アルバムレビュー：Yeti by Amon Düül II

発売日：1970年4月

ジャンル：クラウトロック、サイケデリックロック、プログレッシブロック、スペースロック、実験音楽、ジャーマンロック

概要

Amon Düül IIの『Yeti』は、1970年に発表されたセカンド・アルバムであり、クラウトロックの歴史において最も重要な作品の一つである。1960年代末から1970年代初頭の西ドイツでは、英米ロックの模倣から脱し、自分たち独自の音楽言語を探る動きが活発化していた。Can、Faust、Neu!、Tangerine Dream、Ash Ra Tempel、Kraftwerk、Popol Vuh、Guru Guruなどが、それぞれ異なる方法でロック、電子音楽、ミニマリズム、即興、民族音楽、前衛音楽を結びつけていく。その中でAmon Düül IIは、特にサイケデリックで儀式的、かつ集団的なエネルギーを持つバンドとして存在感を放った。

Amon Düül IIは、もともとミュンヘンの芸術家コミューンAmon Düülから分岐したバンドである。Amon Düülの初期活動は、政治的・共同体的な実験、即興演奏、カウンターカルチャー的な生活実践と密接に関わっていた。そこからより音楽的な完成度を志向して生まれたのがAmon Düül IIであり、1969年のデビュー作『Phallus Dei』で、サイケデリックロック、宗教的儀式、即興、前衛的な構成を融合した強烈な作品を提示した。『Yeti』はその翌年に発表され、バンドの初期衝動をより壮大で多面的な形へ拡張した作品である。

本作は2枚組として発表され、構成は大きく二つに分けられる。前半は比較的構成された楽曲が中心であり、後半は長尺の即興演奏やサウンドスケープが展開される。この二重構造が『Yeti』の大きな特徴である。Amon Düül IIはここで、曲としてのロックと、集団即興としてのトリップを同時に提示している。つまり本作は、サイケデリック・ロック・アルバムでありながら、ジャム・セッションの記録でもあり、前衛的な儀式音楽でもある。

タイトルの『Yeti』は、ヒマラヤの未確認生物として知られる雪男を指す。アルバム・ジャケットには、巨大な鎌を持った謎めいた人物が描かれており、死神、山の怪物、異教的な司祭、共同体の亡霊のような印象を与える。この視覚イメージは、アルバムの音楽と非常によく合っている。『Yeti』の音楽には、ロック・バンドの演奏でありながら、文明の外側にある何か、古代的な儀式、山奥の幻覚、集団意識の奥底から現れる怪物のような気配がある。

音楽的には、ギター、ベース、ドラム、ヴァイオリン、オルガン、パーカッション、複数のヴォーカルが複雑に絡み合う。Amon Düül IIの演奏は、英米のブルースロックを基盤としたサイケデリック・バンドとはかなり異なる。もちろんThe Doors、Jefferson Airplane、Grateful Dead、Pink Floyd、The Velvet Undergroundなどとの共通点もあるが、彼らの音はもっと土着的で、異教的で、ヨーロッパ大陸的な重さを持つ。ブルースの形式よりも、反復、呪術的なリズム、集団的な高揚、前衛音楽的な不協和が重視されている。

『Yeti』がクラウトロック史において重要なのは、ドイツのロックが単なる英米サイケデリアの追随ではないことを明確に示した点にある。1970年当時、西ドイツの若い音楽家たちは、ナチスの過去、戦後復興、アメリカ文化の影響、学生運動、冷戦、既成世代への反発の中で、自分たちの文化的アイデンティティを模索していた。Amon Düül IIの音楽は、その模索を非常に混沌とした形で表している。彼らは英語で歌うこともあったが、その音楽的感覚は英米ロックとは異質であり、むしろ「どこにも属さない音」を作ろうとしていた。

歌詞の面では、本作は神話的、幻想的、政治的、終末的なイメージを多く含む。物語は明確ではないが、そこには戦争、死、自然、幻覚、共同体、異教的な儀式、精神の解放といったテーマが漂う。Amon Düül IIの歌詞は、明快なメッセージを届けるというより、音楽と一体となってイメージを喚起する。言葉は、ギターやヴァイオリンやパーカッションと同じく、トランス状態を作るための要素として機能している。

