- 発売日: 1989年5月8日
- ジャンル: ジャム・バンド、プログレッシブ・ロック、サイケデリック・ロック、ファンク・ロック、フォーク・ロック、アート・ロック、エクスペリメンタル・ロック
概要
Phishのデビュー・アルバム『Junta』は、アメリカのジャム・バンド史において極めて重要な出発点である。1980年代後半、ロック・シーンではニューウェイヴ、ヘアメタル、カレッジ・ロック、オルタナティヴ・ロックがそれぞれ独自の広がりを見せていた。一方で、Grateful Dead以降の即興演奏を重視するロック・バンドの伝統は、メインストリームのチャートとは別の場所で根強く生き続けていた。Phishはその流れを受け継ぎながら、単なるGrateful Deadの後継ではなく、プログレッシブ・ロック、ジャズ、ファンク、ブルーグラス、クラシック音楽的な構成、ナンセンスなユーモア、大学街的な遊び心を結びつけた独自の音楽世界を作り上げた。
『Junta』は、そのPhishの基本設計がすでに非常に明確に表れている作品である。長尺曲、複雑な構成、変拍子的な展開、突然のテンポ変更、歌詞の奇妙な物語性、そしてライブで発展していくことを前提にした楽曲の作り。これらは後のPhishの音楽を特徴づける要素だが、デビュー作の時点ですでにほぼ揃っている。特に「You Enjoy Myself」「The Divided Sky」「David Bowie」「Fluffhead」などは、後のライブ・レパートリーでも重要な位置を占める楽曲であり、Phishというバンドの構造的な野心を象徴している。
Phishの中心人物であるTrey Anastasioは、ギタリスト／作曲家として、ロック・ミュージシャンでありながら非常に作曲家的な発想を持っていた。彼のギターは、ブルース・ロック的な即興だけでなく、クラシックやジャズの語法、複雑なリフ、ユーモラスなフレーズを自在に行き来する。Page McConnellのキーボードは、ジャズ、ゴスペル、ファンク、プログレ的な色彩を加え、Mike Gordonのベースはメロディックかつリズム的に楽曲を動かす。Jon Fishmanのドラムは、ロックの拍を支えながらも、細かい変化や奇妙な展開に柔軟に対応する。この4人の関係性が、『Junta』ではすでに強く示されている。
本作の特徴は、スタジオ・アルバムでありながら、ライブ・バンドとしてのPhishを前提としている点である。一般的なロック・アルバムでは、スタジオ録音が完成形として提示されることが多い。しかしPhishの場合、スタジオ録音は楽曲の設計図であり、ライブでの拡張、変形、即興、観客との関係によって完成していく。『Junta』に収録された多くの曲は、アルバム上でも長く複雑だが、ライブではさらに大きく展開し、まったく別の形を取ることがある。この「曲が固定されない」という性質が、Phishの音楽の核心である。
歌詞面では、物語性とナンセンスが大きな役割を果たしている。Phishの歌詞は、一般的なロックのように恋愛、怒り、社会批判を直接語るものではない。架空の人物、奇妙な地名、不条理な場面、言葉遊び、ファンタジー的な断片が多く登場する。これはTrey Anastasioと作詞家Tom Marshall、またバンド周辺の独自の内輪的な世界観と深く関係している。特に「Gamehendge」と呼ばれる架空世界に関わる楽曲群は、Phishの初期神話を形成する重要な要素である。
『Junta』というアルバム・タイトルも、独特の響きを持つ。政治的な軍事政権を意味する「junta」と読める一方で、Phishの文脈ではバンド周辺の内輪的なユーモアや架空世界の一部として響く。アルバム全体にあるのは、真剣な演奏能力と、真剣になりすぎることを拒むユーモアの同居である。Phishは非常に高度な演奏をするが、その音楽は決して威圧的な技巧の誇示だけにはならない。むしろ、複雑な曲の中に冗談や遊びを紛れ込ませることで、プログレッシブ・ロックの重さを軽やかにずらしている。
日本のリスナーにとって『Junta』は、一般的なロック・アルバムの感覚で聴くと、最初は非常に奇妙に感じられる可能性がある。曲は長く、歌詞は不条理で、展開は予測しにくい。だが、ジャム・バンドやプログレッシブ・ロック、Frank Zappa、Grateful Dead、Yes、Genesis、Allman Brothers Band、Talking Heads、ジャズ・フュージョンなどに親しんでいるリスナーにとっては、Phishがいかに独自の文脈でそれらを再構成しているかが見えてくる。本作は、演奏の自由と構成の緻密さ、ユーモアと高度な音楽性が同時に存在するアルバムである。
