イントロダクション：乾いた陽射しの下で鳴る、むき出しのオルタナティブロック
Blondshell（ブロンドシェル）は、アメリカのシンガーソングライター、Sabrina Teitelbaum（サブリナ・タイテルバウム）によるオルタナティブロック・プロジェクトである。2020年代のインディーロック・シーンにおいて、90年代グランジ／オルタナティブロックのざらつきと、現代的な自己分析の鋭さを結びつけた存在として注目を集めている。
Blondshellの音楽には、LAの午後三時のような質感がある。明るいのに、どこか疲れている。光は強いのに、心の中には影がある。車の窓から差し込む陽射し、乾いた空気、昨日の会話をまだ引きずっている身体。そのすべてが、歪んだギターと淡々とした歌声の中に滲んでいる。
2023年のセルフタイトル・デビューアルバムBlondshellは、破壊的な恋愛、依存、怒り、自己嫌悪、本当の親密さへの渇望を、容赦ない言葉と90年代オルタナ直系のサウンドで描いた作品として高く評価された。Pitchforkは同作について、Teitelbaumが早い成人期の混乱、破壊的な関係、依存、真の親密さへの欲求を扱っていると評している。Pitchfork
2025年には2作目If You Asked For A Pictureを発表。Partisan Recordsから2025年5月2日にリリースされ、再びYves Rothmanがプロデュースを手がけた。Pitchforkはこの作品を、90年代に影響を受けた夢見心地のオルタナティブロックを軸に、20代半ばの傷心や複雑な家族関係を blunt に掘り下げたアルバムと紹介している。Pitchfork
Blondshellの魅力は、ただ懐かしいグランジ風サウンドを鳴らすことではない。むしろ、かつてのグランジが持っていた「隠せない感情」を、2020年代の言葉で再び鳴らしている点にある。彼女の音楽は、怒りっぽく、傷つきやすく、皮肉で、寂しく、時に滑稽なほど正直だ。だからこそ、Blondshellは“本音グランジ”と呼びたくなるような生々しさを持っている。
アーティストの背景と歴史
BlondshellことSabrina Teitelbaumは、ニューヨーク・マンハッタンで育ち、その後ロサンゼルスへ移ったアーティストである。Dazedのインタビューでは、彼女が高校時代に困難を感じ、音楽を逃げ場にしていたこと、18歳でLAに移り、USCでソングライティングを学んだことが紹介されている。Dazed Digital
この「ニューヨークからLAへ」という移動は、彼女の音楽に独特の影を与えている。ニューヨーク的な緊張感と、LA的な空白。都市のスピードと、西海岸の眩しすぎる午後。その両方が、Blondshellの曲にはある。音は乾いているのに、感情は湿っている。そこに彼女の面白さがある。
Blondshell以前、TeitelbaumはBAUMという名義でシンセポップ寄りの音楽活動を行っていた。Peopleのインタビューでは、彼女がBAUM名義のシンセポップから離れ、プロデューサーのYves Rothmanとともにグランジに影響を受けたBlondshellのサウンドを作り上げていった流れが紹介されている。People.com
これは重要な転換である。Blondshellは、単に別名義を始めたというより、音楽的な“仮面”を外したプロジェクトに近い。BAUM時代のポップな外装を脱ぎ、もっと荒く、もっと恥ずかしく、もっと言いにくい感情を鳴らす場所としてBlondshellが生まれた。
2022年ごろからBlondshell名義で楽曲を発表し、Olympus、Kiss City、Sepsis、Veronica Marsなどで注目を集める。2023年4月にはデビューアルバムBlondshellをPartisan Recordsからリリース。同作は批評家から高い評価を受け、The Line of Best Fitは「容赦ない自己検証と怒りに満ちた、徹底して告白的なアルバム」と評した。The Line of Best Fit
そして2025年のIf You Asked For A Pictureで、Blondshellはさらに深い内省へ進んだ。Bandcampのアルバム紹介では、この作品のタイトルがMary Oliverの詩から着想を得ており、コントロール、関係性、自己反省といったテーマを探る作品だと説明されている。Blondshell