本作は、後のポストパンク、ノイズロック、サイケデリック・リバイバル、スペースロック、アシッドフォーク、実験的なオルタナティブロックにも大きな影響を与えた。特に、構成された曲と即興の境界を曖昧にする方法、反復によって意識状態を変化させる方法、ロックを個人表現ではなく集団的な儀式として扱う方法は、多くの後続アーティストに受け継がれている。『Yeti』は、単なる時代の産物ではなく、現在でも異様な新鮮さを持つ作品である。

日本のリスナーにとって本作は、クラウトロック入門としてはやや濃密で長大に感じられるかもしれない。Canの『Tago Mago』やNeu!の『Neu!』に比べると、構造はより雑然としており、音像も泥臭い。しかし、その混沌こそが『Yeti』の魅力である。整然としたミニマリズムや電子音楽的な美しさではなく、共同体が一つの巨大な生き物のように鳴る感覚がある。本作は、クラウトロックの中でも特に原始的で、呪術的で、肉体的な名盤である。

全曲レビュー

1. Soap Shop Rock

「Soap Shop Rock」は、アルバム冒頭を飾る組曲的な大作であり、『Yeti』の世界へ聴き手を一気に引き込む重要曲である。複数のパートから成る構成を持ち、ロックンロール的な推進力、サイケデリックな浮遊感、演劇的なヴォーカル、民族音楽的な響きが次々と現れる。Amon Düül IIの音楽が、一つの明快なスタイルに収まらないことを最初から示している。

音楽的には、ギターの鋭いリフとリズム隊のうねりが中心にありながら、曲は単純なロック・ソングとして進まない。場面が変わるようにテンポやムードが変化し、聴き手は一つの物語の中を歩かされる。これは英米のプログレッシブロックにも近い構成力を持つが、Amon Düül IIの場合、より粗く、より共同体的で、より儀式的である。

歌詞やヴォーカルは、物語を明確に説明するというより、断片的なイメージを投げかける。ヴォーカルの声質も一定ではなく、語り、叫び、歌、呪文のような響きが混ざる。Renate Knaupのヴォーカルが加わる部分では、曲に魔女的、あるいは巫女的な雰囲気が生まれる。彼女の声は、Amon Düül IIの音楽において非常に重要な要素であり、男性的なロックの荒々しさとは異なる、不気味で幻想的な力をもたらしている。

「Soap Shop Rock」は、タイトルの奇妙さも含めて、Amon Düül IIのユーモアと不条理感を示している。日常的な語感を持つ「Soap Shop」と、壮大で混沌とした音楽の落差が、アルバム全体のシュールな感覚につながっている。彼らの音楽は深刻で呪術的でありながら、同時に奇妙な茶目っ気やナンセンスも持っている。

この曲は、『Yeti』が単なるジャム・アルバムではなく、構成された楽曲としての強さも持っていることを示す。即興の熱と、組曲的な展開が共存しており、アルバム冒頭からAmon Düül IIの音楽的野心が全開になっている。

2. She Came Through the Chimney

「She Came Through the Chimney」は、短めながら非常に印象的な楽曲であり、Amon Düül IIの幻想性と不穏な物語性がよく表れている。タイトルは「彼女は煙突からやって来た」という意味で、童話、魔女、侵入者、夢の中の出来事を連想させる。通常のロック・ソングの題材から外れた、奇妙で視覚的なイメージがある。

音楽的には、前曲の組曲的な大きさから一転して、よりコンパクトでありながら、サイケデリックな質感を保っている。ギターやリズムは比較的整理されているが、曲全体には不安定な空気が漂う。明るいメロディというより、煙の中から何かが現れるような感覚がある。

歌詞の内容は、明確な物語として解釈するよりも、イメージの連鎖として聴くべきだろう。煙突という家庭的な場所から、謎の女性が侵入してくる。この構図には、日常に異界が入り込む感覚がある。Amon Düül IIの音楽では、現実と幻覚、家庭と荒野、聖性と俗性の境界が常に揺らいでいる。

