楽曲の概要
「You Enjoy Myself」は、Phishが1989年に発表したデビュー・アルバム『Junta』に収録した楽曲である。一般に「YEM」と略され、作詞・作曲はTrey Anastasio。スタジオ版は10分弱だが、ライブでは15〜20分を超えることが珍しくなく、Phishがキャリアを通じて最も頻繁に演奏してきた曲でもある。複雑に作曲された器楽部分、ファンクへ切り替わる後半、即興演奏、そしてライブではア・カペラの「vocal jam」へ至るという、一曲の中に異なる音楽の仕組みが共存している。
曲の原型はAnastasioがJon Fishmanとヨーロッパを旅行していた1985年夏に書かれ、1986年2月3日に初めてライブ演奏された。初期デモ『The White Tape』には短いア・カペラ版も残されている。Anastasioは後に「You Enjoy Myself」がPhishの最初の5年間を要約する曲だと語っており、クラシック音楽的な作曲、ロック、ファンク、即興、ユーモア、舞台上のパフォーマンスを一つにまとめた構造を見ると、その言葉の意味がよく分かる。
歌詞の概要
「You Enjoy Myself」には、通常の意味での歌詞はほとんど存在しない。恋愛や物語を数分かけて語るのではなく、長い器楽部分の後で、少年、男性、神、排泄物を意味する四つの単語が唐突に並べられる。さらにフィレンツェとウフィツィ美術館を指す言葉を含む、文法的には奇妙なフレーズが続く。歌詞の意味を論理的に解読しようとすると、意図的なナンセンスにぶつかる曲である。
タイトル自体も正しい英語から少し外れている。Anastasioが語った由来によれば、Fishmanとヨーロッパを旅していた際、フィレンツェで親しくなった人物が二人に対して、英語を少し間違えた形で「you enjoy myself」と話したことがきっかけだった。つまりタイトルは「自分自身を楽しむ」といった哲学的な文章として最初から考案されたわけではなく、旅先で偶然耳にした不思議な英語から生まれている。
この偶然性は曲全体にもよく合っている。長い器楽曲の途中で突然わずかな言葉が現れ、それが終わると音楽は再び演奏中心へ戻る。ライブ終盤のvocal jamに至っては、意味のある文章を歌うことさえ放棄し、声をリズムや音色として使う。言葉によって音楽の意味を説明するのではなく、言葉そのものを演奏材料へ変えてしまうところが「You Enjoy Myself」の歌詞の本質である。
制作背景・時代背景
「You Enjoy Myself」が作られた1985年頃のPhishは、まだバーモント州を中心に活動する若いバンドだった。Anastasioはその後Goddard Collegeで作曲を学び、1988年には卒業制作として「The Man Who Stepped Into Yesterday」を完成させている。この時期のPhishには、ロック・バンドでありながら、長い組曲、複雑な拍子やハーモニー、精密に決められたセクションを好む傾向がすでにあった。
一方、Phishは作曲された部分をそのまま再現するだけのバンドではなかった。1980年代後半にはバーモント周辺で頻繁にライブを行い、曲と曲をつなげたり、決められた構造の内部に即興を挿入したりしていた。「You Enjoy Myself」はその二つの方向を一曲にまとめやすい設計になっている。前半には緻密な作曲があり、後半には演奏するたび内容を変えられる空間がある。
『Junta』は自主制作作品として録音され、Phish公式ディスコグラフィーでは1989年1月1日発売とされている。アルバムには「The Divided Sky」「David Bowie」「Fluffhead」など、後のライブでも重要になる長尺曲が並ぶ。その中でも「You Enjoy Myself」は、作曲と即興を対立させず、一方からもう一方へ連続的に移動できるというPhishの基本的な方法を特に明確に示した作品だった。
歌詞の抜粋と和訳
この曲では、ごく短い四つの単語が歌詞の中心になる。
「Boy / Man / God / Shit」
和訳：「少年／男／神／くそ」
