発売日：1985年9月16日
ジャンル：アート・ポップ／プログレッシヴ・ポップ／シンセポップ／チェンバー・ポップ／実験的ポップ
概要
ケイト・ブッシュの5作目のスタジオ・アルバム『Hounds of Love』は、1980年代の英国ポップにおける最重要作のひとつであり、ポップ・ミュージックが実験性、文学性、演劇性、スタジオ技術を高度に統合できることを示した作品である。1978年に「Wuthering Heights」で鮮烈なデビューを果たしたブッシュは、10代にして英国チャートの頂点に立ち、独自の高音ヴォーカル、舞踏的な身体表現、文学的な歌詞世界によって、当時のシンガー・ソングライター像を大きく更新した。しかし、その後の彼女は単なるヒット・メイカーではなく、アルバム全体をひとつの表現空間として作り込むアーティストへと急速に変化していく。
本作の前に発表された『The Dreaming』（1982年）は、民族音楽、演劇的発声、サンプリング、複雑なリズムを大胆に導入した極めて実験的な作品だった。現在では高く評価されているが、発表当時は商業的にはやや難解な作品として受け止められた。そのため『Hounds of Love』は、彼女にとって芸術的探求を継続しながら、より広いリスナーへ届く作品を作るという大きな課題を背負っていた。その結果生まれた本作は、実験性とポップ性のバランスにおいて、ケイト・ブッシュのキャリアの頂点のひとつとされる完成度を獲得した。
アルバムは大きく二部構成になっている。A面にあたる前半は「Hounds of Love」と呼ばれるポップ・ソング集であり、「Running Up That Hill」「Hounds of Love」「The Big Sky」「Cloudbusting」など、シングルとしても成立する強い楽曲が並ぶ。一方、B面にあたる後半は「The Ninth Wave」と題された組曲で、海難事故で夜の海に漂う女性の意識を描くコンセプチュアルな連作となっている。この構成により、アルバムは単なる曲の集合ではなく、ポップ・アルバムとプログレッシヴな物語作品を同時に成立させている。
制作面で重要なのは、ブッシュが自宅スタジオを活用し、作曲、プロデュース、アレンジに深く関与した点である。1980年代はシンセサイザー、ドラムマシン、サンプリング技術がポップ音楽の中心に入ってきた時代だったが、ブッシュはそれらを単なる流行の音としてではなく、物語や心理描写のための道具として用いた。特にフェアライトCMIのサンプリング音源は、本作の幻想的で立体的な音響を支える重要な要素である。音の断片、声、パーカッション、ストリングス風の響きが緻密に配置され、楽曲ごとに異なる空間が作り出されている。
『Hounds of Love』が後世に与えた影響は非常に大きい。ビョーク、トーリ・エイモス、フローレンス・ウェルチ、セイント・ヴィンセント、FKA twigs、Bat for Lashesなど、女性アーティストが自らの声、身体、神話性、スタジオ技術を統合して独自の音楽世界を作る流れにおいて、本作は重要な参照点となっている。また、アルバムの後半で展開される「The Ninth Wave」は、ポップ・ミュージックにおけるコンセプト・アルバムの可能性を広げた。プログレッシヴ・ロック的な長大志向とは異なり、女性の内面、夢、記憶、恐怖、生への執着を中心に据えた点が特徴的である。
日本のリスナーにとって本作は、1980年代洋楽ポップの名盤としてだけでなく、ポップ音楽が文学、映画、舞台芸術、実験音楽と結びつく可能性を理解するうえで重要な作品である。キャッチーなメロディがありながら、聴き込むほどに歌詞や音響の細部が立ち上がる。『Hounds of Love』は、ケイト・ブッシュが単なる個性的なシンガーではなく、アルバム全体を設計する作家であり、プロデューサーであり、演出家であることを決定的に示した作品である。
全曲レビュー
1. Running Up That Hill (A Deal with God)
アルバム冒頭を飾る「Running Up That Hill」は、ケイト・ブッシュの代表曲であり、1980年代ポップの中でも特に強い生命力を持つ楽曲である。ドラムマシンによる反復的なビート、冷たくも荘厳なシンセサイザー、上昇していくようなメロディが組み合わされ、曲全体に儀式的な高揚感が生まれている。派手な展開に頼らず、一定のビートとコード感の中で感情を徐々に積み上げていく構成は、当時のメインストリーム・ポップとしては非常に洗練されている。
