レイヴのフロアは自由の空間であると同時に、過剰な音と光によって閉じ込められる空間でもある。この曲はその二重性を表している。
「Claustrophobic Sting」は、アルバム全体のテーマである見捨てられた世代の閉塞感を、抽象的な音響として表現している。政治的な怒りは言葉で語られなくても、音の圧力として存在する。身体を動かしても、社会の壁は消えない。その苦しさが曲に刻まれている。
この曲は、終盤の組曲を締めくくるにふさわしい暗さを持つ。The Prodigyはアルバムを単純な勝利や快楽で終わらせず、閉塞と不穏さを残す。そこに本作の本質がある。
総評
『Music for the Jilted Generation』は、The Prodigyのキャリアにおける決定的な転換点であり、1990年代UKレイヴ・カルチャーの怒りと創造性を最も強烈に刻んだアルバムである。デビュー作『Experience』の明るくサンプリング感の強いブレイクビーツ・ハードコアから、本作ではより暗く、重く、攻撃的で、政治的な音楽へと進化している。The Prodigyはここで、単なるレイヴ・アクトではなく、電子音楽を武器にした反体制的なロック的存在へ変貌し始めた。
本作の最大の特徴は、ダンス・ミュージックと怒りの結合である。レイヴは本来、快楽と解放の場であった。しかし1990年代前半のイギリスでは、その自由が法的・社会的に抑圧されていく。『Music for the Jilted Generation』は、その状況に対する反応として鳴っている。タイトルにある「見捨てられた世代」とは、単なる若者の自己憐憫ではなく、社会から自分たちの文化を奪われようとした世代の怒りを示している。
音楽的には、Liam Howlettのプロダクションが非常に高度である。ブレイクビーツ、テクノ、アシッド、ヒップホップ、ファンク、ロック、インダストリアル、映画音楽的なサンプルが、緻密に組み合わされている。各曲はクラブで機能するだけでなく、アルバムとして聴いたときにも流れを持つ。前半の攻撃的なトラック群、中盤のフロア向けアンセム、後半の「The Narcotic Suite」的な幻覚的展開によって、本作は非常に立体的な構成を持っている。
「Their Law」は本作の政治的怒りを最も直接的に示し、「Voodoo People」はブレイクビーツとロックの融合を象徴する。「Poison」ではヒップホップ的な重さが加わり、「No Good (Start the Dance)」ではレイヴの快楽が爆発する。そして「3 Kilos」「Skylined」「Claustrophobic Sting」では、アルバムは単なる攻撃から、より内面的で幻覚的な領域へ入る。これらの多様性が、本作を単なるシングル集ではない名盤にしている。
The Prodigyの後の代表作『The Fat of the Land』は、よりロック的で、世界的な成功を収めた作品である。しかし『Music for the Jilted Generation』には、それ以前のレイヴ・カルチャーに根ざした生々しさと、次の段階へ向かう爆発寸前の緊張がある。『The Fat of the Land』がグローバルな攻撃音楽だとすれば、本作はイギリスの地下文化と社会的抑圧の中から生まれた、より切実な怒りのアルバムである。
また、本作はビッグ・ビートの形成にも大きな影響を与えた。The Chemical Brothers、Fatboy Slim、Propellerheads、Crystal Methodなどが後に広める、ブレイクビーツとロック的なエネルギーの融合は、本作で非常に先鋭的な形を取っている。ただし、The Prodigyの場合、その音には単なるパーティー感ではなく、パンク的な攻撃性と暗い社会的背景がある。この点が本作を特別なものにしている。
日本のリスナーにとって本作は、1990年代の電子音楽がどれほど肉体的で、怒りに満ちていたかを理解するための重要な作品である。テクノやクラブ・ミュージックに馴染みがなくても、ロック、パンク、ミクスチャー、インダストリアルに近い感覚で聴くことができる。一方で、ブレイクビーツの切れ味やレイヴ的な反復を意識すると、本作のダンス・ミュージックとしての強度も見えてくる。
総じて『Music for the Jilted Generation』は、The Prodigyの最重要作のひとつであり、1990年代UKレイヴの精神をアルバム作品として封じ込めた傑作である。踊るための音楽でありながら、単なる娯楽ではない。怒り、反抗、陶酔、幻覚、閉塞、速度が一体となった、見捨てられた世代のための電子的パンク・アルバムである。
おすすめアルバム
1. The Prodigy – Experience（1992）
The Prodigyのデビュー作であり、初期UKレイヴ／ブレイクビーツ・ハードコアの勢いを記録した作品。「Charly」「Out of Space」などを収録し、『Music for the Jilted Generation』以前の明るくサンプリング感の強いThe Prodigyを知ることができる。セカンドでの暗い進化を理解するうえで重要である。
2. The Prodigy – The Fat of the Land（1997）
The Prodigyを世界的な存在へ押し上げた代表作。「Firestarter」「Breathe」「Smack My Bitch Up」などを収録し、ロック、パンク、ビッグ・ビート、エレクトロニック・ミュージックの融合がさらに前面に出ている。『Music for the Jilted Generation』の攻撃性が、より大衆的かつ巨大な形へ発展した作品である。
3. The Chemical Brothers – Exit Planet Dust（1995）
ビッグ・ビートを代表する重要作。ブレイクビーツ、サイケデリック、ロック的なエネルギーを融合し、1990年代UKダンス・ミュージックの新しい方向性を示した。The Prodigyよりもサイケデリックでグルーヴ重視だが、同時代のブレイクビーツ文化を理解するうえで欠かせない。
4. Leftfield – Leftism（1995）
1990年代UKエレクトロニック・ミュージックを代表する名盤。ダブ、ハウス、テクノ、ブレイクビーツを横断し、アルバムとしての構成力が非常に高い。The Prodigyほど攻撃的ではないが、ダンス・ミュージックがアルバム作品として成立する可能性を示した点で関連性が高い。
5. Orbital – In Sides（1996）
テクノ／エレクトロニック・ミュージックをアルバム単位の深い体験へ高めた作品。The Prodigyのようなパンク的攻撃性は少ないが、1990年代UK電子音楽の知性、構成力、音響的な深さを理解するために重要である。『Music for the Jilted Generation』の後半にある幻覚的な側面と響き合う。
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