全曲レビュー
1. Fee
オープニング曲「Fee」は、『Junta』の入口として、Phishの奇妙な物語性とポップな親しみやすさを同時に示す楽曲である。アルバムの冒頭にいきなり長尺のプログレ曲を置くのではなく、比較的コンパクトでメロディアスな曲から始めることで、聴き手はPhishの世界へ入りやすくなる。しかし、歌詞の内容はすぐに普通のポップ・ソングとは異なる方向へ向かう。
音楽的には、軽快なリズムと明るいギター、親しみやすいメロディが中心である。Trey Anastasioの歌声は柔らかく、曲全体に牧歌的で少しコミカルな雰囲気がある。だが、Phishらしく、単純なフォーク・ロックには収まらない。ベースやギターの細かな動き、リズムの微妙な揺れが、曲に独特の表情を与えている。
歌詞では、Feeという人物や、奇妙な出来事が物語のように展開される。Phishの歌詞における物語は、明確な教訓や感情表現ではなく、ナンセンスな寓話として機能する。聴き手は、意味を完全に理解するよりも、その語感や場面の奇妙さを楽しむことになる。
「Fee」は、Phishが単に演奏技巧を誇るバンドではなく、ポップなメロディとユーモラスな語りを持つバンドであることを示している。アルバムの冒頭として、親しみやすさと奇妙さのバランスが非常によい。
2. You Enjoy Myself
「You Enjoy Myself」は、Phishの代表曲のひとつであり、バンドの音楽的アイデンティティを決定づける最重要曲である。しばしば「YEM」と略されるこの曲は、複雑な構成、緻密なアンサンブル、即興への開かれた構造、ユーモラスなヴォーカル・パートを持ち、Phishというバンドの縮図のような楽曲である。
音楽的には、非常に作曲的である。冒頭からギター、ベース、キーボード、ドラムが精密に組み合わされ、クラシック的な構成感とジャズ・ロック的な流動性が同居する。フレーズは複雑だが、単なる技巧の見せ場ではなく、曲全体が一つの旅のように展開する。テーマが提示され、変化し、緊張が生まれ、解放される。この構造は、プログレッシブ・ロックの伝統にも通じる。
中盤以降のグルーヴ部分では、Phishのライブ・バンドとしての本質が強く表れる。ファンク的なリズム、ベースの躍動、ギターの即興、キーボードの色彩が絡み合い、スタジオ録音でありながら、すでにライブで拡張される余地を持っている。曲の後半に現れるヴォーカル・ジャム的な要素も、Phishらしい遊び心を象徴している。
歌詞は非常にシンプルで、タイトルにもなっている「You enjoy myself」という奇妙な英語表現が中心となる。文法的に少しずれたこのフレーズは、Phishの言葉遊びとナンセンス感覚をよく表している。意味を明確に説明するより、言葉の響きと反復によって、音楽の一部として機能する。
「You Enjoy Myself」は、『Junta』だけでなく、Phishの全キャリアを語るうえで欠かせない曲である。高度な演奏、構成力、即興性、ユーモア、身体的なグルーヴがすべて詰まっている。
3. Esther
「Esther」は、『Junta』の中でも特に物語性が強く、奇妙で幻想的な楽曲である。Phishの初期作品に見られるファンタジー的な語り、演劇的な展開、プログレッシブ・ロック的な構成がよく表れている。タイトルのEstherは人物名であり、曲は彼女をめぐる不思議な物語として進む。
音楽的には、ピアノやギターの繊細なフレーズを含み、曲全体に童話的で少し不気味な雰囲気がある。メロディは美しいが、展開は単純ではない。穏やかな部分と緊張感のある部分が交互に現れ、まるで舞台劇の場面転換のように曲が動いていく。
歌詞では、Estherという少女が登場し、物語は現実と幻想の境界を曖昧にしながら進む。Phishの歌詞において重要なのは、物語が必ずしも分かりやすい結論へ向かわないことである。むしろ、奇妙な登場人物や不条理な出来事によって、聴き手は独自の世界へ連れていかれる。
「Esther」は、Phishが単なるジャム・バンドではなく、物語的な作曲を得意とするバンドであることを示す楽曲である。ライブでの即興性だけではなく、スタジオ録音における構成美も本作の大きな魅力であることが分かる。
4. Golgi Apparatus
