発売日：2019年10月4日
ジャンル：アートポップ、インディーロック、バロックポップ、ドリームポップ、シンガーソングライター
概要
Angel Olsenの4作目のスタジオ・アルバム『All Mirrors』は、彼女のキャリアにおいて最も劇的な音楽的変貌を示した作品である。前作『My Woman』（2016年）で、ローファイ・フォーク、ガレージロック、サイケデリック・ロック、ドリームポップを横断する表現力を確立したAngel Olsenは、本作でさらに大きなスケールへと進んだ。ストリングス、シンセサイザー、重厚なドラム、深いリヴァーブ、シネマティックなアレンジを大胆に導入し、従来のインディーロック的な骨格を保ちながらも、壮麗なアートポップ作品へと到達している。
『All Mirrors』というタイトルは、自己像、記憶、他者からの視線、過去の反射、そして自分自身を見つめることの困難さを象徴している。鏡は、ありのままを映す道具であると同時に、角度や光によって像を歪ませる装置でもある。本作におけるAngel Olsenは、恋愛や孤独、喪失、変化を歌いながら、単に感情を吐露するのではなく、それらがどのように自分自身の姿を変えて見せるのかを探っている。つまり本作は、過去の関係や記憶を振り返るアルバムであると同時に、「自分をどう見るのか」という問いをめぐる作品でもある。
制作面で重要なのは、Angel Olsenが当初、本作の楽曲をよりシンプルなソロ・ヴァージョンとして録音していた点である。その後、彼女はプロデューサーのJohn Congleton、ストリングス・アレンジャーのJherek Bischoff、そしてオーケストラ的な編成を取り入れ、楽曲を壮大な音響世界へと発展させた。後に発表される『Whole New Mess』（2020年）は、これらの楽曲のより裸に近い形を提示する作品であり、『All Mirrors』と対になる存在として位置づけられる。その意味で『All Mirrors』は、曲そのものの骨格だけでなく、アレンジによって感情がどのように変化するかを示す作品でもある。
Angel Olsenのキャリアにおいて、本作は『My Woman』で開花した表現の拡張をさらに押し進めたアルバムである。初期の『Half Way Home』（2012年）や『Burn Your Fire for No Witness』（2014年）では、フォークやローファイなギター・サウンドを基盤に、孤独や愛の不確かさが親密に歌われていた。『My Woman』では、そこにロックのエネルギーと長尺曲のドラマ性が加わった。そして『All Mirrors』では、個人的な感情が映画音楽のような巨大な音響の中に投影される。これは単なるサウンドの豪華化ではなく、Angel Olsenの歌が持つ演劇性、孤独のスケール、自己認識の複雑さを音楽的に拡大する試みである。
影響関係としては、Scott Walkerのオーケストラル・ポップ、Kate Bushのアートポップ的な演劇性、David Bowieのベルリン期以降の冷ややかな美学、Cocteau TwinsやMazzy Starに通じる夢幻性、そしてRoy Orbison的な劇的なヴォーカル表現が挙げられる。また、シンセサイザーとストリングスの組み合わせには、1980年代のゴシック・ポップやニューウェイヴ、さらには映画音楽的な質感も感じられる。しかしAngel Olsenは、これらの要素を単なる引用として用いるのではなく、自身の声を中心に据えた独自の世界へと統合している。
2010年代後半のインディー・シーンにおいて、『All Mirrors』は重要な作品である。Mitski、Sharon Van Etten、Weyes Blood、Big Thief、Julia Jacklin、Cate Le Bonらが、シンガーソングライター的な内省と広い音楽的実験を結びつけていた時代に、本作はその流れの中でも特に壮大で暗い輝きを放った。個人的な失恋や孤独を扱いながら、それを部屋の中の小さな告白に留めず、鏡張りの大広間のような音響空間へと拡張した点が、本作の大きな意義である。
全曲レビュー
1. Lark