歌詞の中心にあるのは、男女間、あるいは人間同士の根本的な理解の難しさである。語り手は「神と取引して、相手と場所を入れ替えられるなら」と願う。ここで描かれる愛は、単なるロマンティックな結合ではなく、他者の痛みや視点を本当に理解できないことへの苦しみである。身体や立場を入れ替えることでしか理解できない隔たりが存在するという認識が、楽曲全体を貫いている。
「Running Up That Hill」というイメージも重要である。丘を駆け上がる行為は、困難な努力、精神的な上昇、あるいは超えがたい壁に向かう運動を象徴している。ブッシュのヴォーカルは、祈りのようでありながら、同時に切迫した身体性を持つ。サビで声が開かれる瞬間、個人的な願いが普遍的な叫びへと拡張される。
この曲は後年にも再評価が続き、時代を超えて新しいリスナーに届いている。その理由は、音響が80年代的でありながら古びにくい抽象性を持ち、歌詞のテーマも現代的だからである。性別、関係性、共感、身体性、権力差といった問題を、直接的な説明ではなく、強い比喩と音の運動によって表現している点で、本作の入口として極めて完成度が高い。
2. Hounds of Love
タイトル曲「Hounds of Love」は、恋愛を追跡してくる猟犬のイメージで描いた楽曲である。冒頭の映画的な引用に続いて、力強いドラムとストリングス風のシンセサイザーが鳴り、緊張感のあるポップ・ソングが展開される。曲調は明るく躍動的でありながら、歌詞には恐怖と逃走の感覚がある。この二重性が、ケイト・ブッシュらしい表現の核になっている。
歌詞では、愛が温かく包み込むものとしてではなく、自分を追いかけ、捕まえようとする力として描かれる。語り手は愛を恐れ、森を逃げる子どものような姿で表現される。ここでの「猟犬」は、恋愛感情そのもの、あるいは親密さへの恐怖を象徴している。愛を求めながらも、それに飲み込まれることを恐れる心理が、疾走感のあるリズムと結びついている。
音楽的には、リズムの躍動とメロディの明快さが際立つ。サビは非常にキャッチーで、ポップ・ソングとしての強度が高い。しかし、アレンジの細部には不穏さがある。ストリングス風の音色はドラマティックで、森や追跡劇を思わせる。ブッシュのヴォーカルも、可憐さと緊張を同時に持っており、単純な恋愛ソングには収まらない心理的な奥行きを生み出している。
この曲は、本作前半のテーマを象徴している。愛、恐怖、身体、逃走、解放といった要素が、ポップな形で凝縮されている。ケイト・ブッシュはここで、恋愛を甘い感情ではなく、自己の境界を揺るがす力として描いている。その視点が、1980年代の一般的なラヴ・ソングと本作を大きく隔てている。
3. The Big Sky
「The Big Sky」は、アルバム前半の中でも最も開放的なエネルギーを持つ楽曲である。タイトル通り、大きな空を見上げる視線が中心にあり、子どものような想像力、自由への欲求、日常からの解放感が描かれる。リズムは力強く、コーラスは祝祭的で、全体に明るい躍動感がある。
歌詞では、空を流れる雲や光景に心を奪われる感覚が描かれる。大きな空は、現実の制約を超える想像力の象徴である。語り手は地上の小さな問題から離れ、広大な空間に自分を開いていく。これは単なる自然賛歌ではなく、内面の閉塞を破るための視覚的・精神的な運動として機能している。
音楽的には、ドラムの力強さとコーラスの厚みが特徴である。ブッシュの声は、ここでは神秘的というよりも、非常に身体的で快活に響く。サウンドには1980年代らしい大きなスケール感があるが、同時に彼女特有の奇妙なアクセントや声の重ね方があり、一般的なポップ・ロックとは異なる個性を保っている。
「The Big Sky」は、前2曲の内面的な緊張を一度外へ向けて解き放つ役割を持つ。愛や他者理解の困難、親密さへの恐怖といったテーマから、より広い世界への視線へと移ることで、アルバム前半にダイナミズムが生まれる。ポップな高揚感と想像力の解放が結びついた楽曲である。
4. Mother Stands for Comfort
「Mother Stands for Comfort」は、アルバム前半の中で最も暗く、心理的に複雑な楽曲である。タイトルは「母は慰めを意味する」と訳せるが、その内容は単純な母性賛歌ではない。むしろ、罪、隠蔽、保護、依存、沈黙といった重いテーマが潜んでいる。静かなテンポ、低くうごめくベース、冷たいシンセサイザーの響きが、密室的な不安を作り出している。