「Golgi Apparatus」は、タイトルからして非常にユニークな楽曲である。ゴルジ体は細胞内小器官の一種であり、ロック・ソングのタイトルとしては異例である。Phishらしい学術的な言葉遊びとナンセンス感覚がここにある。曲自体はライブでも人気のある、比較的ストレートでエネルギッシュな楽曲である。
音楽的には、軽快なロック・ナンバーとして機能している。ギターのリフは印象的で、バンド全体の演奏もタイトである。複雑な長尺曲が多い『Junta』の中で、この曲は比較的コンパクトで、即効性がある。ライブでも盛り上がりやすい構造を持っている。
歌詞では、「I saw you with a ticket stub in your hand」というフレーズが印象的で、チケットの半券という具体的なイメージが登場する。細胞内小器官というタイトルと、ライブや入場券を思わせる歌詞が並ぶことで、意味のズレが生まれる。Phishはこうしたズレを意図的に楽しむバンドである。
「Golgi Apparatus」は、Phishのユーモアとロック・バンドとしての軽快さがよく出た曲である。複雑な構成曲の間に置かれることで、アルバムに明るい推進力を与えている。
5. Foam
「Foam」は、『Junta』の中でもPhishの精密なアンサンブルが特に際立つ楽曲である。タイトルの「泡」は、形を持ちながらすぐに消えるもの、軽さ、不安定さ、表面に浮かぶものを連想させる。曲の構成もまた、流動的でありながら非常に細かく設計されている。
音楽的には、ジャズ的なコード感、複雑なリズム、ギターとキーボードの緻密な絡みが特徴である。曲は一見軽やかに進むが、演奏は非常に難度が高い。各楽器が細かく動きながらも、全体としては柔らかな流れを作っている。この「難しいことを軽く聞かせる」能力は、Phishの大きな強みである。
歌詞では、泡のような不安定なイメージが、感情や状況の曖昧さと結びつく。Phishの歌詞はしばしば抽象的であり、明確な物語よりも、言葉の響きやイメージの連なりが重視される。この曲でも、泡というイメージが音楽の流動性とよく合っている。
「Foam」は、Phishの演奏の精度と軽妙さを示す重要曲である。ジャム・バンドという言葉から想像される自由な即興だけでなく、綿密に作り込まれたアンサンブルが彼らの音楽の核であることが分かる。
6. Dinner and a Movie
「Dinner and a Movie」は、タイトル通り「夕食と映画」という日常的なフレーズを持つ楽曲である。Phishのアルバムの中では比較的短く、軽快で、ユーモラスな曲として機能している。長尺曲や複雑な構成が続く中で、息抜きのような役割も持つ。
音楽的には、ロック、ファンク、ニューウェイヴ的な軽さが混ざったような印象を持つ。リズムは弾み、演奏はコンパクトである。Phishの曲としては大きな構成変化よりも、曲の雰囲気とグルーヴが重視されている。
歌詞では、日常的な娯楽である夕食と映画が題材となるが、Phishらしく単純なデート・ソングにはならない。どこかコミカルで、少し斜めにずれた視点がある。彼らのユーモアは、特別なファンタジーだけでなく、日常的な言葉にも入り込む。
「Dinner and a Movie」は、『Junta』の中で小品的ながら、アルバムのバランスを取る楽曲である。Phishが大作主義だけに偏らず、短い曲でも独自の味を出せることを示している。
7. The Divided Sky
「The Divided Sky」は、『Junta』の中でも特に美しく、Phishの作曲能力を示す代表的なインストゥルメンタル寄りの大作である。タイトルは「分かたれた空」を意味し、広大さ、光、雲の切れ目、精神的な開放を連想させる。曲そのものも、非常に開放的で、空間の広がりを感じさせる。
音楽的には、複数のセクションが組み合わさった組曲的構成を持つ。穏やかな導入、明るいギター・テーマ、緊張感のある展開、解放的なクライマックスが、非常に緻密に配置されている。Trey Anastasioのギターは、ここで特に叙情的で、メロディアスである。技巧を見せつけるよりも、空へ伸びていくような旋律が印象的である。
歌詞は最小限であり、曲の中心は演奏にある。だが、その分、音楽が直接イメージを作る。空が二つに分かれるというタイトルは、楽曲の構成にも対応している。穏やかな部分と高揚する部分、地上的なリズムと空へ向かうメロディが分かれ、また結びつく。
「The Divided Sky」は、Phishの音楽における美しさを代表する曲である。ユーモアや複雑さだけでなく、純粋な旋律の力、バンド全体のダイナミクス、長い曲を自然に展開させる能力がここにある。
8. David Bowie