オープニング曲「Lark」は、『All Mirrors』の壮大な世界を一気に提示する重要な楽曲である。7分近い長尺の中で、静かな導入から激しい感情の奔流へと展開し、Angel Olsenのキャリアにおける最も劇的な楽曲のひとつとなっている。タイトルの“Lark”は鳥のヒバリを意味し、飛翔や歌を連想させるが、ここでの楽曲は単純な解放感よりも、長く抑え込まれてきた感情が空へ向かって噴き上がるような緊張を持つ。
冒頭では、ピアノとストリングスが暗く広がり、Angel Olsenの声が慎重に置かれる。彼女の歌唱は抑制されているが、その背後にはすでに大きな感情の圧力がある。曲が進むにつれて、ストリングスは厚みを増し、ドラムが加わり、ヴォーカルはより強く開かれていく。この展開は、単なる盛り上がりではなく、関係の破綻や自己認識の崩壊が音として形を取る過程のように響く。
歌詞では、愛の中で自分が置かれていた状況を振り返り、相手との関係における失望や怒り、そしてそこから離れようとする意志が描かれる。Angel Olsenの言葉は、相手を一方的に断罪するだけではなく、自分自身がその関係に何を求め、何を見落としていたのかを見つめている。ここで重要なのは、痛みが単なる悲しみではなく、認識へと変わっていく点である。
「Lark」は、アルバム全体のテーマを凝縮している。愛の記憶は美しいだけではなく、時に自己像を歪ませる鏡となる。その歪みに気づいたとき、人は痛みを通して自分を見直さざるを得ない。この曲は、その瞬間を壮大なアートロック／バロックポップとして描き出している。
2. All Mirrors
タイトル曲「All Mirrors」は、本作のコンセプトを最も明確に示す楽曲である。冷たいシンセサイザー、規則的なビート、重厚なストリングス、深いリヴァーブに包まれたヴォーカルが一体となり、アルバム全体の中でも特にゴシックで幻想的な質感を持つ。前作『My Woman』のギター主体の音像から大きく離れ、Angel Olsenが新たな音楽的領域へ進んだことを象徴する曲である。
歌詞における「すべての鏡」は、自己認識の多重性を表している。人は自分自身を直接見ることができず、記憶、他者の視線、恋愛の経験、過去の選択といった鏡を通して自分を理解する。しかし、それらの鏡は必ずしも正確ではない。相手に映った自分、過去に信じていた自分、失恋後に見える自分は、それぞれ異なる像を持っている。この曲は、その複数の像が重なり合い、どれが本当の自分なのか分からなくなる状態を描いている。
音楽的には、シンセポップとオーケストラル・ポップの融合が印象的である。ドラムは機械的な感触を持ち、シンセサイザーは冷たく広がる。その上にストリングスが加わることで、曲は無機質さと劇的な情感を同時に獲得している。Angel Olsenの声は、その巨大な音響の中に埋もれるのではなく、中心から強い輪郭を放っている。
この曲の重要性は、個人的な感情を抽象的かつ視覚的なイメージへと変換している点にある。恋愛の終わりや自己喪失は、単なる出来事ではなく、鏡の迷宮に入り込むような体験として描かれる。『All Mirrors』というアルバムが、内面的でありながら映画的なスケールを持つ理由は、この曲に集約されている。
3. Too Easy
「Too Easy」は、アルバムの中で比較的穏やかなメロディを持ちながら、歌詞には複雑な感情が込められている楽曲である。タイトルの「簡単すぎる」という表現は、恋に落ちること、相手を信じること、あるいは過去のパターンに戻ってしまうことの危うさを示している。Angel Olsenの楽曲では、愛はしばしば理性を超えて人を引き寄せる力として描かれるが、その容易さは必ずしも幸福を意味しない。
サウンドは、前二曲の劇的な重さに比べるとやや柔らかく、浮遊感がある。シンセサイザーとストリングスは控えめに重なり、ヴォーカルの周囲に淡い光を与える。リズムは急がず、曲全体に夢の中を漂うような質感がある。ただし、その夢幻性は安心感というより、現実感が薄れていくような不安を含んでいる。
歌詞では、相手への接近があまりにも自然で、抵抗できないものとして描かれる。しかし、そこには過去の痛みを繰り返す可能性もある。人は傷ついた経験を持ちながら、それでも同じような関係に引き寄せられることがある。「Too Easy」は、その心理を静かに描いている。愛が簡単に始まるからこそ、そこから抜け出すことは難しくなる。