音楽スタイルと魅力：90年代オルタナの衣を着た、2020年代の自己分析
Blondshellの音楽は、90年代オルタナティブロック、グランジ、インディーロック、ポストグランジ、時にドリームポップやカレッジロックの要素を含んでいる。Nirvana、Hole、The Smashing Pumpkins、Liz Phair、PJ Harvey、Veruca Salt、The Breeders、さらにはR.E.M.やBloc Partyの影も感じられる。
i-Dのインタビューでは、Teitelbaumが2020年初頭にNirvana、The Smashing Pumpkins、Holeなど90年代グランジを多く聴いていたことが紹介されている。i-D ただしBlondshellは、それらの影響をそのまま再現しているわけではない。彼女の音楽は、90年代の“音”よりも、90年代オルタナが持っていた“態度”を受け継いでいる。
その態度とは、きれいにしないことだ。感情を整えすぎない。怒りをポップに包みすぎない。欲望や依存や嫉妬や後悔を、都合よく解決しない。Blondshellの曲では、語り手はしばしば矛盾している。相手を責めながら、自分も悪いと分かっている。愛されたいのに、近づかれると怖い。自立したいのに、誰かに救ってほしい。そういうどうしようもなさが、ギターの歪みと一緒に鳴る。
Blondshellのボーカルは、絶叫型ではない。むしろ、淡々としている瞬間が多い。だが、その抑制された声が、突然ギターの爆発とぶつかると、内側にため込んでいたものが決壊したように響く。叫ぶ前の沈黙、泣く前の乾いた笑い、その温度が彼女の歌にはある。
彼女の歌詞は、非常に直截的でありながら、日記のように単純ではない。短いフレーズの中に、自己嫌悪、ユーモア、毒、寂しさが重なる。AP通信はIf You Asked For A Pictureについて、彼女が鋭い歌詞と力強い演奏を通じて、複雑な女性のアイデンティティや関係性を探っていると評している。AP News
Blondshellの音楽を聴くと、グランジは過去のものではなく、今も有効な感情の形式なのだと分かる。違うのは、怒りの向かう先だ。90年代グランジが社会、退屈、世代的な疎外を大きく鳴らしたとすれば、Blondshellはもっと細かい単位で怒る。恋人、友人、家族、自分の癖、依存、関係性の中の権力。そのミクロな怒りが、結果的にとても現代的なロックになっている。
代表曲の解説
Olympus
Olympusは、Blondshellの初期を象徴する楽曲である。タイトルは神々の山を思わせるが、曲の中にあるのは壮麗な神話ではなく、もっと個人的で不安定な感情だ。高い場所にいるようで、足元は崩れそう。そんな危うさがある。
ギターは重すぎず、しかし十分にざらついている。ボーカルは冷静に始まりながら、曲が進むにつれて感情の輪郭が濃くなっていく。Blondshellの音楽における重要な要素、つまり「抑えているのに、すでに爆発している」という感覚がここにある。
この曲は、彼女が単なるグランジ・リバイバルではなく、メロディを書く力を持つソングライターであることを示している。ノイズや歪みは装飾ではなく、言葉の奥にある傷を見せるための照明なのだ。
Kiss City
Kiss Cityは、Blondshellの中でも特に切実なラブソングである。だが、ここで歌われる愛は甘くない。むしろ、健全な愛を求めることそのものが、どこか不慣れで、ぎこちなく、危険に感じられる。
PitchforkはKiss Cityについて、Teitelbaumが健康的で堂々とした愛を求める姿を描いた、アルバム中でも最も希望を感じさせる曲として評している。Pitchfork その「希望」は、明るい未来を確信するようなものではない。むしろ、愛されることにまだ慣れていない人が、それでも逃げずにそこへ向かおうとする震えである。
この曲のサビには、胸を突く開放感がある。だが、それは幸福の爆発ではなく、幸福を信じたいという叫びに近い。Blondshellのラブソングが強いのは、愛を理想化しないからだ。愛は救いかもしれないが、同時に最も怖いものでもある。Kiss Cityは、その怖さごと抱えた名曲である。
Sepsis
Sepsisは、タイトルからして不穏である。敗血症を意味するこの言葉は、身体の内部に広がる感染のイメージを持つ。Blondshellはこの曲で、関係性や感情が内側から毒のように広がっていく感覚を鳴らしている。
