発売日：2017年2月24日
ジャンル：ネオ・サイケデリア、サイケデリック・ロック、クラウトロック、ポストパンク、エクスペリメンタル・ロック
概要
Don’t Get Lost は、The Brian Jonestown Massacreが2017年に発表したスタジオ・アルバムである。2016年の Third World Pyramid に続く作品であり、Anton Newcombeを中心とするバンドが、従来の1960年代サイケデリック・ロック／ガレージ・ロックへの偏愛を保ちながらも、より電子的で、クラウトロック的で、ポストパンク的な質感へ踏み込んだアルバムとして位置づけられる。
The Brian Jonestown Massacreは、1990年代から一貫して、過去のサイケデリック・ロックの遺産を単なる復古趣味ではなく、現在進行形の地下音楽として再構築してきたバンドである。初期にはThe Rolling Stones、The Velvet Underground、The Byrds、Love、13th Floor Elevators、Spacemen 3などの影響が濃厚に表れ、ガレージ・ロック、フォーク・ロック、ローファイ、ドローン、ネオ・サイケデリアが混然一体となっていた。しかし2010年代以降の作品では、Anton Newcombeがベルリンを拠点に活動していることも反映され、電子音楽、クラウトロック、ミニマルな反復、機械的なリズムの影響がより明確になっていく。Don’t Get Lost は、その変化をかなりはっきりと示す作品である。
タイトルの Don’t Get Lost は、「迷うな」「見失うな」という意味を持つ。The Brian Jonestown Massacreの音楽は、もともと幻覚的で、方向感覚を失わせるようなサウンドを特徴としてきた。したがって、このタイトルには強い逆説がある。迷宮のようなサイケデリック・サウンドの中で、迷うなと告げる。反復するビート、ノイズ、電子音、歪んだギター、冷たい声の中で、聴き手はむしろ意識の座標を揺さぶられる。つまり本作のタイトルは、安定した道案内ではなく、迷うことを前提にした警告のように響く。
音楽的には、従来のThe Brian Jonestown Massacre作品に見られた60年代的なメロディやガレージ・ロックの荒々しさよりも、リズムの反復、音響の層、電子的な処理、低温のグルーヴが目立つ。クラウトロックの影響、特にCan、Neu!、Faust、Clusterといったドイツ実験音楽の系譜を思わせる反復性が、本作の基礎にある。また、ポストパンクやインダストリアル以降の冷たい音像も感じられ、従来のサイケデリック・ロックをより都市的、機械的、断片的な方向へ拡張している。
本作には、The Brian Jonestown Massacreらしいメロディアスな美しさも残っているが、それは以前の Strung Out in Heaven や Thank God for Mental Illness のようなフォーク的、ローファイ的な親密さとは異なる。ここでの美しさは、温かい歌心というより、霧の中に浮かぶネオンのような冷たい美しさである。声はしばしば音響の一部として扱われ、歌詞も明確な物語というより、断片的な言葉、反復、気配として機能する。アルバム全体は、曲の集合というより、夜の都市をさまようような音響体験として聴くことができる。
The Brian Jonestown Massacreの長いキャリアにおいて、本作は「過去の再演」から「過去の素材を使った現在形の音響実験」へ移行した作品として重要である。Anton Newcombeは、1990年代には60年代ロックの亡霊を呼び戻す存在として見られることが多かったが、2010年代の彼は、過去のサイケデリアをクラウトロックや電子音楽の反復と結びつけ、より抽象的で現代的な音像へ向かっている。Don’t Get Lost は、その方向性をはっきり示したアルバムであり、バンドのディスコグラフィの中でも実験性の高い一枚である。
全曲レビュー
1. Open Minds Now Close
