アルバムレビュー：Cool It Down by Yeah Yeah Yeahs

発売日：2022年9月30日

ジャンル：インディー・ロック、アートポップ、シンセポップ、ポストパンク・リヴァイヴァル、エレクトロニック・ロック

概要

Yeah Yeah Yeahsの5作目となるスタジオ・アルバム『Cool It Down』は、2013年の『Mosquito』以来、およそ9年ぶりに発表された作品である。2000年代初頭のニューヨーク・インディー・ロック・シーンを象徴するバンドとして登場したYeah Yeah Yeahsは、荒々しいガレージ・パンクの衝動、アートスクール的な視覚性、そしてKaren Oの圧倒的なフロントパーソン性によって、ロック・バンドのあり方を大きく更新した存在だった。デビュー作『Fever to Tell』では、粗削りなギター、鋭いリズム、挑発的なヴォーカルを武器に、ポストパンク・リヴァイヴァルの中心的バンドとして評価された。

しかし、彼らのキャリアは単にギター・ロックの勢いだけで説明できるものではない。2作目『Show Your Bones』ではよりソングライティングを重視し、3作目『It’s Blitz!』ではシンセサイザーやダンス・ミュージックの要素を大胆に取り入れた。特に『It’s Blitz!』は、Yeah Yeah Yeahsがガレージ・ロック・バンドから、より広い意味でのアートポップ／エレクトロニック・ロックの表現者へ移行した重要作である。『Cool It Down』は、その延長線上にありながら、より成熟した静けさと終末感を帯びている。

本作のタイトル『Cool It Down』は、The Velvet Undergroundの楽曲名にも由来する言葉として解釈できるが、同時に現代的な切迫感も持つ。気候危機、社会的不安、加齢、親密な関係性、個人と世界の距離感といったテーマが、全編を通じて浮かび上がる。かつてのYeah Yeah Yeahsが都市の夜、身体的な衝動、若さの危うさを鳴らしていたとすれば、本作はその後の時間を生き延びた者たちが、破滅的な時代の中でどのように愛や希望を保つかを問う作品である。

音楽的には、ギター・ロック色は控えめになり、シンセサイザー、ストリングス、エレクトロニックな質感、空間的なサウンドデザインが中心となる。Nick Zinnerのギターは従来のように鋭く前面へ出るだけではなく、音響の一部として配置される場面が多い。Brian Chaseのドラムも、初期の攻撃的なビートより、楽曲の空気を支える抑制された役割を担う。そしてKaren Oの歌唱は、過去の叫びや挑発から、祈り、警告、慈しみ、喪失を含む表現へと変化している。

本作は全8曲、収録時間も比較的短い。しかし、その短さは物足りなさではなく、無駄を削ぎ落とした構成として機能している。2000年代のインディー・ロックが持っていた爆発的なエネルギーをそのまま再現するのではなく、20年近いキャリアを経たバンドが、現代の不安と向き合うためにサウンドを再構築している点に意義がある。『Cool It Down』は、Yeah Yeah Yeahsの復帰作であると同時に、ロック・バンドが年齢と時代の変化を受け入れながら、なお表現を更新できることを示す作品である。

日本のリスナーにとって本作は、2000年代のニューヨーク・ロックをリアルタイムで聴いていた世代にも、近年のアートポップやインディー・ポップからYeah Yeah Yeahsに入る世代にも届きやすいアルバムである。派手なギター・リフやパンク的衝動を期待すると、初期作品とは異なる印象を受けるが、その代わりに本作には、静かなスケール感、環境的な不安、成熟したロマンティシズムがある。『Cool It Down』は、Yeah Yeah Yeahsが過去のイメージに閉じこもらず、現在のバンドとして存在するための、慎重かつ力強い再出発である。

全曲レビュー

1. Spitting Off the Edge of the World feat. Perfume Genius

オープニング曲「Spitting Off the Edge of the World」は、本作のテーマを最も象徴的に提示する楽曲である。Perfume GeniusことMike Hadreasをフィーチャーし、壮大なシンセサイザー、ゆっくりと広がるビート、ドラマティックなヴォーカルが組み合わされている。初期Yeah Yeah Yeahsの焦燥感とは異なり、この曲は大きな空間の中でゆっくりと燃え上がるような構造を持つ。

