発売日：2018年12月14日
ジャンル：EDM、エレクトロ・ポップ、ダンス・ポップ、シンセ・ポップ、ポップ
概要
The Chainsmokersの2作目となるスタジオ・アルバム『Sick Boy』は、彼らのキャリアにおいて大きな転換点となった作品である。2016年の「Closer」の世界的ヒットによって、The ChainsmokersはEDMとポップ・ソングを結びつける代表的な存在となった。Halseyを迎えた「Closer」は、フェスティバル向けのドロップよりも、ノスタルジックな恋愛の記憶、若さの未熟さ、シンプルなメロディを重視し、EDMプロデューサーがポップ・スター化する時代を象徴する楽曲だった。
しかし、その成功は同時に強い反発も生んだ。The Chainsmokersは、商業的EDMポップの象徴として批判されることも多く、楽曲の感情表現の浅さ、自己言及的な態度、SNS時代の軽薄さを指摘されることもあった。2017年のフル・アルバム『Memories…Do Not Open』は、彼らのポップ・アルバム志向を明確にした作品だったが、批評的には賛否が分かれた。『Sick Boy』は、そうした状況を受けて作られた、より暗く、自己批判的で、社会的な視点を含むアルバムである。
タイトルの『Sick Boy』は、直訳すれば「病んだ少年」を意味する。ここでの“sick”は、身体的な病気というより、精神的な疲労、社会的な歪み、名声による消耗、SNSによって作られる自己像への嫌悪を表している。The Chainsmokersは本作で、かつての軽快な恋愛EDMポップから少し距離を取り、より不安定で、攻撃的で、自己反省的なテーマへ踏み込んだ。
音楽的には、『Sick Boy』は前作よりもダークな音像を持っている。EDMの大きなドロップは残っているが、全体のトーンは明るい祝祭感よりも、冷たいシンセ、重いビート、切迫したヴォーカル、暗いメロディが中心になる。「Sick Boy」「Everybody Hates Me」「You Owe Me」などでは、The Chainsmokersが自分たちに向けられた批判や、名声の中での孤独を正面から扱っている。一方で、「This Feeling」「Side Effects」「Hope」では、従来のポップなメロディや恋愛テーマも維持されている。
本作は、The Chainsmokersが単にヒット曲を量産するプロデューサー・デュオではなく、自分たちの置かれた時代や批判を音楽に取り込もうとしたアルバムである。特に重要なのは、SNS時代の自己像への意識である。誰もが自分を見せ、評価され、誤解され、消費される時代において、成功者であるThe Chainsmokers自身もまた、そのシステムから逃れられない。『Sick Boy』は、その矛盾をポップ・ミュージックの形で表現している。
また、本作ではDrew Taggartのヴォーカルが大きな役割を果たしている。The Chainsmokersは当初、ゲスト・ヴォーカルを中心にしたEDMプロデューサーとしての印象が強かったが、「Closer」以降、Drew自身の声がグループのアイデンティティを担うようになった。彼の歌声は技巧的に圧倒するタイプではないが、その少し弱く、不安定で、若者的な声質が、The Chainsmokersの歌詞にある自己嫌悪や孤独とよく合っている。
『Sick Boy』は、The Chainsmokersの最高傑作として語られることは少ないかもしれない。しかし、彼らのディスコグラフィの中では非常に重要な作品である。ここには、成功後の自己認識、批判への反応、現代的な病み、恋愛と孤独、そしてポップ・ミュージックとしての分かりやすさが混在している。The Chainsmokersが、単なるEDMポップの成功者から、より暗い自己像を持つポップ・アクトへ変化しようとした記録である。
全曲レビュー
1. This Feeling feat. Kelsea Ballerini
オープニング曲「This Feeling」は、カントリー・ポップ・シンガーのKelsea Balleriniを迎えた楽曲であり、『Sick Boy』の中では比較的明るく、親しみやすいポップ・ソングである。アルバム全体が暗い自己認識を含む作品であることを考えると、この曲はリスナーを入り口で引き込む役割を果たしている。
