発売日：1996年3月11日
ジャンル：オルタナティヴ・ロック、ブリットポップ、インディー・ロック、サイケデリック・ロック、シューゲイザー以後のギター・ロック
概要
Rideの4作目となるスタジオ・アルバム『Tarantula』は、1996年に発表された作品であり、バンドの初期活動期における最後のアルバムである。1990年代初頭、Rideは『Nowhere』と『Going Blank Again』によって、シューゲイザー・シーンを代表する存在となった。轟音ギターのレイヤー、淡く浮遊するヴォーカル、疾走感のあるリズム、青春の不安と高揚を同時に感じさせるメロディは、My Bloody ValentineやSlowdiveと並ぶ形で、当時の英国インディー・ロックに大きな影響を与えた。
しかし、Rideのキャリアは一貫して同じ場所に留まるものではなかった。1994年の前作『Carnival of Light』では、60年代ロック、サイケデリア、フォーク・ロック、クラシック・ロックの影響が強まり、初期の轟音シューゲイズから大きく方向転換した。これは当時の英国音楽シーンの変化とも関係している。1990年代半ばにはブリットポップが台頭し、シューゲイザーの曖昧で内向的な音像よりも、明快なソングライティング、英国的なロックの伝統、歌詞やキャラクター性が重視されるようになっていた。Rideもまた、その時代の空気の中で、自分たちの音楽的立ち位置を再定義しようとしていた。
『Tarantula』は、その変化の最終局面にあるアルバムである。だが本作は、バンドの結束が強まった作品というより、むしろ内部の緊張が音楽に刻まれた作品として聴かれることが多い。Andy Bellのソングライティングが大きく前面に出ており、Mark Gardenerの存在感は初期作品に比べると後退している。Rideはもともと、Andy BellとMark Gardenerの二人の声とギターが重なり合うことで独自の浮遊感を生んでいたバンドだった。しかし『Tarantula』では、その二重性が薄れ、よりAndy Bell主導のギター・ロック作品としての性格が強まっている。
タイトルの『Tarantula』は、大型の蜘蛛を意味する。そこには、粘着性、毒、危険、絡め取られる感覚、閉塞感といったイメージがある。アルバム全体にも、初期Rideの開放的な空や海のイメージとは異なり、より乾き、荒れ、重く、時に毒を帯びた感触がある。『Nowhere』や『Going Blank Again』が、轟音の中に青春の眩しさを封じ込めた作品だったとすれば、『Tarantula』は、バンドとしての理想が崩れつつある状況の中で鳴らされた、ざらついた終幕のアルバムである。
音楽的には、本作はシューゲイザーというより、ブリットポップ期のギター・ロック、サイケデリック・ロック、アメリカン・ロック、オルタナティヴ・ロックの要素が強い。The ByrdsやThe Beatles以降の60年代ロックへの参照、The Stone RosesやOasisと同時代の大きなギター・サウンド、Neil Young的な荒さ、さらにRide本来のメロディ感覚が混ざり合っている。ただし、初期のような音の霧や陶酔感は控えめで、曲ごとのリフ、歌、ロック・バンドとしての推進力が前に出ている。
この変化は、評価を分ける大きな要因でもある。初期Rideのシューゲイザー的な音響美を求めるリスナーにとって、『Tarantula』は物足りなく、あるいは別のバンドのように聞こえるかもしれない。一方で、ギター・ロック・バンドとしてのRide、特にAndy Bellのソングライターとしての側面に注目すると、本作には興味深い楽曲が多く含まれている。バンドの末期的な緊張感、90年代半ばの英国ロックの変化、シューゲイザーからブリットポップ以後へ移る過渡期の空気が、非常に生々しく刻まれている。
歌詞の面では、逃避、別れ、疲労、自己確認、喪失、再出発の不安が中心にある。初期Rideの歌詞は、しばしば抽象的で、音像の一部として機能していた。しかし『Tarantula』では、より具体的なロック・ソングとしての言葉が増え、曲ごとの感情が直接的になっている。これは、サウンドの変化とも連動している。ギターの壁の中に言葉が溶けていくのではなく、言葉とメロディが前に出て、曲の骨格を作る。