これを少年から成人、さらに神へ至る成長や精神的上昇として読むことは可能だが、Phishがその意味を明確な物語として提示しているわけではない。最後に俗語が置かれることで、壮大な意味づけそのものを冗談で崩しているようにも聞こえる。真面目さとふざけた感覚を同じ曲の中で区別しない、初期Phishらしい言葉の使い方である。
サウンドと歌詞の考察
「You Enjoy Myself」の特徴は、最初からジャムをしているように聞こえて、実際には前半のかなりの部分が細かく作曲されていることだ。冒頭ではギター、ベース、ピアノ、ドラムが一斉に強いグルーヴを作るのではなく、短い旋律やコードを受け渡しながら進む。Trey Anastasioのギターは単独の主役ではなく、Page McConnellの鍵盤やMike Gordonのベースと組み合わさって、一つの大きな器楽曲を形成する。
この前半にはクラシック音楽的な発想が強く感じられる。同じ短い素材が姿を変えて戻り、緊張した部分から静かな部分へ移り、再び演奏が組み立てられていく。一般的なロックの「ヴァース→サビ→ヴァース」という形式ではなく、複数のセクションを通過していく組曲に近い。そのため初めて聴くと自由に演奏しているようでも、ライブ版をいくつか比較すると毎回ほぼ同じ場所に現れるフレーズが多いことに気づく。
特に印象的なのが、演奏が一度大きく開けるような場面である。複雑に動いていた楽器が整理され、Anastasioのギターが長く伸びる音を鳴らすと、それまで細かな音を追っていた耳に急に広い空間が生まれる。音数を増やしてクライマックスを作るのではなく、逆に動きを止めることで緊張を作る。この静と動の差が、長い曲を単調に感じさせない。
そこから曲は徐々に身体的な方向へ変わる。前半では「次にどのフレーズが来るのか」を追う必要があったのに対し、後半ではベースとドラムが中心になり、明確なファンクのグルーヴが現れる。Mike Gordonのベースは低音を支えるだけではなく、短いフレーズを跳ねるように反復する。Jon Fishmanのドラムもその隙間へ細かなアクセントを入れるため、音楽の重心が頭で追う複雑な構成から、身体で感じるリズムへ移っていく。
ライブではこの部分でAnastasioとGordonが小型トランポリンに乗り、演奏しながら同期して跳ぶパフォーマンスでも知られる。これは単なる余興に見えるが、「You Enjoy Myself」という曲の性格にはよく合っている。高度に練習された複雑な演奏を見せた直後に、二人が楽器を持ったまま跳ね始めることで、技巧を権威として見せる空気を自分たちで壊してしまう。Phishでは演奏能力の高さと悪ふざけが矛盾せず、むしろ同じステージ上の価値として扱われる。
ファンク部分から先は、ライブごとの差が大きくなる。決められたコードやリフの範囲でソロを展開する場合もあれば、元の曲から離れて別のリズムや響きへ進む場合もある。ここで重要なのは、即興が前半の作曲部分と無関係に付け足されているのではないことだ。精密な構成を全員で共有した後だからこそ、決められた形を離れた瞬間が強く感じられる。「規則を正確に演奏すること」と「規則から自由になること」が一曲の中で対になっている。
ライブ版ではさらに、楽器による演奏が終わった後にvocal jamが行われることが多い。4人が楽器を置き、意味のない音節、ハーモニー、リズム、奇妙な声などを即興で重ねていく。Phish.netによれば、この方法はかつてのボイス・ティーチャーから、楽器演奏で生まれるエネルギーを歌にも持ち込むよう助言されたことに由来する。通常なら「歌」は楽器より意味が明確になる場所だが、ここでは逆に声が最も抽象的な楽器になる。
このvocal jamまで含めると、曲全体には興味深い流れが見える。最初は細部まで作曲された器楽演奏があり、次に短い歌詞が現れ、ファンクのグルーヴと器楽即興へ移り、最後には楽器さえなくなって声だけの即興になる。つまり、曲が進むほど事前に決められた情報が減っていくのである。構築された音楽を少しずつ解体し、最後にはその場で生まれる音だけを残す構造と考えることができる。
『Junta』版が10分弱なのに対し、ライブではこの構造が大幅に拡張される。1995年10月31日の演奏は40分を超えることで知られ、ほとんど別の作品と言える規模まで成長した。しかし長くなっても「You Enjoy Myself」らしさが失われにくいのは、前半に非常に強固な作曲部分があるからだ。帰る場所が明確なので、その周囲で大胆な即興を行える。Phishのライブ哲学を理解するうえで、この関係は非常に重要である。