歌詞では、何らかの罪を犯した人物と、その人物を守る母の関係が示唆される。母は子どもを慰め、守り、外部から隠す存在として描かれる。しかし、その保護は必ずしも倫理的な救済ではない。愛情と共犯性が曖昧に重なり、母性の温かさが不気味な閉鎖性へと変わっていく。ブッシュはここで、母親を理想化するのではなく、保護する愛が時に真実を覆い隠す力にもなり得ることを描いている。
音楽的には、リズムが控えめで、空間の余白が大きい。これにより、声の細かなニュアンスが際立つ。ブッシュのヴォーカルは囁くようでありながら、どこか冷静で、物語の核心をあえて明かさない。聴き手は、歌詞の断片から状況を推測することになる。この曖昧さが、楽曲の不穏さを高めている。
「Mother Stands for Comfort」は、本作の中で家族や愛情の暗い側面を担う曲である。前半のポップ・ソング群の中にこのような楽曲が置かれることで、アルバムは単なる華やかなアート・ポップではなく、人間関係の深い影を含む作品となっている。
5. Cloudbusting
「Cloudbusting」は、アルバム前半を締めくくる壮大な楽曲であり、ケイト・ブッシュの物語作家としての力量が最も明確に表れた曲のひとつである。題材となっているのは、精神分析家・発明家ヴィルヘルム・ライヒと、その息子ピーター・ライヒの関係である。ピーターの回想録に着想を得て、父と子の記憶、科学への信念、権力による抑圧、喪失が描かれる。
音楽的には、反復するストリングス風のリズムが楽曲を前へ押し出す。ドラムやベースの強さよりも、弦楽的なパルスが中心になっており、これが独特の推進力を生んでいる。メロディは明快で、サビでは感情が大きく開かれるが、曲全体にはどこか切なさが漂う。希望と喪失が同時に進行しているような構造である。
歌詞では、子どもの視点が重要である。父の発明や夢を信じる純粋さ、そしてその父が当局に連れ去られる痛みが、直接的な説明ではなく、記憶の断片として描かれる。「雨を降らせる」装置というイメージは、科学的事実というよりも、父と子の信頼、想像力、世界を変えられるという信念の象徴として機能している。
「Cloudbusting」の感動は、政治的抑圧や疑似科学的な題材そのものではなく、子どもにとって父が世界そのものであるという感覚にある。権力によってその世界が破壊される悲しみが、ポップ・ソングとして非常に強い形で表現されている。アルバム前半の最後に置かれることで、個人的な愛や恐怖のテーマは、親子関係と社会的な抑圧へと拡張される。
The Ninth Wave
6. And Dream of Sheep
ここからアルバムは後半の組曲「The Ninth Wave」へ入る。「And Dream of Sheep」はその導入部であり、海難事故に遭い、夜の海に漂う女性の意識が描かれる。前半のポップ・ソング集とは異なり、ここからは明確な物語的連続性を持つ。タイトルにある「羊の夢」は、眠りへの誘惑を示す。海上で眠ることは死につながるため、この曲では休息への欲望と生存本能が静かに対立している。
音楽的には、ピアノと控えめなシンセサイザーが中心で、非常に静かな始まりである。ブッシュの声は弱々しく、海に浮かびながら意識を失いかける人物の状態を表現している。ラジオの声や通信の断片のような音も、孤独な海上と外部世界との距離を示している。
歌詞では、暖かい場所や眠りへの憧れが語られる。しかし、それは救済ではなく危険である。寒さ、疲労、孤独の中で、意識を保つこと自体が戦いになる。ブッシュは、派手なドラマではなく、意識が薄れていく微細な感覚を描くことで、聴き手を物語の内部へ導く。
「And Dream of Sheep」は、後半組曲の入口として非常に重要である。ここで設定されるのは、外的な冒険ではなく、生命の危機に直面した人間の内面の旅である。海は現実の場所であると同時に、無意識、死、記憶、夢の領域でもある。
7. Under Ice
「Under Ice」は、短いながらも強烈な緊張感を持つ楽曲である。前曲の静かな漂流感から一転し、氷の下を滑るような冷たい音響が現れる。曲の中で語り手は、凍った水面の下に閉じ込められた自分自身の姿を見る。これは現実の幻覚であると同時に、死のイメージ、あるいは自己の分裂を象徴している。
音楽的には、弦楽器風の鋭いフレーズと不安定なリズムが中心で、楽曲全体が短い悪夢のように構成されている。ブッシュの声は、観察者でありながら当事者でもあるように響く。氷の下にいる人物を見つけ、それが自分だと気づく瞬間の恐怖が、音の切迫感によって表現されている。
