発売日：1990年9月20日
ジャンル：インディー・ロック、オルタナティヴ・ロック、パンク・ロック、ポスト・ハードコア、ローファイ、ギター・ロック
概要
Superchunkのデビュー・アルバム『Superchunk』は、1990年代アメリカン・インディー・ロックの幕開けを象徴する作品のひとつである。ノースカロライナ州チャペルヒルで結成されたSuperchunkは、Mac McCaughan、Laura Ballance、Jim Wilbur、Chuck Garrisonを中心に活動を開始し、のちにMerge Recordsを運営する存在としても、アメリカのインディー・シーンに大きな影響を与えた。『Superchunk』は、その出発点にあたるアルバムであり、荒々しいギター、前のめりなリズム、叫ぶようなヴォーカル、短く鋭い曲構成によって、バンドの基本的な美学を明確に提示している。
本作が発表された1990年は、アメリカのオルタナティヴ・ロックが大きく変化しようとしていた時期である。1980年代には、Hüsker Dü、The Replacements、Minutemen、Dinosaur Jr.、Sonic Youth、R.E.M.、Pixiesなどが、メインストリームとは異なるロックの形を作り出していた。パンクの速度とDIY精神、ハードコアのエネルギー、ギター・ノイズ、メロディックなソングライティング、大学街を中心としたカレッジ・ロックのネットワークが混ざり合い、1990年代のインディー・ロックへとつながっていく。Superchunkは、まさにその流れの中から現れたバンドである。
『Superchunk』の音は、非常に粗い。ギターは歪み、ドラムは勢いよく突っ込み、ベースは曲を支えるというより、バンド全体を前へ押し出す。Mac McCaughanのヴォーカルは、整った歌唱というより、感情をそのまま放り投げるような叫びに近い。だが、この粗さは単なる未熟さではない。むしろ、Superchunkというバンドの本質である。彼らは完璧な演奏や洗練されたスタジオ・ワークよりも、曲が持つ瞬間的なエネルギー、バンドが鳴っている生々しさ、感情がこぼれ落ちる速度を重視している。
本作の中心には、若いバンド特有の焦燥感がある。曲は短く、展開は速く、歌詞は断片的で、感情は整理される前に音になっている。恋愛、苛立ち、自己嫌悪、退屈、関係の破綻、言葉にならない怒りが、パンク以降のギター・ロックとして一気に噴き出す。Superchunkの音楽は、単に攻撃的なパンクではなく、そこにメロディがある点が重要である。どれほど荒く鳴っていても、曲の核にはキャッチーなフックや、耳に残るギター・ラインがある。このメロディと衝動の両立が、Superchunkを長く支持されるバンドにした。
キャリア上の位置づけとして、『Superchunk』はまだ完成形ではない。後の『No Pocky for Kitty』や『On the Mouth』では、バンドのソングライティングはさらに鋭くなり、ノイズとメロディのバランスも洗練されていく。しかし、本作にはデビュー作ならではの初期衝動がある。曲の完成度にばらつきがあり、録音も荒いが、そのぶん、バンドが自分たちの音を見つけていく瞬間が記録されている。これは、整った名盤ではなく、偉大なインディー・ロック・バンドが動き出す音である。
また、本作はMerge Recordsの歴史とも切り離せない。Mac McCaughanとLaura Ballanceは、Superchunkの活動と並行してMerge Recordsを設立し、のちにNeutral Milk Hotel、Spoon、Arcade Fire、The Magnetic Fields、Lambchop、M. Wardなど、多くの重要アーティストの作品を送り出すことになる。その意味でSuperchunkの初期作品は、単なる一バンドのデビュー作ではなく、アメリカン・インディーの独立精神を象徴するものでもある。自分たちの音楽を、自分たちの手で作り、自分たちの方法で届ける。そのDIY精神が、本作の音の粗さと強く結びついている。
音楽的には、Hüsker Düのメロディックなパンク、Dinosaur Jr.の歪んだギター、The Replacementsの不器用な感情、Sonic Youth以降のノイズ感覚、そしてポスト・ハードコアの焦燥が混ざっている。ただしSuperchunkは、それらを重苦しい形ではなく、非常に速く、明るく、跳ねるようなエネルギーとして鳴らしている。彼らの音楽には怒りや不満があるが、それは陰鬱に沈むのではなく、走ることで発散される。
