アルバムレビュー：Visions by Grimes

発売日：2012年1月31日

ジャンル：エレクトロポップ、ドリームポップ、シンセポップ、アートポップ、ベッドルーム・ポップ、エクスペリメンタル・ポップ

概要

Grimesの『Visions』は、2012年に発表された3作目のスタジオ・アルバムであり、Claire Boucherがアンダーグラウンドなベッドルーム・ポップの実験家から、2010年代インディー／エレクトロポップを代表する存在へ飛躍した作品である。2010年の『Geidi Primes』では、SF小説『Dune』に由来する固有名詞やローファイな電子音、幽霊のようなヴォーカルによって、Grimesはまだ輪郭の曖昧な異世界を作っていた。同年の『Halfaxa』では、より暗く、ゴシックで、儀式的な電子音楽へと進み、声、シンセ、反復による神秘的な音響空間を深めた。その次に現れた『Visions』は、それらの初期の実験性を保ちながら、はっきりとしたポップ・ソングとして結晶化したアルバムである。

本作の重要性は、Grimesの音楽が「奇妙な音」から「奇妙だが強く記憶に残るポップ」へ変化した点にある。『Geidi Primes』や『Halfaxa』では、曲はしばしば霧のように漂い、声は言葉よりも音色として機能していた。『Visions』でもその性質は残っているが、「Oblivion」「Genesis」「Circumambient」「Nightmusic」などでは、リズム、フック、シンセの反復、声の配置がより明確になり、聴き手の耳に残るポップ・ミュージックとして成立している。Grimesの異世界性が、ここで初めて大きく外へ開かれたと言える。

制作面でも、本作はベッドルーム・ポップの時代性を強く象徴している。高額なスタジオや大規模な制作チームではなく、個人がコンピューターと簡素な機材を使い、自分だけの音楽宇宙を構築する。2010年代前半には、インターネットを通じてチルウェイヴ、ウィッチハウス、ドリームポップ、ローファイ・エレクトロニカ、シンセポップが交差し、ジャンルの境界は急速に曖昧になっていた。『Visions』は、その時代の空気を最も鮮やかに捉えた作品の一つである。個人の部屋から生まれた音楽が、世界的なポップの感覚を変えていく。その転換点に本作は位置している。

Grimesの声は、本作において決定的な楽器である。Claire Boucherのヴォーカルは、高く、軽く、幼さを帯び、時に人間というより妖精、幽霊、AI、ゲーム内キャラクターのように響く。歌詞を明瞭に伝えるための声というより、シンセサイザーやサンプルと同じように音響の一部として扱われる。多重録音された声、加工された声、遠くから聞こえる声、耳元で囁くような声が重なり、Grimes独自の声の建築が作られている。この声の扱いは、後のインディーポップやハイパーポップ、オルタナティブな女性アーティストたちにも大きな影響を与えた。

音楽的には、『Visions』はシンプルなようで非常に多層的である。ビートはミニマルで、シンセのフレーズは反復的だが、その上に声が何層にも重なり、曲ごとに異なる空気を作る。ダンス・ミュージックの身体性、ドリームポップの浮遊感、ニューウェイヴの冷たい質感、R&B的なメロディの柔らかさ、ゲーム音楽のような電子音、ゴシックな暗さが混ざっている。Grimesは特定のジャンルを再現するのではなく、インターネット以後の感覚で、それらを自分の内側の神話へ変換している。

本作の歌詞は、明確な物語を語るというより、断片的な感情やイメージによって構成されている。孤独、危険、身体への不安、暴力の気配、都市の夜、憧れ、忘却、逃避、幻視。アルバムタイトルの『Visions』は、まさに本作の聴き方を示している。これは物語のアルバムではなく、幻視のアルバムである。現実の出来事が夢の中で変形し、声と電子音によって別の姿になる。Grimesは、日常的な不安や恐怖を、非現実的なポップの映像へ変えている。

特に「Oblivion」は、本作の中心的な楽曲である。軽快なシンセポップの表面を持ちながら、歌詞には夜道の不安、身体的な危険、女性が感じる暴力への警戒が込められている。この曲が重要なのは、恐怖を暗く重いバラードとしてではなく、軽やかな電子ポップとして表現している点である。危険や不安は、踊れるビートの中に潜む。これはGrimesの美学を象徴している。明るく可愛い音の中に、現代的な恐怖が隠れている。