この曲は、アルバム全体の中で感情の強度を一時的に緩める役割を果たすが、テーマとしては非常に重要である。『All Mirrors』は、痛みの後に自分を見直すアルバムであると同時に、なぜ人は同じように愛し、同じように傷つくのかを問う作品でもある。
4. New Love Cassette
「New Love Cassette」は、タイトルからして過去と現在、アナログな記憶と新しい恋愛の感覚を結びつける楽曲である。“Cassette”という言葉は、録音、再生、巻き戻し、劣化する記憶を連想させる。そこに“New Love”が組み合わされることで、新しい愛でありながら、どこか過去のパターンを再生しているような感覚が生まれる。
音楽的には、ゆったりとしたテンポと甘く霞んだ音像が特徴である。シンセサイザーは柔らかく、ストリングスは控えめに広がり、Angel Olsenのヴォーカルは夢の中で響くように配置されている。曲全体にはロマンティックな空気があるが、それは明るく開放的なものではなく、薄暗い部屋で古いテープを再生しているような親密さを持つ。
歌詞では、新しい関係に向かう感覚と、その中に潜む既視感が描かれる。恋愛が始まるとき、人は新しさを信じようとする。しかし同時に、過去の記憶や傷が現在の関係に影を落とすこともある。この曲の“cassette”という比喩は、感情が単純に更新されるのではなく、何度も録音され、再生され、上書きされるものであることを示している。
Angel Olsenの表現は、恋愛を純粋な再出発として描かない。むしろ、過去の自分を引き連れたまま新しい関係へ入っていく複雑さを捉える。「New Love Cassette」は、その曖昧で美しい瞬間を、柔らかなアートポップとして描いた楽曲である。
5. Spring
「Spring」は、アルバムの中でも特に時間の流れと変化を意識させる楽曲である。春という季節は、一般的には再生、始まり、生命力を象徴する。しかし本作における「Spring」は、単純な希望の季節ではない。むしろ、過去が終わった後に新しい時間が始まってしまうことへの戸惑いが含まれている。
サウンドは穏やかで、ストリングスとピアノ、柔らかなリズムが中心となる。曲は大きく爆発するのではなく、ゆっくりと広がっていく。Angel Olsenの歌唱には、過去を振り返る静けさと、変化を受け入れようとする慎重さが同居している。アルバム前半の重厚な音像の中では、比較的温度のある楽曲といえる。
歌詞では、若さ、時間、記憶、愛の変化が描かれる。春は新しい季節であると同時に、過ぎ去った冬を意識させる季節でもある。何かが始まるということは、何かが終わったことを意味する。この曲では、その両義性が重要である。Angel Olsenは、再生を明るく単純なものとして扱わず、喪失を抱えたまま進むこととして描いている。
「Spring」は、『All Mirrors』の中で比較的柔らかな光を差し込む楽曲である。しかし、その光は過去の痛みを消すものではない。むしろ、痛みが残っているからこそ、季節の変化がより強く意識される。この曲は、アルバムにおける時間の感覚を深める重要な役割を持っている。
6. What It Is
「What It Is」は、アルバムの中でもリズムの推進力があり、比較的ポップな構造を持つ楽曲である。タイトルの「それが何であるか」という言葉は、感情や関係性を定義しようとする態度を示している。しかし、Angel Olsenの作品では、愛や自己認識が簡単に名づけられることは少ない。この曲でも、何かを理解しようとしながら、それが言葉からこぼれ落ちていく感覚がある。
サウンドは、シンセサイザーとドラムが明確な輪郭を作り、ストリングスがその上に劇的な陰影を加える。リズムは前へ進むが、音像には冷たさと広がりがある。Angel Olsenの声は力強く、曲全体に明確な中心を与えている。ここでは、『All Mirrors』の中でも特にニューウェイヴ的な感覚が表れている。
歌詞では、自分の感情を相手や関係の中でどう位置づけるのかが問われる。恋愛の中で人はしばしば、相手の言葉や態度に自分の価値を委ねてしまう。しかしこの曲では、そうした外部の定義から少しずつ距離を取ろうとする姿勢が感じられる。「それはそれでしかない」と受け止めることは、諦めではなく、過剰な意味づけから自由になる行為でもある。