タイトルの「世界の端から唾を吐く」というイメージは、終末的でありながら反抗的でもある。世界が崩れつつあることを認識しながら、それでもただ受け入れるのではなく、身振りとしての抵抗を示す。歌詞には、若い世代へ向けた視線、破壊される未来、気候危機のような大きな不安が読み取れる。これは単なる政治的メッセージというより、親世代が次の世代に対して抱く罪悪感や祈りに近い。

Karen Oのヴォーカルは、かつてのような挑発的な叫びではなく、予言者のような響きを持っている。Perfume Geniusの声はそこに繊細さと幽玄さを加え、楽曲全体を単なるロック・アンセムではなく、現代的なアートポップへと押し広げている。サウンド面では、シンセの厚いレイヤーが宇宙的な広がりを作り、ドラムは必要最小限の重みで進行する。Yeah Yeah Yeahsがバンド・サウンドを拡張し、時代の不安を巨大なポップ・ソングへ変換した、本作の核となる一曲である。

2. Lovebomb

「Lovebomb」は、タイトルから想像されるような単純なラブソングではない。愛の爆弾という言葉には、救済と破壊の両方が含まれている。楽曲はゆったりとしたテンポで進み、シンセサイザーと控えめなリズムが夢のような空間を作る。初期のYeah Yeah Yeahsが持っていた鋭いエッジは後景に下がり、ここでは柔らかく、しかし不穏なムードが中心になる。

歌詞のテーマは、愛によって世界を変えようとする願望と、その願望が持つ危うさである。愛は癒やしであると同時に、対象へ向けられた強いエネルギーでもある。過剰な愛は相手を包み込むだけでなく、圧倒し、時に破壊する可能性を持つ。この二面性が「Lovebomb」という言葉に集約されている。

音楽的には、Karen Oの抑制された歌唱が印象的である。彼女はここで感情を爆発させるのではなく、内側に沈めるように歌う。そのため、曲全体には親密さと距離感が同時に存在する。Nick Zinnerのギターははっきりしたリフとしてではなく、音響のきらめきや影として配置され、シンセの中に溶け込む。ロック・バンドとしての肉体性を残しながら、エレクトロニックな音像へ移行する本作の方向性をよく示す楽曲である。

3. Wolf

「Wolf」は、本作の中でも比較的ポップな輪郭を持つ楽曲であり、Yeah Yeah Yeahsが得意としてきたロマンティックで夜行性のムードが現れている。タイトルの「狼」は、欲望、孤独、野性、追跡、変身といった複数のイメージを伴う。Karen Oのパフォーマンスは、その象徴性を活かしながら、恋愛的な切迫感と神話的な雰囲気を同時に作り出している。

楽曲はシンセポップ的な質感を持ち、リズムは比較的明快で、メロディも耳に残りやすい。しかし、単なるダンス・ポップにはならず、夜の闇の中を走るような緊張感が保たれている。Yeah Yeah Yeahsは『It’s Blitz!』で、ギター・ロックとシンセポップの融合をすでに成功させていたが、「Wolf」はその成熟版と言える。派手に踊らせるのではなく、抑制されたビートの中で感情を高めていく。

歌詞では、誰かを求める感情が、動物的な衝動として表現される。狼は孤独な存在でありながら、同時に本能的な結びつきを求める存在でもある。ここには、人間関係における欲望と不安、近づきたいのに傷つくことを恐れる心理が重ねられている。Karen Oの声は、誘惑するようでもあり、追い詰められているようでもある。この曖昧さが、楽曲に独特の魅力を与えている。

サウンド面では、シンセの冷たい質感とヴォーカルの熱が対比される。Yeah Yeah Yeahsのロック性は、ここではギターの音量ではなく、感情の緊張感として現れる。2000年代インディー・ロックの衝動を、2020年代のアートポップとして再構成した一曲である。

4. Fleez

「Fleez」は、アルバムの中で最もリズムの癖が強く、実験的な質感を持つ楽曲のひとつである。タイトル自体が曖昧で、意味を固定しにくい響きを持っているが、その不可解さが曲の持つ遊び心と不穏さに結びついている。サウンドはミニマルで、反復的なビートとシンセの質感が中心になる。

