アルバムレビュー：『Black Celebration』 by Depeche Mode

発売日：1986年3月17日

ジャンル：シンセポップ、ダークウェイヴ、ニューウェイヴ、インダストリアル・ポップ、エレクトロニック・ロック、ゴシック・ポップ

概要

デペッシュ・モードの5作目のスタジオ・アルバム『Black Celebration』は、彼らのキャリアにおいて決定的な転換点となった作品である。1981年のデビュー作『Speak & Spell』では、ヴィンス・クラーク主導による明るく軽快なシンセポップが中心だった。しかし、クラーク脱退後、マーティン・ゴアが作曲の中心となり、バンドは徐々にポップな電子音楽から、より暗く、内省的で、官能性と宗教性を帯びた音楽へと変化していく。その流れの中で『Black Celebration』は、デペッシュ・モードの「ダークな電子音楽バンド」としてのイメージを決定づけた重要作である。

前作『Some Great Reward』では、「People Are People」「Master and Servant」「Blasphemous Rumours」などを通じて、社会的テーマ、支配と服従、宗教への疑念がすでに明確に表れていた。しかし『Black Celebration』では、それらの要素がさらに個人的で心理的な深度を持つようになる。社会への批判や挑発的なテーマは残しつつ、アルバム全体はより閉じた空間へ向かい、孤独、疲労、欲望、愛の不安、精神的な逃避、日常の暗さを描く作品となった。

タイトルの『Black Celebration』は、非常に象徴的である。「黒い祝祭」という言葉には、通常の祝福や幸福とは異なる、暗闇の中で行われる儀式のような響きがある。本作における祝祭は、明るい喜びではない。むしろ、苦しみ、失望、疲弊、孤独を抱えた人々が、それでも一日の終わりに生き延びたことを確認するための儀式である。表題曲「Black Celebration」で歌われるように、暗い日々を通過した後に、黒い祝祭が開かれる。この発想は、デペッシュ・モードの美学を端的に表している。彼らは苦悩を単に否定するのではなく、それを音楽的な美と快楽へ変換する。

音楽的には、本作はシンセポップの枠組みを保ちながらも、よりインダストリアルで、重く、空間的なサウンドへ向かっている。金属的な打撃音、低く沈むシンセ・ベース、冷たいパッド、硬質なリズム、加工された声、暗いメロディが、アルバム全体に統一感を与えている。プロダクション面では、アラン・ワイルダーの存在が非常に重要である。彼はサウンド構築において大きな役割を果たし、単なるシンセポップではない、音響的な奥行きと緊張をバンドにもたらした。

また、本作ではデイヴ・ガーンのヴォーカルも大きく成長している。初期の明るく若い声から、より低く、陰影のある表現へと変化しつつあり、マーティン・ゴアの書く暗い歌詞を説得力をもって歌えるようになっている。一方で、ゴア自身がリード・ヴォーカルを取る楽曲も重要であり、「A Question of Lust」や「Sometimes」では、デイヴとは異なる繊細で傷つきやすい声がアルバムに内面的な奥行きを与えている。

歌詞面では、愛、信頼、欲望、罪悪感、疲労、祈り、孤独が繰り返し扱われる。『Black Celebration』の愛は、明るく幸福なものではない。愛は救いであると同時に、不安や依存を生むものでもある。信頼は簡単には成立せず、関係は常に壊れやすい。宗教的な言葉や儀式的な響きも多いが、それは制度としての信仰を肯定するものではなく、人間が救済を求める心理の比喩として機能している。

キャリア上の位置づけとして、『Black Celebration』は、後の『Music for the Masses』や『Violator』へ直結する作品である。『Music for the Masses』ではこの暗い音響がより大きなスケールへ拡張され、『Violator』ではブルース、ロック、ダンス・ミュージックの要素と結びつき、完成度の高いポップ・アルバムへ昇華される。その意味で『Black Celebration』は、デペッシュ・モードが自分たちの暗い美学を確立した作品であり、以後の黄金期への扉を開いたアルバムである。

全曲レビュー

1. Black Celebration

アルバム冒頭の「Black Celebration」は、本作の世界観を一曲で示す表題曲である。冷たく重いシンセの響きと、儀式的なリズムが組み合わさり、聴き手は開始直後から暗い祝祭の空間へ引き込まれる。初期デペッシュ・モードの軽快なシンセポップとは明らかに異なり、ここでは電子音が不安、疲労、そして奇妙な高揚を生むために使われている。