歌詞のテーマは、自己認識の恐怖である。自分が死に近づいていることを、外側から見るように体験する。これは夢の論理に近い。現実にはあり得ない視点の移動が、心理的には非常に正確に機能している。生命の危機にある人間が、自分の身体から離れていく感覚、あるいは意識が解離する感覚が描かれている。
「Under Ice」は、組曲全体の中で死の冷たさを最も直接的に示す楽曲である。短い曲でありながら、聴き手に強い不安を残し、次曲「Waking the Witch」への不穏な橋渡しとなる。
8. Waking the Witch
「Waking the Witch」は、「The Ninth Wave」の中でも特に実験的で劇的な楽曲である。冒頭では、眠りから目覚めるようにさまざまな声が語り手に呼びかける。家族、友人、医師、救助者のような声が断片的に現れ、意識を呼び戻そうとする。しかし、曲はやがて魔女裁判を思わせる悪夢へと変貌する。
音楽的には、サンプリングされた声、加工されたヴォーカル、急激な音場の変化、重いリズムが組み合わされ、1980年代ポップとしては非常に大胆な構成になっている。ここではメロディよりも、声の演出と音響のドラマが中心である。ブッシュは自分の声を単一の歌声としてではなく、複数の人格や権力の声として使っている。
歌詞と音響が描くのは、女性の身体や意識に対する裁きである。海で死にかけている女性の内面に、歴史的な魔女狩りのイメージが重ねられる。溺れること、罪を問われること、沈黙させられることが結びつき、個人の悪夢が女性史的な迫害の記憶へと広がる。ブッシュはここで、サバイバルの物語を単なる自然との闘いにとどめず、社会的・歴史的な抑圧のイメージと接続している。
「Waking the Witch」は、アルバムの中でも最も挑戦的なトラックであり、彼女のプロデューサーとしての発想が際立つ。ポップ・ミュージックの枠内で、ホラー、宗教裁判、夢、記憶、救助信号が混ざり合う音響劇を作り上げている。この曲によって「The Ninth Wave」は、単なる漂流物語ではなく、意識の深層をめぐる劇へと変化する。
9. Watching You Without Me
「Watching You Without Me」は、幽体離脱のような視点から描かれる楽曲である。語り手は自分が家に戻ったかのように感じ、愛する人を見ているが、相手には自分の存在が分からない。これは死に近づいた意識が、残された生活を幻視している場面として解釈できる。組曲の中でも特に静かで、悲しみが深い曲である。
音楽的には、リズムが抑制され、シンセサイザーや声の加工が幻想的な空間を作る。ヴォーカルは部分的に不明瞭に処理され、語り手の言葉が相手に届かない状態を音そのもので表現している。歌詞の意味だけでなく、発声の聞こえにくさがテーマと直結している点が重要である。
この曲で描かれるのは、存在しているのに伝わらないという苦痛である。語り手は相手を見ているが、触れることも、声を届けることもできない。この状況は、死の恐怖であると同時に、親密な関係における断絶の比喩としても機能する。自分の存在が相手の世界から消えてしまうことへの恐れが、静かな音響の中に封じ込められている。
「Watching You Without Me」は、「The Ninth Wave」における感情的な中核のひとつである。前曲の激しい悪夢の後に置かれることで、物語は外部から裁かれる恐怖から、愛する者に届かない孤独へと移る。この転換が、組曲の心理的な奥行きを大きく広げている。
10. Jig of Life
「Jig of Life」は、アイルランド音楽の影響を取り入れた躍動的な楽曲であり、組曲の中で生命力が強く回復する場面である。タイトルにある「ジグ」はアイルランドの舞曲を指し、曲全体に民俗的なリズムと祝祭感がある。しかし、その明るさは単なる楽しさではなく、死へ向かう語り手を生へ引き戻す力として機能している。
歌詞では、未来の自分、あるいは生命そのものの声が、現在の語り手に「まだ死んではいけない」と呼びかけるように展開される。ここで重要なのは、救いが外部からではなく、時間を超えた自己の中から現れる点である。未来に存在するはずの自分、これから生まれる経験や人間関係が、現在の死にかけている自分を励ます。これは非常に独創的な構造である。
音楽的には、フィドル風の旋律、パーカッシヴなリズム、力強いコーラスが、前曲までの水中的・幽霊的な音響を打ち破る。ブッシュのヴォーカルも、ここではより地上的で身体的に響く。生命は抽象的な概念ではなく、踊り、血流、声、リズムとして表現されている。