「David Bowie」は、曲名としては英国のロック・スターDavid Bowieを想起させるが、Phishの楽曲としては完全に独自の存在である。ライブでも長く演奏され続ける重要曲であり、バンドの即興性と構成力が強く表れる楽曲である。
音楽的には、緊張感のあるリズム、複雑な展開、ジャムへ開かれた構造が特徴である。曲は明確なテーマを持ちながら、そこから即興的に拡張される可能性を持っている。スタジオ版でも十分に複雑だが、この曲の本質はライブでの変化にある。Phishの代表的なジャム・ヴィークルのひとつとして重要である。
歌詞は非常に短く、David Bowieという名前を含む反復的なフレーズが中心となる。ここでもPhishは、言葉を意味伝達よりも音響的な要素として使っている。David Bowieという有名な固有名詞が、ロック史的な参照というより、奇妙な呪文のように機能する。
「David Bowie」は、『Junta』の中でPhishのライブ志向を強く示す曲である。スタジオ録音はあくまで出発点であり、曲は演奏されるたびに変化する。その開放性が、この曲の魅力である。
9. Fluffhead
「Fluffhead」は、Phish初期の大作のひとつであり、複雑な構成とコミカルな歌詞が融合した代表的な楽曲である。タイトルのFluffheadは、架空の人物名のようでもあり、ナンセンスなキャラクター名のようでもある。Phishの奇妙な物語世界を象徴する存在である。
音楽的には、プログレッシブ・ロック的な組曲構成を持ち、複数のセクションが連続して展開する。メロディは親しみやすいが、曲の内部は非常に複雑である。テンポやリズム、コード進行が変化し、各楽器が細かく絡み合う。Phishの演奏力が強く試される曲であり、ライブでも特別な位置を持つ。
歌詞では、Fluffheadという人物をめぐる不思議な物語が展開される。意味は明確ではないが、言葉の響きや場面の奇妙さが楽曲の魅力になっている。Phishの歌詞において、ナンセンスは単なるふざけではなく、音楽の自由さを支える重要な要素である。
「Fluffhead」は、Phishのプログレ的側面とユーモアが見事に合わさった楽曲である。真剣な演奏と馬鹿馬鹿しい言葉が同時に存在することこそ、Phishらしさである。
10. Fluff’s Travels
「Fluff’s Travels」は、「Fluffhead」と連続する組曲的な楽曲であり、Phishの構成的な野心がさらに強く表れる。タイトルは「Fluffの旅」を意味し、前曲で提示されたキャラクターや世界観が、音楽的な移動として展開される。
音楽的には、インストゥルメンタル的な展開が中心で、複雑なセクションが次々と現れる。クラシック的な構築性、プログレ的な変化、ジャズ・ロック的な柔軟性が共存している。Phishが単なるジャム・バンドではなく、非常に高度な作曲能力を持つバンドであることを示す重要な楽曲である。
この曲では、歌詞よりも音楽そのものが物語を語る。Fluffの旅とは、具体的な場所を巡る旅というより、メロディやリズムの変化を通じた音楽的な旅である。曲は予測しにくい方向へ進みながらも、全体としては一つの流れを持っている。
「Fluff’s Travels」は、『Junta』の中でも特にプログレッシブな側面を担う楽曲である。Phishの音楽が、即興だけでなく、緻密な作曲と長い構成を土台にしていることを強く示している。
11. Contact
「Contact」は、アルバム後半に置かれた、比較的シンプルでユーモラスな楽曲である。タイトルは「接触」を意味するが、Phishの文脈では、乗り物やタイヤ、移動のイメージと結びつく。大作が続いた後に、この曲の軽さはアルバムに親しみやすいアクセントを与えている。
音楽的には、ゆったりとしたリズムと軽快なメロディが特徴である。複雑な構成を持つ曲ではなく、むしろ素朴でコミカルなポップ・ソングとして機能する。Phishのアルバムにおいて、こうした曲は重要である。長尺曲の緊張を和らげ、バンドの遊び心を明確にする。
歌詞では、車やタイヤにまつわるような日常的で奇妙な視点が描かれる。Phishは、普通ならロック・ソングの題材になりにくいものを、平然と歌の中心に置く。その姿勢が、バンドのユーモアと独自性を支えている。
「Contact」は、Phishの楽曲の中でも愛嬌のある曲である。高度な演奏力の後に、あえて肩の力を抜いた曲を置くことで、アルバム全体の人懐っこさが増している。
12. Union Federal
