発売日：2023年2月24日
ジャンル：ポップ・ロック、グラム・ロック、シンセポップ、オルタナティヴ・ポップ、カバー・アルバム
概要
Adam Lambertの5作目のスタジオ・アルバム『High Drama』は、既存の名曲を彼自身の演劇的なヴォーカル表現と現代的なプロダクションによって再構築したカバー・アルバムである。Adam Lambertは、2009年の『American Idol』で広く知られるようになり、その後『For Your Entertainment』『Trespassing』『The Original High』『Velvet』などを通じて、ポップ、ロック、R&B、ディスコ、グラム・ロックを横断するシンガーとしてキャリアを築いてきた。またQueen + Adam Lambertとしての活動によって、Freddie Mercury以後のQueen楽曲を現代のステージで歌い継ぐ存在としても国際的に高い認知を得ている。
『High Drama』は、そうした彼のキャリアの延長線上にある作品である。単なる有名曲の寄せ集めではなく、Adam Lambertという歌手の特性、すなわち広い音域、強いヴィブラート、劇場的な感情表現、グラム的な華やかさ、そしてジェンダーやアイデンティティの境界を揺さぶる感性を前面に出した再解釈集となっている。原曲の時代やジャンルは幅広く、Bonnie Tyler、Sia、Duran Duran、Culture Club、Kings of Leon、Billie Eilish、Lana Del Rey、Noël Cowardなど、ロック、ポップ、ニュー・ウェイヴ、ソウル、インディー、クラシックなスタンダードまでが並ぶ。
アルバム・タイトルの『High Drama』は、本作の性格を的確に表している。ここでの「ドラマ」とは、単に大げさな歌唱を意味するのではない。楽曲に内在する葛藤、喪失、欲望、孤独、自己解放を舞台上の一場面のように拡大し、聴き手に強い感情の輪郭を示すことを意味している。Adam Lambertの歌唱は、原曲の持つメロディや歌詞を尊重しつつ、それらをより劇的で、時にダークで、時に官能的な形へ変換する。
カバー・アルバムは、アーティストの創作力を測るうえで難しい形式である。原曲の知名度が高いほど、単なる模倣に終わる危険がある一方、過度に崩しすぎれば楽曲の核を失う可能性がある。『High Drama』の特徴は、Adam Lambertが多くの曲を「自分の歌唱力を見せるための素材」としてだけ扱っていない点にある。彼は楽曲ごとに音楽的な角度を変え、ロック化、バラード化、エレクトロ化、シアトリカル化を行いながら、それぞれの歌詞の感情を現在のポップ・リスナーにも届く形へ翻訳している。
また、本作にはクィア・ポップの文脈も強く存在する。Culture Clubの「Do You Really Want to Hurt Me」やNoël Cowardの「Mad About the Boy」のように、もともとジェンダーや欲望の複雑さと結びついて語られてきた楽曲が含まれていることは象徴的である。Adam Lambertは、グラム・ロックの系譜にあるアーティストとして、David Bowie、Queen、George Michael、Prince、Boy Georgeらが切り開いてきた表現の自由を現代のポップ・ステージに接続している。本作は、その系譜をカバー・アルバムという形式で再確認する作品でもある。
全曲レビュー
1. Holding Out for a Hero
Bonnie Tylerの代表曲として知られる「Holding Out for a Hero」は、本作の冒頭にふさわしい劇的なナンバーである。原曲は1980年代的な大仰なドラム、シンセサイザー、ロック的な高揚感を持つ楽曲であり、ヒーローを待ち望む歌詞が映画的なスケール感と結びついていた。Adam Lambert版では、そのヒーロー待望のテーマが、よりダークで現代的なポップ・ロックへ再構成されている。
彼のヴォーカルは、曲の持つ演劇性を最大限に引き出している。特にサビでは、単に声量を誇示するのではなく、切迫感と陶酔感を同時に表現する。原曲が80年代のアクション映画的な熱量を持っていたのに対し、本作のバージョンは、クラブ、舞台、ロック・ショーが交差するような質感を持つ。シンセサイザーとギターの配置も現代的で、懐古的なカバーにとどまらない。