音楽的には、低く沈むシンセ・ベース、硬質なリズム、重苦しいコード感が中心となる。テンポは極端に遅いわけではないが、曲全体には沈み込むような重力がある。サビのメロディは明確だが、開放的な明るさではなく、暗闇の中で声を合わせるような印象を与える。まさに「黒い祝祭」というタイトルにふさわしい音像である。

歌詞では、困難な一日、あるいは暗い日々を終えた後に、黒い祝祭を開くという発想が歌われる。ここでの祝祭は、幸福のためではなく、苦しみに耐えたことを確認するためのものに近い。日常の中で疲弊し、傷つき、それでも夜にたどり着く。その瞬間を祝うことが、この曲の中心にある。

この発想は、デペッシュ・モードの美学を非常によく表している。彼らは苦しみや暗さを単なる絶望として扱わず、それを音楽的快楽へ変換する。暗闇は避けるべきものではなく、そこに集い、踊り、身を委ねることができる場所でもある。「Black Celebration」は、その思想を象徴する楽曲である。

デイヴ・ガーンのヴォーカルは、抑制されながらも力強い。彼はここで、陽気な案内人ではなく、疲れた人々を暗い儀式へ導く司祭のように歌っている。アルバム冒頭として極めて効果的であり、本作がデペッシュ・モードのディスコグラフィの中でも特に統一された暗さを持つ作品であることを宣言している。

2. Fly on the Windscreen – Final

「Fly on the Windscreen – Final」は、死、偶然、欲望、瞬間的な快楽をテーマにした、本作の中でも特に不穏な楽曲である。タイトルにある「車のフロントガラスにぶつかるハエ」というイメージは、非常に日常的でありながら、死の突然性を強く示している。小さな生命が一瞬で潰れる光景は、人間の生の儚さとも重なる。

音楽的には、インダストリアルな打撃音、暗いシンセの反復、重く刻まれるリズムが特徴である。前作までのデペッシュ・モードにも実験的な電子音はあったが、この曲では音がより物質的で、金属的で、身体に直接響く。電子音が単なる未来的な装飾ではなく、死や暴力の感触を伝えるものとして使われている。

歌詞では、死がいつでも近くにあることが示される。人はいつ死ぬか分からない。だからこそ、今この瞬間に触れたい、感じたい、愛したいという欲望が強まる。この曲における性的な緊張は、死の意識と密接に結びついている。快楽は生の確認であり、同時に死への恐怖から生まれる逃避でもある。

「Death is everywhere」という感覚は、本作全体の暗さとも関係している。『Black Celebration』は、死や絶望を直接的に描くアルバムではないが、常に終わりの気配が漂っている。その中で、人は他者の身体や声、夜の儀式に救いを求める。

この曲は、後のデペッシュ・モードが発展させる官能性と死の結びつきを強く予告している。『Violator』や『Songs of Faith and Devotion』でより洗練される「欲望と罪悪感」のテーマが、ここでは粗く、冷たく、切迫した形で表れている。

3. A Question of Lust

「A Question of Lust」は、マーティン・ゴアがリード・ヴォーカルを担当するバラードであり、本作の中でも特に繊細で、感情的な脆さが前面に出た楽曲である。前曲までの暗く硬質な音響とは対照的に、この曲では愛、信頼、壊れやすさが静かに歌われる。

音楽的には、柔らかなシンセの響き、穏やかなメロディ、控えめなリズムが中心である。サウンドは決して明るくはないが、冷たさよりも温かい憂いがある。ゴアの声はデイヴ・ガーンのような力強さではなく、柔らかく、中性的で、傷つきやすい。その声質が、歌詞のテーマと深く結びついている。

歌詞では、愛が単なる欲望ではなく、信頼、忍耐、理解を必要とするものとして描かれる。タイトルは「欲望の問題」と訳せるが、曲の中心にあるのは、欲望そのものよりも、欲望を超えて関係を保てるかどうかという問いである。相手との関係は壊れやすく、少しの不信や衝動で崩れてしまう。だからこそ、愛には慎重さと誠実さが求められる。

この曲の重要な点は、デペッシュ・モードの愛の描き方が単純なロマンティシズムではないことを示している点である。愛は救いになり得るが、それは非常に繊細なバランスの上にある。欲望だけでは関係は維持できない。しかし、欲望を否定することもできない。その緊張が「A Question of Lust」の核心である。