オープニング曲「Open Minds Now Close」は、アルバムの入口として非常に象徴的な楽曲である。タイトルは「開かれた心が今や閉じる」といった意味に取れ、精神の開放と閉塞が同時に示されている。サイケデリック・ミュージックは本来、意識の拡張や感覚の開放と結びついてきたが、本曲ではその開放がすでに危機に瀕している。心を開くことができなくなった時代、あるいは開放そのものが制度化され、逆に閉じていく感覚がある。
音楽的には、重く反復するリズムと、冷たい音響の層が印象的である。従来のギター・ロック的な勢いよりも、グルーヴの持続と音の質感が中心に置かれている。ギターはコードをかき鳴らすというより、音の膜やノイズとして機能し、電子的な響きと混ざり合う。ヴォーカルも前面に出るというより、全体のサウンドの中で漂うように配置されている。
歌詞のテーマは、意識の閉塞、社会的な不信、精神の遮断として読める。The Brian Jonestown Massacreの初期作品にあったロマンティックなサイケデリアとは異なり、ここではサイケデリアがより冷たく、現代的な不安の表現になっている。アルバム冒頭から、本作が単なる懐古的な60年代ロックではなく、閉ざされた時代のサイケデリック・ミュージックであることを示している。
2. Melodys Actual Echo Chamber
「Melodys Actual Echo Chamber」は、フランスのサイケデリック・ポップ・アーティスト、Melody’s Echo Chamberを連想させるタイトルを持つ楽曲である。タイトル自体が、現代のネオ・サイケデリアに対する言及、あるいは皮肉や返答のように響く。The Brian Jonestown Massacreは1990年代からサイケデリック・ロックを現代化してきたバンドであり、本曲のタイトルには、サイケデリアが世代を越えて反響し続ける様子が含まれている。
音楽的には、反復するリズムと浮遊する音響が中心であり、曲名通りエコーの感覚が重要である。声や楽器の輪郭は明確すぎず、空間の中で反響し、重なり、にじんでいく。メロディは存在するが、それは伝統的なポップ・ソングのように前景化されるのではなく、音響の奥で揺れる。サイケデリック・ポップの甘さを持ちながら、それをより曖昧で実験的な方向へ引き伸ばしている。
歌詞やタイトルの構造からは、反響、引用、模倣、再解釈の問題が浮かび上がる。サイケデリック・ロックは常に過去の音を反響させてきたジャンルであり、The Brian Jonestown Massacre自身もその反響の中で活動してきた。本曲は、その反響が現代の別のアーティスト名を通じてさらに反射するような、メタ的なサイケデリアを持つ楽曲である。
3. Resist Much Obey Little
「Resist Much Obey Little」は、本作の中でも最も政治的な響きを持つタイトルである。「大いに抵抗し、少しだけ従え」と訳せるこの言葉は、反権威、反服従、個人の意志を強く示す。The Brian Jonestown Massacreは、直接的な政治メッセージを掲げるバンドというより、文化的反抗、音楽産業への不信、商業主義からの距離によって反体制性を示してきた。本曲は、その姿勢をより明確な言葉で表したものと言える。
音楽的には、冷たいビートと反復するフレーズが強く、ポストパンクやクラウトロックの影響が明確である。直線的なロックンロールではなく、機械的な反復によって緊張を作る。ギターや電子音は鋭く、音の間には不穏な空白がある。歌は演説のように前へ出るのではなく、抑制されたトーンで配置されており、その冷静さがかえって反抗の持続力を感じさせる。
歌詞のテーマは、権力への不信、従属の拒否、精神的な独立である。ただし、これは単純なスローガンに終わっていない。音楽が作る反復的で催眠的な空間の中で、抵抗という言葉は個人の内面にも向けられる。社会に従いすぎるな、同時に自分の中の惰性や恐怖にも従いすぎるな、という二重のメッセージとして響く。
4. Charmed I’m Sure
「Charmed I’m Sure」は、皮肉を含んだタイトルが印象的な楽曲である。「きっと魅了されたのだろう」といった意味に取れるが、その語感には本気の感嘆よりも、距離を置いた冷笑がある。The Brian Jonestown Massacreの歌詞には、魅力、誘惑、幻想、そしてそれに対する不信がしばしば現れる。本曲も、何かに惹かれながら、その魅力を完全には信じていないような感覚を持つ。
