発売日：1988年8月9日
ジャンル：ハードロック／グラム・メタル／メロディック・ロック／アリーナ・ロック
概要
Europeの4作目のスタジオ・アルバム『Out of This World』は、1980年代後半のメロディック・ハードロックを代表する一枚であり、世界的成功を収めた前作『The Final Countdown』の後を受けて制作された重要作である。スウェーデン出身のEuropeは、1980年代前半には北欧メタル的な硬派なサウンドを持つバンドとして出発したが、『The Final Countdown』によってシンセサイザーを大胆に導入した壮大なアリーナ・ロック・バンドへと飛躍した。その成功は彼らを一気に国際的な存在へ押し上げた一方で、次作には商業的期待と音楽的成熟の両方が求められることになった。
『Out of This World』は、その期待に対するEuropeの回答である。前作の大仰なシンセ・リフとキャッチーなコーラスを受け継ぎながら、よりアメリカ市場を意識した洗練されたプロダクション、厚みのあるコーラス、ラジオ向けのメロディ、そしてギターを前面に出したハードロック感を強めている。前作でギターを担当していたジョン・ノーラムが脱退し、本作ではキー・マルセロが加入している。このメンバー交代はアルバムの音楽性に大きな影響を与えた。ノーラムのプレイがブルースやネオクラシカルなメタルの緊張感を帯びていたのに対し、マルセロのギターはより流麗で、アメリカン・ハードロックやAORにも接続しやすい華やかさを持っている。
プロデューサーにはロン・ネヴィソンが起用された。彼はHeart、UFO、Led Zeppelin関連作品などで知られ、1980年代にはアリーナ・ロックの大規模な音像作りに長けた人物として評価されていた。本作のサウンドは、まさにその特徴が反映されている。ドラムは大きく響き、ギターは分厚く、キーボードは楽曲の輪郭を広げ、ヴォーカルはコーラスとともに高く抜けていく。『The Final Countdown』の欧州的なドラマ性に対して、『Out of This World』はより国際市場、とりわけ北米のロック・ラジオに適合する形へと磨かれている。
1988年という時代背景も重要である。この時期のハードロック／グラム・メタルは、Bon Jovi、Def Leppard、Whitesnake、Aerosmith、Poison、Mötley Crüeなどがチャートを席巻し、重いリフよりも大きなメロディ、派手なヴィジュアル、パワー・バラード、スタジアム級のコーラスが重視されていた。Europeはアメリカのバンドとは異なる北欧的な哀愁を持ちながら、その潮流の中で十分に競争できるポップ性と演奏力を示した。本作は、ヨーロッパ産ハードロックがアメリカン・メインストリームに接近した代表的な例といえる。
ただし、『Out of This World』は単なる前作の再現ではない。確かに「Superstitious」のような大ヒットを狙った楽曲もあるが、アルバム全体ではブルージーなハードロック、AOR的なバラード、ソウルフルなミッドテンポ、疾走感のあるロック・ナンバーがバランスよく配置されている。ジョーイ・テンペストのヴォーカルは、前作よりも落ち着いた表現力を増し、力強い高音だけでなく、抑制されたメロディ運びや情感のある歌唱も際立つ。ミック・ミカエリのキーボードも、単に派手なシンセ・フレーズを鳴らすのではなく、楽曲の空間を広げる役割を担っている。
本作は、Europeのキャリアにおいて商業的成功後の成熟を示す作品である。『The Final Countdown』ほど象徴的な一曲に支配されたアルバムではないが、バンドとしての総合力、メロディ作り、アレンジ能力、国際的なハードロック市場への適応力が明確に表れている。北欧メロディック・ロックの美点と、1980年代後半のアリーナ・ロックの豪華な音像が融合した作品として、『Out of This World』は現在でも重要な位置を占めている。
全曲レビュー
1. Superstitious
アルバム冒頭を飾る「Superstitious」は、本作を代表するシングルであり、Europeのメロディック・ハードロック路線を最も端的に示す楽曲である。イントロのギターとキーボードは、前作「The Final Countdown」のような圧倒的なシンセ・リフではなく、よりロック・バンド然とした推進力を持っている。ドラムは大きく、ギターは明るく厚みがあり、コーラスはスタジアムでの合唱を想定したように広がっていく。