この曲には、The Doors的な不穏な演劇性や、初期Pink Floyd的な幻想性を思わせる部分もある。しかし、Amon Düül IIの場合、その幻想はもっと荒々しく、ヨーロッパの民間伝承やコミューン的な混沌と結びついている。アメリカ西海岸のサイケデリアのような色彩豊かな開放感ではなく、どこか暗い森の中で展開する幻覚に近い。

「She Came Through the Chimney」は、『Yeti』の中で、アルバムの物語的・幻想的な側面を強める楽曲である。短い曲でありながら、奇妙なイメージの強さによって強い印象を残す。

3. Archangel Thunderbird

「Archangel Thunderbird」は、『Yeti』の中でも特にキャッチーで、Amon Düül IIの代表曲として知られる楽曲である。タイトルは「大天使サンダーバード」という神話的で壮大なイメージを持ち、キリスト教的な天使と、北米先住民の神話を思わせるサンダーバードが組み合わされている。この異文化的で幻想的な混合が、Amon Düül IIらしい。

音楽的には、軽快で疾走感があり、アルバムの中では比較的ポップに聴こえる曲である。ギターのリフは鋭く、リズムは前進し、Renate Knaupのヴォーカルが強い個性を放つ。彼女の声は、単なる女性ヴォーカルの美しさではなく、呪術的で、挑発的で、少し不気味な響きを持つ。これが曲の魅力を大きく高めている。

歌詞では、神話的なイメージ、空を飛ぶ存在、超自然的な力が描かれる。大天使とサンダーバードという組み合わせは、宗教的権威と自然神話を混ぜることで、既存の神話体系を解体し、新しいサイケデリックな神話を作ろうとしているように感じられる。Amon Düül IIは、伝統的な神話をそのまま信仰するのではなく、幻覚的なロックの素材として再構成している。

この曲が重要なのは、Amon Düül IIが実験的でありながら、強いフックを持つ楽曲も作れたことを示している点である。クラウトロックというと長尺の反復や電子的な実験が注目されがちだが、「Archangel Thunderbird」は、短いロック・ソングとしての完成度も高い。後のポストパンクやサイケデリック・ロックのバンドが、この曲から受け取った影響は大きい。

「Archangel Thunderbird」は、『Yeti』の中で最も入りやすい曲の一つでありながら、アルバム全体の神話的・幻覚的な美学をしっかりと含んでいる。Amon Düül IIの魅力を凝縮した名曲である。

4. Cerberus

「Cerberus」は、ギリシャ神話に登場する地獄の番犬ケルベロスをタイトルにした楽曲である。この時点で、曲には冥界、死、門番、異界への入口といったイメージが強くまとわりつく。『Yeti』全体が神話的・異教的な空気を持つアルバムだが、この曲はその傾向を明確に示している。

音楽的には、アコースティックな響きや民族音楽的な要素が感じられ、前曲「Archangel Thunderbird」のロック的な疾走感とは異なる雰囲気を持つ。ギターやパーカッションは、まるで古代の儀式の伴奏のように響く。ロック・バンドでありながら、ここでは民俗音楽や中世的なイメージに近づいている。

曲には、明るさと不気味さが同時にある。メロディはどこか牧歌的にも聴こえるが、タイトルの「Cerberus」が示すように、その背後には死の世界がある。この二重性がAmon Düül IIの魅力である。彼らは暗さを単に重い音で表すのではなく、奇妙な軽さや踊りの感覚の中に死の気配を潜ませる。

歌詞や声の扱いは、物語を明確に語るよりも、神話的なムードを作る役割が大きい。ケルベロスは境界の存在である。生者の世界と死者の世界を隔てる門に立つ。この曲もまた、アルバムの中で現実と異界の境界を開く役割を持っているように聴こえる。

「Cerberus」は、Amon Düül IIの民族的・神話的な側面を代表する楽曲である。ロック、フォーク、サイケデリア、古代的なイメージが自然に混ざり合い、『Yeti』を単なるギター・ロックのアルバム以上のものにしている。