『Superchunk』は、1990年代インディー・ロックの精神を理解するうえで重要なアルバムである。ここには、メジャーなロックの大仰さとは違う、小さな場所から鳴る大きなエネルギーがある。ガレージ、大学街、小さなクラブ、DIYレーベル、ツアー・ヴァン、手作りのフライヤー。そうした環境の中で生まれる音が、本作には刻まれている。荒く、速く、不器用で、しかし確かに胸を打つ。『Superchunk』は、バンドの原点であると同時に、アメリカン・インディー・ロックのひとつの原型である。
全曲レビュー
1. Sick to Move
オープニング曲「Sick to Move」は、Superchunkの初期衝動を一気に提示する楽曲である。タイトルは「動くことにうんざりしている」とも、「動かずにはいられないほど気分が悪い」とも読める曖昧な表現であり、アルバム全体にある焦燥と身体的な不安定さをよく表している。最初の曲から、バンドは止まることなく突進する。
サウンドは、歪んだギター、速いリズム、叫ぶようなヴォーカルによって構成される。演奏は決して滑らかではないが、その粗さが曲の魅力になっている。Mac McCaughanの声は、きれいに歌うというより、感情を前へ投げ出すように響く。Superchunkの音楽では、この声の切迫感が非常に重要である。
歌詞では、動き続けることへの疲労、しかし止まれない感覚が読み取れる。若いインディー・ロックにおいて、「動く」という行為は、ツアー、移動、逃避、変化、感情の発散を意味することが多い。この曲では、そのすべてが混ざっているように響く。動きたいのか、動きたくないのか、自分でも分からない。その矛盾が曲のエネルギーになっている。
「Sick to Move」は、アルバムの始まりとして非常に効果的である。洗練された導入ではなく、いきなりバンドの音が飛び込んでくる。Superchunkというバンドが、考える前に鳴らし、整える前に走る存在であることを示すオープニングである。
2. My Noise
「My Noise」は、タイトルからしてSuperchunkの美学を端的に表している。「私のノイズ」という言葉は、自分の不満、自分の声、自分の歪んだ表現を指しているように聞こえる。ノイズは一般的には雑音だが、インディー・ロックやパンクの文脈では、自己表現の武器でもある。この曲は、その考え方を非常に直接的に示す。
サウンドは、まさにノイズを中心にしたギター・ロックである。ギターは荒く、コードは鋭く鳴り、リズムは前のめりに進む。だが、単に騒がしいだけではない。曲には明確なメロディとフックがあり、ノイズの中からポップな感覚が浮かび上がる。これこそSuperchunkの重要な特徴である。
歌詞では、自分の音、自分の苛立ち、自分の存在をどう示すかがテーマになっているように響く。若いバンドにとって、自分のノイズを持つことは、自分の場所を持つことでもある。大きな業界や既存のロックの文法に対して、自分たちの小さく荒い音を鳴らす。その姿勢が曲全体にある。
「My Noise」は、SuperchunkのDIY精神を象徴する曲である。完璧に磨かれた音ではなく、自分たちの不完全なノイズをそのまま鳴らすこと。それがこのバンドの出発点だったことがよく分かる。
3. Let It Go
「Let It Go」は、タイトル通り「手放すこと」をテーマにした楽曲である。ただし、Superchunkの音楽において手放すことは、静かな諦めというより、怒りや苛立ちを音にして放り投げることに近い。この曲も、感情を整理する前にギターとドラムで外へ出すような勢いを持っている。
サウンドは、速く、粗く、短い。ギターは絶えずかき鳴らされ、リズムは止まらず、ヴォーカルは感情を押し出す。曲の構成は複雑ではないが、そのシンプルさが曲のメッセージと合っている。考えすぎず、抱え込みすぎず、外へ出す。まさに「Let It Go」の感覚である。
歌詞では、関係の終わりや、こだわりを捨てることへの葛藤が感じられる。手放すことは簡単ではない。だからこそ、曲は穏やかではなく、むしろ荒れている。Superchunkは、感情の解放を美しく整えるのではなく、騒がしいまま提示する。
「Let It Go」は、初期Superchunkの直線的な魅力を示す楽曲である。短く、鋭く、感情がそのまま音になっている。アルバム序盤の勢いを支える重要な曲である。
4. Swinging