「Genesis」もまた、本作の代表曲として大きな意味を持つ。透明なシンセ、浮遊する声、神話的なタイトルによって、曲はまるで新しい世界の誕生のように響く。『Visions』というアルバム全体が、Grimesというポップ・キャラクターの誕生を記録しているとすれば、「Genesis」はその象徴的な瞬間である。ここで彼女の音楽は、ローファイな実験を越え、明確なアイコン性を獲得する。

日本のリスナーにとって『Visions』は、Grimesを理解するうえで最も重要な入口の一つである。後の『Art Angels』ほど派手でカラフルではなく、『Miss Anthropocene』ほど暗く終末的でもない。初期のローファイな神秘性と、後のポップな完成度のちょうど中間にあり、Grimesの核が最もバランスよく現れている。電子音楽、ドリームポップ、アートポップ、アニメ的／ゲーム的な感覚、インターネット時代の個人制作に関心があるリスナーにとって、本作は2010年代を理解するうえでも重要なアルバムである。

全曲レビュー

1. Infinite ♡ Without Fulfillment

「Infinite ♡ Without Fulfillment」は、アルバムの導入として置かれた短い楽曲であり、『Visions』の世界へ入るための扉のように機能する。タイトルは「満たされることのない無限の愛」とも読める言葉で、Grimesらしい甘さと空虚さが同時に含まれている。ハート記号が使われている点も重要で、感情が記号化され、デジタルなアイコンとして提示されている。

音楽的には、短い時間の中に、浮遊する声、電子音の反復、ローファイな質感が凝縮されている。明確な展開を持つ曲というより、アルバム全体の空気を提示するイントロである。声は言葉としてよりも、霧のような音色として響き、聴き手を現実から少し離れた場所へ導く。

タイトルにある「fulfillment」、つまり満たされることの不在は、本作全体の重要な感覚でもある。Grimesの曲には、憧れや快楽がある一方で、それが完全に満たされることは少ない。声は近くに聞こえるのに、どこか遠い。ビートは踊れるのに、感情は不安定である。この曲は、その距離感を最初に示している。

「Infinite ♡ Without Fulfillment」は、短いながらも『Visions』の美学を象徴する導入である。ポップな記号、未充足の愛、ローファイな電子音、幽霊的な声が、アルバムの始まりに配置されている。

2. Genesis

「Genesis」は、『Visions』を代表する楽曲の一つであり、Grimesの音楽が明確なポップ・アイコン性を獲得した瞬間として重要である。タイトルは「創世」「始まり」を意味し、Grimesのキャリアにおいても象徴的に響く。曲はまるで新しい世界がゆっくり立ち上がるように始まり、透明なシンセと浮遊するヴォーカルによって独自の空間を作る。

音楽的には、シンプルなシンセの反復が中心である。しかし、その反復の上に重なる声の層、微妙なリズム、空間の広がりによって、曲は非常に豊かな印象を与える。ビートは控えめだが、曲全体には軽やかな推進力がある。ドリームポップとシンセポップの中間にありながら、どちらにも完全には収まらない。

Grimesのヴォーカルは、ここで特に天使的であり、同時に人工的である。声は人間の感情を伝えるというより、デジタルな神話の中で鳴る聖歌のように響く。歌詞の意味を逐語的に追うより、声の高低、響き、重なりが作る感覚が重要である。

「Genesis」は、タイトル通りGrimesの新しい始まりを示す楽曲である。初期作品の霧のようなローファイ感を保ちながら、メロディと音像ははるかに明確になっている。本作の美しさ、浮遊感、ポップ性が最も分かりやすく結びついた名曲である。

3. Oblivion

「Oblivion」は、『Visions』の最大の代表曲であり、2010年代インディーポップを象徴する楽曲の一つである。タイトルは「忘却」を意味し、曲の明るく軽快なシンセポップの表面とは対照的に、歌詞には恐怖、身体的な危険、夜の不安が潜んでいる。この明るさと暗さのねじれこそが、Grimesの美学を最もよく示している。

音楽的には、シンプルなビートと印象的なシンセ・フレーズが中心である。曲は軽やかで、踊れるポップソングとして成立している。だが、その音の軽さは、歌詞の不安を消すのではなく、むしろ不気味に浮かび上がらせる。危険は重苦しい音ではなく、ポップなビートの中に紛れ込む。