「Jig of Life」は、「The Ninth Wave」の転換点である。死、眠り、裁き、幽体離脱を経た語り手が、再び生への力を取り戻し始める。ケイト・ブッシュはここで、民俗音楽的なリズムを単なる装飾としてではなく、生存のエネルギーそのものとして使っている。
11. Hello Earth
「Hello Earth」は、「The Ninth Wave」の中でも最も壮大で宇宙的なスケールを持つ楽曲である。海に漂う個人の物語が、ここで地球全体を俯瞰する視点へと拡張される。タイトルの「Hello Earth」は、地球に向かって呼びかける言葉であり、同時に地球から離れた視点、あるいは死の境界から世界を見返す視点を示している。
音楽的には、静かなパートと合唱的なパートが交錯し、非常に映画的な構成になっている。特に合唱の響きは、個人の声を超えた宗教的・儀式的な雰囲気を持つ。海の上の孤独な身体から、地球全体、空、宇宙へと視界が広がっていく感覚が、音響のスケールによって表現されている。
歌詞では、地球を見下ろすような視点と、嵐に巻き込まれた自分の視点が重なっている。語り手は極限状態の中で、自分の小ささと世界の大きさを同時に意識する。これは死の接近によって生じる超越的な感覚ともいえる。個人の恐怖が、宇宙的な孤独と美しさへと変換される。
「Hello Earth」は、組曲のクライマックスとして機能する。ここでは物語が現実的な救助の場面へ進む前に、精神的な最大到達点に達する。海で溺れかけている人間の内面が、地球規模の視野へ広がるという発想は、ケイト・ブッシュの想像力の大きさを示している。
12. The Morning Fog
アルバムの最後を飾る「The Morning Fog」は、「The Ninth Wave」の結末であり、死の夜を越えた後の朝を描く楽曲である。前曲までの重く幻想的な展開から一転し、柔らかく温かな音色が広がる。タイトルの「朝霧」は、夜の恐怖が完全に消えたわけではないものの、新しい光が差し始める状態を象徴している。
歌詞では、愛する人々への感謝と再会の感覚が中心になる。語り手は生還した、あるいは少なくとも生への意志を取り戻したように響く。ここでの愛は、前半の「Hounds of Love」で描かれた追跡してくる恐ろしい力とは異なり、生を支える関係性として現れる。アルバム全体を通じて、愛の意味が恐怖から受容へと変化している点が重要である。
音楽的には、明るく簡潔で、過度な装飾はない。長い夜の心理劇を経た後だからこそ、この素朴な温かさが強く響く。ブッシュのヴォーカルも穏やかで、ここでは演劇的な声の変化よりも、素直な旋律の美しさが前面に出ている。
「The Morning Fog」は、アルバム全体に救済の余韻を与える。死の恐怖、孤独、断絶、裁き、幻覚を経た後に、最後に残るのは人とのつながりと朝の光である。この終わり方によって、『Hounds of Love』は暗い実験作ではなく、生命への回帰を描いた作品として完結する。
総評
『Hounds of Love』は、ケイト・ブッシュのキャリアにおける決定的な到達点であり、1980年代ポップの枠を大きく拡張したアルバムである。本作の最大の特徴は、ポップ・ソングとしての即効性と、コンセプト・アルバムとしての構築性が見事に共存している点にある。前半には「Running Up That Hill」「Hounds of Love」「Cloudbusting」といった強力な楽曲が並び、後半には「The Ninth Wave」という一つの物語世界が展開される。この二部構成によって、本作は商業的な親しみやすさと芸術的な深みを同時に獲得している。
音楽的には、フェアライトCMIをはじめとする当時の最先端技術が重要な役割を果たしている。しかし、本作が単なる80年代的なサウンドにとどまらないのは、ブッシュがテクノロジーを物語と感情のために使っているからである。ドラムマシン、サンプリング、加工された声、シンセサイザー、民族音楽的な要素、合唱的な響きは、それぞれが楽曲の心理や場面を作るために配置されている。技術が表面的な装飾ではなく、作品の意味そのものを形成している。
歌詞面でも、本作は非常に豊かである。前半では、他者理解の困難、愛への恐怖、母性の暗部、親子の記憶、権力による抑圧が描かれる。後半では、海難事故に遭った女性の意識を通じて、眠り、死、裁き、幽体離脱、未来の自己、地球的視点、朝の再生が描かれる。これらのテーマは一見ばらばらに見えるが、根底には「人間は恐怖を越えて、どのように他者や生命と結び直すのか」という問いがある。