「Swinging」は、タイトルに「揺れる」「振り回す」という動きの感覚を持つ楽曲である。Superchunkの音楽は、単に速いだけでなく、ギターとリズムが身体を揺さぶるような運動性を持っている。この曲では、その動きがタイトルにも表れている。
サウンドは、荒いギターと跳ねるようなリズムが中心である。パンク的な直線性がありつつも、どこか身体が横に揺れるようなグルーヴもある。Laura Ballanceのベースは曲の底をしっかり支え、ドラムは勢いよく前へ進める。バンド全体が、崩れそうで崩れないバランスで鳴っている。
歌詞では、感情や関係が揺れ動く感覚が描かれているように聞こえる。Swingingという言葉は、自由であると同時に不安定でもある。何かにぶら下がり、振り子のように行き来する。若い感情や人間関係も同じように、安定せず、行ったり来たりする。この曲には、その落ち着かなさがある。
「Swinging」は、Superchunkの演奏の粗さがエネルギーとして機能している曲である。完璧なタイトさではなく、少し揺れた演奏だからこそ、曲に生々しい身体感覚が生まれている。
5. Slow
「Slow」というタイトルは、Superchunkの音楽において少し皮肉に響く。彼らの初期作品は基本的に速く、前のめりで、落ち着きがない。その中で「Slow」というタイトルを持つ曲は、速度そのものへの意識を感じさせる。遅くなること、止まること、時間を引き延ばすことへの違和感がテーマとして浮かび上がる。
サウンドは、タイトルに反して完全にスロウなバラードではない。むしろ、Superchunkらしい荒さを保ちながら、少し重心を変えた曲として機能している。ギターの歪みは厚く、ヴォーカルには焦りがある。遅くなろうとしても、内側の衝動が速度を上げてしまうような感覚がある。
歌詞では、停滞や鈍さ、思うように進まない感覚が描かれる。若い時期には、物事が速く変わってほしい一方で、自分自身がその変化についていけないこともある。この曲には、そのもどかしさがある。Slowという言葉は、単なるテンポではなく、心理状態を示している。
「Slow」は、アルバムの中で速度の感覚に変化を与える曲である。Superchunkの初期衝動が、ただ速いだけではなく、停滞への苛立ちとも結びついていることを示している。
6. Slack Motherfucker
「Slack Motherfucker」は、Superchunkの初期を代表する最重要曲のひとつであり、バンドの名を広めた楽曲でもある。タイトルは強烈で、怠け者、だらしない相手への怒りがそのまま言葉になっている。インディー・ロックの歴史においても、この曲は1990年代初頭のDIYパンク精神を象徴する一曲として扱われることが多い。
サウンドは、非常に速く、攻撃的で、しかし同時にキャッチーである。ギターは歪み、ドラムは突進し、Mac McCaughanのヴォーカルは怒りと苛立ちをそのまま叫ぶ。しかし、この曲が単なる悪口ソングで終わらないのは、メロディとフックが非常に強いからである。怒りがポップな形に変換されている。
歌詞では、やる気のない相手、責任を果たさない人物、または広く怠慢な態度への怒りが歌われる。Superchunkの魅力は、こうした日常的な苛立ちを、過剰に理論化せず、そのまま音楽にする点にある。大きな政治的スローガンではなく、身近な怒りがパンク・ソングになる。
「Slack Motherfucker」は、本作のハイライトであり、初期Superchunkの精神を最も強く示す曲である。DIY、怒り、ユーモア、速度、メロディ。そのすべてが一気に鳴っている。この一曲だけでも、Superchunkがなぜ1990年代インディー・ロックで重要な存在になったのかが理解できる。
7. Binding
「Binding」は、「縛ること」「結びつけること」を意味するタイトルを持つ楽曲である。Superchunkの歌詞には、関係性における苛立ちや束縛感がしばしば表れる。この曲も、誰かや何かに結びつけられ、自由に動けない感覚を扱っているように響く。
サウンドは、荒いギターを中心にしながら、やや緊張感のある構成を持つ。リズムは前へ進むが、曲全体にはどこか引っかかるような感覚がある。これはタイトルの「binding」とよく合っている。走ろうとしているのに、何かに縛られているような音である。
歌詞では、関係や状況に縛られる感覚、そこから抜け出したい気持ちが読み取れる。若いバンドの初期作品において、自由への欲求と拘束への苛立ちは重要なテーマである。Superchunkはそれを大げさなドラマにせず、短く粗いロック・ソングとして鳴らす。