歌詞では、迷信や運命への不安を題材にしながら、恋愛関係における疑念や依存が描かれる。タイトルの「Superstitious」は、単に占いや迷信を信じるという意味だけでなく、相手の行動や関係の行方に過敏になり、理性的に振る舞えない状態を示している。ジョーイ・テンペストの歌唱は、感情的でありながら過度に暗くならず、ポップな明るさを保っている。このバランスが楽曲の魅力である。
中盤では、Bob Marleyの「No Woman, No Cry」の一節が引用されるような展開があり、ハードロックの枠内に軽やかな遊び心を持ち込んでいる。これは1980年代後半のロックが、ジャンルの純粋性よりも大衆的な親しみやすさや即効性を重視していたこととも符合する。キー・マルセロのギター・ソロは、派手さと歌心のバランスが良く、テクニックを誇示しすぎずに曲全体の高揚感を高めている。
「Superstitious」は、前作の成功を受け継ぎながらも、より洗練されたアメリカン・ロック寄りのEuropeを提示するオープニングとして機能している。アルバム全体の方向性を明確に示す、完成度の高いメロディック・ロックである。
2. Let the Good Times Rock
「Let the Good Times Rock」は、タイトル通り、快楽的で開放的なロックンロールのエネルギーを前面に出した楽曲である。前曲「Superstitious」がシングル向けの完成度を持つメロディック・ロックだとすれば、本曲はよりライヴ映えするパーティー・ロックとして配置されている。明快なリフ、力強いリズム、覚えやすいサビが一体となり、1980年代アリーナ・ロックの王道を進む。
歌詞のテーマは複雑ではない。日常の重さを振り払い、音楽と夜の高揚感に身を任せるというものだ。しかし、この単純さは欠点ではなく、当時のハードロックにおける重要な機能を果たしている。1980年代後半のロック・シーンでは、社会的批評や内省だけでなく、祝祭性、ライヴでの一体感、若者文化としての解放感が強く求められていた。本曲はその要素をストレートに表現している。
音楽的には、キーボードの装飾よりもギターとリズム隊が前に出ており、Europeが単なるシンセ・ロック・バンドではないことを示している。ドラムのスネアは大きく響き、ベースは堅実にグルーヴを支える。キー・マルセロのギターは、リフに鋭さを与えつつ、ソロでは滑らかなメロディを展開する。彼の加入によって、Europeのサウンドはよりアメリカン・ハードロック的な華やかさを獲得した。
この曲はアルバム序盤の勢いを保つ役割を担っている。深いドラマ性よりも即効性を重視した楽曲だが、その分、Europeの持つメロディ・センスと演奏の安定感が明確に伝わる。
3. Open Your Heart
「Open Your Heart」は、Europeのバラード表現を代表する楽曲のひとつである。もともとは1984年のアルバム『Wings of Tomorrow』に収録されていた曲だが、本作では再録され、より洗練されたプロダクションのもとで新たな姿を与えられている。初期版が北欧メタル寄りの若々しい叙情性を持っていたのに対し、本作版はAOR／アリーナ・ロック的な広がりを持つパワー・バラードとして仕上げられている。
歌詞は、閉ざされた心を開き、愛情や信頼を受け入れることを求める内容である。1980年代のハードロック・バラードには、恋愛の痛みや再生を大きなメロディで歌い上げる作品が多かったが、「Open Your Heart」もその系譜にある。ただし、Europeの場合、アメリカのグラム・メタル・バンドに見られる過剰な甘さよりも、北欧的な透明感と哀愁が強く出ている。
ジョーイ・テンペストのヴォーカルは、楽曲の中心にある繊細さを的確に表現している。高音部の伸びやかな歌唱はもちろん、ヴァース部分での抑制された歌い方が重要である。感情を最初から爆発させるのではなく、徐々にサビへ向けて高めていくことで、楽曲全体にドラマが生まれている。ミック・ミカエリのキーボードは、バラードに必要な広がりと透明感を加え、ギターとのバランスも良い。
キー・マルセロのギター・ソロは、メロディアスでありながら過度に技巧的ではなく、歌の延長として機能している。1980年代のパワー・バラードでは、ギター・ソロが感情の頂点を担うことが多いが、この曲でもその役割は明確である。「Open Your Heart」は、Europeが単に派手なハードロックだけでなく、叙情的なメロディを大規模なサウンドに昇華できるバンドであることを示している。
4. More Than Meets the Eye
「More Than Meets the Eye」は、軽快なテンポとキャッチーなサビを持つメロディック・ロック・ナンバーである。タイトルは「見た目以上のものがある」という意味を持ち、表面的な印象だけでは分からない感情や関係性をテーマにしている。恋愛における相手の本心、あるいは自分自身の内面に隠れた複雑さを示す言葉として機能している。