音楽的には、比較的メロディアスでありながら、サウンドは冷たい。従来のガレージ・ロック的な熱量よりも、リズムと音響の反復が中心にある。シンセサイザー的な音や処理されたギターが、曲にどこか非人間的な質感を与えている。メロディは甘くなりすぎず、常に少し距離を保っている。
歌詞では、誘惑されること、魅了されること、そしてその状態を疑うことが描かれていると考えられる。The Brian Jonestown Massacreにおいて、魅力はしばしば危険である。美しいもの、魅力的な人、理想的な文化、音楽的な過去。そうしたものに惹かれるほど、主体はそこに飲み込まれる危険を持つ。本曲は、その曖昧な距離感を巧みに表現している。
5. Groove Is in the Heart
「Groove Is in the Heart」は、タイトルからしてダンス・ミュージックやポップ・カルチャーへの参照を感じさせる楽曲である。同名の有名曲を連想させる題名だが、The Brian Jonestown Massacreの文脈では、それをそのまま陽気なダンス・ポップとして扱うのではなく、より暗く、反復的で、サイケデリックなものへ変換している。ここでのグルーヴは、明るい祝祭ではなく、意識を沈める反復運動である。
音楽的には、低くうねるリズムが中心にあり、ベースとビートが曲の骨格を作る。ギターや電子音は、その上に色彩やノイズを加える役割を果たす。The Brian Jonestown Massacreの初期作品では、ギターのざらつきやフォーク的なメロディが中心だったが、本曲ではリズムそのものが主役になっている。これは本作全体の特徴でもある。
歌詞やタイトルのテーマは、音楽の身体性に関わっている。グルーヴは頭で理解するものではなく、身体の中に入るものとして提示される。しかし、その身体性は健康的で明るいものではなく、どこか催眠的で、逃れにくい。心臓の鼓動のように反復するグルーヴは、快楽であると同時に拘束でもある。本曲は、The Brian Jonestown Massacreがサイケデリアをダンス的な反復へ接続した重要な一曲である。
6. One Slow Breath
「One Slow Breath」は、タイトルが示す通り、ゆっくりとした呼吸をテーマにした楽曲である。アルバム全体がノイズ、反復、電子的な冷たさ、不穏な都市感覚を持つ中で、この曲は呼吸という非常に身体的で基本的な行為に焦点を当てている。呼吸は生きていることの証であり、同時に不安を鎮めるための行為でもある。
音楽的には、比較的ゆったりとしたテンポで、サウンドには瞑想的な広がりがある。ただし、それは温かいフォーク的な静けさではなく、霧のかかったようなサイケデリックな静けさである。音の層は薄く見えて、実際には細かな響きが重なり、ゆっくりと変化していく。曲全体が一つの長い呼吸のように進む。
歌詞の主題は、緊張からの解放、意識の集中、あるいは不安の中で自分を保つこととして読める。Don’t Get Lost というタイトルを考えると、この曲は迷わないための方法としての呼吸を示しているようにも思える。混乱した音響の中で、ひとつのゆっくりした呼吸だけが、自己をつなぎとめる。アルバムの中で静かな支点となる楽曲である。
7. Throbbing Gristle
「Throbbing Gristle」は、イギリスのインダストリアル・ミュージックの先駆的グループThrobbing Gristleを直接想起させるタイトルを持つ。The Brian Jonestown Massacreがこの題名を用いることは、本作が従来のサイケデリック・ロックやガレージ・ロックだけでなく、より実験的で不穏な音楽史とも接続していることを示している。インダストリアル、ポストパンク、ノイズ、反復といった要素が、本作の音響を理解するうえで重要である。
音楽的には、冷たく、機械的で、やや不気味な質感を持つ。ロック・バンドの自然なグルーヴというより、装置が作動しているような反復が中心にある。音の表面はざらつき、声や楽器は人間的な温かさよりも、音響的な効果として配置されている。The Brian Jonestown Massacreのサイケデリアが、ここではかなり工業的な方向へ変形している。