「Binding」は、アルバムの中では比較的控えめな曲かもしれないが、Superchunkの感情の構造をよく示している。自由に走るための音楽でありながら、その根底には縛られている感覚がある。その矛盾が曲のエネルギーになっている。
8. Down the Hall
「Down the Hall」は、廊下の向こう、あるいは同じ建物の中の距離を連想させるタイトルである。Superchunkの音楽は大きな風景よりも、部屋、廊下、街角、クラブ、日常の小さな場所に根ざしている。この曲も、身近な空間の中で起こる感情を扱っているように聞こえる。
サウンドは、ラフでスピード感がある。ギターは前面に出て、リズムは急ぎ足で進む。廊下を駆け抜けるような勢いがあり、曲のタイトルと音の動きが自然に重なる。Superchunkの曲は、こうした日常的な場所を、感情の圧力によって一気にロックの空間へ変える。
歌詞では、距離の近さと遠さが描かれているように感じられる。同じ建物の中にいるのに、相手との心理的距離は遠い。廊下の向こうにいる誰かに近づけない。そうした感覚は、若い人間関係やバンド生活の中にある小さな孤独と結びつく。
「Down the Hall」は、Superchunkの初期作品らしい、短く鋭い日常のスケッチである。大きな物語ではなく、小さな空間の中の苛立ちや焦りを、ギターで一気に増幅している。
9. Half a Life
「Half a Life」は、タイトルからして時間や人生の不完全さを感じさせる楽曲である。「人生の半分」という言葉は、失われた時間、未完成の自分、中途半端な状態を連想させる。初期Superchunkの短く速い曲の中に、このような時間への意識が現れる点は興味深い。
サウンドは、荒々しさを保ちながら、どこかメロディックな切なさもある。Superchunkの曲には、怒りや苛立ちだけでなく、メロディに滲む哀愁がある。この曲では、その側面が比較的強く感じられる。ギターのノイズの中に、少しだけ傷ついた感情が見える。
歌詞では、自分の人生が半分しか生きられていないような感覚、あるいは何かが欠けている状態が描かれているように響く。若い時期には、まだ人生が始まったばかりであるにもかかわらず、すでに何かを失ったように感じることがある。この曲は、その早すぎる喪失感を持っている。
「Half a Life」は、アルバムの中でやや内省的なトラックである。速度とノイズの中に、時間への不安が入り込むことで、作品に深みを与えている。
10. Not Tomorrow
「Not Tomorrow」は、「明日ではない」というタイトルを持ち、先延ばしや緊急性、未来への不信を連想させる楽曲である。Superchunkの音楽には、「今すぐ鳴らす」という感覚が強い。きれいに準備してからではなく、明日まで待つのではなく、今この瞬間に音を出す。その精神がこのタイトルにも表れている。
サウンドは、性急で、強い推進力を持つ。ギターは焦るように鳴り、ドラムは曲を急かし、ヴォーカルは余裕を持たずに言葉を投げる。未来を待てない感覚が、音の速度にそのまま反映されている。
歌詞では、何かを明日に延ばすことへの拒否や、すぐに行動しなければならない感覚が描かれているように聞こえる。若いバンドにとって、明日は保証されていない。だから今、曲を作り、演奏し、叫ぶ必要がある。この切迫感がSuperchunkの初期作品の魅力である。
「Not Tomorrow」は、アルバム終盤に再び速度と焦燥を加える曲である。未来ではなく現在に賭ける姿勢が、短いロック・ソングとして力強く表現されている。
11. Package Thief
「Package Thief」は、タイトルからして具体的で、少しユーモラスな楽曲である。「荷物泥棒」という言葉は、日常的な怒りや不信感を連想させる。Superchunkの歌詞には、こうした身近な苛立ちをそのまま曲にする感覚がある。大きなテーマでなくても、感情が強ければ曲になる。
サウンドは、鋭く、短く、勢いがある。ギターとドラムが一体となって突進し、ヴォーカルは苛立ちを吐き出す。タイトルの具体性と、音の攻撃性がよく合っている。誰かに何かを盗まれたという小さな出来事が、曲の中では大きな怒りとして増幅される。
歌詞では、盗まれること、信頼を裏切られること、身近な空間が侵害されることへの怒りが感じられる。荷物を盗むという行為は小さく見えるが、自分の場所に誰かが入り込んだという感覚を生む。この曲には、その不快感がある。