音楽的には、ギターとキーボードが明るく絡み合い、アルバムの中でもポップ寄りの楽曲となっている。Europeの強みは、ハードロックの力強さを保ちながら、サビで一気に耳に残るメロディを提示できる点にある。この曲でもその美点がよく表れている。特にコーラス部分は、ラジオ向けの明快さとライヴでの一体感を両立している。
歌詞の内容は、単純な恋愛賛歌ではない。見た目や第一印象では測れないものを見ようとする姿勢があり、1980年代ハードロックにしばしば見られる外向的なイメージの中にも、内面性への関心が含まれている。もちろん、深刻な心理劇ではなく、あくまでポップ・ロックとして成立する範囲での表現だが、その分、聴きやすさとテーマ性のバランスが取れている。
演奏面では、キー・マルセロのギターが曲に明るい推進力を与えている。リフは重すぎず、サウンド全体に柔軟性がある。ジョーイ・テンペストのヴォーカルも、力強さよりも親しみやすさを重視しており、アルバム中盤に向けてテンションを保つ役割を果たしている。
5. Coast to Coast
「Coast to Coast」は、本作の中でも特にAOR色が濃いミッドテンポのバラードである。タイトルが示すように、広い距離、旅、離れている相手への思いが中心に置かれている。1980年代のアリーナ・ロックでは、ツアー生活や遠距離の恋愛を題材にした楽曲が多く見られたが、本曲もその文脈に位置づけられる。
サウンドは非常に洗練されている。派手なギター・リフよりも、キーボードとコード進行が作る広がりが重視され、楽曲全体に夜景や長距離移動を思わせる空気が漂う。テンペストのヴォーカルは抑制されながらも情感豊かで、歌詞にある距離感や寂しさを丁寧に表現している。サビでは感情が大きく開かれるが、過剰に劇的になりすぎない点が特徴である。
歌詞では、物理的な距離が感情の距離と重ねられている。海岸から海岸へ、都市から都市へと移動するイメージは、成功を収めたバンドのツアー生活とも結びつく。華やかなロック・スターの生活の裏側にある孤独や、離れた相手への思慕が読み取れる。これはBon JoviやJourneyなどのアメリカン・ロックにも通じるテーマだが、Europeの場合、メロディに北欧的な冷たさと透明感があるため、より内省的に響く。
キー・マルセロのギターは、ここでも歌を支える役割を重視している。派手な速弾きではなく、音数を選んだメロディアスなフレーズが楽曲の情感を高める。「Coast to Coast」は、EuropeがAOR的洗練を自然に取り込んだことを示す、アルバム中の重要なバラードである。
6. Ready or Not
「Ready or Not」は、アルバムの中でもハードロック色が強く、疾走感のある楽曲である。前曲「Coast to Coast」の叙情性から一転し、鋭いリフと力強いビートで聴き手を引き戻す。アルバム構成上も、後半へ向けてテンションを上げる役割を果たしている。
歌詞は、準備ができていようがいまいが、状況は迫ってくるという切迫感を持つ。恋愛や人生のチャンス、あるいは成功への挑戦を描いたものとして読むことができる。1980年代ハードロックに特徴的な前向きな攻撃性があり、迷いよりも行動、内省よりも突破力が前面に出ている。
音楽的には、ギターの存在感が際立つ。キー・マルセロのリフはシャープで、Europeのサウンドを前作よりもギター中心へ押し戻している。ドラムも直線的で、余計な装飾を避けた推進力がある。サビではコーラスが大きく広がり、ライヴでの盛り上がりを強く意識した構成になっている。
この曲は、Europeがメロディックであると同時に、しっかりとハードロック・バンドであることを示す楽曲である。シンセサイザーの華やかさだけでなく、ギター、ベース、ドラムの物理的な力が前に出ており、アルバムに必要な重心を与えている。
7. Sign of the Times
「Sign of the Times」は、アルバム中でも比較的シリアスな雰囲気を持つ楽曲である。タイトルは「時代の兆候」を意味し、個人的な恋愛だけでなく、より広い社会的・時代的な不安を連想させる。1980年代末は冷戦末期であり、経済的繁栄と不安、メディア文化の拡大、ロックの商業化が同時に進んでいた時代である。本曲は明確な政治的メッセージを掲げるわけではないが、時代の変化に対する感覚を持っている。
サウンドはミッドテンポで、重厚なコーラスと広がりのあるアレンジが特徴である。ギターとキーボードのバランスが良く、Europeらしい壮大さが出ている。テンペストのヴォーカルは、ここではやや陰影を帯びており、単なるロック・アンセムではなく、時代を見つめる語り手としての存在感を示している。