歌詞やタイトルのテーマは、身体と機械、快楽と不快、反復と支配に関わっている。Throbbing Gristleという名前そのものが肉体的で不穏な響きを持つように、本曲も身体感覚を歪ませる音として機能する。サイケデリック・ミュージックが意識を拡張するものだとすれば、ここではその拡張が快いものではなく、神経を削るような体験として提示されている。
8. Fact 67
「Fact 67」は、タイトルの無機質さが印象的な楽曲である。「事実」と数字の組み合わせは、感情的な表現というより、資料、記録、番号、分類を連想させる。The Brian Jonestown Massacreの音楽には、ロマンティックなサイケデリアと同時に、冷たい観察や皮肉の視点が存在する。本曲のタイトルは、その後者を強く感じさせる。
音楽的には、ミニマルな反復と音響の配置が中心で、従来のヴァース／コーラス型のロック・ソングとは距離がある。ビートは淡々と進み、ギターや電子音がその周囲で断片的に現れる。曲は大きなドラマへ向かうのではなく、同じ状態を維持しながら少しずつ変化する。これはクラウトロック的な発想に近い。
歌詞やタイトルのテーマは、情報化された現実、感情を数字や事実に還元する冷たさとして読むことができる。サイケデリアは本来、主観的な体験を広げる音楽だが、本曲ではその主観が無機質なデータのように扱われている。その違和感が、2010年代のThe Brian Jonestown Massacreらしい現代性を生んでいる。
9. Dropping Bombs on the Sun
「Dropping Bombs on the Sun」は、非常に強烈で詩的なタイトルを持つ楽曲である。「太陽に爆弾を落とす」という表現は、破壊の対象として最も巨大で根源的な光を選んでいる。太陽は生命、明るさ、中心、希望を象徴するが、それに爆弾を落とすというイメージは、自己破壊的でありながら、どこか不可能な行為でもある。The Brian Jonestown Massacreらしい誇張された破滅の詩である。
音楽的には、暗い反復と重い空気が印象的で、曲全体に終末的な雰囲気がある。ギターや電子音は、光を照らすというより、煙や灰のように空間を覆う。ビートは淡々としているが、その淡々とした進行が逆に破壊の不可避性を感じさせる。激情的に叫ぶのではなく、冷静に世界の終わりを眺めているような音楽である。
歌詞のテーマは、破壊衝動、反抗、希望への攻撃、あるいは過剰な絶望として読める。太陽を破壊することは不可能だが、その不可能さこそが重要である。現実を変えられない無力感が、極端なイメージとして表現されている。本曲は、アルバム後半において、Don’t Get Lost の暗く実験的な側面をさらに深める一曲である。
10. Acid 2 Me Is No Worse Than War
「Acid 2 Me Is No Worse Than War」は、本作の中でも特にThe Brian Jonestown Massacreらしい挑発的なタイトルを持つ。直訳すれば「私にとってアシッドは戦争より悪くない」といった意味になる。ここでの「Acid」はLSDなどの幻覚剤を連想させると同時に、サイケデリック文化そのものの象徴でもある。タイトルは、社会が個人の意識拡張や薬物文化を危険視する一方で、戦争のような大規模な暴力を制度として受け入れていることへの皮肉として読める。
音楽的には、反復性と不穏な音響が強く、まさに酸によって意識が溶けていくような感覚がある。ただし、1960年代的なカラフルなアシッド・ロックではなく、より冷たく、現代的で、神経質なサイケデリアである。ビートは機械的に進み、ギターや電子音はその上で歪んだ光のように揺れる。
歌詞のテーマは、薬物、戦争、社会的偽善、意識の自由に関わっている。The Brian Jonestown Massacreは、薬物文化を単純に賛美するバンドではないが、社会が何を危険と見なし、何を許容するのかに対する皮肉をしばしば示す。本曲は、その視点を非常に直接的なタイトルで提示している。個人の意識の変化よりも、制度化された暴力の方がはるかに破壊的ではないのかという問いが、曲全体に漂っている。
