発売日：1987年3月
ジャンル：ノイズ・ロック、サイケデリック・ロック、ハードコア・パンク、エクスペリメンタル・ロック、アヴァンギャルド、スラッジ、ポスト・ハードコア
概要
バットホール・サーファーズの『Locust Abortion Technician』は、1987年に発表された通算3作目のスタジオ・アルバムであり、アメリカン・アンダーグラウンド・ロック史において最も異様で、最も悪夢的な作品のひとつである。テキサス州サンアントニオ出身のバンドであるバットホール・サーファーズは、ギビー・ヘインズ、ポール・リアリー、キング・コフィーらを中心に、ハードコア・パンク、サイケデリア、ノイズ、ダブ、アヴァンギャルド、スラッジ的な重さ、奇怪なユーモアを混ぜ合わせ、1980年代アメリカ地下音楽の中でも特に危険な存在感を放っていた。
本作は、そのバンドの美学が最も濃密に、そして最も歪んだ形で表れたアルバムである。『Psychic… Powerless… Another Man’s Sac』や『Rembrandt Pussyhorse』でも、すでに彼らは通常のパンクやオルタナティヴ・ロックの枠を大きく逸脱していた。しかし『Locust Abortion Technician』では、その逸脱がさらに極端になる。テンポは引きずるように遅くなり、ギターは泥のように歪み、声はしばしば加工され、歌詞はグロテスクで、笑いと恐怖の境界が崩れている。これは単に騒がしいノイズ・ロックではなく、聴き手の認識そのものを腐食させるようなアルバムである。
タイトルの『Locust Abortion Technician』からして異常である。「イナゴ」「中絶」「技術者」という言葉が結びつき、宗教的災厄、身体的な嫌悪、医療的な冷たさ、ブラック・ユーモアが一つに圧縮されている。バットホール・サーファーズの特徴は、不快なものを単に不快なまま提示するのではなく、それを笑い、幻覚、パロディ、音響実験の中に放り込む点にある。本作のタイトルは、まさにその姿勢を象徴している。
音楽的には、本作はハードコア・パンク以降のアメリカ地下音楽が、いかにしてロックの形式を破壊しうるかを示した作品である。1980年代半ばのアメリカでは、ブラック・フラッグ、フリッパー、スワンズ、ビッグ・ブラック、ミニットメン、ソニック・ユースなどが、パンクの速度や単純さを解体し、より重く、より実験的で、より不穏な音楽へ向かっていた。バットホール・サーファーズもその流れに属しているが、彼らの場合はそこにサイケデリックな幻覚性と、悪趣味なユーモアが強く混ざっている。
『Locust Abortion Technician』のサウンドは、非常に汚れている。ギターは明瞭なリフを提示するより、腐った膜のように空間を覆う。ドラムは時に鈍く、時に機械的で、演奏全体が酩酊しているように揺れる。ヴォーカルは人間の声として自然に聞こえることもあれば、テープ操作やエフェクトによって怪物的に変形されることもある。ローファイな録音や不安定なミックスは、本作の欠点ではなく、音楽的な核心である。整ったプロダクションでは、このアルバムの悪夢性は成立しない。
本作には、ブラック・サバスの「Sweet Leaf」を極度に歪めたような「Sweat Loaf」から始まり、聴き手を即座に異常な世界へ引きずり込む構成がある。サバス的な重さは、ここでは敬意だけでなく、パロディや冒涜の対象にもなっている。バットホール・サーファーズは、過去のロックの様式を愛しながら、それを解体し、汚し、別の怪物へ変える。その点で本作は、ヘヴィ・ロック、サイケデリア、パンク、ノイズの歴史を、地下室の悪夢として再構成したアルバムといえる。
後世への影響は非常に大きい。ニルヴァーナ、メルヴィンズ、フレーミング・リップス、ベック、ミスター・バングル、ボアダムス、アメリカのノイズ・ロックやスラッジ、グランジ、オルタナティヴ・ロックの多くは、バットホール・サーファーズの破壊的なユーモアと音響の自由さから影響を受けている。特に『Locust Abortion Technician』は、グランジ以前のアンダーグラウンドが持っていた「汚さ」「不快さ」「冗談と恐怖の同居」を最も極端に示した作品のひとつである。
日本のリスナーにとって本作は、一般的な意味で聴きやすいロック・アルバムではない。メロディの美しさや整った構成を期待すると、最初は混乱する可能性が高い。しかし、ノイズ、サイケデリア、悪趣味なユーモア、地下音楽の自由さに耳を向けると、本作が非常に緻密な感覚で作られた異常な作品であることが分かる。これは混沌そのものではなく、混沌を演出するために高度に歪められたロックである。