5. The Return of Ruebezahl

「The Return of Ruebezahl」は、中央ヨーロッパの民間伝承に登場する山の精霊リューベツァールを思わせるタイトルを持つ楽曲である。Ruebezahlは、山岳地帯の精霊、気まぐれな超自然的存在として知られ、自然の力、いたずら、変身、怒りを象徴する。この曲は、Amon Düül IIがヨーロッパの民間伝承や自然神話をサイケデリック・ロックへ取り込んでいたことを示す。

音楽的には、短いインストゥルメンタル的な小品として機能している。アルバム全体の大きな流れの中で、場面転換や儀式的な間奏のような役割を果たす。Amon Düül IIの作品では、このような短い断片も重要である。長大なジャムや強い楽曲だけでなく、小さな音の断片がアルバムの神話的世界を形作っている。

曲調はどこか不気味で、山の奥から何かが戻ってくるような感覚がある。タイトルの「Return」という言葉が示すように、これは過去の存在、古い精霊、忘れられた力が現代に戻ってくるイメージである。『Yeti』というアルバム全体も、古代的なもの、文明以前のものがロックの中に戻ってくる作品として聴くことができる。

この曲は、アルバムの中では大きな派手さを持たないが、雰囲気作りにおいて非常に重要である。Amon Düül IIは、曲単体の完成度だけでなく、アルバム全体を一つの奇妙な世界として構築している。「The Return of Ruebezahl」は、その世界の奥行きを広げる断片である。

6. Eye-Shaking King

「Eye-Shaking King」は、『Yeti』の前半を締めくくる強烈な楽曲であり、Amon Düül IIの荒々しいロック・バンドとしての力が前面に出た一曲である。タイトルは「目を震わせる王」とでも訳せる奇妙な言葉で、幻覚、支配、狂気、視覚的な衝撃を連想させる。サイケデリック・ロックにおいて「視覚」は重要なテーマだが、この曲ではそれが暴力的な振動として描かれている。

音楽的には、重く、攻撃的で、ブルースロック的なリフとサイケデリックな展開が結びついている。ギターは強く歪み、リズム隊は曲を押し出す。前半の楽曲群の中でも特にハードロック的な力を持ち、後のストーナーロックやヘヴィ・サイケにも通じる重さがある。

ヴォーカルは、語りや叫びに近く、曲の不穏な雰囲気を強めている。Amon Düül IIの歌は、必ずしも美しいメロディを中心にしていない。むしろ、声そのものが音響の一部として使われ、聴き手の意識を揺さぶる。この曲では、その揺さぶりが非常に強い。

歌詞のイメージは明確ではないが、支配的な存在、幻覚的な王、視覚や精神を揺さぶる力が感じられる。これは政治的権力の比喩としても、ドラッグ体験の象徴としても、内面の怪物としても読める。Amon Düül IIの歌詞の強みは、意味を一つに固定せず、音楽の中で複数のイメージを同時に生かす点にある。

「Eye-Shaking King」は、アルバム前半の構成された楽曲群を強烈に締める曲であり、この後に続く即興的な領域への扉を開く役割も持っている。ここでAmon Düül IIは、ロックの形を保ちながら、すでにその形を崩し始めている。

7. Pale Gallery

「Pale Gallery」は、『Yeti』の中でも比較的短い楽曲であり、アルバムの雰囲気に不気味な陰影を加える小品である。タイトルは「青白いギャラリー」「蒼白な画廊」と訳せる。そこには、死者の肖像、薄暗い展示室、過去の記憶が並ぶ空間のようなイメージがある。

音楽的には、静かで幻想的な響きが強く、激しいロックというよりサイケデリックな幕間のように機能する。Amon Düül IIは、騒音と静寂、重さと軽さ、構成と断片を巧みに交互に配置することで、アルバム全体に夢のような流れを作っている。この曲もその一部である。

歌詞や声の印象は、はっきりした物語よりも、イメージの断片として機能している。青白いギャラリーという言葉からは、生命力を失った芸術、記憶の展示、死者の部屋のような雰囲気が漂う。『Yeti』の世界において、過去や死は常に現在に影を落としている。