サウンドは荒く、鋭い。ギターは感情の腐食をそのまま音にしたように響く。Blondshellの曲には、しばしば医学的、身体的な痛みの比喩が似合う。心の傷を抽象的に言うのではなく、もっと肉体的に、もっと気持ち悪いものとして扱う。その生々しさが彼女の強さだ。
Sepsisは、Blondshellが持つ怒りの曲である。だが、その怒りは単純に相手へ向かうだけではない。なぜ自分はこういう状況に戻ってしまうのか、なぜ分かっていても抜けられないのか。そうした自分への苛立ちも混じっている。
Veronica Mars
Veronica Marsは、ポップカルチャーへの参照と個人的感情が交差する楽曲である。タイトルは同名ドラマを思わせ、Blondshellらしい少し斜めのユーモアと暗さがある。
この曲には、青春ドラマのような表面と、その裏にあるもっと生々しい感情の裂け目がある。Blondshellは、ポップカルチャーを単なる引用として使うのではなく、自分の感情を説明するための鏡として使う。誰かの物語を借りながら、自分の痛みを照らすのだ。
サウンドは比較的軽やかだが、歌われる感情は簡単ではない。Blondshellの魅力は、このズレにある。音はキャッチーで、言葉は鋭い。聴きやすいのに、聴き流せない。
Salad
Saladは、Blondshellの怒りが最も鋭く出た楽曲のひとつである。Pitchforkはデビューアルバム評で、Saladが個人的な痛みを掘り下げながら怒りを明確に言語化している曲として触れている。Pitchfork
タイトルだけ見れば軽く、日常的で、少し変にも見える。しかし曲の中身は重い。Blondshellのセンスは、深刻な内容に対して、あえてどこかずれた言葉やイメージを置くところにある。そのズレが、怒りをさらに不気味にする。
Saladは、女性が経験する危険や怒り、そしてそれを言葉にすることの難しさを含んだ曲である。ここでのBlondshellは、ただ感情を吐き出しているのではない。言葉にされにくい暴力や恐怖を、歪んだギターの中に押し込んでいる。
Sober Together
Sober Togetherは、依存、友情、共依存、回復への複雑な感情を含む楽曲である。タイトルの「一緒にしらふでいる」という言葉には、希望と危うさが同時にある。誰かと一緒なら変われるかもしれない。しかし、その“誰か”に依存してしまうかもしれない。
Blondshellの曲では、救いはいつも曖昧である。人とのつながりは必要だが、それが新しい傷を生むこともある。Sober Togetherは、その矛盾をロマンティックに美化しない。むしろ、回復の道のりがどれほど不安定で、人間関係に揺さぶられるものかを描いている。
Docket
Docketは、BullyことAlicia Bognannoを迎えた楽曲で、2025年のIf You Asked For A Pictureへの橋渡しとなった重要曲である。Pitchforkのアルバム発表記事でも、同作には先行曲What’s FairやBullyとのコラボレーションDocketが含まれることが紹介されている。Pitchfork
Bullyのざらついた声とBlondshellの乾いた歌声は相性がよい。どちらも90年代オルタナの影を持ちながら、現代的な自己認識を持つアーティストである。Docketでは、怒りと諦め、距離を取ろうとする感情が、ギターのざらつきの中で交差する。
What’s Fair
What’s Fairは、If You Asked For A Pictureの中心的な楽曲のひとつである。タイトルは「何が公平なのか」と問いかける。だが、この曲の問いは、社会制度の大きな話というより、もっと個人的な関係性の中にある。自分ばかりが背負っているのではないか。自分は何を許し、何を諦めてきたのか。そうした問いである。
AP通信は、What’s Fairを同アルバムの中でも印象的なメロディとリピートしたくなるアレンジを持つ曲として挙げている。AP News Blondshellの曲は、重いテーマを扱っても、メロディが強い。ここが彼女を単なる告白系アーティストではなく、優れたロックソングライターにしている。
T&A
T&Aは、If You Asked For A Pictureの発表とともに公開されたシングルである。Pitchforkは、同曲が2025年1月にアルバム発表とあわせて公開され、Hannah Bonが監督したミュージックビデオも制作されたと報じている。Pitchfork