「Package Thief」は、Superchunkのユーモアと怒りが共存する曲である。深刻すぎず、しかし本気で苛立っている。このバランスが、初期Superchunkの魅力のひとつである。
12. Castro
「Castro」は、タイトルの意味を一つに固定しにくい楽曲である。人物名、地名、政治的な連想など、複数の読みが可能だが、Superchunkの初期作品においては、意味の明確さよりも言葉の響きと曲のエネルギーが重要である。この曲も、タイトルの持つ強い音感がまず印象に残る。
サウンドは、アルバム終盤らしく勢いを保ちながら、ギターの荒さが前面に出ている。曲は短く、無駄な装飾がない。Superchunkは、歌詞の細部を説明し尽くすより、音の衝動によって曲を成立させるバンドである。この曲もそのタイプの楽曲である。
歌詞は断片的で、怒りや違和感が浮かび上がる。タイトルが持つ外部のイメージと、バンドの内部から出る感情がぶつかり合うような印象がある。初期Superchunkの魅力は、こうした説明しきれない感情をそのまま演奏に変える点にある。
「Castro」は、アルバムの流れの中で荒いエネルギーを維持する曲である。意味を読み解くよりも、ギターの勢いとヴォーカルの切迫感を受け止めるべきトラックである。
13. Work
「Work」は、労働、作業、努力、義務を意味するタイトルを持つ楽曲である。SuperchunkのDIY精神を考えると、このタイトルは非常に重要に響く。バンドを続けること、ツアーをすること、レコードを作ること、レーベルを運営することは、ロマンティックな表現であると同時に、現実的な労働でもある。
サウンドは、荒く、直線的で、タイトル通り作業のような反復性を持つ。ギターはかき鳴らされ、ドラムは止まらず、曲は短い時間の中を一気に駆け抜ける。ここには、働くことへの苛立ちと、働かざるを得ないエネルギーが同時にある。
歌詞では、仕事や義務に対する不満、あるいは何かを続けることの疲労が感じられる。パンク／インディー・ロックにおいて、労働はしばしば退屈な日常の象徴である。しかしSuperchunkの場合、音楽もまた一種の仕事として引き受けられている。好きなことを続けるためには、面倒な作業も必要になる。この現実感が曲にある。
「Work」は、本作のDIY的な背景を象徴する曲として聴ける。インディー・ロックは自由な表現であると同時に、自分たちで動かなければ成立しない労働でもある。その矛盾が、Superchunkの歴史と深く重なる。
14. Night Creatures
ラスト曲「Night Creatures」は、夜の生き物たちを意味するタイトルを持つ終曲である。夜に活動する存在、日中の社会から外れた者たち、地下のクラブやライブハウスに集まる人々を連想させる。Superchunkのようなインディー・バンドにとって、夜は非常に重要な時間である。小さな会場で音が鳴り、日常とは別の共同体が生まれる場所だからである。
サウンドは、アルバムの最後まで荒々しく、エネルギーを保っている。終曲だからといって大きく感傷的に締めるのではなく、バンドは最後まで勢いよく鳴る。この姿勢がSuperchunkらしい。余韻よりも、最後の瞬間まで音を前へ押し出す。
歌詞では、夜に生きる者たちのイメージが浮かび上がる。社会の中心ではなく、周縁で動く人々。昼の秩序ではなく、夜の自由の中で生きる存在。これは、インディー・シーンそのものの比喩としても読める。メインストリームの明るい場所ではなく、夜の小さな場所で鳴る音楽。その共同体がこの曲にはある。
「Night Creatures」は、デビュー作の終曲として非常にふさわしい。Superchunkは、最後に自分たちが属する場所を示す。夜の生き物たちのための音楽。荒く、速く、不器用だが、その場所では確かに必要とされる音である。
総評
『Superchunk』は、Superchunkのデビュー・アルバムとして、1990年代アメリカン・インディー・ロックの原初的なエネルギーを記録した作品である。後の作品と比べれば、録音は粗く、曲の完成度にもばらつきがある。しかし、その粗さこそが本作の価値である。ここには、バンドがまだ自分たちのスタイルを完全に整える前の、むき出しの衝動がある。
本作の最大の魅力は、ノイズとメロディの衝突である。ギターは荒く歪み、演奏は前のめりで、ヴォーカルは叫びに近い。それでも曲の中心には、確かなメロディやフックがある。「Slack Motherfucker」のような曲は、その代表例である。怒りや苛立ちがそのまま音になっているが、同時に非常にキャッチーである。Superchunkは、パンクの衝動をインディー・ポップ的なメロディと結びつけることができたバンドだった。