11. Nothing New to Trash Like You
「Nothing New to Trash Like You」は、攻撃的で辛辣なタイトルを持つ楽曲である。「君のようなくだらないものにとって新しいものなど何もない」といった意味に取れるこの言葉には、強い軽蔑と疲労感がある。The Brian Jonestown Massacreの歌詞には、しばしば人間関係や音楽業界、文化的な空虚さに対する苛立ちが表れる。本曲はその攻撃的な側面を示している。
音楽的には、サイケデリックな反復とロック的な荒さが混ざっている。曲は大きく爆発するというより、冷たい怒りを持続させるように進む。ギターやビートにはざらつきがあり、ヴォーカルのトーンにも皮肉がにじむ。The Brian Jonestown Massacreの怒りは、パンクのように短く爆発するだけでなく、サイケデリックな反復の中でじわじわと腐食していくことが多い。本曲もそのタイプである。
歌詞のテーマは、退屈な人間、消費される文化、偽物の新しさへの批判として読める。サイケデリック・ロック自体が過去の反復であるという自己矛盾を抱えながらも、The Brian Jonestown Massacreは単なる懐古ではない「現在の不快感」を音にしようとする。本曲の攻撃性は、そのような文化的な苛立ちから生まれている。
12. Ich Bin Klang
「Ich Bin Klang」は、ドイツ語で「私は音である」と訳せるタイトルを持つ。これは本作の中でも非常に重要な楽曲名であり、Anton Newcombeがベルリンを拠点に活動していること、そして本作がクラウトロックやドイツ実験音楽の影響を強く受けていることを象徴している。「私は音である」という表現は、歌い手や主体が意味を伝える存在ではなく、音そのものへ溶けていくことを示している。
音楽的には、反復、電子的な質感、機械的なリズムが中心であり、かなりクラウトロック的な感覚が強い。曲はストーリーを語るより、音の状態を持続させる。ギターやシンセ、声は、個別の楽器というより、ひとつの音響体の要素として機能する。ヴォーカルも意味の中心ではなく、音の一部として配置されている。
歌詞のテーマは、主体の溶解、音響への同化、言語を超えた感覚に関わっている。The Brian Jonestown Massacreはもともと、過去の音楽の亡霊と共に存在するバンドだったが、本曲ではその亡霊的なロック史をさらに抽象化し、音そのものの反復へ近づけている。本作の実験性を象徴する重要曲である。
13. Ich Bin Klang – Edit
「Ich Bin Klang – Edit」は、前曲の別編集版として配置されている。通常のロック・アルバムで同じ曲の編集版を続けて収録することは珍しいが、本作の文脈では非常に意味がある。これは曲を固定された完成形として扱うのではなく、音響素材として変形可能なものと見なす姿勢を示している。The Brian Jonestown Massacreの音楽は、常に過去の引用や反復によって成り立ってきたが、ここでは自分自身の曲を再編集し、別の姿として提示している。
音楽的には、前曲の要素をより凝縮し、別の輪郭で聴かせる。編集によって、反復の印象や音の密度が変化し、同じ素材でも異なる聴こえ方になる。これはクラブ・ミュージックや電子音楽のリミックス文化とも接続する発想であり、The Brian Jonestown Massacreが単なるロック・バンドの形式から離れていることを示している。
歌詞というより音響の変化が重要である。前曲が「私は音である」と宣言するなら、この編集版は、その音が形を変えてもなお同じ存在であり続けることを示している。アルバムの終盤に置かれることで、本作が楽曲集ではなく、反復と変形の音響体験であることを強調している。
14. Don’t Get Lost
タイトル曲「Don’t Get Lost」は、アルバム全体の主題を最も直接的に表す楽曲である。「迷うな」という言葉は、ここまでの混沌とした音響、反復、ノイズ、政治的な苛立ち、薬物的な意識の揺らぎを経た後に、ほとんど不可能な命令のように響く。むしろ本作を聴く体験そのものが、迷うこと、方向感覚を失うことに近い。その中で「Don’t Get Lost」と告げられることが、このアルバムの逆説的な核心である。