この曲では、初期Yeah Yeah Yeahsのパンク的な勢いとは異なる形で、バンドの奇妙さが表れている。彼らはデビュー時から、単なるロック・バンドではなく、ファッション、パフォーマンス、アート、クラブ・カルチャーを横断する存在だった。「Fleez」は、そのアート性をコンパクトな形で示す楽曲であり、ポップなメロディよりも、音の質感やリズムの感触を重視している。

歌詞の面では、消費、表層、身体性、現代的な違和感が断片的に浮かび上がる。明確な物語というより、言葉の響きや反復によってムードを作るタイプの楽曲である。Karen Oはここで、シンガーというよりパフォーマーとしての側面を強く見せる。声は意味を伝えるだけでなく、リズムの一部、音響の一部として機能する。

音楽的には、Brian Chaseのリズム感覚が重要である。ロック・ドラムの直線的な勢いではなく、機械的なビートと人間的な揺れの間を行き来するような感触がある。Nick Zinnerのギターも、従来のロック的なリフではなく、音の断片として配置される。アルバム全体の中では異物感のある曲だが、その異物感こそがYeah Yeah Yeahsらしさを支えている。

5. Burning

「Burning」は、本作の中でも特にドラマティックで、クラシックなポップ・ソングの構造を持つ楽曲である。ピアノを基調とした導入から、徐々にサウンドが厚みを増し、燃え上がるように展開していく。タイトルの「Burning」は、情熱、破壊、再生、怒り、気候危機など、複数の意味を帯びている。

この曲の特徴は、ロック・バンドの演奏というより、ソウルやクラシック・ポップに通じる劇性である。Karen Oの歌唱は、感情を大きく開放しながらも、決して過剰に荒れない。かつての彼女がステージ上で爆発するような存在だったとすれば、ここでは炎を制御しながら燃やすような表現になっている。成熟したヴォーカリストとしての深みが際立つ楽曲である。

歌詞における「燃える」というイメージは、個人的な情熱だけではなく、世界そのものが燃えているという現代的な不安にも接続される。本作全体には、環境危機や未来への懸念が通底しているが、「Burning」はそのテーマをより直接的に、しかし比喩的に表現している。火は破壊の象徴である一方、新しいものを生む浄化の象徴でもある。この二重性が楽曲のスケールを大きくしている。

サウンド面では、ピアノの反復が楽曲の骨格を作り、そこへシンセ、ギター、リズムが重なっていく。Yeah Yeah Yeahsの過去作にあった荒々しいギターの爆発とは異なるが、曲の高揚感は非常に強い。ロックのエネルギーを、アートポップの構成力で再構築した、本作のハイライトのひとつである。

6. Blacktop

「Blacktop」は、アルバムの中でも特に静かで、深い余韻を持つ楽曲である。タイトルの「Blacktop」は、舗装道路やアスファルトを指す言葉であり、都市、移動、孤独、記憶といったイメージを喚起する。Yeah Yeah Yeahsはもともと都市的なバンドであり、ニューヨークの地下クラブやロック・シーンの空気を強くまとって登場したが、この曲ではその都市性がより内省的な風景として描かれる。

楽曲はゆったりとしており、空間の余白が大きい。シンセやギターの響きは淡く、ヴォーカルはほとんど語りかけるように配置される。派手な展開は少ないが、その分、音の一つひとつが持つ重みが増している。アルバム前半の壮大さやリズムの強さから一歩引き、ここでは時間が止まったような感覚が生まれる。

歌詞のテーマとしては、過去の記憶、移動の痕跡、別れた誰かへの思いが読み取れる。アスファルトは人が通り過ぎる場所であり、同時に記憶を残さない表面でもある。その上を移動する人々の感情は、都市の風景の中に吸収されていく。Karen Oの歌声は、その消えかけた記憶をすくい上げるように響く。

音楽的には、Yeah Yeah Yeahsが静けさを表現する力を示した曲である。初期のイメージでは、彼らは騒々しく、鋭く、攻撃的なバンドとして捉えられがちだが、キャリアを通じて「Maps」のような繊細な楽曲も重要な位置を占めてきた。「Blacktop」は、その系譜に連なる静かなバラードであり、バンドの感情表現の幅を示している。