ケイト・ブッシュのヴォーカル表現も、本作の中心的な価値である。彼女は単に美しく歌うのではなく、登場人物、語り手、母、子ども、魔女裁判の声、未来の自己、幽霊のような存在など、複数の声を使い分ける。ポップ・シンガーでありながら、舞台俳優のように声を変化させ、楽曲の中にドラマを作り出す。その意味で、本作は音楽であると同時に、聴く演劇でもある。
歴史的に見ると、『Hounds of Love』は、女性アーティストが自らプロデュースし、スタジオを創造の場として全面的に掌握した作品として重要である。1980年代の音楽業界では、女性シンガーが作家性や制作面で過小評価されることも多かったが、ブッシュは本作によって、作曲家、編曲家、プロデューサー、物語作家としての総合的な才能を示した。その影響は、後のオルタナティヴ・ポップ、アート・ポップ、エレクトロニック・ミュージック、シンガー・ソングライター表現に広く及んでいる。
日本のリスナーにとって、本作は80年代洋楽の名盤として聴くだけでなく、ポップ音楽の表現領域の広さを知るための作品として重要である。メロディの美しさ、音響の緻密さ、歌詞の文学性、アルバム全体の構成美が高い水準で結びついているため、ロック、ポップ、プログレ、ニューウェイヴ、映画音楽、現代音楽的な表現に関心を持つリスナーにも訴求力がある。
『Hounds of Love』は、個人的な感情を扱いながら、それを神話的、社会的、宇宙的な規模へと拡張するアルバムである。愛は恐怖でもあり、救済でもある。海は死の場所であると同時に、再生の場所でもある。声は個人のものだが、同時に歴史や無意識の声にもなる。この多層性こそが、本作を時代を超える作品にしている。1985年というポップ音楽の商業的黄金期において、ここまで深い物語性と実験性を持ちながら広く受け入れられたことは、ケイト・ブッシュの特異な才能を示す決定的な証拠である。
おすすめアルバム
1. The Dreaming by Kate Bush
1982年発表。『Hounds of Love』の前作であり、ケイト・ブッシュがプロデューサーとしての実験精神を一気に開花させた作品である。サンプリング、民族音楽的リズム、演劇的ヴォーカル、複雑な物語性が前面に出ており、本作後半の「The Ninth Wave」につながる発想が多く含まれている。より難解で刺激的なケイト・ブッシュを理解するうえで欠かせない一枚である。
2. Never for Ever by Kate Bush
1980年発表。初期の文学的なソングライティングと、後のスタジオ実験が交差し始めた重要作である。「Babooshka」などのポップな楽曲を含みながら、幻想性、物語性、奇妙な音響処理も目立つ。『Hounds of Love』で完成するアート・ポップの基盤を知るために適した作品である。
3. So by Peter Gabriel
1986年発表。ケイト・ブッシュも「Don’t Give Up」に参加しており、1980年代のアート・ポップがメインストリームへ接続した代表作である。高度なプロダクション、ワールド・ミュージック的要素、社会的テーマ、ポップなメロディの融合という点で『Hounds of Love』と共通する。実験性と大衆性のバランスを比較するうえで重要なアルバムである。
4. Blue Bell Knoll by Cocteau Twins
1988年発表。明確な物語性よりも、声の響きと幻想的な音響空間によって独自の世界を作る作品である。エリザベス・フレイザーのヴォーカルは言葉の意味を超えて楽器のように機能し、夢幻的なサウンドを形成している。『Hounds of Love』の幻想性や声の多層性に関心を持つリスナーに関連性が高い。
5. Homogenic by Björk
1997年発表。電子音、ストリングス、ビート、個人的な感情を壮大な音響へと結びつけた作品であり、ケイト・ブッシュ以降のアート・ポップの発展形として位置づけられる。内面のドラマをテクノロジーと身体的な声によって表現する点で、『Hounds of Love』からの影響を感じさせる。女性アーティストによる自己プロデュース的表現の系譜を考えるうえで重要な一枚である。
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