『Black Celebration』の中でこの曲は、暗い祝祭の中に置かれた親密な告白のように機能する。ゴアのヴォーカルによって、アルバムは単に冷たい作品ではなく、内面の弱さを抱えた作品となっている。

4. Sometimes

「Sometimes」もマーティン・ゴアがリード・ヴォーカルを取る短い楽曲であり、アルバムの中では小品的ながら、非常に重要な感情的役割を持つ。タイトルの「Sometimes」は、「時々」という曖昧な時間を示す言葉であり、確信ではなく揺らぎを表している。

音楽的には、非常にシンプルで、ほとんど聖歌のような響きを持つ。シンセの厚い装飾や強いビートは控えられ、声と言葉が中心に置かれている。ゴアの声は、祈りに近い形で響き、アルバムの暗い流れの中に内省的な静けさをもたらす。

歌詞では、自分の弱さ、罪、孤独を認めるような感覚がある。人は時々、言葉にできない不安や後悔に包まれる。ここで歌われる感情は明確な物語を持たないが、その曖昧さこそがリアルである。デペッシュ・モードの歌詞はしばしば強いテーマ性を持つが、「Sometimes」ではむしろ一瞬の内面の揺れがそのまま表現されている。

この曲は短いが、『Black Celebration』の宗教的な雰囲気を強めている。教会音楽のような静けさ、告白のような歌声、罪悪感と救いへの希求が感じられる。ただし、それは明確な信仰ではなく、救われたいという心理そのものに近い。

「Sometimes」は、アルバム全体の中で一種の告解室のような役割を果たしている。大きな曲ではないが、デペッシュ・モードの内省的な側面を凝縮した重要な小品である。

5. It Doesn’t Matter Two

「It Doesn’t Matter Two」は、前作『Some Great Reward』収録の「It Doesn’t Matter」と対になるようなタイトルを持つ楽曲であり、マーティン・ゴアの繊細な作風が表れた曲である。タイトルは「それは重要ではない」と言いながら、実際には重要だからこそ何度も言い聞かせているように響く。

音楽的には、冷たいシンセの響きと静かなメロディが中心で、アルバムの中でも内省的な空気が強い。音数は多くないが、音の配置には緊張がある。リズムは控えめで、声とシンセの暗い余韻が楽曲を支えている。

歌詞では、愛や関係の中で自分の感情を抑えようとする姿が描かれる。何かが重要ではないと言いながら、本当は傷ついている。相手への思い、失望、不安を隠そうとするが、完全には隠せない。このような心理の曖昧さは、ゴアのソングライティングの重要な特徴である。

「It Doesn’t Matter Two」は、劇的なサビで感情を爆発させる曲ではない。むしろ、感情を抑え込もうとすることによって、その痛みがより強く伝わる。デペッシュ・モードの音楽では、欲望や苦しみがしばしば抑制された電子音の中で表現されるが、この曲はその典型と言える。

アルバム全体の中では、静かながらも深い陰影を与える楽曲である。派手さはないが、関係の中にある諦めと未練を冷たい電子音で描いている。

6. A Question of Time

「A Question of Time」は、本作の中でも特にスピード感と緊張感を持つシングル曲であり、デペッシュ・モードのダークなポップ性が鋭く表れた楽曲である。タイトルは「時間の問題」を意味し、何か悪いことが起きるのは避けられず、ただそれがいつ起きるかだけが問題であるという切迫感を持つ。

音楽的には、疾走するシンセ・ベース、硬いドラムマシン、鋭いリズムが特徴である。曲は非常にエネルギッシュだが、明るいダンス・ポップではない。むしろ、不安に追い立てられるような推進力がある。電子音の反復が、時間が迫ってくる感覚を強めている。

歌詞では、若い女性を危険な世界から守ろうとするような視点が描かれる。しかし、その保護の意識には複雑な問題も含まれている。語り手は相手を守りたいと考えているが、その視線自体にも支配や所有のニュアンスがある。デペッシュ・モードの歌詞では、愛や保護はしばしば権力関係と結びつく。この曲もその一例である。

「時間の問題」というフレーズは、無垢が失われること、誰かが傷つけられること、世界の汚れに触れてしまうことの不可避性を示している。語り手はそれを止めたいが、完全には止められない。そこに曲の焦燥がある。