全曲レビュー
1. Sweat Loaf
冒頭曲「Sweat Loaf」は、ブラック・サバスの「Sweet Leaf」を明らかに参照した楽曲であり、同時にその悪意ある変形でもある。タイトルも「Sweet Leaf」をもじっており、甘い葉ではなく、汗まみれの塊のような不潔な言葉へ変えられている。冒頭の会話からして、通常のロック・アルバムの始まりとは異なり、聴き手を不穏な冗談の中へ引き込む。
音楽的には、サバス的な重いリフをさらに鈍く、汚く、腐食した形へ変化させている。ギターは厚く歪み、リズムは引きずるように重い。これはヘヴィ・メタルへの単なる敬意ではなく、ヘヴィ・メタルの原型を地下室で溶かし直したような音である。バットホール・サーファーズは、偉大なロックの伝統をそのまま継承するのではなく、笑いながら破壊する。
歌詞やヴォーカルの扱いも異様である。ギビー・ヘインズの声は、人間的な感情を伝えるというより、悪趣味な司会者、狂った説教師、あるいは薬物で変形した語り手のように響く。この曲は、本作全体が「ロックのパロディ」でありながら「本気で怖いロック」でもあることを最初に示している。冒頭から聴き手は、冗談なのか悪夢なのか分からない場所へ放り込まれる。
2. Graveyard
「Graveyard」は、タイトル通り墓地を思わせる不気味な楽曲である。バットホール・サーファーズの音楽において、死や腐敗はしばしば笑いの対象にもなるが、この曲ではその笑いが湿った不安と結びついている。墓地は静かな場所であるはずだが、ここでは音が腐った地面の下から湧いてくるように聞こえる。
音楽的には、歪んだギターと重いリズムが、どこか酩酊したサイケデリアを作り出す。曲は明快な構成で前進するというより、墓地の中をふらつくように進む。音の輪郭はぼやけ、ヴォーカルも安定しない。その不安定さが、墓地というタイトルにふさわしい死臭を生む。
歌詞では、死や腐敗、地下のイメージが暗示される。だが、バットホール・サーファーズはゴシック・ロックのように死を美化しない。むしろ、死体の物質性、土臭さ、グロテスクさを笑いながら提示する。この曲は、本作の悪趣味なサイケデリアを支える重要な楽曲である。
3. Pittsburg to Lebanon
「Pittsburg to Lebanon」は、地名を並べたタイトルを持つ楽曲である。ピッツバーグからレバノンへという移動は、アメリカ国内の地理としても読めるが、中東のレバノンを連想させることで、より不穏な政治的・異文化的な響きも持つ。バットホール・サーファーズの曲では、地名はしばしば明確な旅の記録ではなく、混乱した意識の中に浮かぶ記号として使われる。
音楽的には、奇妙なテンポ感と歪んだ音像が特徴である。曲は通常のロック的な快感よりも、ずれた感覚を重視している。ギターやリズムは安定した推進力を与えるというより、聴き手の身体感覚を少しずつ狂わせる。
歌詞では、移動や場所の断片が示されるが、明確な物語は与えられない。これはバットホール・サーファーズらしい。彼らにとって重要なのは、何が起きているかを説明することではなく、何かがおかしいという感覚を音として作ることである。「Pittsburg to Lebanon」は、アルバムの地理感覚を現実から切り離し、幻覚的な地図へ変える楽曲である。
4. Weber
「Weber」は、短く不気味なタイトルを持つ楽曲である。人名のようにも、ブランド名のようにも、何かの断片のようにも響く。バットホール・サーファーズの曲では、タイトルが明確な意味を説明するより、異物のように置かれることが多い。この曲もその一例である。
音楽的には、実験的な断片としての性格が強い。曲は一般的なヴァースとサビの構成に従うより、音響的な場面として機能する。ギター、ノイズ、声が不安定に配置され、聴き手は何を中心に聴けばよいのか分からなくなる。この「中心のなさ」が、本作の重要な特徴である。
歌詞的な意味よりも、声の変形や音の質感が重要である。バットホール・サーファーズは、ロックの歌を人間的な自己表現としてだけでなく、音響素材として扱う。この曲では、歌は意味を伝えるというより、悪夢の中の音声として存在している。
5. Hay