『Tarantula』は、Rideの代表作として最初に挙げられるアルバムではない。『Nowhere』や『Going Blank Again』のような歴史的評価を得た作品とは異なり、本作は長らくバンドの終焉を象徴する作品として扱われてきた。しかし、だからこそ聴く価値がある。バンドが変化し、迷い、内部のバランスを失いながらも、それでも曲を書き、ギターを鳴らし続けた記録だからである。完成された名盤というより、崩壊寸前のバンドが残した切実なドキュメントとして、本作はRideのディスコグラフィーの中で独自の位置を占めている。
全曲レビュー
1. Black Nite Crash
オープニング曲「Black Nite Crash」は、『Tarantula』の中でも最も強力な楽曲のひとつであり、アルバムの方向性を明確に示すロック・ナンバーである。初期Rideの浮遊するギター・レイヤーよりも、ここではリフの勢い、ドラムの強さ、ヴォーカルの直接性が前に出ている。タイトルには、暗い夜、衝突、破壊、急停止といったイメージがあり、バンドの終盤にふさわしい不穏な響きがある。
音楽的には、ブリットポップ期のギター・ロックとしてのRideが最も明快に表れた曲である。分厚いギターはあるが、シューゲイザー的に溶け合うというより、前方へ突き進むロックの推進力として使われている。Loz Colbertのドラムも力強く、曲全体に荒々しいスピード感を与えている。
歌詞では、暗闇の中で何かが衝突し、崩れていくような感覚が描かれる。これは恋愛や個人の混乱としても読めるが、バンドの状況を重ねると、終わりへ向かう疾走のようにも響く。Rideはここで、過去の美しい浮遊感ではなく、より現実的で乾いたロックの衝撃を鳴らしている。
「Black Nite Crash」は、本作の中で最も評価されやすい曲であり、Rideがシューゲイザーから離れてもなお、強力なギター・ロックを書く能力を持っていたことを示している。アルバム冒頭として非常に効果的な一曲である。
2. Sunshine / Nowhere to Run
「Sunshine / Nowhere to Run」は、明るさと逃げ場のなさが同時に示されたタイトルが印象的である。“Sunshine”は光、希望、開放感を連想させるが、“Nowhere to Run”は逃げ場のない閉塞を意味する。この二つが並ぶことで、曲には明るい表面と暗い内面の二重性が生まれている。
音楽的には、60年代的なサイケデリック・ロックやブリットポップ的な明快さが感じられる。Rideの初期作品にあった音響の深い霧は薄れ、より歌を中心にしたギター・ロックへ向かっている。ギターは明るく鳴るが、そこにはどこか乾いた焦燥感がある。
歌詞では、太陽の下にいながら逃げ場がないという感覚が中心になる。これは、外から見れば順調に見える状況の中で、内側では追い詰められている心理とも読める。Rideというバンド自体も、かつてのシューゲイザーの旗手というイメージを背負いながら、時代の変化と内部の不和の中で逃げ場を失っていた。本曲は、その感覚を象徴的に表している。
曲の構成にも、単純な陽性のポップでは終わらない揺らぎがある。明るいメロディの裏側に、諦めや疲れがにじむ。この二重性は、『Tarantula』というアルバム全体の性格をよく表している。
3. Dead Man
「Dead Man」は、タイトルからして死や空虚を強く想起させる楽曲である。Rideの初期作品では、夢、空、海、光といった浮遊するイメージが多かったが、『Tarantula』ではより乾いた、肉体的で、終末的なイメージが増えている。「Dead Man」はその代表的な曲といえる。
音楽的には、ミドルテンポの重いギター・ロックとして展開する。曲は激しく疾走するというより、ずっしりとした重心を持つ。ギターの響きにも荒さがあり、音の透明感よりも、地面に引きずられるような感触が強い。これは、初期Rideの美学とは明らかに異なる。
歌詞では、生きているにもかかわらず死んだように感じる人物像が浮かび上がる。これは失恋、精神的な疲労、創作上の行き詰まり、あるいはバンドとしての終焉を暗示する言葉としても機能する。タイトルの直接性は、本作の感情のむき出し方を示している。
「Dead Man」は、華やかなブリットポップの時代の中で、Rideが抱えていた暗さを映す楽曲である。明るく開けたロック・シーンの表面とは別に、バンドの内部では消耗と終わりの感覚が進んでいた。その空気を強く感じさせる曲である。