タイトルには挑発的な響きがあるが、Blondshellらしく、曲の中身は単純な挑発では終わらない。身体、視線、関係性、欲望、自己評価。そのすべてが絡み合う。Blondshellは、性的な言葉や身体性を使うときでも、それを軽い装飾にしない。むしろ、身体がどう見られ、どう扱われ、どう自分自身の不安と結びつくかを描く。
Rolling Stoneはこの曲について、If You Asked For A Pictureを予告する楽曲として言及し、Blondshellの記憶を噛みつくような美しい曲へ変える力を評価している。ローリングストーン
Arms
Armsは、If You Asked For A Pictureの中でも、関係性の脆さと身体的な親密さを感じさせる楽曲である。腕というモチーフは、抱きしめるものでもあり、距離を取るものでもあり、時に支えるものでもある。
AP通信は、Armsを同アルバムの中で、欠陥のある関係性や内面の葛藤に向き合う曲のひとつとして挙げている。AP News Blondshellのラブソングでは、親密さは単純な安心ではない。誰かの腕の中にいることは、救いであると同時に、逃げ場を失うことでもある。
Model Rockets
Model Rocketsは、If You Asked For A Pictureの終盤を印象づける楽曲である。Pitchforkはこの曲について、自己発見の不確かさを鮮やかな音像で描く締めくくりとして触れている。Pitchfork
モデルロケットというイメージは、小さな宇宙への憧れを感じさせる。実物のロケットではなく、模型。つまり、飛び立ちたいが、まだ小さく、手作りで、不完全なもの。これはBlondshellの世界観に非常に合っている。大きな飛躍を夢見ながら、現実にはまだ地上の重力に縛られている。そんな感覚だ。
アルバムごとの進化
Blondshell
2023年のデビューアルバムBlondshellは、Sabrina Teitelbaumが自分自身の声を見つけた作品である。BAUM名義のポップな方向性から離れ、90年代オルタナティブロックの荒さと、現代的な告白性を融合させた。
このアルバムの魅力は、曲の一つひとつが短い爆発のように機能している点にある。Veronica Mars、Kiss City、Olympus、Sepsis、Salad、Sober Together。どれも、感情の特定の瞬間を切り取っている。傷が治った後ではなく、まだ膿んでいる途中の状態を鳴らしている。
Pitchforkは同作について、Teitelbaumがノスタルジックで生々しいサウンドの中で、依存や有害な友情、脆さ、幻滅、回復を率直に扱っていると評している。Pitchfork
Blondshellにおける“本音”は、きれいな自己開示ではない。むしろ、言ってしまった後で気まずくなるような本音だ。自分でも認めたくない感情、相手を責めたいのに自分も加担していたこと、愛されたいのに愛される準備ができていないこと。Blondshellは、それらを逃がさず曲にする。
音楽的には、90年代オルタナの影響が明確だが、録音は現代的にタイトである。ギターは荒いが、曲は無駄なく構成されている。ここが重要だ。Blondshellは“雑なふり”をしているが、ソングライティングはかなり緻密である。だからこそ、怒りや混乱がただの混沌ではなく、ポップソングとして残る。
If You Asked For A Picture
2025年のIf You Asked For A Pictureは、Blondshellの2作目であり、デビュー作の鋭さを保ちながら、より広い感情の風景へ進んだアルバムである。2025年5月2日にPartisan Recordsからリリースされ、デビュー作に続いてYves Rothmanがプロデュースを担当した。ウィキペディア
このアルバムでは、Blondshellの怒りは少し形を変えている。デビュー作では怒りが前面に噴き出していたが、2作目ではその怒りの下にあるもの、つまり家族、喪失、自己防衛、過去の役割、関係性の中で身につけてしまった癖が掘り下げられている。
Pitchforkは同作について、ロマンティックな幻滅、個人的な喪失、若くして大人びなければならなかった感覚を扱い、特に家族関係や母性のような役割を背負う関係性が重要なテーマになっていると評している。Pitchfork