この曲は、アルバム全体の重い内省の中に動きを与える存在である。痛みを分析し続けるのではなく、それをあるがままに認識し、前へ進む。その感覚が、リズムの推進力と結びついている。
7. Impasse
「Impasse」は、タイトルが示す通り、行き詰まりを主題にした楽曲である。恋愛、自己認識、人生の選択において、どちらにも進めない状態がここでは描かれる。“Impasse”とは、出口のない袋小路であり、交渉や関係が進展しない状態でもある。『All Mirrors』の中で、この曲は停滞と孤立を象徴する位置にある。
音楽的には、暗く重い空気が支配している。シンセサイザーとストリングスは低く広がり、曲全体に不穏な圧力を与える。リズムは急がず、むしろ足を取られるような重さがある。Angel Olsenの声は、その暗い音響の中で孤独に響き、語り手が閉じ込められている感覚を強めている。
歌詞では、関係の中で繰り返される問題や、変わらない状況への疲労が示唆される。前に進みたいが進めない。離れたいが離れられない。理解したいが理解できない。このような矛盾が、曲全体の緊張を生んでいる。Angel Olsenは、行き詰まりを劇的な破局としてではなく、長く続く心理状態として描く。
「Impasse」は、アルバムの中でも決して派手な曲ではないが、本作の暗部を支える重要な楽曲である。鏡に映った自分を見つめ続けても、答えが出ないことがある。その答えのなさ、出口のなさが、この曲の核心である。
8. Tonight
「Tonight」は、アルバムの終盤に向けて、より親密で静かな空気を持つ楽曲である。タイトルの「今夜」は、特定の時間を示すと同時に、一時的な感情の避難場所のようにも機能する。過去や未来ではなく、今夜という限られた時間の中で何を感じ、何を手放すのかが問われる。
サウンドは比較的抑制されており、Angel Olsenの声が前面に出る。ストリングスや鍵盤は大きく主張せず、曲の周囲に柔らかな陰影を与える。アルバム前半の壮大な構築に比べると、この曲はより部屋の内側に戻ってくるような親密さがある。しかし、その親密さは初期作品のローファイな質感とは異なり、洗練された音響の中で作られている。
歌詞では、夜という時間が、感情を整理するための空間として描かれる。日中の現実や他者の視線から離れ、夜にだけ見えてくる本音がある。Angel Olsenはここで、過去の関係や自分の選択を静かに見つめている。大きな宣言ではなく、静かな受容に近い感覚がある。
「Tonight」は、『All Mirrors』の後半において、重厚な音響から少し距離を取り、歌そのものの核心を浮かび上がらせる役割を持つ。壮大な鏡の迷宮を通った後、聴き手は再び一人の声の近くへ戻される。
9. Summer
「Summer」は、「Spring」と対になるように、季節のイメージを通じて時間と感情の変化を描く楽曲である。夏は一般的に開放感、熱、明るさを連想させるが、本作における「Summer」には、熱が過ぎ去った後の疲労や、記憶が強い光に焼きつけられるような感覚がある。
音楽的には、ゆったりとしたテンポと広い音響が特徴である。ストリングスは豊かに響き、シンセサイザーは曲の背景に深い奥行きを与える。Angel Olsenの声は、どこか遠くの風景を見ているように響き、現在と過去の境界を曖昧にする。
歌詞では、季節の移ろいとともに、感情が変わっていく様子が描かれる。夏はしばしば情熱の象徴だが、その情熱は永遠には続かない。強い光の中で見えていたものが、時間とともに別の意味を持ち始める。この曲は、愛や記憶が季節とともに変質していくことを静かに示している。
「Summer」は、アルバムにおける時間の循環をより明確にする楽曲である。「Spring」が再生の戸惑いを描いたのに対し、「Summer」は熱を帯びた記憶の残響を描いている。Angel Olsenは季節を単なる背景ではなく、感情の状態を映す鏡として用いている。
10. Endgame
「Endgame」は、タイトル通り終局、最終局面、避けられない結末を意識させる楽曲である。チェスなどで使われる“endgame”という言葉には、すでに大きな流れが決まり、残された手の中で結末へ向かう段階という意味がある。恋愛や人生の関係性においても、修復ではなく終わりへ向かっていることを理解してしまう瞬間がある。
