1. 歌詞の概要
「Monster」は、アメリカのロック・バンド、L7が1992年に発表した楽曲である。
アルバム『Bricks Are Heavy』に収録され、同年にシングルとしてもリリースされた。作曲者はSuzi Gardnerで、プロデュースはL7とButch Vigが担当している。ウィキペディア
L7といえば、「Pretend We’re Dead」のヒットによって90年代オルタナティヴ・ロックの文脈で語られることが多い。
しかし「Monster」は、その代表曲とはまた違う角度から、彼女たちの獰猛さを見せつける曲である。
タイトルは「Monster」。
怪物、化け物、制御不能な存在。
この曲で描かれるモンスターは、ホラー映画の中から現れる怪物というより、欲望や衝動が人間の皮膚を突き破って出てきたような存在だ。
理性よりも身体が先に動く。
品のよさよりも、むき出しの熱が勝つ。
歌詞には、誘惑、危険、快楽、トラブルが混ざっている。
相手に近づきたい。
でも近づけば壊れるかもしれない。
その危うさをわかっていながら、むしろその火に手を伸ばす。
L7の魅力は、こうした感情を湿っぽく歌わないところにある。
恋愛の駆け引きや欲望の話であっても、甘く溶かさない。
ギターをぶ厚く鳴らし、ドラムを叩きつけ、声をざらつかせる。
「Monster」は、ラブソングの顔をしたパンク・ロックでもある。
あるいは、欲望を恋愛の言葉ではなく、怪物の言葉で語った曲なのかもしれない。
サウンドは短く、荒く、重い。
楽曲の長さは約3分で、シングル情報では2分59秒と記載されている。ウィキペディア
無駄な飾りはない。
イントロからギターが迫り、リズムは前のめりに進む。
楽曲は聴き手を丁寧に案内するのではなく、いきなり胸ぐらをつかんでくる。
この乱暴さが、L7の美学である。
2. 歌詞のバックグラウンド
「Monster」が収録された『Bricks Are Heavy』は、L7の3枚目のスタジオ・アルバムである。
1992年4月14日にSlash Recordsからリリースされ、録音は1991年11月にSmart StudiosとSound Cityで行われた。プロデューサーはL7とButch Vigである。ウィキペディア
このButch Vigという名前は、90年代ロック史を語るうえで避けて通れない。
Nirvana『Nevermind』を手がけたプロデューサーとして知られ、荒いバンド・サウンドをチャートに届く音像へと磨き上げる手腕を持っていた。
『Bricks Are Heavy』でも、その効果は大きい。
L7本来の汚く、重く、ふてぶてしいギターはそのままに、曲の輪郭はかなり明確になっている。
ただ暴れているだけではない。
リフの強さ、コーラスの抜け、リズムの押し出しが、きちんとリスナーの耳をつかむ形に整えられている。
AllMusicの評価としても、この作品はButch Vigによってタイトでコンパクトなサウンドを得た、L7の代表作的なアルバムとして語られている。ウィキペディア
1992年という時代も重要である。
グランジ、オルタナティヴ・ロック、パンク、メタルがメインストリームに流れ込み、Nirvana、Soundgarden、Pearl Jamといったバンドがロックの中心を塗り替えていた。
その渦の中で、L7は女性だけのバンドとして、しかもきれいに包装された「女性ロック」ではなく、汗と怒りと皮肉をまとった存在として立っていた。
New Yorkerは1992年の記事で、L7や同時代の女性バンドについて、従来のレコード業界が求めてきた「かわいく整えられた女性像」とは違う形で登場したことを論じている。L7はロサンゼルス出身のバンドとして、見た目や態度を商業的に丸め込まれすぎずに上昇していった存在として紹介されている。The New Yorker
この文脈で「Monster」を聴くと、曲の意味はさらに濃くなる。
女性が欲望を歌う。
しかも、優しく、かわいく、慎ましくではない。
獣のように、荒々しく、相手を飲み込むように歌う。
それは当時のロック・シーンに対する挑発でもあった。
L7は「女性なのに激しい」のではない。
ただ激しい。
そして、その激しさを誰かの許可なしに鳴らしていた。