この曲は、聴き手を大きく興奮させるタイプの楽曲ではない。しかし、アルバム全体のサイケデリックな空間作りにおいて重要である。Amon Düül IIの音楽は、強烈なリフや長尺ジャムだけでなく、このような不気味な小品によっても成立している。

「Pale Gallery」は、アルバムの中で一瞬立ち止まり、奇妙な部屋を覗き込むような曲である。そこに見えるのは、過去の幻影であり、死の色を帯びたイメージである。

8. Yeti

表題曲「Yeti」は、アルバムの後半に突入する長尺のインストゥルメンタルであり、本作の即興的・呪術的な性格を最も強く示す楽曲の一つである。タイトルは未確認生物イエティを指し、文明から離れた山岳地帯、未知の存在、目撃されるが捕まえられない怪物のイメージを持つ。この曲はまさに、そのような巨大な影が音として現れるような演奏である。

音楽的には、反復するリズムとギターのうねりが中心になり、曲は徐々にトランス的な状態へ入っていく。通常の歌ものの構成はなく、メロディや歌詞よりも、集団演奏の圧力と展開が重要である。ギターは時に鋭く、時に霧のように広がり、リズム隊は長い時間を支え続ける。

この曲の魅力は、明確な目的地を持たずに進む感覚にある。英米のロックでは、ソロやジャムも最終的に曲の構成へ戻ることが多いが、Amon Düül IIの即興は、目的地よりも意識の変化を重視している。聴き手は、曲がどこへ向かうのかを追うよりも、その中で自分の感覚がどう変わるかを体験することになる。

「Yeti」というタイトルは、音楽の正体不明性をよく表している。これはロックなのか、儀式なのか、幻覚なのか、共同体の叫びなのか。はっきり分類できない。その分類不能性こそが、クラウトロックの重要な特徴である。Amon Düül IIはここで、ロックを「曲」から「状態」へ変えている。

表題曲としての「Yeti」は、アルバムの核となる巨大なトリップである。構成された楽曲群を経た後、聴き手はここで、より原始的で無定形な音の世界へ投げ込まれる。

9. Yeti Talks to Yogi

「Yeti Talks to Yogi」は、タイトルからして非常に奇妙でユーモラスな楽曲である。「イエティがヨギに話しかける」という構図は、ヒマラヤの怪物と精神修行者、野生と悟り、身体的な未知と精神的な探求の対話を思わせる。Amon Düül IIらしい不条理な神話感覚がよく表れている。

音楽的には、前曲「Yeti」の即興的な流れを受け継ぎつつ、より自由で断片的な展開を持つ。ギター、パーカッション、ベースが絡み合い、曲ははっきりした歌や構成に向かわず、音の会話のように進む。タイトル通り、これは人間の言葉による対話ではなく、楽器同士の対話として聴くことができる。

イエティとヨギという組み合わせには、1960年代末から70年代初頭の西洋カウンターカルチャーにおける東洋思想への関心も反映されている。ただしAmon Düül IIは、それを素朴な精神主義としてではなく、もっと奇妙で幻覚的なイメージとして扱う。悟りや精神的解放は、きれいな瞑想の中ではなく、混沌とした音の中で現れる。

この曲は、アルバム後半の即興パートの中でも、特に遊び心と異様さを持っている。Amon Düül IIの音楽は深刻な儀式性を持つ一方で、奇妙なタイトルやナンセンスな構成によって、過度な重々しさから逃れている。そのバランスが重要である。

「Yeti Talks to Yogi」は、サイケデリックな集団即興が、神話的なコントのような形を取った楽曲である。意味は明確ではないが、その不明瞭さこそが、アルバム全体の幻覚的な魅力を高めている。

10. Sandoz in the Rain

「Sandoz in the Rain」は、『Yeti』の終盤に置かれた幻想的な楽曲であり、タイトルの「Sandoz」はLSDを最初に合成した製薬会社Sandozを連想させる。つまりこの曲には、明確にサイケデリック・ドラッグ文化への参照が含まれている。「雨の中のSandoz」というタイトルは、幻覚、化学物質、自然、湿った風景が混ざった非常に象徴的なイメージである。