歌詞では、変化する世界の中で何を信じるべきか、どこへ向かうべきかという問いが読み取れる。1980年代のメロディック・ロックはしばしば恋愛や享楽を中心に語られるが、Europeにはヨーロッパ的な歴史感覚や哀愁があり、それが本曲にも表れている。明るいメロディの中に不安の影が差す点が、アメリカの同時代バンドとは異なる特色である。
「Sign of the Times」は、アルバム全体に深みを与える楽曲である。派手なシングル曲ではないが、Europeが時代の空気を意識しながら、メロディック・ハードロックの枠内で表現を広げようとしていたことを示している。
8. Just the Beginning
「Just the Beginning」は、タイトル通り「これは始まりにすぎない」という前進感を持った楽曲である。アルバム後半に配置されていることで、終盤へ向けて再びポジティヴなエネルギーを注入する役割を担っている。テンポは軽快で、メロディは明るく、バンド全体の演奏も開放的である。
歌詞のテーマは、過去を乗り越え、新たな段階へ進むことにある。恋愛関係の再出発としても、バンド自身のキャリアの宣言としても読める。前作で世界的成功を収めたEuropeにとって、本作は成功後の維持ではなく、次のステップを示す必要があった。その意味で「Just the Beginning」というタイトルは、アルバム内の一曲であると同時に、バンドの姿勢を象徴している。
音楽的には、ハードロックの力強さよりもメロディック・ロックとしての明快さが強い。キーボードは爽やかな広がりを作り、ギターは明るいリフとソロで楽曲を彩る。サビは覚えやすく、Europeのポップ・センスがよく出ている。こうした楽曲は、アルバム全体の重さを和らげ、聴きやすさを高める役割を果たす。
ただし、軽快である一方で、演奏や構成は決して雑ではない。テンペストの歌唱は安定しており、コーラスの重ね方も巧みである。1980年代後半のメロディック・ハードロックが持っていた楽観性を、Europeらしい品のあるメロディで表現した楽曲といえる。
9. Never Say Die
「Never Say Die」は、力強いタイトルが示す通り、諦めない姿勢を歌ったハードロック・ナンバーである。1980年代ロックにおける定番的なテーマである「不屈の精神」を扱っているが、Europeのメロディ・センスによって、単なる根性論ではなく、ドラマティックなロック・ソングとして成立している。
音楽的には、ギター・リフが前面に出ており、アルバム後半の中でも比較的タフな質感を持つ。ドラムは大きく、ベースはしっかりと低域を支え、コーラスは厚い。キー・マルセロのギターは、リフでは力強さを、ソロでは流麗さを見せる。ジョン・ノーラム時代のEuropeが持っていたメタリックな緊張感とは異なるが、より洗練されたハードロックとしての魅力がある。
歌詞では、困難に直面しても屈しないというメッセージが繰り返される。この種のテーマは、1980年代のロック・アルバムにおいてリスナーを鼓舞する機能を持っていた。特にアリーナ・ロックでは、大勢の観客と共有できる大きな言葉が重要であり、「Never Say Die」はその条件を満たしている。
この曲は、アルバム終盤におけるハードなアクセントとして機能している。バラードやミッドテンポ曲が多い本作の中で、Europeのロック・バンドとしての骨格を再確認させる楽曲である。
10. Lights and Shadows
「Lights and Shadows」は、タイトルが示すように、光と影、希望と不安、明るさと暗さの対比をテーマにした楽曲である。Europeの音楽には、明快なメロディの中に哀愁を含ませる特徴があるが、この曲はその美点をよく表している。派手なシングル向け楽曲ではないものの、アルバム全体の陰影を深める役割を担っている。
サウンドはミッドテンポで、ギターとキーボードがバランスよく配置されている。メロディはやや切なく、テンペストのヴォーカルも感情を丁寧に追っている。サビでは大きく開けるが、完全な明るさには到達せず、どこか影を残す。この感覚は北欧メロディック・ロックの重要な魅力であり、Europeが同時代のアメリカン・グラム・メタル勢と異なる個性を持っていた理由でもある。
歌詞では、人生や関係性における二面性が描かれる。成功の光の裏にある孤独、愛情の中に潜む不安、前進の中で残る過去の影といった要素が読み取れる。1980年代後半のEuropeは、世界的な注目を浴びる一方で、音楽的方向性や市場からの期待に向き合う必要があった。その状況を考えると、この曲の光と影の対比は、バンド自身の立場とも重なって見える。