7. Different Today

「Different Today」は、現在という時間の変化を見つめる楽曲である。タイトルは「今日は違う」と訳せるが、その違いが希望なのか、不安なのか、決定的な喪失なのかは明確に固定されない。むしろ、その曖昧さこそが曲の中心にある。日常がある瞬間から違って見える感覚、世界の色が変わるような経験が、淡いサウンドの中で描かれている。

楽曲は穏やかに始まり、ゆっくりと感情を広げていく。シンセの柔らかな響きと、控えめなリズムが、浮遊感のある音像を作る。Karen Oの歌唱は、強く訴えるというより、変化を受け止めながら静かに言葉を置いていく。ここには、若さの衝動ではなく、時間を経た者が持つ観察の視線がある。

歌詞では、ある日を境に何かが変わったという感覚が描かれる。これは個人的な出来事かもしれないし、社会全体の変化かもしれない。本作が発表された2020年代初頭という時代を考えると、パンデミック後の世界、気候不安、政治的分断、日常の不安定化といった背景も重なってくる。だが、楽曲はそれを直接的に説明するのではなく、感覚として表現する。

サウンド面では、派手なフックよりも、空気の変化を重視している。Yeah Yeah Yeahsが本作で目指しているのは、単に昔の勢いを再現することではなく、現在の不確かさを音として捉えることである。「Different Today」は、その姿勢をよく示す楽曲であり、アルバム終盤に静かな深みを与えている。

8. Mars

ラスト曲「Mars」は、アルバムの締めくくりとして非常に象徴的な楽曲である。火星というタイトルは、地球から離れた場所、未来、逃避、孤独、未知の世界を連想させる。本作が気候危機や未来への不安を含む作品であることを考えると、「Mars」は単なる宇宙的イメージではなく、人類がこの惑星をどう扱ってきたのかという問いにもつながる。

楽曲は非常に静かで、子守歌のような質感を持つ。Karen Oの歌声は柔らかく、親密で、まるで次世代へ語りかけるように響く。初期Yeah Yeah Yeahsの荒々しさを知るリスナーにとって、この終曲の穏やかさは大きな変化として感じられる。しかし、それはエネルギーの喪失ではなく、表現の成熟である。叫びではなく、ささやきによって深い感情を伝える段階へ到達している。

歌詞の中心には、子どもへのまなざし、未来への想像、地球の外へ向かう視点がある。火星は未知の可能性であると同時に、地球での生活が危うくなったときの逃避先としても想像される。そこには希望と不安が同時にある。次の世代はどのような世界を生きるのか。大人たちは何を残すのか。本作全体に流れていた問いが、この曲で最も静かな形に凝縮される。

音楽的には、ミニマルな構成が効果的である。大きなクライマックスを作るのではなく、余白を残して終わることで、アルバムは聴き手に考える時間を与える。『Cool It Down』は、派手な終幕ではなく、未来へ向けた小さな祈りで幕を閉じる。これは、Yeah Yeah Yeahsが2020年代に提示した新しいロック・バンド像を象徴している。

総評

『Cool It Down』は、Yeah Yeah Yeahsのキャリアにおいて、単なる復帰作以上の意味を持つアルバムである。9年という長い空白を経て発表された本作は、かつてのニューヨーク・インディー・ロックの熱狂を再現するのではなく、時間の経過、社会の変化、個人の成熟を受け入れたうえで、新しい音楽的形を探っている。初期作品にあった鋭いギター・リフやパンク的な爆発力は抑えられているが、その代わりに、シンセサイザーを中心とした広がりのある音像、内省的な歌詞、祈りのようなヴォーカル表現が前面に出ている。

本作の大きな特徴は、スケールの大きなテーマを扱いながら、過度に説明的にならない点である。気候危機、世代間の責任、未来への不安、愛の可能性と限界といったテーマは、直接的なスローガンではなく、象徴的な言葉や音響のムードとして表現される。「Spitting Off the Edge of the World」では終末的な世界観が壮大なアートポップとして提示され、「Burning」では炎のイメージを通じて破壊と再生が描かれる。そして「Mars」では、未来の世代へ向けた静かな問いかけが残される。