サウンドは、The Chainsmokersらしいエレクトロ・ポップの構成に、カントリー・ポップ的な素直なメロディを重ねている。派手なフェス向けのドロップではなく、歌を中心にした構成で、Kelsea Balleriniの透明感ある声が曲に開放感を与えている。Drew Taggartの声との対比も自然で、男女の視点が交差するポップ・デュエットとして機能している。
歌詞では、周囲の意見や理屈よりも、自分の感情を信じたいというテーマが描かれる。恋愛に対して他人が警告しても、本人にとってはその感情が真実である。これは非常にポップなテーマだが、『Sick Boy』全体の文脈では重要である。本作は他者の評価や外部からの視線を強く意識したアルバムであり、その最初に「自分の感情を信じる」という曲が置かれることで、外部の声と内面の声の対立が提示される。
「This Feeling」は、『Sick Boy』の中では最もラジオ向けの楽曲の一つであり、The Chainsmokersのメロディ・メイカーとしての強みを示している。
2. Beach House
「Beach House」は、The Chainsmokersのポップな軽さと自己言及的なユーモアがよく表れた楽曲である。タイトルは、インディー・ポップ・デュオBeach Houseへの言及としても受け取れるが、曲自体はThe Chainsmokers流のシンプルな恋愛ポップである。この軽い参照感覚も、SNS時代の音楽消費を反映している。
サウンドは、軽快なシンセとミニマルなビートを中心にしている。大きなEDMドロップよりも、ゆるいグルーヴと口ずさみやすいメロディが重視されている。The Chainsmokersの音楽がクラブだけでなく、日常のプレイリストに合うポップへ向かったことがよく分かる。
歌詞では、恋愛の中で相手に惹かれる感覚が、軽い口調で描かれる。深刻な愛の告白というより、少し気だるく、少し自己意識的な恋愛ソングである。歌詞の中には、現代的な恋愛の曖昧さ、すぐに親密になり、すぐに距離が生まれるような空気がある。
「Beach House」は、『Sick Boy』の暗いテーマ群の中では、軽やかなバランスを取る曲である。ただし、その軽さにもどこか空虚さがあり、The Chainsmokersらしい現代ポップの感覚がよく出ている。
3. Hope feat. Winona Oak
「Hope」は、Winona Oakを迎えた楽曲であり、アルバムの中でも特にメランコリックで美しい一曲である。タイトルは「希望」を意味するが、ここで描かれる希望は明るい未来への確信ではなく、失われた関係の中に残るかすかな期待や、過去への未練に近い。
サウンドは、柔らかなシンセ、静かなビート、透明感あるヴォーカルを中心にしている。Winona Oakの声は冷たく澄んでおり、曲に北欧ポップ的な寂しさを与えている。The Chainsmokersのメロディはここで非常に繊細に機能しており、派手さよりも余韻が重視されている。
歌詞では、愛が終わった後に残る希望、あるいは希望だと思っていたものが実は執着だったという感覚が描かれる。恋愛の中で、人は相手に変わってほしい、自分を選んでほしいと願う。しかし、その願いが必ずしも救いになるわけではない。「Hope」は、その曖昧な感情を丁寧に表現している。
この曲は、『Sick Boy』における感情的な深みを担う重要曲である。The Chainsmokersの音楽が、単なるドロップ中心のEDMではなく、メランコリックなポップ・ソングとして成立することを示している。
4. Somebody feat. Drew Love
「Somebody」は、Drew Loveを迎えた楽曲であり、名声、金銭、成功への欲望と、その裏にある空虚さをテーマにしている。タイトルの「Somebody」は、「誰か重要な存在になりたい」という願望を示す言葉である。The Chainsmokers自身の成功体験と深く結びつく楽曲といえる。
サウンドは、抑制されたビートとシンセが中心で、派手に爆発するよりも、都会的でクールな質感を持つ。Drew Loveのヴォーカルは、R&B的な滑らかさを加え、The Chainsmokersのエレクトロ・ポップに少し大人びた陰影を与えている。
歌詞では、成功して「誰か」になることへの欲望が歌われる。しかし、その欲望は単純に肯定されていない。高価なもの、注目、ステータスを手に入れても、それが本当の満足につながるのかは疑わしい。むしろ、誰かになりたいという願望の中には、現在の自分に対する不満がある。