歌詞における「ヒーロー」は、恋愛対象であると同時に、自己救済の象徴としても読める。Adam Lambertが歌うことで、この曲は外部から誰かが現れることを待つ歌であると同時に、自分の中の劇的な力を呼び起こす歌にも聞こえる。アルバム全体の「高いドラマ性」を宣言するオープニングとして、非常に効果的な選曲である。
2. Chandelier
Siaの「Chandelier」は、原曲自体がすでに圧倒的なヴォーカル表現と感情的な崩壊を内包した楽曲である。パーティー、アルコール、自己破壊、虚勢をテーマにしたこの曲は、一見すると華やかなクラブ・ソングのようでありながら、その内側には深い孤独と痛みがある。Adam Lambert版では、その悲劇性がさらにロック・バラード的に強調される。
原曲のSiaは、張り裂けるような声で感情の限界を表現していた。Adam Lambertはそれをそのまま模倣するのではなく、より舞台的で構築された歌唱へ置き換えている。高音部のコントロールは非常に精密で、破綻寸前の感情を表現しながらも、歌唱としては強く制御されている。この制御された過剰さが、彼らしい解釈である。
歌詞のテーマは、夜の快楽が一時的な逃避にすぎないこと、そしてその逃避の後に深い空虚が残ることにある。Adam Lambertの歌唱では、主人公の自己破壊的な心理がよりドラマティックに浮かび上がる。派手な高音が単なる見せ場ではなく、感情が壊れそうになる瞬間として機能している点が重要である。
3. Ordinary World
Duran Duranの「Ordinary World」は、喪失と再生をテーマにした1990年代ポップ・ロックの名曲である。原曲は、ニュー・ウェイヴ時代の華やかなイメージを持つDuran Duranが、より成熟した内省へ向かった代表的な楽曲として知られる。Adam Lambert版では、原曲の叙情性を保ちながら、より壮大なバラードとして再構築されている。
本曲の中心にあるのは、失われた関係や過去の痛みを抱えながら、それでも「普通の世界」へ戻ろうとする感覚である。Adam Lambertの歌唱は、悲しみをただ静かに語るのではなく、そこから立ち上がる意志を強く示す。サビへ向かう展開では、喪失の重さと再生への願いが同時に高まっていく。
音楽的には、原曲よりもやや荘厳で、シネマティックな印象が強い。ギターやシンセサイザーは、歌声を支える広い空間を作り、Adamの声がその中心に立つ。カバーとしての価値は、原曲の美しいメロディを尊重しつつ、より現代的な感情のスケールへ拡張している点にある。アルバムの中でも、彼の歌手としての成熟を感じさせる重要な一曲である。
4. Getting Older
Billie Eilishの「Getting Older」は、若くして名声を得たアーティストの疲労、自己認識、成長の痛みを扱った楽曲である。原曲はミニマルで内省的な質感を持ち、感情を大きく爆発させるのではなく、静かに語ることによって重みを生んでいた。Adam Lambertはこの曲を取り上げることで、世代やスタイルの異なるポップ表現を自分の声へ引き寄せている。
このカバーでは、原曲の繊細さを壊さないことが重要になる。Adam Lambertは普段、強い声量や劇的な展開で知られるが、本曲では比較的抑制された歌唱を見せる。声の輪郭を柔らかくし、言葉の意味を丁寧に伝えることで、曲の内省性を保っている。過剰に歌い上げないことが、逆に彼の表現力の幅を示している。
歌詞では、成長することの違和感、過去の自分との距離、周囲からの視線、傷つきながらも変化していく感覚が描かれる。Adam Lambertが歌うことで、この曲は若いスターの告白にとどまらず、長いキャリアの中で自分の姿を更新し続けるアーティストの独白としても響く。アルバムの中で静かな深みを与える楽曲である。
5. I Can’t Stand the Rain
Ann Peeblesの名曲「I Can’t Stand the Rain」は、ソウル・ミュージックの古典的な失恋歌である。雨の音が過去の恋人との記憶を呼び起こし、その記憶に耐えられないという歌詞は、非常にシンプルでありながら強い情景性を持つ。Adam Lambert版では、この曲がよりダークで官能的なロック／ポップへ変換されている。
原曲の魅力は、南部ソウル的な湿度と、抑えた表現の中にある切なさだった。Adamはそこに、自身の艶やかな声とドラマティックな抑揚を加える。雨というモチーフは、本作では単なる自然現象ではなく、記憶を刺激する装置として強調される。音の質感も湿り気を帯び、夜の都市や孤独な室内を想起させる。