「A Question of Time」は、ポップな即効性と不穏なテーマを両立させた重要曲である。ライブでも強いエネルギーを持つ曲であり、デペッシュ・モードが暗さをダンス可能な形へ変換する能力を明確に示している。

7. Stripped

「Stripped」は、『Black Celebration』を代表する楽曲であり、デペッシュ・モードのキャリア全体の中でも非常に重要な曲である。タイトルは「剥ぎ取られた」「裸にされた」という意味を持ち、文明、都市、情報、社会的役割を取り除いた先にある人間の本質を求める歌として読むことができる。

音楽的には、低くうなるようなシンセ・ベース、機械的なリズム、広がりのある音響が特徴である。イントロには車のエンジン音のようなサンプル的要素も感じられ、工業的な質感と官能的な雰囲気が共存している。曲全体は暗く、ゆっくりとした高揚を持つ。派手なサビで爆発するのではなく、持続する緊張によって聴き手を引き込む。

歌詞では、都会を離れ、テレビや雑音から離れ、相手を裸の状態で見たいという願望が歌われる。ここでの「裸」は、単に身体的な意味だけではない。社会的な仮面、メディアによる雑音、日常の役割を取り除いた本当の存在を見たいという欲望である。ただし、この欲望にも官能的な緊張が含まれている。

「Stripped」は、デペッシュ・モードの重要なテーマである「親密さへの渇望」と「支配的な視線」の両方を含んでいる。相手を本当の姿で見たいという願いは純粋にも聞こえるが、同時に相手を剥ぎ取り、所有したいという危うさもある。この二重性が、曲に深みを与えている。

サウンド面でも、この曲は後の『Music for the Masses』や『Violator』へ直結する。電子音の重さ、空間の広さ、官能性、暗いポップ性が高い完成度で結びついている。『Black Celebration』の中心的楽曲であり、デペッシュ・モードの成熟を強く示す名曲である。

8. Here Is the House

「Here Is the House」は、アルバムの中で比較的温かい雰囲気を持つ楽曲であり、親密な空間としての「家」がテーマとなっている。ただし、デペッシュ・モードらしく、その温かさは完全な安心ではなく、どこか閉ざされた不安と隣り合わせである。

音楽的には、柔らかなシンセの響き、穏やかなメロディ、控えめなリズムが特徴である。アルバム全体の暗い質感の中では、比較的明るい色合いを持つが、それでも軽快な初期シンセポップとは異なる。音には影があり、家の中の静けさが少し不気味に感じられる。

歌詞では、二人だけの家、外の世界から切り離された親密な空間が描かれる。家は保護の場所であり、愛が育まれる場所である。しかし、それは同時に閉鎖的な空間でもある。外界から遮断されることで安心が生まれる一方、そこに閉じ込められる感覚も生じる。

この曲の魅力は、日常的な幸福を描きながらも、完全には明るくならない点にある。デペッシュ・モードにとって、愛する人といる空間は救いであるが、同時に依存や孤立を生む可能性もある。「Here Is the House」は、その親密さの複雑さを柔らかな電子音で表現している。

アルバムの中では、暗い流れに一時的な休息を与える曲である。しかし、その休息は単純な安堵ではなく、密室の中の静かな緊張を含んでいる。

9. World Full of Nothing

「World Full of Nothing」は、アルバムの中でも特に静かで、冷たい美しさを持つ楽曲である。タイトルは「何もないもので満ちた世界」という矛盾した表現であり、現代的な空虚さ、感情の欠落、関係の薄さを示している。

音楽的には、ミニマルなシンセと抑制されたヴォーカルが中心である。派手なリズムや大きな展開はなく、音の隙間が非常に重要な役割を果たしている。冷たい空間の中に声が浮かぶような構成で、アルバムの内省的な側面を強めている。

歌詞では、愛や親密さが存在しているように見えながら、その内側には何もないという感覚が描かれる。人は抱き合い、言葉を交わし、関係を持つ。しかし、それが本当に意味を持っているのかは分からない。満たされているようで空虚である。この感覚が、タイトルの矛盾に凝縮されている。

デペッシュ・モードの歌詞では、愛や欲望はしばしば救済の可能性を持つが、この曲ではその可能性が極めて不確かである。世界は何もないもので満ちており、その中で人は一時的な温もりにすがる。しかし、その温もりさえ空虚かもしれない。