「Somebody」は、『Sick Boy』全体の自己批判的なテーマと強くつながる。成功を求めること、成功によって自分を証明しようとすること、その結果として空洞化していくこと。本作の重要な社会的・心理的テーマが、この曲にはよく表れている。
5. Side Effects feat. Emily Warren
「Side Effects」は、Emily Warrenを迎えた楽曲であり、『Sick Boy』の中でも特にダンサブルでファンク色の強い曲である。タイトルは「副作用」を意味し、恋愛や欲望がもたらす思わぬ結果をテーマにしている。
サウンドは、ディスコ／ファンク寄りのリズムと、軽快なベースラインが特徴である。The Chainsmokersの楽曲としては、比較的生っぽいグルーヴがあり、EDMの硬いドロップよりも、身体を自然に揺らすダンス・ポップとして機能している。Emily Warrenの声は、軽やかでありながら少し皮肉を含んでおり、曲のテーマに合っている。
歌詞では、夜の衝動や相手への欲望が、自分でも予想しなかった行動につながる様子が描かれる。愛や欲望は薬のように作用し、そこには必ず副作用がある。楽しいはずの関係が、後から後悔や混乱を生むこともある。この比喩は非常にポップで、The Chainsmokersらしい分かりやすさを持っている。
「Side Effects」は、アルバムの中で明るいダンス性を担う曲であり、重くなりがちな『Sick Boy』にリズムの快楽を与えている。
6. Sick Boy
タイトル曲「Sick Boy」は、本作のコンセプトを最も明確に示す楽曲である。The Chainsmokersが自分たちに向けられた批判、アメリカ社会、SNS時代の自己像、世代的な不安を正面から扱った曲であり、アルバム全体の中核に位置する。
サウンドは、暗く、重く、緊張感がある。従来の明るいEDMポップとは異なり、ビートは冷たく、シンセも不穏である。Drew Taggartのヴォーカルは、ここでは少し挑発的で、同時に防衛的でもある。自分たちがどう見られているかを意識しながら、その視線に対して反応しているように聞こえる。
歌詞では、アメリカの東西の文化的違い、自己中心的な時代、SNSによって作られる人格、そして「病んだ少年」としての自己像が描かれる。ここでの“sick boy”は、単に個人の病みではなく、時代そのものに感染した若者像である。他人に評価され、誤解され、自己演出を続ける中で、自分自身もまた病んでいく。
この曲は、The Chainsmokersにとって重要な自己定義の試みである。彼らは批判を無視するのではなく、それを曲のテーマとして取り込んだ。成功者が被害者意識を持っているようにも聞こえるため賛否はあるが、その不安定さこそが『Sick Boy』という作品の核心である。
7. Everybody Hates Me
「Everybody Hates Me」は、タイトルからして非常に直接的な自己嫌悪と被害意識を持つ楽曲である。「みんなが自分を嫌っている」という言葉は、誇張された感情であると同時に、SNS時代の心理をよく表している。少数の批判でも、画面越しには世界中から嫌われているように感じられる。
サウンドは、暗いシンセと力強いビートを中心にしており、ポップでありながら攻撃的である。サビのフレーズは非常に覚えやすく、自己嫌悪をアンセム化している点が印象的である。The Chainsmokersはここで、批判されることへの痛みを、逆に大きなフックへ変換している。
歌詞では、パーティーや人間関係の中にいながら、自分が嫌われていると感じる人物の心理が描かれる。これは名声を持つアーティストの感覚であると同時に、現代の若者にも広く当てはまる。周囲とつながっているのに、常に評価され、拒絶される不安がある。
「Everybody Hates Me」は、『Sick Boy』の中でも最もストレートに現代的な不安を表現した曲である。自己憐憫にも聞こえるが、その過剰さが逆に時代の空気を捉えている。
8. Siren with Aazar
「Siren」は、Aazarとのコラボレーションによる楽曲であり、アルバムの中でも特にクラブ／フェス寄りの攻撃的なサウンドを持つ。タイトルの「Siren」は、警報、誘惑する存在、ギリシャ神話のセイレーンなど複数の意味を持つ。危険を知らせる音であり、同時に人を引き寄せる声でもある。
サウンドは、硬いビート、鋭いシンセ、重いドロップが中心で、The Chainsmokersのポップ寄りの楽曲群の中ではかなりEDM色が強い。Aazarの参加によって、曲はよりクラブ向けで、緊張感のあるものになっている。