Yeah Yeah Yeahsは、2000年代初頭に登場した時点で、ロック・バンドの視覚性と身体性を更新した存在だった。Karen Oのファッション、ステージング、叫び、ダンスは、男性中心的なロック・バンド像に対する鮮やかな反転でもあった。しかし『Cool It Down』での彼女は、かつての挑発性をそのまま繰り返すのではなく、母性、祈り、警告、喪失を含む表現者として登場する。この変化は、バンドの成熟を示すと同時に、ロックにおける女性フロントパーソンの表現領域をさらに広げるものでもある。

音楽的には、『It’s Blitz!』で示されたエレクトロニックな方向性を、より静謐で現代的な形に発展させた作品と位置づけられる。ダンス・ロックの高揚感よりも、アンビエントな広がりやアートポップ的な構成が重視されている。Nick Zinnerのギターは従来より控えめだが、サウンドの中で重要な質感を担っており、Brian Chaseのドラムもまた、派手な手数ではなく、楽曲の空気を支えるリズムとして機能する。三人の個性は、より成熟したバランスの中で再配置されている。

また、本作は2020年代のロック・バンドが置かれた状況を反映している。かつてのようにギター・ロックが若者文化の中心にあるわけではなく、ポップ、ヒップホップ、エレクトロニック、R&Bが主流となる中で、ロック・バンドがどのように現在性を獲得するかは重要な課題である。『Cool It Down』は、その答えのひとつとして、ジャンルの純粋性にこだわらず、音響、感情、社会的テーマを統合する方法を示している。

日本のリスナーにとって本作は、初期Yeah Yeah Yeahsの攻撃的なロックを期待する場合には、やや静かで抑制された印象を与えるかもしれない。しかし、インディー・ロック、アートポップ、シンセポップの交差点にある作品として聴けば、その完成度は高い。特に、Perfume Genius、Weyes Blood、Beach House、St. Vincent、The xx以降の空間的なポップ表現に親しんでいるリスナーには、自然に響く部分が多い。

総じて『Cool It Down』は、Yeah Yeah Yeahsが自らの過去を更新し、現在の不安と向き合ったアルバムである。荒々しい復活宣言ではなく、静かで深い再定義であり、ロック・バンドが年齢、時代、社会的責任を抱えながらもなお美しい音楽を作れることを示している。全8曲という簡潔な構成の中に、愛、破壊、未来、孤独、祈りが凝縮された、キャリア後期の重要作である。

おすすめアルバム

1. Yeah Yeah Yeahs『It’s Blitz!』

『Cool It Down』の前提となる重要作。初期のガレージ・パンク色から離れ、シンセサイザーやダンス・ビートを取り入れたことで、Yeah Yeah Yeahsの音楽性を大きく拡張した。特に「Zero」や「Heads Will Roll」に見られるエレクトロニックな高揚感は、『Cool It Down』のシンセポップ的側面を理解するうえで欠かせない。

2. Perfume Genius『Set My Heart on Fire Immediately』

「Spitting Off the Edge of the World」に参加したPerfume Geniusの代表作のひとつ。身体性、脆さ、欲望、救済を、アートポップとインディー・ロックの間で表現している。劇的でありながら繊細なヴォーカル表現は、『Cool It Down』におけるKaren Oの成熟した歌唱とも響き合う。

3. The xx『I See You』

ミニマルな音像、余白を活かしたリズム、親密なヴォーカル表現という点で関連性が高い作品。Yeah Yeah Yeahsほどロック色は強くないが、エレクトロニックな空間の中で感情を抑制的に描く手法は、『Cool It Down』の静かな楽曲群と共通する。都会的な孤独や関係性の距離感を味わえるアルバムである。

4. St. Vincent『Masseduction』

アートポップ、ロック、エレクトロニック・サウンドを横断する作品。『Cool It Down』と同じく、ロックのフォーマットを保ちながらも、現代的なプロダクションと強い視覚性を持つ。欲望、自己演出、崩壊、親密さを鋭く描き、女性アーティストによるロック表現の更新という点でも関連性が深い。

5. Weyes Blood『Titanic Rising』

壮大なポップ・アレンジと現代的な終末感を融合した作品。気候危機、未来への不安、ロマンティシズム、ノスタルジアといったテーマは、『Cool It Down』と強く響き合う。サウンドはよりソフトロック／バロックポップ寄りだが、現代社会の不安を美しい音響へ変換する姿勢は共通している。