4. Walk on Water
「Walk on Water」は、奇跡や不可能性を連想させるタイトルを持つ楽曲である。水の上を歩くという表現は、宗教的な奇跡、超越、ありえない行為を意味する。一方で、Rideの文脈では、かつての浮遊感や水平方向へ広がる音響を思い出させる言葉でもある。
音楽的には、本作の中では比較的メロディアスで、Rideらしい美しさが感じられる曲である。ギターは厚いが、完全に攻撃的ではなく、メロディを支えるように響く。初期のシューゲイザー的な残響と、後期のギター・ロック的な明快さが交差している。
歌詞では、不可能なことを成し遂げたいという願望、あるいは現実から少し浮き上がりたいという感情が描かれているように響く。だが、その願望は完全な希望ではない。水の上を歩くことは美しい奇跡であると同時に、現実には長く続かない幻想でもある。そこに、本作らしい儚さがある。
「Walk on Water」は、Rideが完全に初期の美学を捨てたわけではないことを示す曲である。ただし、その浮遊感は以前のような若々しい陶酔ではなく、失われた感覚をもう一度探すような、少し疲れた美しさとして響く。
5. Deep Inside My Pocket
「Deep Inside My Pocket」は、内側に隠されたもの、個人的な秘密、小さな所有物、あるいは感情をしまい込む行為を連想させる楽曲である。タイトルの“pocket”は日常的な言葉だが、“deep inside”と結びつくことで、外から見えない内面の比喩として機能している。
音楽的には、比較的ポップでメロディアスな曲であり、Andy Bellのソングライティングの特徴がよく出ている。ギターは明るく鳴り、曲の構成も分かりやすい。Rideの後期作品におけるポップ志向を示す一曲である。
歌詞では、心の奥にしまい込んだ感情や記憶がテーマになっているように感じられる。人はしばしば、言葉にできないものを自分の内側に隠す。それは大切なものかもしれないし、忘れたいものかもしれない。この曲では、その隠された感情が、軽やかなギター・ポップの形で表現されている。
ただし、曲調が明るいからといって、単純に前向きな曲ではない。むしろ、ポケットの奥に何かを隠し持つ感覚には、自己防衛や孤独がある。『Tarantula』の楽曲に共通する、明るさの裏側の影がここにも存在している。
6. Mary Anne
「Mary Anne」は、人物名をタイトルに持つ楽曲であり、Rideの中では比較的クラシックなポップ・ソングの形式に近い。女性名を冠した楽曲は、しばしば恋愛、記憶、理想化された人物像を描くものになるが、この曲もそうした伝統の中にある。
音楽的には、60年代的なメロディ感覚やギター・ポップの影響が感じられる。初期Rideの音響的な抽象性よりも、ここでは歌と人物像が前に出ている。ブリットポップ期の英国ロックがしばしば参照したクラシック・ポップの構造とも近い。
歌詞では、Mary Anneという人物への思い、距離、未練、あるいは憧れが描かれているように響く。具体的な人物であると同時に、過去の記憶や理想化された青春の象徴でもある。Rideの音楽において、こうした人物名は、直接的な物語よりも、感情の焦点として機能する。
「Mary Anne」は、『Tarantula』の中で、Rideがギター・ポップ・バンドとしての顔を見せる曲である。シューゲイザーの大きな音響ではなく、コンパクトなメロディと歌の力で聴かせる点が、本作の方向性をよく示している。
7. Castle on the Hill
「Castle on the Hill」は、丘の上の城というロマンティックで古典的なイメージを持つ楽曲である。城は、過去、幻想、権威、孤立、到達できない場所を象徴する。丘の上にあることで、それはさらに遠く、見上げる対象になる。Rideの初期作品には空や風景のイメージが多かったが、この曲ではそれがより物語的で象徴的な形になっている。
音楽的には、サイケデリック・ロックやフォーク・ロックの影響が感じられる。ギターは広がりを持ち、曲全体にも少し幻想的な雰囲気がある。『Carnival of Light』で強まった60年代志向が、『Tarantula』にも残っていることが分かる楽曲である。