歌詞や音のイメージでは、危険な誘惑や警告がテーマとして浮かび上がる。サイレンは逃げるべき合図であるにもかかわらず、人はその音に惹きつけられることがある。これは『Sick Boy』全体にある自己破壊的な欲望ともつながる。
「Siren」は、アルバムの中で音響的なアクセントを担う曲であり、The ChainsmokersのEDMプロデューサーとしての側面を再確認させる。
9. You Owe Me
「You Owe Me」は、本作の中でも特に暗く、内面的な楽曲である。タイトルは「君は僕に借りがある」という意味だが、実際には他者への怒りだけでなく、孤独、鬱屈、自己破壊的な感覚が含まれている。ミュージック・ビデオの吸血鬼的な演出も含めて、The Chainsmokersのダークな自己像が強く出た曲である。
サウンドは、アコースティックな要素とエレクトロニックな処理が混ざり、ややロック寄りの質感を持つ。曲調は比較的抑制されているが、歌詞の内容は重い。Drewの声は、疲れた人物の告白のように響く。
歌詞では、自分が抱える痛みや空虚さに対して、誰かに責任を求めるような感覚が描かれる。しかし、その責任の所在は明確ではない。相手に対する怒りのようであり、自分自身への怒りでもある。この曖昧さが曲の不穏さを作っている。
「You Owe Me」は、『Sick Boy』の中でもThe Chainsmokersが最も暗い内面へ踏み込んだ楽曲の一つである。派手なEDMのイメージから離れ、病んだポップ・ロックとして機能している。
10. Save Yourself with NGHTMRE
ラスト曲「Save Yourself」は、NGHTMREとのコラボレーションによる楽曲であり、アルバムを攻撃的に締めくくる。タイトルは「自分自身を救え」という意味で、『Sick Boy』全体の自己嫌悪や社会的な病みに対する、ひとつの厳しい結論のように響く。
サウンドは、重く、激しく、EDM／ベース・ミュージック的な攻撃性が強い。NGHTMREの参加によって、曲はThe Chainsmokersのポップな側面よりも、より硬質なクラブ・サウンドへ寄っている。アルバムの最後に置かれることで、内省的なテーマが最終的に爆発的な音へ変換される。
歌詞では、他人に救いを求めるのではなく、自分を救うしかないという感覚が示される。これは自己責任の冷たい言葉にも聞こえるが、『Sick Boy』の文脈では、外部の評価や批判、名声、恋愛に振り回され続けた後に残る最後の選択として響く。
「Save Yourself」は、アルバムの閉幕として非常に象徴的である。The Chainsmokersはここで、病んだ時代や病んだ自己像を提示した後、最終的に救済を外部ではなく自分自身に求める。ただし、その救いは穏やかなものではなく、激しい電子音の中で叫ばれる。
総評
『Sick Boy』は、The Chainsmokersのキャリアにおいて、最も自己意識が強く、最も暗いアルバムの一つである。『Memories…Do Not Open』でポップ・アルバムとしての形を示した彼らは、本作で成功後の批判、名声の疲労、SNS時代の自己像、現代的な孤独をより正面から扱うようになった。EDMポップの祝祭感だけではなく、その裏側にある不安や病みを描いた作品である。
本作の中心には、「見られること」への意識がある。The Chainsmokersは世界的な成功によって、常に評価され、批判され、消費される存在になった。「Sick Boy」や「Everybody Hates Me」では、その視線に対する過敏さが露骨に表れている。これは成功者の自己憐憫として批判される余地もある。しかし同時に、SNS時代に誰もが経験する「見られすぎる不安」をポップ・ミュージック化しているともいえる。
音楽的には、前作よりも暗いトーンが目立つ。従来のThe Chainsmokersらしいメロディアスなエレクトロ・ポップは残っているが、シンセの質感は冷たく、ビートも重く、歌詞も内省的である。「This Feeling」や「Side Effects」のような明るい曲もあるが、アルバム全体としては、軽快な恋愛EDMよりも、名声と孤独を抱えた現代ポップとしての色が濃い。
一方で、本作は完全に統一されたコンセプト・アルバムというわけではない。ポップな「This Feeling」、ファンク調の「Side Effects」、ダークな「Sick Boy」、EDM色の強い「Siren」「Save Yourself」など、曲ごとの方向性には幅がある。そのため、アルバム全体としてやや散漫に感じられる部分もある。しかし、そのばらつきは、The Chainsmokersが自分たちの次の方向性を探していたことの表れでもある。