演奏面では、過度な技巧よりも楽曲全体のムード作りが重視されている。キー・マルセロのギターは、メロディを引き立てながら、曲に適度なロック感を与える。ミック・ミカエリのキーボードも、空間的な広がりを作る重要な役割を果たしている。
11. Tower’s Callin’
「Tower’s Callin’」は、飛行や通信、旅立ちを連想させるタイトルを持つ楽曲である。アルバム・タイトル『Out of This World』とも響き合う、空間的な広がりを感じさせる一曲である。イントロからスケール感のあるアレンジが施され、Europeらしい壮大なロック・サウンドが展開される。
歌詞では、管制塔からの呼びかけ、空への出発、未知の場所へ向かうイメージが中心となる。これは実際の旅や飛行を描いていると同時に、成功、変化、逃避、自由への欲求を象徴している。1980年代のアリーナ・ロックでは、空、道、都市、旅といったモチーフが頻繁に用いられたが、本曲もその伝統に連なっている。
音楽的には、キーボードが広い空間を作り、ギターがその中を切り裂くように鳴る。ドラムの大きな響きは、スタジアム的なスケールを強調している。テンペストのヴォーカルは、曲の持つ上昇感を的確に表現しており、サビでは大きく開けるような印象を与える。
「Tower’s Callin’」は、Europeのドラマティックな側面を支える楽曲である。『The Final Countdown』で確立された宇宙的・飛翔的イメージを、より成熟したハードロック・サウンドの中で再構成しているともいえる。アルバム終盤において、作品全体のスケール感を再び押し広げる重要な曲である。
12. Tomorrow
アルバムの締めくくりとなる「Tomorrow」は、穏やかで叙情的なバラードである。大仰なハードロック・アンセムで終わるのではなく、静かな余韻を残す楽曲を最後に置いた点に、本作の構成意識が表れている。前曲までの華やかなアリーナ・ロックの流れを受け止め、最後に内省的な光を差し込むような役割を果たしている。
歌詞の中心にあるのは、明日への希望である。ただし、それは単純な楽観主義ではなく、困難や不安を経たうえで、それでも先へ進もうとする姿勢として描かれる。1980年代のハードロック・バラードには、失恋や孤独を劇的に歌い上げるものが多いが、「Tomorrow」はより普遍的で、静かな祈りに近い性格を持っている。
音楽的には、ピアノやキーボードの柔らかい響きが中心となり、テンペストのヴォーカルが前面に出る。彼の歌唱は力強く張り上げるだけでなく、柔らかく語りかけるような表現も得意としており、この曲ではその側面がよく表れている。終盤に向けてサウンドは広がるが、過剰な盛り上げには頼らず、メロディの美しさを保っている。
「Tomorrow」は、『Out of This World』を単なる派手なハードロック・アルバムではなく、叙情性を持った作品として締めくくる。アルバム全体を通じて描かれてきた愛、距離、希望、挑戦、時代の変化といったテーマが、ここで静かにまとめられる。
総評
『Out of This World』は、Europeが世界的成功後に到達した、洗練されたメロディック・ハードロックの完成形のひとつである。前作『The Final Countdown』が象徴的なシンセ・リフと巨大なヒット曲によって記憶される作品だとすれば、本作はアルバム全体の質感、演奏、アレンジ、メロディの安定感によって評価されるべき作品である。突出した一曲に依存するのではなく、ハードロック、AOR、パワー・バラード、アリーナ・ロックをバランスよく配列している。
本作の大きな特徴は、北欧的な哀愁とアメリカン・ロック的な豪華さの融合にある。Europeはスウェーデン出身のバンドであり、そのメロディには明るさの中にも冷たさや切なさがある。一方で、ロン・ネヴィソンのプロダクションは、当時の北米ロック市場に適合する大きな音像を与えている。結果として、本作は欧州的な旋律美とアメリカ的なスケール感が交差するアルバムとなった。
キー・マルセロの加入も重要である。ジョン・ノーラム時代のEuropeが持っていたメタル寄りの鋭さはやや後退したが、その代わりに、より流麗でラジオ向けのギター・スタイルが導入された。マルセロのプレイは、楽曲のメロディを邪魔せず、必要な場面で華やかなソロを聴かせる。これにより、Europeはハードロック・バンドとしての力強さを保ちながら、より広いリスナーへ届くサウンドを獲得した。
ジョーイ・テンペストのソングライティングとヴォーカルも、本作の中心的な魅力である。彼の書くメロディは非常に明快で、サビに向けて自然に高揚していく構造を持つ。歌詞は恋愛や希望、挑戦、旅、時代の変化といった普遍的なテーマが多く、1980年代のメインストリーム・ロックとしての機能を果たしている。同時に、「Sign of the Times」や「Lights and Shadows」には、単なる享楽的ロックを超えた陰影もある。