サウンドは暗く、抑制されている。アルバム全体の中でも、終盤らしい重さと静けさがある。大きく爆発するのではなく、すでに結論が見えている状態の疲労が音に反映されている。Angel Olsenの歌唱は、感情を叫ぶというより、終わりを見つめる視線として響く。
歌詞では、関係の終わりを受け入れることの難しさが描かれる。終わりが見えていても、人はすぐにそこから離れられるわけではない。むしろ、終わりが近いと分かるからこそ、過去の記憶や未練が強く浮かび上がる。この曲は、その最終局面における静かな葛藤を描いている。
「Endgame」は、『All Mirrors』の終盤において、アルバム全体の感情を収束させる役割を果たす。ここでは、劇的な解放ではなく、避けられない結末への認識が重要である。Angel Olsenは、終わりを単なる破局ではなく、自己を見直すための厳しい地点として提示している。
11. Chance
ラスト曲「Chance」は、『All Mirrors』の締めくくりにふさわしい、壮大でありながら深い諦念を帯びたバラードである。タイトルの「Chance」は、機会、偶然、可能性を意味する。アルバム全体が鏡を通して過去と自己を見つめる作品であるなら、この曲は最後に残された可能性をどう受け止めるのかを問う楽曲である。
音楽的には、クラシックなバラードの形式を持ちながら、ストリングスと広い空間処理によって映画的なスケールを獲得している。Angel Olsenの声は非常に力強く、同時に深い孤独を含んでいる。曲はゆっくりと進み、最後に向けて大きな余韻を残す。ここには、Roy Orbison的なドラマ性や、古典的なポップ・バラードの情感が現代的に再構成されている。
歌詞では、誰かとの関係における可能性が、すでに過ぎ去ったものとして見つめられる。まだ別の未来があったのかもしれない。別の選択をしていれば違う結末があったのかもしれない。しかし、過去は変えられない。この曲では、その事実を悲しみながらも受け入れる姿勢が描かれている。
「Chance」は、アルバムを明確な希望で閉じるわけではない。むしろ、希望と諦めが同時に存在する地点で終わる。可能性はあった。しかし、それは実現しなかった。だからこそ、その可能性の残響が美しく、痛ましいものとして残る。この曲によって『All Mirrors』は、自己解放のアルバムというより、自己を見つめ続けた後に残る静かな余韻の作品として完結する。
総評
『All Mirrors』は、Angel Olsenのディスコグラフィーの中でも最も壮大で、最も演劇的な作品である。初期のフォーク的な親密さや、『My Woman』で確立されたロック的なダイナミズムを基盤にしながら、本作ではストリングス、シンセサイザー、オーケストラルなアレンジを大胆に取り入れ、個人的な感情を巨大な音響空間へと拡張している。その結果、アルバムは単なるインディーロック作品を超え、アートポップ／バロックポップとしての完成度を持つに至った。
本作の中心にあるのは、自己認識の揺らぎである。恋愛の終わり、関係の行き詰まり、記憶の変質、季節の移ろい、過去の選択。それらはすべて、鏡のように語り手へと返ってくる。しかし、鏡に映る像は一つではない。相手に映った自分、過去に信じていた自分、失恋後に見えてくる自分、孤独の中でようやく認識できる自分。それらが重なり合い、時に矛盾しながら、アルバム全体を形作っている。
音楽的には、Angel Olsenの声が常に中心にある。どれほどストリングスが壮大に鳴り、シンセサイザーが冷たく広がっても、楽曲の核にあるのは彼女の歌唱である。彼女の声は、クラシックなポップ・シンガーのような劇性、フォーク・シンガーの親密さ、ロック・ヴォーカリストの強度を兼ね備えている。本作では、その声が巨大な音響に押し流されることなく、むしろ大きな空間を支配している点が重要である。
『All Mirrors』は、前作『My Woman』と比較すると、即効性のあるロック・ソングは少ない。代わりに、楽曲はより重く、長く、濃密である。聴き手に対しても、単純なフックやギターの勢いではなく、音響の層、歌詞の曖昧さ、声の表情、アルバム全体の流れに集中することを求める。その意味で、本作はAngel Olsenの作品の中でも特に没入型のアルバムである。