Drew Taggartのヴォーカルは、本作の感情的な中心である。彼の声は決して完璧なポップ・シンガーの声ではないが、その未完成さが、歌詞の不安や自己嫌悪と合っている。特に「Sick Boy」「Everybody Hates Me」「You Owe Me」では、強がりと弱さが同時に聞こえる。この曖昧な声質が、The Chainsmokersのポップ・ソングに独特のリアリティを与えている。
歌詞面では、恋愛よりも自己像の問題が大きくなっている点が重要である。もちろん「Hope」や「This Feeling」のように恋愛を扱う曲もあるが、本作の核心は、自分がどう見られているか、自分が誰になったのか、自分は本当に満たされているのかという問いにある。「Somebody」では成功への欲望が、「Everybody Hates Me」では批判への過敏さが、「Save Yourself」では最終的な自己救済が描かれる。
この意味で、『Sick Boy』はThe Chainsmokersにとって必要な作品だったといえる。彼らは「Closer」以降、EDMポップの成功者として大きく消費された。本作は、そのイメージをただ継続するのではなく、成功の裏側にある病んだ自己像を音楽化しようとした試みである。必ずしもすべてが成功しているわけではないが、彼らのキャリアにおける重要な自己分析のアルバムであることは間違いない。
日本のリスナーにとって『Sick Boy』は、The Chainsmokersを明るいEDMヒットのイメージで知っている場合、やや暗く感じられる作品である。しかし、2010年代後半のポップ・ミュージックが、SNS、メンタルヘルス、名声、自己嫌悪といったテーマを取り込み始めた流れの中で聴くと、本作の位置づけは分かりやすい。これは単なるパーティー・ミュージックではなく、パーティーの後にスマートフォンを見ながら落ち込む世代のためのポップである。
『Sick Boy』は、病んだ自己像を抱えたEDMポップ・アルバムである。成功、批判、恋愛、欲望、名声、孤独。そのすべてが電子音の中で混ざり合い、The Chainsmokersは自分たちの明るいイメージを少しずつ暗く塗り替えていく。完成度にばらつきはあるが、彼らが自分たちの時代性と批判を音楽に取り込もうとした、重要な転換作である。
おすすめアルバム
1. The Chainsmokers – Memories…Do Not Open（2017）
The Chainsmokers初のフル・アルバムであり、「Something Just Like This」「Paris」などを収録。『Sick Boy』よりも明るく、EDMポップの成功をそのままアルバム化した作品である。『Sick Boy』で何が暗く変化したのかを理解するために重要である。
2. The Chainsmokers – So Far So Good（2022）
『Sick Boy』で示された内省性を、より統一感のあるエレクトロ・ポップとして整理した作品。派手なEDMよりもメランコリーと自己反省を重視しており、『Sick Boy』の後にThe Chainsmokersがどのように再調整したかを確認できる。
3. The Chainsmokers – World War Joy（2019）
『Sick Boy』の次作にあたるアルバムで、多くのゲストを迎えたコラボレーション色の強い作品。『Sick Boy』の暗さから少し開かれたポップへ戻りつつ、現代的なエレクトロ・ポップの幅を広げている。
4. Lauv – ~how i’m feeling~（2020）
SNS時代の恋愛不安、自己認識、メンタルヘルスをエレクトロ・ポップで描いた作品。The Chainsmokersと同様、明るいポップの形式の中に孤独や自己嫌悪を入れる点で関連性が高い。
5. Halsey – Hopeless Fountain Kingdom（2017）
The Chainsmokersの「Closer」に参加したHalseyによるポップ・アルバム。恋愛、名声、自己演出、現代的な孤独をドラマティックに描いており、『Sick Boy』の感情的な背景と比較しやすい作品である。
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