音楽的には、ゆったりとしており、前の即興曲群の荒々しさに比べると、より浮遊感が強い。雨の中を漂うような静けさがあり、曲は一種のクールダウンとして機能する。ギターやパーカッションは過剰に前へ出ず、音の余白が重要になっている。

この曲では、幻覚体験が単なる強烈な爆発ではなく、湿った自然の中でゆっくり溶けていく感覚として表現されている。LSDやサイケデリック文化は、1960年代末のロックにおいて重要な要素だったが、Amon Düül IIの場合、それはカラフルな楽園ではなく、どこか不穏で曇った風景として現れる。

「Sandoz in the Rain」は、アルバム全体の長い旅の終わりに、聴き手を現実へ戻すというより、別の夢の層へ沈める。雨という自然現象が、化学的な幻覚と結びつくことで、人工と自然、意識と外界の境界が曖昧になる。

この曲は、『Yeti』の終曲として非常に象徴的である。アルバムは大きな結論に向かうのではなく、雨の中へ溶けていくように終わる。ロック・アルバムとしての完結よりも、トリップの余韻が重視されている。

総評

『Yeti』は、Amon Düül IIの代表作であり、クラウトロック史における最重要アルバムの一つである。本作は、サイケデリックロック、プログレッシブロック、民族音楽、集団即興、前衛音楽、神話的イメージを混沌としたまま融合している。整然とした完成度ではなく、巨大な生き物のような躍動感がある。そこが本作の最大の魅力である。

アルバム前半では、「Soap Shop Rock」「Archangel Thunderbird」「Cerberus」「Eye-Shaking King」など、比較的構成された楽曲が並ぶ。これらの曲は、Amon Düül IIが単なる即興集団ではなく、強烈な個性を持つロック・ソングを作れるバンドだったことを示している。特に「Archangel Thunderbird」は、キャッチーさと神話的な異様さを兼ね備えた名曲であり、クラウトロックの入口としても聴きやすい。

一方、後半では「Yeti」「Yeti Talks to Yogi」「Sandoz in the Rain」によって、より即興的でトランス的な世界へ移行する。ここでは曲の構成よりも、音の流れ、反復、集団演奏の圧力、意識状態の変化が重要になる。Amon Düül IIは、ロックを演奏するだけでなく、共同体的な儀式として鳴らしている。聴き手は、曲を理解するというより、音の中に入ることを求められる。

本作の音楽的特徴は、英米サイケデリックロックと明確に異なる。アメリカ西海岸のサイケデリアがしばしば色彩感や開放感を持ち、英国のプログレッシブロックが構築性や技巧を重視したのに対し、Amon Düül IIの音はもっと土着的で、混沌としており、異教的である。そこには、戦後ドイツの若者たちが新しい文化を作ろうとした切迫感がある。過去の重さを背負いながら、どこにも属さない音を鳴らそうとする意志がある。

『Yeti』の重要な点は、ロックを個人表現ではなく、集団的な意識の運動として扱っていることである。一般的なロック・アルバムでは、作曲者やフロントマンの個性が中心になることが多い。しかし本作では、バンド全体が一つの共同体として鳴っている。個々の楽器は時に混ざり合い、時に衝突し、時に制御を失う。その不完全さが、作品に強い生命感を与えている。

歌詞やタイトルの面でも、本作は非常に豊かである。イエティ、ケルベロス、リューベツァール、大天使、サンダーバード、ヨギ、Sandoz。これらの言葉は、宗教、神話、民間伝承、ドラッグ文化、自然、幻想を結びつけ、アルバム全体を一つの異様な神話体系にしている。Amon Düül IIは、既存の神話をそのまま再現するのではなく、サイケデリックな時代の中で再編集している。