音楽的には、重く、暗く、反復的なサウンドが中心であり、終曲にふさわしい余韻を持つ。大きなカタルシスへ向かうというより、迷宮の奥で同じフレーズが響き続けるような感覚がある。ギター、電子音、ビート、声が層をなし、明確な出口を示さないまま進む。タイトル曲でありながら、解決ではなく、迷いの状態そのものを残す点が重要である。
歌詞のテーマは、自己喪失、意識の保持、混乱の中での方向感覚に関わっている。The Brian Jonestown Massacreの音楽は、過去のロック史、薬物文化、反抗、恋愛、精神的不安定さ、都市的な孤独など、無数の要素が絡み合っている。本曲は、それらの中で自分を見失うなと告げながら、同時に見失うことの快楽と危険を提示している。アルバムのラストとして、非常に象徴的な終わり方である。
総評
Don’t Get Lost は、The Brian Jonestown Massacreのキャリアにおいて、サイケデリック・ロックの伝統をより電子的、クラウトロック的、ポストパンク的な音響へ拡張した重要作である。初期のガレージ・ロック的な荒々しさや、フォーク・ロック的なメロディの親密さはここでは後退し、反復、音響、ノイズ、ビート、冷たい質感が前面に出ている。そのため、Take It from the Man! や Strung Out in Heaven のようなメロディアスな60年代ロック志向を期待すると、本作はかなり異質に感じられる可能性がある。しかし、その異質さこそが本作の価値である。
アルバム全体を貫くテーマは、迷失、抵抗、意識の変容、情報化された現実、薬物文化と社会的暴力、音への同化である。「Open Minds Now Close」では開かれたはずの意識が閉じていく時代感覚が示され、「Resist Much Obey Little」では反抗の姿勢が明確に提示される。「Acid 2 Me Is No Worse Than War」では、個人の意識変容と制度化された暴力の対比が示され、「Ich Bin Klang」では主体が音そのものへ溶けていく。そして「Don’t Get Lost」では、混乱の中で自分を見失わないことが、ほとんど不可能な課題として投げかけられる。
音楽的には、クラウトロックの影響が特に重要である。曲が劇的に展開するよりも、反復によって少しずつ意識を変化させる。ロック・ソングの感情的な起伏よりも、音響の持続、ビートの機械性、ノイズの層が重視される。この点で本作は、The Brian Jonestown Massacreが単に1960年代のサイケデリアを再現するバンドではなく、その精神を1970年代ドイツ実験音楽、ポストパンク、電子音楽の文脈へ接続しようとしていることを示している。
また、本作のサウンドにはベルリン的な冷たさがある。The Brian Jonestown Massacreの初期作品にあったサンフランシスコ的なガレージ・サイケ感や、アメリカーナ的なローファイ感覚とは異なり、ここでは都市の夜、電子的な空間、反復する機械音、無機質なビートが支配的である。これはAnton Newcombeの拠点や音楽的関心の変化を反映している。バンドは過去の亡霊を追うだけでなく、過去の素材を使って別の都市的サイケデリアを作り出している。
歌詞面では、従来の恋愛や退廃、自己破壊だけでなく、より政治的、社会的、文化批評的な語彙が目立つ。「Resist Much Obey Little」や「Acid 2 Me Is No Worse Than War」には、権力、戦争、社会的偽善への批判がある。一方で、「Ich Bin Klang」や「Fact 67」では、言語や主体が無機質な音や情報へ変換される感覚がある。The Brian Jonestown Massacreらしい断片性は残っているが、その断片はより現代的で、情報化された社会の不安を映している。