歌詞では、遠くにある理想や、過去への憧れが感じられる。城は美しいが、そこにたどり着けるとは限らない。むしろ、見えているからこそ距離が強調される。これは、バンドがかつて持っていた理想、あるいは失われた結束への憧れとしても読める。
「Castle on the Hill」は、アルバムの中で幻想的な余白を与える曲であり、Rideが完全にロックの直接性だけに向かったわけではないことを示している。ただし、その幻想は初期のような無垢な夢ではなく、すでに過去になりつつある夢として響く。
8. Gonna Be Alright
「Gonna Be Alright」は、タイトル通り「きっと大丈夫」という肯定的なメッセージを持つ楽曲である。しかし、『Tarantula』というアルバムの文脈で聴くと、この言葉にはどこか自分自身に言い聞かせるような切実さがある。本当に大丈夫だから歌っているというより、大丈夫だと思わなければ前に進めないような感覚がある。
音楽的には、比較的明るく開けたギター・ロックであり、メロディも親しみやすい。曲の構成はストレートで、アルバムの中でも聴きやすい部類に入る。Rideがポップなロック・バンドとして機能する瞬間を示す一曲である。
歌詞では、不安な状況の中で自分や相手を励ますような言葉が中心になる。だが、その背景には、何かが壊れつつある感覚がある。バンド末期の状況を重ねると、この曲は非常に皮肉にも響く。大丈夫だと歌いながら、実際にはバンドは終わりに向かっていた。そのズレが、曲に複雑な感情を与えている。
「Gonna Be Alright」は、表面的には前向きな曲だが、『Tarantula』の中ではむしろ痛ましい希望の歌として響く。終わりが近いからこそ、明るい言葉が必要になる。その感覚が本曲の核心である。
9. The Dawn Patrol
「The Dawn Patrol」は、夜明けの巡回、あるいは夜明け前に動く部隊を連想させるタイトルを持つ楽曲である。夜明けは希望や再生の象徴である一方、長い夜を越えた疲労も含んでいる。この曲は、アルバム後半において、終わりと始まりの境界に立つような役割を持っている。
音楽的には、やや落ち着いたテンポと広がりのあるギターが特徴である。疾走感よりも、夜明け前の空気のような静かな緊張がある。Rideの音楽における風景描写の力が、後期のギター・ロックの形で残っている。
歌詞では、何かを見張ること、夜を越えること、次に来るものを待つことがテーマになっているように響く。夜明けは救いであると同時に、現実が再び始まる時間でもある。眠っていた不安が消えるとは限らない。むしろ、朝になることで直面しなければならない現実が明らかになる。
「The Dawn Patrol」は、アルバムの中で静かな深みを持つ楽曲であり、Rideの後期作品にもなお詩的な感覚が残っていたことを示している。
10. Ride the Wind
「Ride the Wind」は、タイトルからしてRideというバンド名とも響き合う楽曲である。風に乗るという表現は、自由、移動、浮遊、身を任せることを意味する。初期Rideの音楽が持っていた空気や風の感覚を思い起こさせるタイトルであり、本作の中ではバンド自身のアイデンティティを再確認するような曲にも聞こえる。
音楽的には、開放感のあるギター・ロックとして機能する。ギターは大きく鳴るが、初期のように音の壁として聴き手を包み込むというより、ロック・バンドとしての推進力を作る。リズムにも前進感があり、タイトル通り風に乗って進むような感覚がある。
歌詞では、流れに身を任せること、抵抗せずに進むこと、あるいは自由への願望が描かれている。『Tarantula』において、このテーマは重要である。バンドが内部の緊張や時代の変化に直面する中で、完全に制御することはできない流れがある。その流れに乗るのか、抗うのか。「Ride the Wind」は、その問いを比較的明るい形で表現している。
本曲は、アルバム後半において、Rideらしい広がりを感じさせる一曲である。初期のファンにとっても、バンド名と風のイメージが重なることで、過去のRideとのつながりを感じやすい曲といえる。
11. Burnin’