「World Full of Nothing」は、派手な代表曲ではないが、『Black Celebration』の精神的な暗さを深く支える楽曲である。冷たい電子音と空虚な歌詞が、非常に高い純度で結びついている。

10. Dressed in Black

「Dressed in Black」は、本作のタイトルとも強く響き合う楽曲であり、黒という色が持つ象徴性を中心にした曲である。黒は喪、秘密、官能、反抗、孤独、儀式を意味する。『Black Celebration』というアルバム全体において、黒は単なる色ではなく、精神的な状態そのものを表している。

音楽的には、暗く静かなシンセの響きと、抑制されたリズムが中心である。曲は大きく盛り上がるというより、陰影を保ちながら進む。デイヴ・ガーンのヴォーカルは低く、落ち着いており、歌詞の持つ視覚的なイメージを丁寧に伝える。

歌詞では、黒をまとった女性、あるいは黒という状態に身を包んだ存在への視線が描かれる。彼女は魅力的であり、同時に近づきがたい。黒い服は自己表現であり、防御であり、誘惑でもある。語り手はその存在に惹かれながら、完全には理解できない距離を感じている。

この曲は、デペッシュ・モードのゴシックな美学を非常によく表している。黒は単なる暗さではなく、美しさ、欲望、神秘を含む。後のゴス／ダークウェイヴ系のリスナーにとって、デペッシュ・モードが大きな影響を持った理由は、このような黒の美学にある。

「Dressed in Black」は、アルバム終盤で本作の視覚的・象徴的な世界を補強する曲である。派手さはないが、黒というテーマを通じて、デペッシュ・モードの美学を静かに凝縮している。

11. New Dress

アルバム本編の最後を飾る「New Dress」は、社会批判的な視点を持つ楽曲であり、『Black Celebration』の中でも特に外部世界への怒りが明確に表れた曲である。タイトルは「新しいドレス」を意味するが、歌詞ではメディア、政治、暴力、社会の無関心が扱われる。個人的な暗さを描いてきたアルバムの最後に、社会全体の歪みが提示される構成は非常に重要である。

音楽的には、硬質なシンセ・リズムと冷たいメロディが中心である。曲調は比較的淡々としているが、その淡々とした響きが、ニュースの見出しが次々と流れていくような冷たさを生む。感情的に叫ぶのではなく、冷静に事実を並べるような印象がある。

歌詞では、世界で起こる暴力や悲劇が、王室や有名人の服装の話題と同じメディア空間に並べられることへの批判がある。社会は重大な出来事に向き合うよりも、表面的な話題に気を取られる。新しいドレスは、そのような表層的な消費文化の象徴として機能している。

この曲の重要な点は、『Black Celebration』の暗さが個人の内面だけでなく、社会の構造とも関係していることを示している点である。人々が疲れ、孤独になり、黒い祝祭を必要とするのは、個人的な弱さだけが原因ではない。世界そのものが歪み、メディアが現実を平板化し、悲劇さえ消費されていく。その冷たさが、アルバムの最後に突きつけられる。

「New Dress」は、デペッシュ・モードの社会批判的な側面を示す重要曲である。個人的な欲望と社会的な無関心が同じアルバム内で結びつくことで、『Black Celebration』はより広い射程を持つ作品となっている。

総評

『Black Celebration』は、デペッシュ・モードが自らの暗い美学を本格的に確立したアルバムである。初期の明るいシンセポップから出発した彼らは、ここで完全に別の段階へ到達した。軽快な電子ポップではなく、孤独、疲労、欲望、信頼の不安、宗教的な影、社会への失望を、黒い電子音の祝祭として鳴らしている。

本作の最大の特徴は、アルバム全体の統一感である。個々の曲はシングルとしての魅力を持ちながらも、全体として一つの暗い空間を作っている。表題曲「Black Celebration」で提示される黒い儀式の感覚は、「Fly on the Windscreen」の死と欲望、「A Question of Lust」の信頼の脆さ、「Stripped」の親密さへの渇望、「World Full of Nothing」の空虚、「New Dress」の社会批判へと広がっていく。すべての曲が、暗さを異なる角度から照らしている。