タイトルのIf You Asked For A Pictureは、Mary Oliverの詩から着想を得たものとされる。Billboardのインタビューでも、Teitelbaumが2作目のタイトルをMary Oliverの詩Dogfishの一節から取ったことが紹介されている。ビルボード このタイトルは、アルバム全体の性格をよく表している。もし私を写真に撮るなら、何が写るのか。表情か、傷か、家族の影か、過去の失敗か、それともまだ言葉にできない何かか。
Apple Musicの紹介では、このアルバムが12曲からなり、ざらついた90年代オルタナサウンドと辛辣なカプレットを組み合わせた、より豊かで厚みのあるBlondshellサウンドになっていると説明されている。Apple Music – Web Player
デビュー作が「傷をそのまま見せる」アルバムだとすれば、If You Asked For A Pictureは「なぜその傷ができたのかを見に行く」アルバムである。怒りの火力はそのままだが、視線がより深く、より過去へ向かっている。Blondshellはここで、ただ叫ぶアーティストから、叫びの根を掘るアーティストへ進化している。
影響を受けたアーティストと音楽
Blondshellの音楽的影響源として、Nirvana、Hole、The Smashing Pumpkins、PJ Harvey、Liz Phair、The Breedersなどの90年代オルタナティブロックは欠かせない。i-Dの記事では、Teitelbaumが2020年初頭にNirvana、The Smashing Pumpkins、Holeをよく聴いていたことが紹介されている。i-D
特にHoleとの比較は自然である。Courtney Loveが90年代に女性の怒り、欲望、傷つきやすさをロックの中心に置いたように、Blondshellもまた、女性の本音をきれいに処理しない。だがBlondshellは、Holeほど劇場的ではない。もっと乾いていて、もっと現代的で、自己分析的だ。
Peopleのインタビューでは、Teitelbaumが2作目で「タフ」な音を目指し、Queens of the Stone AgeのRated RやRed Hot Chili PeppersのCalifornicationなどにも影響を受けたことが紹介されている。People.com これはBlondshellのサウンドを理解するうえで面白い。彼女は単に女性オルタナの系譜だけを参照しているのではなく、男性的で筋肉質なロックの質感も取り込み、それを自分の脆さと衝突させている。
また、USC Thorntonの記事では、TeitelbaumがAdeleやAmy Winehouseを形成的な影響として語ったことも紹介されている。USC Thornton School of Music これは一見、Blondshellのグランジ的サウンドとは遠く見える。しかし、歌詞の率直さや、声の中に自分の弱さを隠さない姿勢という点では、確かに通じるものがある。
Blondshellは、90年代オルタナのギターと、シンガーソングライター的な告白性、そして現代インディーロックの冷静な編集感覚を併せ持つアーティストである。
影響を与えた音楽シーン
Blondshellは、2020年代のインディーロックにおける“ギター回帰”の重要な存在のひとつである。ストリーミング時代、ポップやヒップホップ、エレクトロニックな音楽が中心となる中で、彼女は歪んだギターと率直な歌詞によって、新しい世代にオルタナティブロックの有効性を示した。
彼女の重要性は、単に90年代風の音を復活させたことではない。90年代オルタナにあった怒りや傷つきやすさを、2020年代の関係性、メンタルヘルス、依存、自己価値、家族の問題に接続したことにある。
Peopleの記事では、Blondshellが2023年にBarack Obamaの年間お気に入り曲リストに入ったことにも触れられており、インディーロックの枠を越えて認知が広がったことが分かる。People.com
Blondshellの登場は、若い女性アーティストがギターを持ち、怒りや欲望や依存を自分の言葉で歌う流れにもつながっている。彼女は「強い女性」を単純に演じない。強いが、揺れる。怒るが、傷つく。自立したいが、誰かを必要としている。その複雑さをそのまま出すことが、同世代のリスナーに響いている。
他アーティストとの比較：Blondshellのユニークさ