「Hay」は、タイトルだけを見ると素朴な田舎の風景を連想させる。干し草、農場、乾いた匂い。しかし、バットホール・サーファーズの手にかかると、その素朴さはすぐに異様な質感へ変化する。自然や農村的なイメージも、ここでは牧歌的な安心ではなく、不気味な乾燥や崩壊を感じさせる。
音楽的には、比較的短く、奇妙な雰囲気を持つトラックである。曲の構造は明快ではなく、音の断片が置かれているように聞こえる。アルバム全体の中では、長い悪夢の中の小さな場面転換として機能している。
この曲は、本作の不条理なユーモアを示す。干し草という平凡な言葉が、異常なアルバムの中に置かれることで、逆に不気味になる。バットホール・サーファーズは、恐ろしい言葉だけで恐怖を作るのではなく、普通の言葉を異常な文脈に置くことで、日常そのものを不安定にする。
6. Human Cannonball
「Human Cannonball」は、本作の中でも比較的ロック・ソングとしての形を持つ楽曲であり、バットホール・サーファーズの代表曲のひとつとしても知られる。タイトルは「人間大砲」を意味し、サーカス、危険な見世物、身体を弾丸のように飛ばす行為を連想させる。バンドの美学に非常によく合うテーマである。
音楽的には、ノイズ・ロック的な推進力とガレージ的な勢いがある。リフは比較的明確で、曲としてのフックも強い。しかし、サウンドはやはり汚れており、通常のロック・アンセムのように爽快にはならない。むしろ、身体が制御不能な力で飛ばされるような危うさがある。
歌詞では、身体を投げ出すこと、危険を見世物にすること、自己破壊的な娯楽が感じられる。これはバットホール・サーファーズのライブ・パフォーマンスとも深く関係する。彼らのライブは、音楽、映像、悪趣味な演出、危険な混沌が組み合わされたものであり、「Human Cannonball」はその精神を音楽化している。アルバムの中で比較的入りやすいが、同時に十分に異常な曲である。
7. U.S.S.A.
「U.S.S.A.」は、アメリカ合衆国を意味する「U.S.A.」と、ソビエト連邦を意味する「U.S.S.R.」を混ぜたようなタイトルを持つ。冷戦期の政治的な不安、国家イデオロギー、アメリカ社会への皮肉が込められているように読める。バットホール・サーファーズは、明確な政治的主張を整然と語るバンドではないが、彼らの音楽にはアメリカ的現実への強烈な悪意と諷刺がある。
音楽的には、奇怪な声や歪んだサウンドが前面に出る。曲はプロテスト・ソングとして明快に機能するのではなく、政治的な記号を悪夢的なノイズの中へ投げ込む。国家の名前さえも、ここでは意味が溶け、グロテスクな音響の一部になる。
歌詞やタイトルからは、アメリカと全体主義、自由と管理、資本主義と暴力の混同が感じられる。1980年代のレーガン期アメリカにおける保守化、冷戦的な緊張、メディア文化への不信を、バットホール・サーファーズはまともな政治言語ではなく、狂った音として表現する。この曲は、その社会的な悪夢を担っている。
8. The O-Men
「The O-Men」は、タイトルから「The Omen」、つまり『オーメン』を思わせる不吉な響きを持つ。悪魔的な予兆、呪い、ホラー映画的なイメージが浮かぶが、バットホール・サーファーズはそれをそのまま深刻に扱うのではなく、歪んだユーモアの中へ落とし込む。
音楽的には、不穏な反復と奇妙な声の処理が特徴である。曲は短く、アルバムの中でホラー的な間奏のようにも機能する。聴き手に明確なメロディの快感を与えるより、心理的なざわつきを残すタイプの楽曲である。
この曲は、バットホール・サーファーズがB級ホラー、カルト映画、テレビ的な不気味さを音楽に取り込む方法を示している。彼らのサイケデリアは、花や宇宙の幻想ではなく、深夜テレビや安い恐怖映画の映像が脳に焼きつくような感覚に近い。「The O-Men」はその安っぽくも恐ろしい質感を持つ。
9. Kuntz
「Kuntz」は、本作の中でも特に異様で、聴き手を混乱させる楽曲である。東南アジア系の音源をサンプリング的に扱ったような奇妙な声とリズムが用いられ、アルバムの中で突然異なる文化圏のラジオが混線したような印象を与える。タイトルの表記も挑発的で、バンドらしい悪趣味さがある。
音楽的には、ロック・バンドの演奏というより、外部音源を歪めたコラージュのように聞こえる。声は意味の分からない呪文のように響き、リズムは奇妙に反復される。ここでは、バットホール・サーファーズの実験性が強く表れている。