「Union Federal」は、『Junta』の中でも特にジャム的で、実験的な性格を持つ楽曲である。タイトルはやや制度的、銀行名や組織名のような響きを持つが、曲そのものは固定された構造よりも演奏の流れを重視している。
音楽的には、即興的な要素が強く、バンドがグルーヴやフレーズを探りながら進んでいくような感覚がある。Phishのスタジオ作品では、作曲された大作と即興的な演奏の両方が重要だが、この曲は後者の側面をよく示している。各楽器が互いに反応しながら、音楽が少しずつ形を変えていく。
歌詞は中心的ではなく、演奏そのものが主役である。Phishの音楽において、言葉がない、あるいは少ないことは、表現が不足しているという意味ではない。むしろ、演奏の相互作用によって、言葉ではなく音の会話が生まれる。
「Union Federal」は、Phishのジャム・バンドとしての本質を示す楽曲である。完成された曲というより、バンドが動いている状態そのものを記録したような存在である。
13. Sanity
「Sanity」は、タイトルが示す通り、正気、理性、精神の安定をテーマにした楽曲である。しかし、Phishの世界で「sanity」という言葉が出てくる場合、それはしばしば正気そのものよりも、正気と狂気の境界をめぐる遊びとして機能する。曲全体にも、コミカルで不穏な雰囲気がある。
音楽的には、比較的短く、風変わりな構成を持つ。メロディやリズムはどこか奇妙で、まっすぐなロック・ソングにはならない。Phishのユーモアと不条理感が強く出ている曲である。
歌詞では、正気を保つこと、あるいは正気を失うことへの言及が見られる。だが、それは深刻な精神分析というより、ナンセンスな劇として提示される。Phishは狂気を恐怖としてだけでなく、音楽的な自由の入り口としても扱う。
「Sanity」は、『Junta』の終盤において、バンドの風変わりなユーモアを再確認させる楽曲である。複雑な大作の後に、こうした奇妙な小品があることで、アルバム全体の個性がさらに際立つ。
14. Icculus
ラスト曲「Icculus」は、Phishの初期神話を象徴する楽曲であり、Gamehendge世界と深く関係する重要な曲である。Icculusは、Phishの架空世界における神のような存在として扱われる。アルバムの最後にこの曲が置かれることで、『Junta』は単なるロック・アルバムではなく、内輪的な神話、物語、冗談、信仰めいた演劇性を持つ作品として閉じられる。
音楽的には、語りと演奏が中心で、通常のポップ・ソングとは異なる構成を持つ。楽曲というより、説教、宣言、儀式、冗談が混ざったパフォーマンスに近い。Phishのライブにおける観客との関係性、バンド内神話、ナンセンスなユーモアがよく表れている。
歌詞では、Icculusという存在への言及と、本を読むことを促すようなメッセージが登場する。これはPhishファンの間でも象徴的なフレーズとして知られ、バンドの神話的ユーモアを代表している。真剣な宗教的メッセージのように響かせながら、同時に明らかに冗談でもある。その二重性がPhishらしい。
「Icculus」は、『Junta』の終曲として非常に象徴的である。高度な演奏と長尺構成を経た最後に、Phishは自分たちの奇妙な神話を提示する。真剣であり、馬鹿馬鹿しくもある。そのバランスこそ、Phishというバンドの核心である。
総評
『Junta』は、Phishのデビュー・アルバムでありながら、すでにバンドの本質が非常に濃く表れた作品である。高度な演奏力、複雑な作曲、ライブでの拡張性、ナンセンスな歌詞、架空世界の物語、そしてユーモア。これらが一枚のアルバムに詰め込まれている。完成度という意味では、後の作品に比べて録音の粗さや構成の過剰さも感じられるが、その過剰さこそが初期Phishの魅力である。
本作の最大の特徴は、曲が非常に長く、複雑でありながら、決して重苦しいだけではない点である。プログレッシブ・ロックの影響を受けたバンドは、しばしば技巧や構成の厳格さによって聴き手を圧倒する方向へ向かう。しかしPhishは、複雑な曲の中に冗談や軽さを入れる。これにより、演奏は高度でありながら、音楽全体には遊び心が残る。『Junta』は、真剣な音楽家が真剣にふざけているアルバムでもある。
「You Enjoy Myself」「The Divided Sky」「David Bowie」「Fluffhead」などは、Phishのライブ・バンドとしての核心を示す重要曲である。これらの曲は、スタジオ版だけで完結するのではなく、ライブで何度も演奏され、変化し、ファンの記憶の中で育っていく。Phishにとって楽曲とは、固定された録音物ではなく、演奏されるたびに更新される構造体である。『Junta』はその設計図として重要である。