歌詞では、夜道や孤独な場所で感じる不安、誰かに襲われるかもしれないという身体的な恐怖が示唆される。これは女性が都市空間で経験する警戒心とも深く結びつく。Grimesはその恐怖を直接的な抗議や悲劇としてではなく、軽やかな電子ポップとして表現する。そこに本曲の革新性がある。

ヴォーカルは可愛らしく、どこか無防備に聞こえる。しかし、その声が歌う内容は無防備ではいられない世界である。このズレが非常に強い印象を残す。Grimesは、危険を前にしても声を失わず、むしろそれを奇妙に明るいポップへ変える。

「Oblivion」は、『Visions』の核心的な楽曲である。ポップの軽さ、身体的な恐怖、女性の視点、電子音の反復が結びつき、Grimesを2010年代の重要アーティストへ押し上げた決定的な一曲である。

4. Eight

「Eight」は、短く、硬質で、アルバムの中でもやや実験的な楽曲である。タイトルは数字の「8」であり、具体的な意味を明示しない。その抽象性が、曲の機械的でゲーム的な雰囲気とよく合っている。

音楽的には、リズムと声の断片が鋭く配置されている。前曲「Oblivion」の明確なポップ性に比べると、「Eight」はより不安定で、断片的である。ビートは軽いが、音の質感はどこか冷たく、デジタルな空間の中で小さなキャラクターが動いているような印象を与える。

Grimesの声は、ここではさらに加工され、幼い声と機械的な音の中間にある。歌詞の意味より、声の反復や音色の変化が曲の中心になっている。数字のタイトルが示すように、人間的な物語よりも、記号やパターンとしての音楽が前面に出る。

「Eight」は、アルバムの流れの中で、Grimesの実験的な側面を示す小品である。ポップな曲だけではなく、電子音と声の断片を使って奇妙な空間を作る能力がここに表れている。

5. Circumambient

「Circumambient」は、タイトルからして周囲を取り巻く環境音、包囲する空気、アンビエントな空間を連想させる楽曲である。しかし曲は単なる静かなアンビエントではなく、速いビートと浮遊するヴォーカルが組み合わさった、独特の緊張感を持つエレクトロポップである。

音楽的には、ビートが比較的前に出ており、曲にはダンス・ミュージック的な推進力がある。一方で、シンセと声は空間の中でぼやけ、輪郭が揺れている。身体を動かすリズムと、意識を漂わせる音響が同時に存在している点が特徴である。

歌詞は断片的で、明確な物語よりも感覚の連なりとして機能する。Grimesの音楽では、言葉は意味を説明するためだけではなく、音響の一部として使われる。この曲でも、声はシンセと一体化し、曲全体を取り巻く環境のように響く。

「Circumambient」は、『Visions』の中でクラブ的な要素と夢幻的な要素が強く結びついた楽曲である。速いリズムの中でも、Grimesの世界は現実的なダンスフロアではなく、夢の中のクラブのように歪んでいる。

6. Vowels = Space and Time

「Vowels = Space and Time」は、本作の中でもタイトルの抽象性が際立つ楽曲である。母音、空間、時間が等号で結ばれており、言語、音声、宇宙的な広がりが一つの概念として提示されている。Grimesにとって声は歌詞を伝えるものではなく、空間と時間を作る素材でもある。この曲のタイトルは、その考え方をよく表している。

音楽的には、比較的ポップで、柔らかなシンセの反復と軽いビートが印象的である。メロディは親しみやすいが、声の重なりや音の配置は非常にGrimesらしい。曲は明るく聞こえる一方、どこか非現実的で、空間が歪んでいるような感覚がある。

歌詞では、言葉や声が明確な意味よりも響きとして使われる。母音は言語の中でも特に音そのものに近い要素であり、Grimesの高い声と相性が良い。彼女のヴォーカルは、母音を引き伸ばし、空間の中に広げることで、曲の時間感覚を作る。

「Vowels = Space and Time」は、『Visions』の中でも、Grimesの声に対する考え方を象徴する楽曲である。声は意味ではなく、空間であり、時間であり、電子音と同じ素材である。その美学が、軽やかなポップの形で表現されている。

7. Visiting Statue

「Visiting Statue」は、短く不思議な楽曲であり、タイトルは「訪れる像」または「像を訪れること」を連想させる。像は動かない存在であり、記憶、崇拝、過去の人物、神話的な対象を象徴する。そこに「visiting」という動きの言葉が加わることで、静止と移動の奇妙な対比が生まれている。