歌詞面では、日常的な苛立ち、若さの焦燥、関係への不満、停滞への怒り、自己認識の不安が中心にある。大きな政治的宣言や複雑な物語は少ない。むしろ、身近な感情が短い曲の中で一気に噴き出す。「Slack Motherfucker」「Package Thief」「Work」のようなタイトルからも分かるように、Superchunkは日常の小さな怒りをロックへ変えることに長けている。
音楽的には、Hüsker Dü、Dinosaur Jr.、The Replacements、Sonic Youth、Mission of Burma、初期R.E.M.以降のカレッジ・ロックの流れを受けながら、より速く、より焦燥感のある形で鳴らしている。ハードコアの速度、ノイズ・ロックの歪み、インディー・ポップのメロディが、まだ荒いまま混ざっている。この未整理な混ざり方が、1990年という時代の空気をよく示している。
また、本作はMerge Recordsの精神を理解するうえでも重要である。Superchunkは、単に音楽を作るバンドであるだけでなく、インディー・シーンのインフラを自分たちで作っていく存在になった。その出発点にある本作には、自分たちで鳴らし、自分たちで出し、自分たちで動くというDIYの態度が刻まれている。音の粗さは、予算や技術の不足だけでなく、独立した方法で音楽を作ることの証でもある。
後のSuperchunkは、より鋭いソングライティングと、より整理されたバンド・サウンドを手に入れていく。『No Pocky for Kitty』では初期衝動がさらに研ぎ澄まされ、『On the Mouth』ではノイズとメロディのバランスがより完成される。そうした作品と比べると、『Superchunk』はまだ粗削りである。しかし、デビュー作にはデビュー作にしかない熱がある。本作の魅力は、完成度ではなく、始まりの勢いにある。
日本のリスナーにとって、本作は1990年代USインディー・ロックを理解するうえで重要な一枚である。Nirvana以降のオルタナティヴ・ロックがメインストリーム化する直前、まだ地下のインディー・シーンが独自の速度と熱を持っていた時代の音がここにある。ギター・ロック、パンク、ローファイ、オルタナティヴが好きなリスナーには、粗さを含めて魅力的に響くだろう。
総合的に見て、『Superchunk』は、偉大なインディー・バンドの初期衝動を記録した重要なデビュー作である。荒く、速く、叫び、時に不器用で、しかし強いメロディを持つ。完璧ではないが、その不完全さがバンドの生命力になっている。『Superchunk』は、1990年代インディー・ロックが走り出す瞬間の音であり、DIY精神とギター・ノイズの熱を今なお伝えるアルバムである。
おすすめアルバム
1. Superchunk『No Pocky for Kitty』
1991年発表のセカンド・アルバム。デビュー作の荒々しい勢いをさらに研ぎ澄ませ、Superchunkの初期サウンドを決定づけた作品である。ノイズ、速度、メロディのバランスがより明確になり、バンドの代表的な魅力を理解しやすい。
2. Superchunk『On the Mouth』
1993年発表のアルバム。初期Superchunkのギター・ロックがより整理され、楽曲の完成度が高まった作品である。デビュー作の粗さから、より強固なインディー・ロック・サウンドへ発展した過程を確認できる。
3. Hüsker Dü『New Day Rising』
1985年発表のアルバム。ハードコアの速度とメロディックなソングライティングを融合した重要作であり、Superchunkの音楽的背景を理解するうえで欠かせない。歪んだギターと感情的なメロディの結びつきが共通している。
4. Dinosaur Jr.『You’re Living All Over Me』
1987年発表のアルバム。轟音ギター、ローファイな質感、メロディックなインディー・ロックの原型を示す作品である。Superchunkのギター・ノイズとポップ感覚の関係を理解するうえで重要な比較対象となる。
5. The Replacements『Let It Be』
1984年発表のアルバム。パンクの粗さ、青春の不安定さ、メロディアスなロック・ソングを兼ね備えた作品である。Superchunkの不器用な感情表現や、荒さの中にあるポップ性と深く響き合う。
コメント