Blondshellは、Soccer Mommy、Snail Mail、Mitski、Wednesday、Bully、Momma、Beabadoobee、Olivia Rodrigo、Phoebe Bridgersなどと同時代の文脈で語ることができる。いずれも、個人的な感情とギターサウンドを現代的に結びつけたアーティストたちである。
Soccer Mommyと比べると、Blondshellはより直線的で、怒りの温度が高い。Soccer Mommyが内向的なメランコリーを繊細に描くのに対し、Blondshellはもっと会話の途中で急に核心を突くような鋭さを持つ。
Snail Mailと比べると、Blondshellはロマンティックな憧れよりも、関係性の毒や自己破壊に近い。Snail Mailが青春の焦燥をギターで描くなら、Blondshellはその青春が少し壊れた後の自己検証を鳴らしている。
Bullyとの共通点は、90年代オルタナへの愛と、ざらついたギターの強さである。ただし、Bullyがよりパンク／グランジ的な押し出しを持つのに対し、Blondshellは歌詞の曖昧な心理描写に重心がある。
Olivia Rodrigoと比べると、Blondshellはよりインディー寄りで、より乾いている。Rodrigoがポップの大きな舞台でティーンエイジの怒りと失恋を鳴らすなら、Blondshellはもっと狭い部屋、もっと気まずい会話、もっと言いにくい自己嫌悪を扱う。
Mitskiと比べると、Blondshellは演劇性よりもロックの即物性が強い。Mitskiが感情を象徴や構造に変えるアーティストだとすれば、Blondshellは感情をまだ熱いうちにギターアンプへ突っ込むタイプである。
Blondshellのユニークさは、怒りと自己分析のバランスにある。彼女は相手を責めるが、自分も見逃さない。関係性を批判するが、その関係性に自分がなぜ惹かれたのかも掘る。この二重の視線が、Blondshellをただの怒れるロックではなく、現代的なソングライターにしている。
ライブとパフォーマンスの魅力
Blondshellのライブは、音源以上にギターの強度と歌詞の生々しさが前に出る。彼女の曲は、スタジオ録音では冷静に組み立てられているが、ステージではもっと荒く、身体的になる。ギターの歪みが増し、声の端が擦れ、曲の中にある怒りや諦めがより鮮明になる。
Blondshellのステージングは、過剰な演劇ではない。むしろ、まっすぐ立って、まっすぐ歌う。そのシンプルさが強い。彼女の曲は、派手な演出で飾るより、言葉とギターだけで十分に刺さる。
Dazedの記事では、彼女がLAに移り、音楽を自分の逃げ場としてきた背景が語られている。Dazed Digital その背景を知ると、Blondshellのライブは単なるロックショーではなく、長く溜めてきた言葉をようやく人前で鳴らす場にも見える。
彼女のライブの魅力は、観客を一緒に騒がせることだけではない。むしろ、観客に「この感情を自分も知っている」と思わせるところにある。Blondshellの曲を聴くと、自分の中に隠していた醜い感情が、少しだけ許されるような気がする。それはロックが持つ重要な力である。
歌詞世界：依存、怒り、家族、自己価値、そして愛されることへの恐怖
Blondshellの歌詞世界は、非常に個人的である。しかし、その個人的な痛みは、現代の多くのリスナーが共有する不安とつながっている。
デビュー作では、依存、有害な関係、友情の崩壊、性的な不安、怒り、自己嫌悪が中心だった。PitchforkはBlondshellについて、破壊的な関係や依存、本当の親密さを求める過程の混乱を描いた作品として紹介している。Pitchfork
2作目If You Asked For A Pictureでは、テーマがさらに広がる。家族、喪失、母性的な役割、早く大人にならなければならなかった感覚、関係性の中で自分が背負いすぎる癖。Pitchforkは、同作がロマンティックな幻滅だけでなく、母の死や若い頃の未解決の欲求にも触れていると評している。Pitchfork
Blondshellの歌詞で印象的なのは、自己憐憫に浸りきらないところだ。彼女は自分を被害者としてだけ描かない。むしろ、自分の矛盾や未熟さもかなり冷静に見ている。そこにユーモアがあり、毒があり、痛みがある。