音楽的には、軽い電子音と声の断片が中心で、曲はスケッチのように進む。『Visions』には、このような短い曲がアルバム全体の空気をつなぐ役割を果たしている。大きなシングル曲ではないが、Grimesの世界観を補強する重要な断片である。

ヴォーカルはやはり曖昧で、言葉としての明瞭さよりも音色が重要である。像を訪れるように、聴き手はこの曲の中で何か意味ありげな対象を見つめるが、その正体ははっきりしない。Grimesの音楽には、こうした説明されない象徴が多い。

「Visiting Statue」は、アルバムの中で小さな幻視として機能する。明確な物語を持たないが、静かな異物感を残し、『Visions』の夢の連なりを豊かにしている。

8. Be a Body

「Be a Body」は、アルバムの中でも特に身体性をテーマにした楽曲である。タイトルは「身体であれ」とも訳せる。Grimesの音楽はしばしば人工的で、声も非人間的に加工されるが、この曲では、その人工性の中で身体を持つことが意識されている。

音楽的には、反復するビートとシンセ、重なるヴォーカルが催眠的なグルーヴを作る。曲は大きく展開するというより、同じ感覚を反復しながら少しずつ深めていく。ダンス・ミュージック的な身体性がありながら、音の質感は夢の中のようにぼやけている。

歌詞では、身体であること、身体を持って存在することが暗示される。Grimesの声はしばしば幽霊的で身体から離れているように聞こえるが、この曲ではむしろ身体へ戻ろうとする感覚がある。電子音楽において、身体はしばしばビートによって取り戻される。この曲は、その過程を表しているようにも聴ける。

「Be a Body」は、『Visions』の中で、声の非身体性とビートの身体性が交差する楽曲である。人工的な音の中で、身体を持つことの不思議さが浮かび上がる。

9. Colour of Moonlight (Antiochus)

「Colour of Moonlight (Antiochus)」は、月光の色という詩的なタイトルを持つ楽曲であり、サブタイトルの「Antiochus」が古代的・歴史的な響きを加えている。本作の中でも特に幻想的で、夜の空気が濃い曲である。

音楽的には、柔らかなシンセと浮遊する声が中心で、ドリームポップ的な美しさが強い。ビートは控えめで、曲全体が月明かりの中に漂うように進む。明るい太陽の光ではなく、冷たく淡い月光が似合うサウンドである。

歌詞は抽象的で、月光、距離、憧れ、夜の静けさが感じられる。Grimesはここでも、具体的な物語よりも、色や光の感覚を重視している。月光の色は明確に言い表せない。白でも青でも銀でもあり、その曖昧さが曲の魅力になっている。

「Colour of Moonlight」は、『Visions』の中で美しい中盤の休息として機能する。電子音で作られた夜の風景のような曲であり、Grimesの幻想的な側面をよく示している。

10. Symphonia IX (My Wait Is U)

「Symphonia IX (My Wait Is U)」は、タイトルに「交響曲」を思わせる語を含む楽曲であり、本作の中でもスケールの大きな感情を持つ。サブタイトルの「My Wait Is U」は、「私の待つものはあなた」とも読める。待機、憧れ、相手への執着が、Grimesらしい電子音の中で表現される。

音楽的には、シンセの広がりと強いメロディが印象的で、アルバム後半の重要曲として機能する。ビートは軽いが、曲全体には大きな感情の波がある。Grimesの声は多重に重なり、まるで小さな合唱のように響く。

歌詞では、誰かを待つこと、相手に向けられた感情が中心になる。ただし、それはストレートなラブソングというより、遠くにいる存在への祈りや呪文のように感じられる。Grimesの声が現実的な距離感を曖昧にするため、相手は恋人であると同時に、幻影や神話的な存在にも聞こえる。

「Symphonia IX」は、『Visions』の中でも特に感情の高まりが美しく表れた楽曲である。ベッドルームで作られた小さな電子音楽が、タイトル通り交響的な広がりを獲得している。

11. Nightmusic

「Nightmusic」は、夜の音楽というタイトルの通り、アルバムの中でも暗く、神秘的なクラブ感覚を持つ楽曲である。夜はGrimesの音楽にとって非常に重要な時間である。孤独、不安、身体の覚醒、都市の光、夢、危険が重なる場所として、夜は彼女の音楽的な舞台になっている。