本作の録音や演奏には粗さもある。現代的な基準で聴けば、音のバランスは完璧ではなく、即興部分には冗長に感じられる箇所もあるかもしれない。しかし、その粗さがアルバムの力である。『Yeti』は、きれいに磨かれた作品ではなく、何かが生まれつつある現場を記録した作品である。聴き手は完成品を鑑賞するのではなく、生成中の音楽に巻き込まれる。

クラウトロック全体の文脈で見ると、『Yeti』はCanの『Tago Mago』、Faustの『Faust IV』、Neu!の『Neu!』、Tangerine Dreamの『Phaedra』などとは異なる方向の極点にある。Canがリズムと編集の魔術、Neu!がミニマルな推進力、Tangerine Dreamが電子音響の宇宙を提示したとすれば、Amon Düül IIは集団的で呪術的なサイケデリアを提示した。『Yeti』は、クラウトロックの中でも最も野性的で、共同体的で、異教的な作品の一つである。

後の音楽への影響も大きい。ポストパンクの暗い反復、ノイズロックの混沌、スペースロックの長尺トリップ、ヘヴィ・サイケの重さ、アシッドフォークの異教的な感覚、実験的オルタナティブロックの自由な構成などに、本作の影響を見ることができる。特に、ロックを「曲」ではなく「体験」として扱う姿勢は、多くの後続アーティストに受け継がれている。

日本のリスナーにとって『Yeti』は、集中して聴くと非常に濃密な作品である。曲ごとに明確なヒット性を求めるよりも、アルバム全体を一つの旅として聴くことが重要である。前半で神話的なロックの世界へ入り、後半で即興の荒野へ迷い込み、最後に雨の中で意識が溶けていく。その流れを体験すると、本作が単なる古いサイケデリック・アルバムではなく、今なお異様な生命力を持つ作品であることが分かる。

総じて『Yeti』は、Amon Düül IIが最も強烈に自分たちの世界を提示した名盤である。そこには、雪男、地獄の番犬、山の精霊、大天使、幻覚剤、雨、呪術、共同体、死、自由が混ざり合っている。ロックンロールの形式は保たれているが、その内部では何か得体の知れない怪物が動いている。本作は、クラウトロックが単なるジャンルではなく、戦後ヨーロッパの若者たちによる意識と文化の実験だったことを示す、圧倒的な作品である。

おすすめアルバム

1. Amon Düül II – Phallus Dei（1969）

Amon Düül IIのデビュー・アルバムであり、『Yeti』の前段階として重要な作品である。より荒削りで儀式的なサイケデリアが前面に出ており、バンドがコミューン的な即興集団から音楽的なロック・バンドへ変化していく過程を聴くことができる。『Yeti』の混沌の源流として必聴である。

2. Amon Düül II – Tanz der Lemminge（1971）

『Yeti』に続く作品であり、バンドのプログレッシブで構築的な側面がさらに拡張されたアルバムである。長尺の組曲、複雑な展開、サイケデリックな即興が入り混じり、Amon Düül IIの野心がより大きな形で示されている。『Yeti』を気に入ったリスナーには自然な次の一枚である。

3. Can – Tago Mago（1971）

クラウトロックを代表する名盤であり、反復するリズム、編集、即興、ダモ鈴木のヴォーカルが生み出す異様なトランス感が特徴である。Amon Düül IIよりもリズムと編集の精度が高く、より都市的で抽象的なサイケデリアを味わえる。『Yeti』と並ぶドイツ実験ロックの重要作である。

4. Guru Guru – UFO（1970）

ヘヴィで即興的なクラウトロック／サイケデリックロックの重要作である。Amon Düül IIと同様に、ロックの形式を保ちながら、長尺のジャムやノイズ的なギターで意識を拡張する作品である。より荒々しく、よりスペースロック寄りの音を求めるリスナーに適している。

5. Ash Ra Tempel – Ash Ra Tempel（1971）

ドイツのスペースロック／サイケデリックロックを代表する作品であり、Manuel Göttschingのギターを中心に、長大な即興と宇宙的な広がりが展開される。Amon Düül IIの共同体的で神話的な混沌とは異なり、より宇宙的で浮遊感のあるトリップを味わえるアルバムである。