音楽的には、シンセポップでありながら、単なるポップの軽さから大きく離れている。金属的なリズム、低く沈むベース、冷たいパッド、空間的な処理、インダストリアルな音響が、デペッシュ・モード独自のサウンドを形作っている。アラン・ワイルダーのサウンド構築は、本作の完成度に大きく貢献しており、電子音を感情的かつ物質的なものとして鳴らす技術が高い水準に達している。

歌詞面では、マーティン・ゴアの作家性が非常に明確になっている。彼は愛や欲望を単純な幸福として描かない。愛は信頼の問題であり、欲望は死の意識と結びつき、親密さは支配や所有の危うさを含む。宗教的な語彙や儀式的な響きも多いが、それは明確な信仰の表現ではなく、人間が救済を求める心理の表現である。

デイヴ・ガーンのヴォーカルも、本作で大きく深みを増している。彼の声は、後年のような圧倒的なカリスマ性にはまだ完全には到達していないが、暗い歌詞を説得力をもって歌う表現力を身につけている。一方で、マーティン・ゴアが歌う楽曲は、アルバムに繊細な内面性を与えている。デイヴの外向的な暗さと、ゴアの内向的な脆さ。その対比が、本作の感情的な幅を生んでいる。

『Black Celebration』は、後の『Music for the Masses』や『Violator』ほど大衆的に洗練された作品ではないかもしれない。しかし、その暗さの純度という点では、デペッシュ・モードのディスコグラフィの中でも特別な位置を占める。ここには、商業的な完成度よりも、バンドが自分たちの世界を深く掘り下げようとする強い意志がある。

日本のリスナーにとって本作は、デペッシュ・モードのダークな魅力を理解するうえで非常に重要なアルバムである。『Violator』の洗練された完成度や、『Songs of Faith and Devotion』のロック的な重さとは異なり、『Black Celebration』には電子音だけで暗い儀式空間を作り上げる独特の力がある。ゴシック、ダークウェイヴ、インダストリアル・ポップ、シンセポップに関心があるリスナーにとって、本作は避けて通れない作品である。

『Black Celebration』は、日常の暗さを祝祭へ変えるアルバムである。苦しみを消すのではなく、それを音楽に変える。孤独を否定するのではなく、孤独な者たちが集まる場所を作る。デペッシュ・モードは本作で、暗闇の中にポップ・ミュージックの新しい快楽を見出した。その意味で、本作は彼らのキャリアにおける決定的な名盤であり、1980年代電子音楽の重要な到達点である。

おすすめアルバム

1. Depeche Mode『Music for the Masses』

1987年発表。『Black Celebration』で確立された暗い電子音響を、より大きなスケールのアリーナ・ロック的な空間へ拡張した作品である。「Never Let Me Down Again」「Strangelove」「Behind the Wheel」などを収録し、デペッシュ・モードが世界的な存在へ成長する重要な一枚となった。『Black Celebration』の次に聴くべき発展形である。

2. Depeche Mode『Violator』

1990年発表。デペッシュ・モードの代表作であり、暗いシンセポップ、ブルース的なギター、官能的な歌詞、洗練されたプロダクションが高い完成度で融合している。「Personal Jesus」「Enjoy the Silence」「Policy of Truth」などを収録。『Black Celebration』で確立された美学が、より普遍的なポップ・アルバムとして結実した作品である。

3. Depeche Mode『Some Great Reward』

1984年発表。『Black Celebration』の前作であり、社会批判、支配と服従、宗教への疑念など、後のダークなデペッシュ・モードにつながるテーマが明確に現れた作品である。「People Are People」「Master and Servant」「Blasphemous Rumours」を収録。『Black Celebration』への移行を理解するうえで重要である。

4. The Cure『Pornography』

1982年発表。ゴシックロックの極北とも言える暗く閉塞的な作品であり、絶望、精神的疲弊、冷たい音響が濃密に表現されている。音楽的手法は異なるが、『Black Celebration』の暗さや黒い儀式性と強い親和性を持つ。1980年代のダークな英国音楽を理解するための重要作である。

5. Nine Inch Nails『Pretty Hate Machine』

1989年発表。インダストリアル、シンセポップ、ロック、個人的な怒りと欲望を融合した作品である。デペッシュ・モードの暗い電子音楽が、後のインダストリアル・ロックへ与えた影響を感じられるアルバムである。『Black Celebration』の冷たい電子音と官能的な不安に惹かれるリスナーに関連性が高い。