音楽的には、ビートが強く、シンセは冷たく、曲全体にダークなダンス・ミュージックの雰囲気がある。ゲスト・ヴォーカルの存在もあり、声の重なりに別の色が加わる。『Visions』の中でも、よりクラブ寄りでありながら、一般的なダンス・トラックよりも幽霊的で内向的である。

歌詞では、夜の中で鳴る音、身体を動かす感覚、非現実的な空間が示唆される。ここでの夜は、単なる時間帯ではなく、別の存在状態である。昼の社会的な顔から離れ、声とビートが身体を支配する。

「Nightmusic」は、『Visions』のダンス的な側面を代表する楽曲である。Grimesのクラブ感覚は、明るい解放ではなく、暗い夢の中で踊るような質感を持つ。その特徴がよく表れている。

12. Skin

「Skin」は、アルバム終盤に置かれた、静かで深い楽曲である。タイトルは「皮膚」を意味し、身体の表面、触れること、境界、傷つきやすさを連想させる。『Visions』には声の非身体性や電子音の人工性が多くあるが、この曲では非常に親密な身体感覚が現れる。

音楽的には、ゆっくりとしたテンポで、シンセと声が静かに重なる。ビートは控えめで、曲は大きく展開せず、繊細な空間を保つ。Grimesのヴォーカルは、ここでは特に脆く、遠く、ほとんど触れたら消えてしまいそうに響く。

歌詞では、身体と感情の境界が曖昧になる。皮膚は人間を外界から隔てる境界であると同時に、触れられる場所でもある。親密さは皮膚を通じて生まれるが、同時に傷つきやすさも皮膚に宿る。この曲は、Grimesの作品の中でも特に繊細な身体表現を持つ。

「Skin」は、『Visions』の中で、電子音の冷たさの奥にある人間的な脆さを示す楽曲である。派手な代表曲ではないが、アルバムの感情的な深度を大きく高めている。

13. Know the Way

「Know the Way」は、アルバムの最後を飾る短い楽曲であり、『Visions』を静かに閉じるエピローグである。タイトルは「道を知っている」という意味を持つが、曲の雰囲気は確信に満ちたものではなく、むしろ小さな光を頼りに進むような感覚がある。

音楽的には、非常にシンプルで、声と電子音が柔らかく配置されている。大きなクライマックスではなく、余韻として機能する。アルバム全体の幻視が終わり、最後に残るのは、微かな声と道の感覚である。

歌詞では、導き、方向、相手との関係が暗示される。Grimesは明確な答えを提示しないが、「道を知っている」というタイトルは、アルバム全体の迷宮のような電子音の後に、小さな方向感覚を与える。完全な救済ではなく、次へ進むためのかすかな合図である。

「Know the Way」は、『Visions』の終曲として非常に美しい。派手に終わるのではなく、夢からゆっくり醒めるようにアルバムを閉じる。Grimesの音楽にある儚さと余白が最後に残る。

総評

『Visions』は、Grimesのキャリアにおける決定的な転換点であり、2010年代インディー／エレクトロポップの重要作である。本作によって、Claire Boucherはローファイな実験的アーティストから、独自のポップ言語を持つアーティストへと大きく飛躍した。初期作品の神秘性、ベッドルーム・ポップの個人性、電子音の実験性を保ちながら、「Oblivion」「Genesis」のような明確なポップ・ソングを生み出したことが、本作の最大の成果である。

本作の中心にあるのは、声と電子音の関係である。Grimesの声は、一般的なポップ・ヴォーカルのように歌詞を前面に伝えるものではない。声はシンセサイザーであり、幽霊であり、キャラクターであり、空間を作る素材である。高く、薄く、加工された声は、人間的でありながら非人間的でもある。この声の曖昧さが、『Visions』の世界を特別なものにしている。

音楽的には、シンセポップ、ドリームポップ、ダンス・ミュージック、R&B、チルウェイヴ、ウィッチハウス、ゲーム音楽的な感覚が混ざっている。しかし、それらはジャンルの引用として整理されているのではなく、Grimesの感覚の中で一つの独自世界に変換されている。アルバム全体は、インターネット時代の断片的な音楽体験が、一人の作家の内面で再構成されたものとして聴ける。

「Oblivion」は、本作の最も重要な楽曲である。軽やかなシンセポップでありながら、歌詞には身体的な危険と不安がある。これは、Grimesが現代的な恐怖をどのようにポップへ変換するかを示している。恐怖は重い音で表現される必要はない。むしろ、可愛らしく、軽く、踊れる音の中にあるからこそ、より不気味に響く。「Genesis」は、Grimesの神話的なポップ感覚を象徴し、「Skin」や「Symphonia IX」では、脆さと感情の深さが表れる。