「Burnin’」は、炎、情熱、破壊、消耗を連想させる楽曲である。タイトルの短さと直接性は、本作におけるロック的な荒さをよく示している。燃えているという状態は、エネルギーの象徴であると同時に、燃え尽きることへの予感でもある。『Tarantula』の終盤に置かれることで、この曲はバンドの最後の燃焼のようにも響く。
音楽的には、荒々しいギターと力強いリズムが中心になる。初期Rideの夢幻性よりも、よりロックンロール的な熱量が前に出ている。サウンドは乾いており、炎のイメージと合っている。ここでのRideは、音を溶かすのではなく、音を燃やすように鳴らしている。
歌詞では、欲望や怒り、焦燥、あるいは自己消耗が描かれているように感じられる。燃えることは美しいが、長く続けば灰になる。バンドの終わりが近づく中で、「Burnin’」は非常に象徴的なタイトルである。最後まで燃えようとする姿勢と、すでに燃え尽きつつある状態が同時に存在している。
この曲は、アルバム終盤に荒いエネルギーを与え、本作が単なる失速したアルバムではなく、最後までロック・バンドとしての力を残していたことを示している。
12. Starlight Motel
ラスト曲「Starlight Motel」は、非常に映画的なタイトルを持つ楽曲である。星明かりとモーテルという組み合わせには、夜、旅、孤独、通過点、安いロマンス、ロードムービー的な哀愁がある。Rideの最初期にあった抽象的な浮遊感とは違い、ここではよりアメリカン・ロック的で、風景の具体性を持つ孤独が描かれている。
音楽的には、アルバムの締めくくりとして比較的落ち着いた雰囲気を持つ。ギターは広がりを持ちながらも、過剰に轟音化せず、曲の余韻を支える。ヴォーカルには疲労感があり、旅の終わりにたどり着いた場所のような感覚がある。
歌詞では、モーテルという一時的な居場所が重要な意味を持つ。そこは家ではなく、ただ一晩を過ごす場所である。バンドとしてのRideもまた、この時点で恒久的な場所を失い、一時的な避難場所にいるような状態だったといえる。「Starlight Motel」は、その不安定な居場所の感覚を静かに表現している。
アルバムの最後にこの曲が置かれることで、『Tarantula』は大きな解決や勝利ではなく、夜のモーテルのような寂しい余韻で終わる。これは、本作の終幕感と非常によく合っている。Rideの初期活動期は、華々しいクライマックスではなく、少し乾いた孤独の中で幕を閉じるのである。
総評
『Tarantula』は、Rideのディスコグラフィーの中で最も評価が難しい作品のひとつである。シューゲイザーの名盤『Nowhere』や、ギター・ロックとしての完成度を高めた『Going Blank Again』と比較すると、本作は明らかに不安定である。バンドの内部バランスは崩れ、Mark GardenerとAndy Bellの対等な関係は薄れ、作品全体はAndy Bell主導のギター・ロック・アルバムとしての色が強い。初期Rideの幻想的な轟音を期待すると、本作はかなり異なるものに聞こえる。
しかし、『Tarantula』を単なる失敗作として片づけるのは早い。本作には、バンドが終わりに向かう過程でしか生まれない緊張感がある。明るくポップな曲にも不安があり、力強いロック・ナンバーにも疲労があり、前向きな言葉にもどこか痛みがある。これは、完成された理想のアルバムではなく、崩れつつあるバンドが最後に残した生々しい記録である。
音楽的には、本作はシューゲイザーからブリットポップ期のギター・ロックへ移行したRideの最終形といえる。『Carnival of Light』で見られた60年代ロック志向は本作にも残っているが、より荒く、より乾いた音になっている。「Black Nite Crash」のような即効性のあるロック、「Walk on Water」や「Ride the Wind」のようにRideらしい浮遊感を残す曲、「Starlight Motel」のようなロードムービー的な哀愁を持つ曲が並び、アルバムは統一感よりも断片的な魅力を持っている。
本作の中心にあるのは、終わりの感覚である。「Dead Man」「Burnin’」「Starlight Motel」などのタイトルからも分かるように、ここには消耗、燃焼、通過点、孤独が強く刻まれている。「Gonna Be Alright」のような前向きな言葉でさえ、実際には崩壊寸前の状況に対する自己暗示のように響く。この矛盾が、『Tarantula』を単なるブリットポップ寄りの後期作ではなく、非常に複雑なアルバムにしている。