「Monster」は、その態度が非常にわかりやすく出た曲である。
3. 歌詞の抜粋と和訳
歌詞の権利に配慮し、ここでは短い範囲に限って引用する。歌詞全文は、公式配信サービスや権利処理された歌詞掲載サービスで確認するのが望ましい。Spotifyの楽曲ページでは、「Monster」が『Bricks Are Heavy』収録曲として掲載され、歌詞の冒頭部分も確認できる。Spotify
Come on over
和訳すると、次のようになる。
こっちへ来なよ
この一節だけで、曲の距離感が決まる。
待っているのではない。
呼び寄せている。
しかも、その声には甘さよりも命令に近いニュアンスがある。
「こっちへ来なよ」という言葉は、恋愛の誘いにも聞こえる。
だがL7が鳴らすと、そこには危険な匂いが混ざる。
来たら最後、ただでは帰れない。
そんな笑いを含んだ誘いである。
もうひとつ、短く引用する。
Monster
和訳すると、次のようになる。
怪物
この言葉は、相手を指しているようにも、自分自身を指しているようにも聞こえる。
欲望に取り憑かれた相手。
相手を欲しがる自分。
制御不能な関係そのもの。
「Monster」という単語は、そうしたすべてを一気に飲み込む。
だからこの曲のタイトルは強い。
恋、性、怒り、衝動、退屈、暴力的なエネルギー。
それらを細かく説明する代わりに、L7は「Monster」と呼ぶ。
それで十分なのだ。
歌詞引用元については、権利保護のため全文転載を避け、短い抜粋に限定した。参照情報はSpotifyの楽曲ページおよびシングル情報に基づく。
4. 歌詞の考察
「Monster」の歌詞は、非常に直接的に聞こえる。
だが、ただのセクシャルなロック・ソングとして片づけるには、あまりにもL7らしいねじれがある。
まず、この曲には「女らしい」ための遠慮がない。
欲望を語るとき、歌い手は自分を小さくしない。
誘惑する側であり、選ぶ側であり、相手を観察する側でもある。
そこが重要である。
ロックの歴史では、男性が女性を欲望の対象として歌う曲は山ほどある。
しかしL7は、その視線をひっくり返す。
欲しがるのはこちらだ。
退屈しているのはこちらだ。
火をつけるのも、火傷するのも、こちらが決める。
この態度が、曲全体にふてぶてしい快感を与えている。
「Monster」という言葉には、社会からはみ出した存在という響きもある。
まともではない。
扱いにくい。
恐ろしい。
しかし、L7はそのイメージを拒まない。
むしろ引き受ける。
お行儀よくなくていい。
かわいくなくていい。
誰かの理想の女性像にならなくていい。
怪物でいい。
この開き直りが、曲の芯にある。
L7の音楽は、怒りを単なる政治的スローガンにしない。
もちろん彼女たちは政治的なバンドでもある。
後年の再結成後にも、政治的ユーモアを持つ楽曲を発表していることが報じられている。Pitchfork
だが、彼女たちの本当の強さは、日常的な苛立ちや欲望や下品な笑いを、そのまま音にできるところにある。
「Monster」は、まさにそのタイプの曲だ。
上品なフェミニズムではない。
教科書の言葉でもない。
汗、歪み、悪態、ベースのうねり、乱暴なユーモア。
そういうものの中から立ち上がるフェミニスト・パンクの身体感覚がある。
サウンド面でも、この曲は歌詞の感情を見事に支えている。
ギターは鋭いが、細くない。
ザクザクと切り込むのではなく、分厚い鉄板を叩きつけるように鳴る。
リフはシンプルで、だからこそ強い。
ドラムはタイトだが、整いすぎてはいない。
スタジオで磨かれた音ではあるのに、ライブハウスの床が揺れるような荒さを残している。
『Bricks Are Heavy』全体は、グランジやオルタナティヴ・メタルとして分類されることが多く、L7の以前の録音よりも重く、汚く、しかしフックのある作品として説明されている。ウィキペディア
「Monster」も、その特徴を濃く持っている。
重い。
でも鈍くない。
汚い。
でも曲としてはキャッチー。
このバランスが、L7をただのノイズまみれのバンドではなく、90年代ロックの中で特別な存在にした。
また、Suzi Gardnerがリード・ボーカルとギターを担当している点も、この曲を考えるうえで大切である。