日本のリスナーにとって本作は、The Brian Jonestown Massacreの入口としてはやや難度が高い作品である。メロディアスなサイケデリック・ロックを求めるなら Strung Out in Heaven、ローファイなフォーク性を求めるなら Thank God for Mental Illness、ガレージ・ロック的な衝動を求めるなら Take It from the Man! の方が分かりやすい。しかし、バンドの2010年代以降の実験的な側面、Anton Newcombeが過去のサイケデリアをどのように現代の電子的反復へ接続しているかを理解するには、Don’t Get Lost は非常に重要である。
本作の評価は、従来の「良い曲が並んだアルバム」という基準だけでは測りにくい。むしろ、音響空間としてどれだけ一貫した迷宮を作っているかが重要である。各曲には明確なフックが少ないものもあるが、アルバム全体として聴くと、反復するリズム、冷たい音色、歪んだ声、政治的な苛立ち、薬物的な意識の揺らぎが重なり、一つの暗いサイケデリックな都市風景を作っている。これはThe Brian Jonestown Massacreのディスコグラフィの中でも独特の質感である。
総じて Don’t Get Lost は、The Brian Jonestown Massacreが過去のサイケデリック・ロックの継承者であるだけでなく、反復、電子音響、ポストパンク的な冷たさを通じて現在形のサイケデリアを作り出すバンドであることを示す作品である。迷うなというタイトルを掲げながら、聴き手を音の迷宮へ導く。その矛盾こそが本作の本質であり、バンドの長いキャリアの中でも実験的で挑発的な一枚として評価できる。
おすすめアルバム
1. The Brian Jonestown Massacre – Third World Pyramid
Don’t Get Lost の直前に発表された作品であり、2010年代のThe Brian Jonestown Massacreのサイケデリックな方向性を理解するうえで重要である。本作ほど電子的、実験的ではないが、過去のサイケデリック・ロックを現代的な音像で再構築する姿勢が共通している。両作を続けて聴くことで、Anton Newcombeの2010年代中盤の創作モードが分かりやすくなる。
2. The Brian Jonestown Massacre – Revelation
2014年発表のアルバムで、ベルリン以降のThe Brian Jonestown Massacreの成熟したサイケデリック・サウンドを示す作品である。メロディアスな要素と実験性のバランスが比較的取りやすく、Don’t Get Lost の冷たい音響に入る前の橋渡しとして聴きやすい。2010年代のバンド像を理解するために有効な一枚である。
3. The Brian Jonestown Massacre – Their Satanic Majesties’ Second Request
1996年発表の代表的なサイケデリック作品であり、The Brian Jonestown Massacreの60年代志向が最も濃く表れたアルバムの一つである。Don’t Get Lost がクラウトロックや電子音楽へ接近しているのに対し、こちらはより古典的なネオ・サイケデリアとして機能する。バンドがどのように変化したかを比較するうえで重要である。
4. Can – Tago Mago
クラウトロックの代表作であり、反復するリズム、実験的な音響、即興性、サイケデリックな混沌を結びつけた作品である。Don’t Get Lost に見られるミニマルな反復や、曲を構成よりも状態として聴かせる感覚を理解するうえで、非常に重要な参照点となる。ロックを音響実験へ拡張する発想を体験できる一枚である。
5. Spacemen 3 – Playing with Fire
ネオ・サイケデリアにおける反復、ミニマリズム、薬物的な浮遊感を理解するうえで欠かせない作品である。The Brian Jonestown Massacreのサイケデリックな美学に大きく通じる要素があり、特に音数を絞りながら意識を揺らす方法論に共通点がある。Don’t Get Lost の催眠的で冷たい側面を、より簡潔で霊的な形で体験できる作品である。
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