Rideというバンドの魅力は、本来、Andy BellとMark Gardenerの声とギターの重なりにあった。『Tarantula』ではその均衡が崩れているため、初期作品のような魔法は少ない。だが、その崩れた均衡の中に、別のリアリティがある。バンドとは常に美しく調和するものではなく、時には関係性の変化や力学の偏りがそのまま音に出る。『Tarantula』は、まさにそのようなアルバムである。
1996年という時代背景も重要である。シューゲイザーはすでに過去のムーブメントとして扱われ、英国ではOasisやBlurを中心とするブリットポップが大きな商業的成功を収めていた。Rideは、その時代の流れに完全に乗り切ることも、初期のスタイルに戻ることもできない場所にいた。『Tarantula』には、その中途半端さがある。しかし、それは弱点であると同時に、時代の変わり目に立たされたバンドの正直な姿でもある。
日本のリスナーにとって『Tarantula』は、Rideの入門作としては推奨しにくい。最初に聴くなら、やはり『Nowhere』や『Going Blank Again』が適している。しかし、Rideの変遷を追ううえでは、本作は避けて通れない。シューゲイザーの代表バンドが、90年代半ばの英国ロックの変化の中でどのように迷い、変わり、終わったのか。その記録として、『Tarantula』には重要な価値がある。
また、本作を聴くことで、後年のRide再結成後の作品もより深く理解できる。『Weather Diaries』や『This Is Not a Safe Place』では、バンドは過去の音響美と現在の成熟を再び結びつけようとする。その前提として、『Tarantula』で一度バンドが崩れたことは大きい。終わりを経験したからこそ、再結成後のRideには別の重みが生まれた。
総合的に見ると、『Tarantula』は、Rideの最高傑作ではない。しかし、バンドの終焉、時代の変化、シューゲイザー以後のギター・ロックの迷いを記録した、非常に興味深いアルバムである。美しく完成された作品ではなく、傷や歪みを抱えた作品であり、その不完全さにこそ意味がある。Rideの光だけでなく影を知るために、本作は重要な一枚である。
おすすめアルバム
1. Ride『Nowhere』
1990年発表のデビュー・アルバムで、Rideの原点にしてシューゲイザー史を代表する名盤である。轟音ギター、淡いヴォーカル、青春の焦燥、浮遊感が一体となり、『Tarantula』とはまったく異なる初期Rideの美学を示している。本作との落差を理解するうえで必聴である。
2. Ride『Going Blank Again』
1992年発表の2作目。初期の轟音性を保ちながら、より明快なソングライティングと疾走感を獲得した作品である。Rideがシューゲイザーからギター・ロックへ接近する過程を最も理想的な形で示しており、『Tarantula』の前段階として重要である。
3. Ride『Carnival of Light』
1994年発表の3作目で、『Tarantula』へ向かう変化を理解するうえで欠かせない作品である。60年代ロック、サイケデリア、フォーク・ロックの影響が強まり、初期のシューゲイズ・サウンドから大きく離れている。『Tarantula』のクラシック・ロック志向は、この作品を経て生まれたものといえる。
4. Hurricane #1『Hurricane #1』
1997年発表のアルバムで、Ride解散後にAndy Bellが結成したバンドのデビュー作である。より明快なブリットポップ／ギター・ロック路線を打ち出しており、『Tarantula』で前面に出たAndy Bellのソングライティングがどのように発展したかを確認できる作品である。
5. Oasis『Definitely Maybe』
1994年発表のアルバムで、90年代半ばの英国ギター・ロックの方向性を決定づけた作品である。Rideとは音楽的背景が異なるが、『Tarantula』が置かれていたブリットポップ期の空気を理解するうえで重要である。後にAndy BellがOasisに参加することを考えても、関連性の高い一枚である。
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