シングル情報では、「Monster」のL7メンバーとしてJennifer Finch、Suzi Gardner、Demetra Plakas、Donita Sparksが記載され、Suzi Gardnerがリード・ボーカルとエレクトリック・ギターを担当している。ウィキペディア
Donita Sparksのイメージが強いL7だが、バンドの魅力は複数の声があることにもあった。
「Monster」におけるSuzi Gardnerの声は、ざらついていて、乾いていて、どこか不敵だ。
色気はある。
だが、柔らかく包む色気ではない。
ナイフの背で頬を撫でるような色気である。
歌詞の中の誘いは、ロマンティックな囁きではない。
むしろ、退屈をぶち壊すための呼び声に近い。
「こっちへ来なよ」。
その先には、甘い抱擁ではなく、アンプの熱と汗と危険がある。
だから「Monster」は、聴いていて気持ちがいい。
きれいにまとめられた欲望ではなく、制御できない欲望がそのまま音になっているからだ。
この曲には、90年代初頭のオルタナティヴ・ロックが持っていた「壊す快感」が詰まっている。
ヘアメタル的な派手さや、商業ロックの大げさなポーズを蹴り飛ばし、もっと汚く、もっとリアルな身体感覚へ向かう。
その一方で、L7はただ暗いだけではない。
彼女たちの曲には、いつもどこか笑いがある。
しかも、その笑いは明るいジョークではなく、口の端を少し歪めるような笑いだ。
「Monster」にも、その笑いがある。
欲望を怖がるのではなく、面白がる。
危険を避けるのではなく、あえて名前をつける。
自分の中の怪物を、隠すのではなく、ステージに引っ張り出す。
この感覚こそ、L7のロックンロールである。
5. この曲が好きな人におすすめの曲 5曲
- Shitlist by L7
『Bricks Are Heavy』収録曲の中でも、L7の怒りとユーモアが最も爆発している一曲である。
「Monster」が欲望の怪物を鳴らす曲だとすれば、「Shitlist」は怒りの名簿を読み上げるような曲だ。嫌いなものを嫌いと言う痛快さがあり、ギターの重さも申し分ない。『Bricks Are Heavy』の中でL7の危険な魅力をさらに浴びたいなら、外せない曲である。
- Pretend We’re Dead by L7
L7を広く知らしめた代表曲であり、『Bricks Are Heavy』からの大きなヒット曲である。アルバムのシングルとしてリリースされ、Modern Rock Tracksでは8位を記録したとされる。ウィキペディア
「Monster」よりもポップで、フックも明確だが、芯には同じ反抗心がある。無関心なふりをすることで社会のノイズをかわすような感覚が、90年代オルタナティヴの空気をよく閉じ込めている。
- Fast and Frightening by L7
1990年の『Smell the Magic』期を代表する攻撃的な曲である。
「Monster」の獣性が好きなら、この曲のスピード感と性急なパンク感にも強く惹かれるはずだ。タイトル通り、速くて怖い。L7の肉体的なロック感覚が、よりむき出しの形で出ている。
- Bruise Violet by Babes in Toyland
L7と同時代の女性オルタナティヴ・ロックの荒々しさを味わうなら、Babes in Toylandは欠かせない。
「Bruise Violet」は、声が裂けるような怒りと、ねじれたギターの質感が強烈な曲である。「Monster」の下品で危険な魅力を、さらに鋭い刃物のような方向へ進めた音として聴ける。
- Violet by Hole
Courtney Love率いるHoleの代表曲のひとつであり、90年代の怒り、欲望、自己破壊的な美しさが渦巻く曲である。
「Monster」が怪物を笑って呼び寄せる曲なら、「Violet」は美しさと憎しみがぐちゃぐちゃに絡まった感情の爆発である。女性がロックの中で怒りと欲望を自分の言葉で鳴らした時代の熱が、ここにもある。
6. 怪物になることを恐れないロック
「Monster」は、L7の曲の中でも、非常に短く、明快で、荒々しい一曲である。