歌詞の面では、愛と喪失が繰り返し扱われるが、それらは単なる失恋の物語にはならない。Angel Olsenは、愛がどのように自己像を変化させるのか、過去の関係がどのように現在の自分を映し返すのかを探っている。「Lark」では感情の噴出が描かれ、「All Mirrors」では自己像の多重性が提示され、「Spring」や「Summer」では時間の流れが感情と結びつけられ、「Chance」では実現しなかった可能性が静かに見つめられる。アルバム全体は、ひとつの関係の終わりを描いているようでありながら、実際には自分自身を見つめる長い過程を描いている。
2010年代後半の音楽シーンにおいて、本作はインディー・シンガーソングライターが大規模なアレンジと結びついた重要な例である。Weyes Bloodの『Titanic Rising』、Sharon Van Ettenの『Remind Me Tomorrow』、Mitskiの『Be the Cowboy』などと同様に、個人的な感情をクラシックなポップス、アートロック、シンセポップの語法へと拡張する流れの中に位置づけられる。特に『All Mirrors』は、その暗さと豪華さ、親密さと巨大さのバランスにおいて独自の存在感を持つ。
日本のリスナーにとっては、Angel Olsenのフォーク／ロック的な側面から入った場合、本作のシンセサイザーやストリングスの重厚さに最初は驚くかもしれない。しかし、楽曲の中心にあるメロディと歌詞のテーマは、彼女の過去作と連続している。『My Woman』の「Sister」や「Woman」に見られた長尺でドラマティックな展開が、本作ではアルバム全体の美学へと拡張されたと捉えると理解しやすい。
評価として、『All Mirrors』はAngel Olsenの代表作のひとつであり、彼女のアーティスト性を大きく押し広げたアルバムである。過去作の親密な魅力とは異なるが、自己を見つめるための音楽として、また感情を壮大な音響へと変換する作品として、非常に高い完成度を持っている。鏡に映る像が一つではないように、本作もまた一度で把握できるアルバムではない。聴くたびに、別の表情、別の痛み、別の美しさを映し返す作品である。
おすすめアルバム
1. Angel Olsen – My Woman（2016）
『All Mirrors』の前作であり、Angel Olsenがフォーク／ローファイの枠を越えて、ロック、ドリームポップ、サイケデリックな展開へ踏み出した重要作。「Sister」や「Woman」に見られる長尺でドラマティックな構成は、『All Mirrors』の壮大な音響世界への直接的な前段階といえる。
2. Angel Olsen – Whole New Mess（2020）
『All Mirrors』収録曲の原型に近いソロ録音を中心とした作品。ストリングスやシンセサイザーによる豪華なアレンジを取り払うことで、楽曲そのものの骨格と歌詞の孤独がより明確になる。『All Mirrors』と対で聴くことで、同じ曲が音響によってどのように異なる意味を持つかを理解できる。
3. Weyes Blood – Titanic Rising（2019）
クラシックなポップス、オーケストラルなアレンジ、現代的な不安感を融合させた2010年代後半の重要作。『All Mirrors』と同じく、個人的な感情を大きな音響空間へと拡張している。よりメロディアスで柔らかな光を持つが、壮大さと内省性の結びつきという点で関連性が高い。
4. Sharon Van Etten – Remind Me Tomorrow（2019）
Sharon Van Ettenがギター中心のシンガーソングライター的表現から、シンセサイザーを用いたダークで広がりのあるインディーロックへ進んだ作品。『All Mirrors』と同様に、過去の痛みや自己変化を、より大きな音響スケールで描いている。2019年のインディー・シーンを象徴する一枚である。
5. Kate Bush – Hounds of Love（1985）
アートポップ、演劇的な歌唱、物語性、シンセサイザーと壮大なアレンジを融合させた歴史的名盤。Angel Olsenの『All Mirrors』に見られる劇的な構成や、内面の感情を大きな音楽的世界へ変換する手法を理解するうえで重要な参照点となる。クラシックなポップの形式を超えた表現として関連性が高い。
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