歴史的に見ると、『Out of This World』は1980年代ハードロックの最盛期に制作された作品である。Def Leppardの『Hysteria』、Bon Joviの『Slippery When Wet』や『New Jersey』、Whitesnakeのセルフタイトル作などが巨大な成功を収める中で、Europeはヨーロッパ出身バンドとしてその流れに参加した。本作は、当時のグラム・メタル／アリーナ・ロックの文脈にありながら、よりメロディックで上品な音楽性を持っている点で独自性がある。
一方で、本作はその時代性の強さゆえに、1990年代以降のオルタナティヴ・ロックの台頭後には過剰にきらびやかな音として受け取られやすくなった。しかし、現在の視点から聴くと、その大規模なプロダクション、徹底したメロディ作り、演奏の精度は、1980年代後半のロック文化を理解するうえで非常に価値がある。特に北欧メロディック・ロックやメロディアス・ハードを好むリスナーにとっては、今なお基準点のひとつである。
『Out of This World』は、Europeのディスコグラフィにおいて、『The Final Countdown』の影に隠れがちな作品ではある。しかし、アルバムとしての完成度、楽曲の粒ぞろい、バンド・サウンドの成熟を考えると、非常に重要な作品である。派手なシンセ・ロックの成功作から、より総合的なメロディック・ハードロック・バンドへと進化したEuropeの姿がここにある。
日本のリスナーにとって本作は、1980年代洋楽ハードロックの華やかさを知るうえで聴きやすく、同時に北欧ロック特有の旋律美を味わえるアルバムである。ハードロックの力強さを求めるリスナー、AOR的な洗練を好むリスナー、パワー・バラードの美しさを重視するリスナーのいずれにも接点がある。『Out of This World』は、時代の空気を強く反映しながらも、Europeのメロディ・メーカーとしての力量を明確に示す、1980年代メロディック・ロックの重要作である。
おすすめアルバム
1. The Final Countdown by Europe
1986年発表のEurope最大の代表作。シンセサイザーによる壮大なリフとハードロックの推進力を融合し、バンドを世界的な存在へ押し上げた。「The Final Countdown」「Rock the Night」「Carrie」など、アリーナ・ロックとメロディック・ハードの魅力が凝縮されている。『Out of This World』を理解するうえで、前作として必ず参照すべき作品である。
2. Wings of Tomorrow by Europe
1984年発表の2作目。Europeが世界的なポップ・ハードロックへ移行する前の、よりメタリックで北欧的な叙情性を持つ作品である。「Open Your Heart」のオリジナル版も収録されており、本作での再録版と比較することで、バンドの音楽的変化がよく分かる。初期Europeの鋭さと若々しさを知るために重要なアルバムである。
3. Hysteria by Def Leppard
1987年発表。1980年代後半のアリーナ・ロック／ポップ・メタルを象徴する作品であり、巨大なコーラス、精密なプロダクション、ラジオ向けのメロディが特徴である。『Out of This World』と同時代の空気を共有しており、ハードロックがいかにポップ・ミュージックとして完成度を高めていったかを理解できる。
4. New Jersey by Bon Jovi
1988年発表。アメリカン・ハードロックの王道を示すアルバムで、労働者階級的なロックンロール感覚、パワー・バラード、巨大なサビがそろっている。Europeの北欧的なメロディと比較すると、Bon Joviの土臭さやストーリーテリングの違いが明確になる。1988年のメインストリーム・ロックを知るうえで好適な一枚である。
5. Whitesnake by Whitesnake
1987年発表。ブルース・ロックを基盤にしながら、1980年代的な巨大なプロダクションと華やかなギター・サウンドで再構築された作品である。Europeよりもブルージーでセクシャルな雰囲気を持つが、アリーナ・ロックとしてのスケール感やメロディの強さは共通している。『Out of This World』と並べて聴くことで、1980年代後半のハードロックの幅広さが見えてくる。
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