また、本作はジャム・バンドという概念を理解するうえでも非常に有用である。Grateful Dead以降のジャム・バンド文化では、ライブ演奏、即興、観客との共同体的な関係が大きな意味を持つ。Phishはその伝統を受け継ぎながら、より複雑な作曲、ユーモア、プログレ的な構成、ファンク的なグルーヴを持ち込んだ。『Junta』は、Phishが単なるDeadフォロワーではなく、独自の音楽体系を持つバンドであることを証明している。
歌詞面では、一般的なロックの感情表現とはかなり異なる。恋愛や怒りを直接歌うのではなく、架空の人物、不条理な場面、科学用語、変な名前、神話的存在が登場する。これは一見ふざけているように聞こえるが、Phishの音楽において非常に重要である。歌詞が意味を固定しないからこそ、音楽は自由に動ける。物語が奇妙であるほど、演奏もまた現実の制約から離れていく。
日本のリスナーにとって『Junta』は、最初に聴くにはややハードルが高い作品かもしれない。曲は長く、展開は複雑で、歌詞のユーモアも英語圏の文脈やPhish独自の内輪的世界観に依存する部分がある。しかし、演奏に耳を向けると、各メンバーの技術、バンドとしての反応速度、曲の組み立ての巧みさが非常に魅力的であることが分かる。特にプログレ、ジャズ・ロック、ファンク、ジャム・バンドに関心があるリスナーには、多くの発見がある。
『Junta』の録音には、後のメジャー作品に比べると素朴さがある。音像は完璧に磨き上げられているわけではなく、曲によっては長さや構成に若さゆえの過剰さもある。しかし、その未整理な部分が、デビュー作としての生命力になっている。Phishはこの時点で、自分たちがどのようなバンドであるかをすでに理解していた。商業的なロックの形式に合わせるのではなく、自分たちの奇妙な宇宙をそのまま提示している。
後の音楽シーンへの影響という点では、『Junta』は1990年代以降のジャム・バンド文化にとって極めて重要な作品である。Phishは、ライブ録音の交換、ファン・コミュニティ、即興演奏の重視、毎回異なるセットリストといった文化を通じて、独自の巨大なリスナー層を築いていく。その基盤にある楽曲の多くが、このアルバムに収録されている。つまり『Junta』は、単なるデビュー作ではなく、後のPhish現象の種子である。
総じて『Junta』は、Phishというバンドの奇妙で豊かな世界への入口である。高度な演奏、複雑な構成、長尺の組曲、即興への開放性、ナンセンスな物語、そして徹底した遊び心。これらが一体となり、一般的なロック・アルバムとはまったく異なる体験を作っている。整った名刺というより、巨大な地図の最初のページである。ここには、後に拡張され続けるPhishの宇宙が、すでに濃縮されている。
おすすめアルバム
1. Phish – A Picture of Nectar
1992年発表の作品。『Junta』の複雑さやユーモアを引き継ぎながら、よりカラフルで聴きやすいアルバムとしてまとまっている。Phishの初期スタジオ作品の中でも、楽曲の多様性を理解しやすい一枚である。
2. Phish – Rift
1993年発表のコンセプト色の強いアルバム。夢、関係の不安、物語性を中心に、より統一感のある作品として構成されている。『Junta』の物語的・作曲的な側面に惹かれるリスナーに適している。
3. Phish – A Live One
1995年発表のライブ・アルバム。Phishの本質であるライブでの即興、楽曲の拡張、観客との一体感を理解するうえで最重要の作品である。『Junta』収録曲がライブでどのように変化するかを知るためにも欠かせない。
4. Grateful Dead – Live/Dead
1969年発表のライブ・アルバム。ジャム・バンド文化の基礎を築いた重要作であり、長尺即興、サイケデリックな展開、ライブを中心にしたロックのあり方を理解できる。Phishの背景を知るうえで避けて通れない作品である。
5. Frank Zappa – One Size Fits All
1975年発表のアルバム。複雑な構成、高度な演奏、ユーモア、ジャンル横断的な作曲が特徴である。Phishの持つプログレッシブでコミカルな側面を理解するうえで、非常に関連性の高い作品である。
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