だが、その短さの中に、バンドの美学がぎゅっと詰まっている。
まず、音が強い。
ギターは分厚く、ベースは地面を這い、ドラムは余計な飾りを削ぎ落として前へ進む。
この曲に繊細な装飾は必要ない。
L7は、繊細さを持っていないバンドではない。
むしろ、彼女たちはかなり鋭く状況を見ている。
社会の欺瞞、ロック業界の男臭いルール、戦争、消費、退屈、欲望。
そうしたものに対して、彼女たちは常に反応してきた。
ただし、その反応の仕方が上品ではない。
そこがいい。
「Monster」は、きれいな言葉で自分を守らない曲である。
欲望を持つこと。
相手を求めること。
危険を感じながら近づくこと。
そして、自分の中にある乱暴な衝動を認めること。
それらを、恥じるのではなく、音にする。
女性が怪物になる。
これは、とても重要なイメージである。
長いあいだ、女性はロックの中で、見られる側、欲望される側、あるいはミューズとして扱われがちだった。
だがL7は、その位置にとどまらない。
彼女たちは鳴らす側である。
欲望する側である。
馬鹿にする側であり、噛みつく側である。
「Monster」というタイトルは、その反転を象徴している。
怪物とは、秩序の外にいる存在だ。
社会が扱いきれないもの。
名前をつけて遠ざけようとするもの。
しかし、ロックにおいて怪物であることは、むしろ強さになる。
L7は、その強さを知っている。
だからこの曲には、変に自分を正当化する感じがない。
「私たちはこういう理由で怒っています」と説明しない。
「これはこういう社会批評です」と看板を掲げない。
ただ、音を鳴らす。
誘う。
噛みつく。
笑う。
その結果として、非常に政治的な曲にも聞こえてくる。
なぜなら、誰が欲望を語っていいのか、誰が下品でいていいのか、誰が暴れていいのかという問題は、結局のところ社会的な問題だからだ。
「Monster」は、それを理屈ではなく身体で突破する。
『Bricks Are Heavy』がL7の代表作とされる理由も、ここにある。
Butch Vigのプロダクションによって音は整理されているが、バンドの野蛮さは消えていない。ウィキペディア
むしろ、整理されたことで、野蛮さがより強く届く。
ノイズがただのノイズではなく、リフとして刺さる。
怒りがただの叫びではなく、曲として残る。
下品さがただの悪ふざけではなく、態度として輝く。
「Monster」は、その成功例である。
2分台の曲でありながら、聴いたあとには大きな足跡が残る。
それは、怪物が通った跡のようだ。
床は割れ、壁には傷がつき、空気にはアンプの焦げた匂いが残っている。
そして、その破壊のあとに妙な爽快感がある。
L7のロックは、浄化ではない。
むしろ汚れることによって自由になる音楽である。
きれいに振る舞うことをやめる。
優等生の言葉を捨てる。
自分の中のノイズを隠さない。
「Monster」は、そういう曲だ。
この曲を聴くと、ロックンロールの原始的な快感を思い出す。
リフが鳴る。
声が飛ぶ。
身体が反応する。
それだけで十分な瞬間がある。
難しい説明をする前に、音がこちらを押し倒してくる。
その乱暴さが、L7の真骨頂である。
「Monster」は、1992年のオルタナティヴ・ロックの熱を背負いながら、今聴いても古びない。
なぜなら、この曲が扱っているものは時代を超えて残るからだ。
欲望。
怒り。
退屈。
危険な相手への引力。
自分の中の怪物をどう扱うかという問題。
それらは、いつの時代にも消えない。
L7は、その怪物を飼いならさない。
檻に入れない。
きれいな名前もつけない。
そのままステージに上げる。
アンプをつなぐ。
そして、音を出す。
「Monster」は、怪物になることを恐れない曲である。
それは乱暴で、下品で、危険で、最高にかっこいい。
L7というバンドの魅力は、まさにそこにある。
彼女たちは、誰かに許されるために鳴っていたのではない。
自分たちの音で場所をこじ開けるために鳴っていた。
「Monster」は、そのこじ開ける力を3分弱に凝縮した、L7らしい痛快なロック・ソングなのである。
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