本作は、個人制作の可能性を大きく示した作品でもある。『Visions』は、大規模なスタジオ・ポップではない。音には粗さもあり、ミックスも時に曖昧で、曲の構成も一般的なポップの定型から外れている。しかし、その不完全さが魅力である。すべてが磨き上げられていないからこそ、Grimesの内面から直接立ち上がったような生々しい異世界感がある。ベッドルームから宇宙が作られているような感覚が、本作にはある。

『Art Angels』では、Grimesはより明るく、カラフルで、ジャンル横断的なポップへ進む。『Miss Anthropocene』では、より暗く、終末的で、コンセプト性の強い作品へ向かう。その中間にある『Visions』は、Grimesの核が最も純粋に現れたアルバムと言える。初期のローファイな神秘性と、後期のポップな明確さが、ここでは絶妙なバランスで共存している。

歌詞の面では、明確なストーリーよりも、断片的な感覚が重要である。忘却、身体、夜、月光、待つこと、皮膚、道。これらのイメージが、はっきりと説明されないまま並ぶ。聴き手は意味を論理的に解釈するより、幻視として受け取ることになる。アルバムタイトル『Visions』は、その意味で非常に正確である。これは説明のアルバムではなく、視えたもの、感じたもの、夢の中の断片を音にしたアルバムである。

日本のリスナーにとって本作は、2010年代以降のオルタナティブ・ポップを理解するうえで重要である。アニメ的なキャラクター性、ゲーム音楽的な電子音、ローファイな個人制作、ドリームポップ的な浮遊感、ダンス・ミュージックのビート、そして女性の身体感覚や不安が一つに結びついている。Jポップやボーカロイド、ネット発の音楽文化に親しんでいるリスナーにも、Grimesの音楽は独特の接点を持ちやすい。

一方で、『Visions』は完全に分かりやすいポップ・アルバムではない。曲によっては歌詞が聴き取りにくく、構成も曖昧で、音像もローファイである。『Art Angels』のような明快な高揚感を期待すると、やや内向的に感じられるかもしれない。しかし、その曖昧さと内向性が本作の本質である。『Visions』は、外へ向かうポップであると同時に、部屋の中で一人だけが見ている幻の記録でもある。

総じて『Visions』は、Grimesが個人制作の電子音楽を、強いポップ・アイデンティティへ変換した名盤である。幽霊のような声、軽いビート、暗い不安、甘いメロディ、デジタルな神話が一つに結びついている。本作は、2010年代のインディーポップがどのようにインターネット、ベッドルーム制作、電子音、身体的不安、キャラクター性を取り込んだかを示す重要な作品であり、Grimesの創造性が最も鮮やかに開花したアルバムである。

おすすめアルバム

1. Grimes – Geidi Primes（2010）

Grimesのデビュー作であり、『Dune』由来のSF的な世界観、ローファイな電子音、幽霊的な声が特徴の作品である。『Visions』で明確化されるポップ性の前段階として、Grimesの異世界構築の原点を知ることができる。

2. Grimes – Halfaxa（2010）

『Visions』以前のGrimesの暗くゴシックな側面を強く示すアルバムである。儀式的な声、アンビエントな電子音、神秘的な空気が濃く、『Visions』の夢幻性や声の使い方の背景を理解するうえで重要である。

3. Grimes – Art Angels（2015）

『Visions』の次作であり、Grimesがより明るく、カラフルで、ジャンル横断的なポップへ進んだ作品である。Jポップ、Kポップ、EDM、ロック、アートポップを混ぜた大胆なアルバムで、Grimesのポップ作家としての進化を示している。

4. Crystal Castles – Crystal Castles（2008）

ローファイな電子音、ゲーム的なサウンド、ノイズ、ダークなインターネット感覚を持つ作品である。Grimesより攻撃的で冷たいが、2000年代後半から2010年代初頭のアンダーグラウンドなエレクトロニック感覚を理解するうえで関連性が高い。

5. Cocteau Twins – Heaven or Las Vegas（1990）

意味が曖昧なヴォーカル、夢幻的な音響、声を楽器として扱う美学において、Grimesの遠い先行作品として聴ける名盤である。電子音主体ではないが、『Visions』の浮遊する声とドリームポップ的な感覚を理解するうえで重要な比較対象である。