この曲の重要性は、アルバムの現実感をさらに崩壊させる点にある。聴き手は、アメリカのノイズ・ロックを聴いていたはずなのに、突然どこか別の場所の音に放り込まれる。しかしそれは異文化への丁寧な接近ではなく、混線、誤聴、幻覚としての異国である。現代的な観点からは、その扱いの粗さや悪趣味さも批判的に見られうるが、本作の文脈では、世界そのものがノイズとして崩れる瞬間を作っている。
10. Graveyard
アルバム終盤に再び現れる「Graveyard」は、前半の同名曲と対応するように、死と腐敗のイメージを反復する。バットホール・サーファーズにとって、反復は単なる曲の再登場ではなく、悪夢が戻ってくる感覚を作る手段である。墓地のイメージが再び現れることで、アルバム全体が円環的な悪夢として閉じていく。
音楽的には、前半の「Graveyard」と同じく、湿った不気味さがある。聴き手はすでにアルバムの異常な音響に慣れ始めているが、この反復によって、その慣れもまた不安定になる。同じ場所に戻ってきたようで、実際にはさらに深い地下へ来ているように感じられる。
この曲は、本作の構造が直線的な進行ではなく、悪夢の反復に近いことを示している。バットホール・サーファーズのアルバムは、通常の意味での物語的な起承転結を持たない。むしろ、汚れたイメージが何度も戻ってきて、聴き手の感覚を侵食していく。
11. 22 Going on 23
アルバム最後を飾る「22 Going on 23」は、本作の中でも最も不気味で、後味の悪い楽曲である。タイトルは「22歳から23歳になろうとしている」という意味で、年齢の移行を示す日常的な言葉だが、曲の中ではそれが異常に不穏な響きを持つ。若さ、被害、精神的な傷、メディアの音声が、悪夢的に絡み合う。
音楽的には、遅く重いサウンドと、不気味な音声サンプルが中心である。通常のロック・ソングの終曲ではなく、深夜の異常な放送を聴かされているような感覚がある。声は生々しく、曲全体の空気は非常に重い。ここではバットホール・サーファーズのユーモアがほとんど笑えないところまで到達している。
歌詞というより音声の内容が、現実のトラウマや告白を思わせるため、聴き手に強い不快感を与える。この不快感は偶然ではない。バンドは、ロックの娯楽性と現実の暴力や傷を衝突させている。アルバムの最後にこの曲を置くことで、『Locust Abortion Technician』は単なる悪ふざけでは終わらない。笑いとグロテスクさの先に、現実の痛みが顔を出す。
「22 Going on 23」は、本作の終曲として極めて重要である。冒頭の「Sweat Loaf」がロックのパロディとして始まったとすれば、終盤のこの曲は、そのパロディが現実の暗さへ突き抜ける瞬間である。聴き終えた後に残るのは、爽快感ではなく、説明しがたい嫌な余韻である。
総評
『Locust Abortion Technician』は、バットホール・サーファーズの最高傑作のひとつであり、1980年代アメリカン・アンダーグラウンド・ロックの中でも最も異様な作品である。ハードコア・パンクの速度や怒りを出発点としながら、本作ではそれを遅く、重く、腐ったサイケデリアへ変形している。通常のロック・アルバムが持つ快感、整合性、メロディの美しさを意図的に損ないながら、それでも強烈な吸引力を持つ。
本作の中心にあるのは、不快感を音楽化する技術である。ギターの汚れ、ヴォーカルの加工、ローファイな録音、奇怪なサンプル、悪趣味なタイトル、グロテスクなユーモアが組み合わされ、聴き手は常に不安定な状態に置かれる。しかし、これは単なる無秩序ではない。曲順、音の質感、テンポの重さ、反復の配置によって、アルバム全体は悪夢のような統一感を持っている。
「Sweat Loaf」におけるブラック・サバスの変形は、本作の方法論を象徴している。バットホール・サーファーズは、ロックの伝統を完全に拒否しているわけではない。むしろ彼らは、サバス、ガレージ・ロック、サイケデリア、パンク、カントリー的な奇妙さ、テレビや映画の音声文化を深く吸収している。だが、それらを敬意ある再現として提示するのではなく、歪め、汚し、悪夢の素材として使う。その結果、本作はロック史そのものの腐った裏面のように聞こえる。
また、本作のユーモアは非常に重要である。ただし、それは安心できる笑いではない。バットホール・サーファーズの笑いは、聴き手を解放するのではなく、さらに不安にする。笑ってよいのか分からない場面、冗談なのか本気なのか分からないタイトル、悪趣味すぎて倫理的な不快感を伴う表現が多い。この不安定な笑いが、彼らを単なるノイズ・バンドやパンク・バンドとは異なる存在にしている。