歌詞のナンセンスさも、こうした音楽構造と切り離せない。もし前半の壮大な器楽曲の後に深刻な哲学的歌詞が置かれていたら、曲はもっと重々しいプログレッシブ・ロックになっていただろう。ところが実際には、唐突な単語や旅先で生まれた奇妙なフレーズが登場する。高度な作曲をしているからといって、音楽まで威厳を持つ必要はない。この距離感が、Phishを1970年代のプログレッシブ・ロックとは異なる存在にしている。
「You Enjoy Myself」は、複雑な作曲、ファンク、即興、舞台上の遊び、ナンセンスな言葉を順番に足した曲ではない。それらが互いを打ち消したり補ったりすることで成立している。精密な演奏があるから即興の自由が大きく感じられ、真剣な技巧があるからトランポリンの冗談が効き、長い器楽構成があるから数語しかない歌詞が異様な存在感を持つ。この相反する要素を一つのライブ体験へまとめることこそ、「YEM」がPhishを代表する理由である。
この曲が好きな人におすすめの曲 5曲
「The Divided Sky」 by Phish
同じ『Junta』を代表するAnastasioの長編曲。複数の作曲されたセクションを通過し、静寂まで構成の一部として利用する。「YEM」の前半にあるクラシック的な設計や、音数の変化によるドラマが好きなら特に近い。
「David Bowie」 by Phish
こちらも『Junta』収録のライブ定番曲。緻密な作曲部分から次第に即興へ入り、演奏ごとに異なる展開を作れる。「YEM」がファンクへ向かうのに対し、こちらは緊張感のある反復を利用して激しいピークを作ることが多い。
「Reba」 by Phish
1990年の『Lawn Boy』収録曲。高速で複雑な作曲部分を全員で通過した後、開放的な即興へ移る設計が「YEM」と共通する。Phishにおける「決められた複雑さから自由な演奏へ」という方法を理解しやすい一曲である。
「You Enjoy Myself」 by Phish（『A Live One』版）
1994年12月7日の演奏を収録した公式ライブ版。スタジオ版より大幅に長く、作曲部分、トランポリン、ファンク・ジャム、vocal jamというライブでの基本形を体験できる。「YEM」がステージ上でどう拡張されるかが分かりやすい。
「Playing in the Band」 by Grateful Dead
短い歌の構造から長い集団即興へ進み、最後に元の曲へ戻れるという設計を持つGrateful Deadの代表的なジャム曲。「YEM」と作曲法は異なるが、固定された楽曲を毎晩異なる体験へ変えるというライブ文化を比較できる。
まとめ
「You Enjoy Myself」は、Phishの音楽を一つのジャンルで説明できない理由がそのまま曲になったような作品である。前半ではクラシック音楽を思わせる緻密な構成を正確に演奏し、そこからベースとドラムを中心としたファンクへ移り、ライブではさらに自由な即興と声だけのvocal jamへ進む。しかも、その高度な演奏の途中にはナンセンスな歌詞やトランポリンまで登場する。重要なのは、技巧と遊び、作曲と即興を対立させていないことだ。厳密に決められた場所から出発するからこそ、後半でどこまで自由になれるかが毎回変わる。「YEM」が長年Phishの中心的レパートリーであり続けているのは、このバンドの作曲法、演奏能力、ユーモア、ライブ哲学を一曲の構造そのものとして体験できるからである。
参照元
- Phish公式サイト「You Enjoy Myself」
- Phish公式サイト『Junta』
- Phish公式サイト「March 1988」
- Phish.net「You Enjoy Myself History」
- Phish.net「Vocal Jams」
- JamBase「Happy Anniversary Phish’s ‘You Enjoy Myself’」
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