彼女の歌詞は、感情をきれいに解決しない。相手が悪かった、自分は傷ついた、だから終わり、ではない。なぜ自分はその相手を選んだのか。なぜその状況から抜けられなかったのか。なぜ傷つくと分かっていて近づいたのか。そういう問いが残る。
Blondshellの“本音”とは、ただ正直に言うことではない。自分にとって不都合なことまで見てしまうことだ。その意味で、彼女の歌詞はかなり厳しい。優しく慰めるのではなく、鏡を向ける。そして、その鏡に映った自分が少し情けなくても、それでも曲は鳴り続ける。
LAの午後三時という感覚
「LAの午後三時」という言葉は、Blondshellの音楽を考えるうえでよく似合う。深夜のロックではない。雨のニューヨークでもない。午前中の爽やかさでも、夜のドラマでもない。午後三時。陽射しはまだ強いが、一日の疲れが少し見え始める時間である。
Blondshellの曲には、この時間帯のような微妙な空気がある。明るいコードの中に、眠れなかった夜の残りがある。ギターは乾いているが、歌詞はまだ濡れている。世界は普通に動いているのに、自分だけが昨日の会話や昔の傷に引っかかっている。
LAという街もまた、Blondshellの音楽と相性がいい。夢を見に来た人々が集まり、同時に自分の空洞と向き合う街。成功と孤独、健康的な光と不健康な関係、車移動の距離感、どこにいても少し孤立している感覚。Blondshellの音楽には、その都市の心理的な乾燥がある。
彼女のグランジは、シアトルの雨ではなく、LAの乾いた陽射しの下で鳴るグランジである。暗い部屋で叫ぶというより、明るすぎる場所で本音がこぼれてしまう感じだ。そのミスマッチが、彼女の音楽を新しくしている。
Blondshellが現代ロックに残すもの
Blondshellが現代ロックに示しているのは、ギターはまだ本音を鳴らせるということだ。ギター音楽が過去のものだと言われる時代でも、歪んだコードと強いメロディは、感情の現場に届く。
彼女は90年代オルタナへの憧れを持ちながら、単なる再現に留まらない。むしろ、90年代的な荒さを使って、2020年代の人間関係の複雑さを描いている。依存、境界線、自己価値、家族の影、愛されることへの恐怖。これらは現代的なテーマであり、Blondshellはそれをロックの言葉で歌っている。
また、彼女は“強い女性ロックアーティスト”という単純な枠にも収まらない。強いだけではない。弱いだけでもない。怒っているが、傷ついている。自分を守ろうとしているが、誰かに触れられたい。そうした複雑さを保ったまま曲にしているところが重要である。
Blondshellの音楽は、リスナーに「正しく生きろ」とは言わない。むしろ、「正しくなくても、そのぐちゃぐちゃを見ろ」と言う。その姿勢こそが、現代におけるロックの誠実さなのかもしれない。
まとめ：Blondshellは“きれいにしない本音”を鳴らす新世代のオルタナティブロックである
Blondshellは、Sabrina Teitelbaumによるオルタナティブロック・プロジェクトであり、2020年代のインディーロックにおいて、90年代グランジのざらつきと現代的な自己分析を結びつけた重要な存在である。
2023年のBlondshellでは、依存、有害な関係、怒り、自己嫌悪、親密さへの渇望を鋭く鳴らした。2025年のIf You Asked For A Pictureでは、その怒りの根にある家族、喪失、役割、成長の痛みへと踏み込んだ。どちらの作品にも共通しているのは、感情をきれいに整えない勇気である。
Kiss Cityでは健全な愛への不慣れな憧れを、Sepsisでは関係性の毒を、Saladでは怒りと恐怖を、What’s Fairでは公平さへの問いを、T&Aでは身体と視線の複雑さを描いた。Blondshellの曲はどれも、感情の出口というより、感情がまだ暴れている部屋のドアを開けるようなものだ。
Blondshellのグランジは、90年代の焼き直しではない。LAの午後三時、明るすぎる空の下で、つい本音がこぼれてしまうような音楽である。そこには、乾いたギター、冷静な声、そして隠しきれない傷がある。
彼女はロックに、再び気まずさを取り戻した。言いすぎた後の沈黙、愛されたいことを認める恥ずかしさ、自分の弱さを見てしまう苦さ。Blondshellは、そのすべてを曲にする。だから彼女の音楽は、ただ激しいだけではなく、痛いほど人間的なのである。
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