音楽的には、本作は後のグランジやスラッジ、ノイズ・ロックに大きな影響を与えた。ニルヴァーナのカート・コバーンがバットホール・サーファーズを重要な存在として認識していたことからも分かるように、彼らの「汚れたサイケデリア」と「悪趣味な自由さ」は、1990年代オルタナティヴの地下水脈に深く流れ込んだ。メルヴィンズの重さ、フレーミング・リップス初期の奇怪さ、ベックのコラージュ感覚、ミスター・バングルの悪趣味なジャンル破壊などにも、遠く響く要素がある。
一方で、本作は聴き手を選ぶ。美しいメロディ、整った演奏、明確なメッセージを求めるリスナーには、過剰に汚く、悪趣味で、散漫に聞こえるかもしれない。しかし、このアルバムの価値は、まさにその拒絶性にある。『Locust Abortion Technician』は、ロックが必ずしも快適である必要はないこと、音楽が不快感や混乱を通じて強烈な体験を作りうることを示している。
歌詞やタイトルに含まれるグロテスクさは、単なる衝撃狙いではなく、アメリカ文化の裏側を映している。テレビ、宗教、戦争、性、薬物、田舎、都市、暴力、家庭、ホラー、ロック神話が、すべて一つの汚れたミキサーに入れられているような作品である。バットホール・サーファーズは、アメリカの夢を歌うのではなく、アメリカの悪夢を笑いながら鳴らしている。
日本のリスナーにとって本作は、アメリカのオルタナティヴ・ロックを深く掘るうえで避けて通れない一枚である。ソニック・ユースやビッグ・ブラック、メルヴィンズ、初期ニルヴァーナなどに関心があるなら、本作の異常性は非常に重要な文脈を持つ。ノイズ・ロック、サイケデリア、パンク、スラッジ、悪趣味なアヴァンギャルドの接点として聴くことで、その歴史的な価値が見えてくる。
総じて『Locust Abortion Technician』は、ロックの悪夢的可能性を極限まで押し広げた作品である。汚く、重く、狂っていて、笑えるのに怖く、冗談のようでいて深く不快である。きれいな名盤ではない。しかし、地下音楽が持つ自由、危険、倫理的な不安、音響的な冒険をこれほど強烈に記録したアルバムは多くない。バットホール・サーファーズの狂気と知性が最も濃く刻まれた、アメリカン・アンダーグラウンドの怪作である。
おすすめアルバム
1. Butthole Surfers『Psychic… Powerless… Another Man’s Sac』（1984年）
バットホール・サーファーズの初期代表作であり、ハードコア、サイケデリア、ノイズ、悪趣味なユーモアが混ざった出発点となる作品である。『Locust Abortion Technician』ほど重く腐敗した音ではないが、バンドの異常な感覚の原型を知ることができる。
2. Butthole Surfers『Rembrandt Pussyhorse』（1986年）
本作の直前に発表されたアルバムで、より実験的で奇怪なサウンド・コラージュの性格が強い作品である。『Locust Abortion Technician』の悪夢的な音響へ至る過程を理解するうえで重要であり、バンドのアヴァンギャルドな側面が強く表れている。
3. Flipper『Generic Flipper』（1982年）
遅く重く不快なパンクの重要作であり、ハードコア・パンクの速度信仰を否定するような音楽性を持つ。バットホール・サーファーズの重く引きずるような感覚や、パンクを腐食させる発想を理解するうえで関連性が高い。
4. Melvins『Gluey Porch Treatments』（1987年）
同じ1987年に発表された、スラッジ／グランジ前夜の重要作である。ブラック・サバス的な重さをパンク以後の感覚で歪め、極端に鈍重なロックへ変化させている点で、『Locust Abortion Technician』と強く響き合う。後のグランジやスラッジの源流として重要である。
5. Big Black『Songs About Fucking』（1987年）
スティーヴ・アルビニ率いるビッグ・ブラックの代表作であり、機械的なリズム、鋭いギター、冷酷な歌詞によって、1980年代ノイズ・ロックの極北を示した作品である。バットホール・サーファーズとは異なる冷たさを持つが、同時代のアメリカ地下音楽がどれほど過激だったかを理解するために欠かせない一枚である。
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