歌詞のテーマは、思い出から逃れられない苦しみである。雨音が窓を叩くたびに、過去の幸福と現在の不在が対比される。Adam Lambertの歌唱では、その痛みがより劇場的に拡大されるが、曲の核心であるソウルフルな悲しみは保たれている。原曲への敬意と自己流の演出が比較的よく両立したカバーである。
6. West Coast
Lana Del Reyの「West Coast」は、気だるさ、官能性、カリフォルニア的な夢と退廃を同時に持つ楽曲である。原曲は、テンポの揺らぎやサイケデリックなギター、低く漂うヴォーカルによって、独特の浮遊感を作っていた。Adam Lambert版では、その退廃的なムードがよりグラム・ロック的な輪郭を持つ。
この曲における重要な要素は、明確な高揚よりも、熱と倦怠が同時に存在する感覚である。Adamのヴォーカルは、原曲のLana Del Reyのような低温の距離感とは異なり、より感情の起伏をはっきり示す。しかし、過度に明るくはせず、曲が持つ夜の空気、欲望、危うさを保っている。
歌詞では、西海岸が単なる地理的な場所ではなく、恋愛、自由、退廃、夢の象徴として扱われる。Adam Lambertが歌うことで、この曲はよりステージ的な妖しさを帯びる。Lana Del Reyの原曲が映画のワンシーンのような曖昧さを持っていたのに対し、本作のバージョンはスポットライトの下で演じられる誘惑の場面に近い。アルバムの官能的な側面を担う重要な曲である。
7. Do You Really Want to Hurt Me
Culture Clubの「Do You Really Want to Hurt Me」は、1980年代ニュー・ウェイヴ／ブルーアイド・ソウルの代表的な楽曲であり、Boy Georgeの中性的な存在感、レゲエ風のリズム、切ないメロディが結びついた名曲である。Adam Lambertがこの曲を取り上げることには、音楽的にも文化的にも大きな意味がある。
原曲では、恋愛における傷つきやすさが、柔らかくも切実な声で表現されていた。Adam版では、その傷つきやすさがより濃密で、ドラマティックなポップ・バラードへと変えられている。テンポや音像は現代的に整理され、声の表情が前面に出る。彼の歌唱は、問いかけの言葉に含まれる痛みと誇りを強調する。
歌詞の「本当に自分を傷つけたいのか」という問いは、恋愛の場面を超えて、他者からの視線、拒絶、差別、誤解にも広がる。Culture ClubとBoy Georgeが1980年代に切り開いたクィアなポップ表現を、Adam Lambertが現代の視点から歌い直すことで、この曲は単なる懐かしいヒット曲ではなく、アイデンティティをめぐる感情の継承として響く。
8. Sex on Fire
Kings of Leonの「Sex on Fire」は、2000年代ロックを代表する大ヒット曲の一つであり、荒々しいギター、切迫したヴォーカル、直接的な欲望の表現によって強い印象を残した楽曲である。Adam Lambert版では、原曲のガレージ的なロック感をそのまま再現するのではなく、よりグラムで官能的なロック・ショーのように再解釈している。
原曲の魅力は、粗削りな熱と性的な緊張感にあった。Adamはそこに、より精密なヴォーカル・コントロールと演劇的な高揚を加える。彼の声は、叫びに近いロック・ヴォーカルもこなせるが、単なるラフさではなく、音程と響きを強く意識した表現になっている。そのため、曲の肉体性は保たれつつ、より洗練された印象を受ける。
歌詞は、欲望の炎上を非常に直接的に表現している。Adam Lambertが歌うことで、その欲望は異性愛的なロックの文脈からやや解放され、より流動的で theatrical な官能性を帯びる。これは本作全体に通じる特徴であり、既存のロック・ソングを別の身体性、別のステージ性で歌い直す試みとして重要である。
9. My Attic
P!nkの「My Attic」は、心の奥にしまい込まれた記憶、秘密、傷、感情を屋根裏部屋にたとえた楽曲である。原曲は、P!nkらしい率直な感情表現と、人生の傷を隠さず見つめる姿勢が特徴だった。Adam Lambert版では、この曲がより内省的で、シアトリカルなバラードとして響く。
「屋根裏部屋」という比喩は、非常に効果的である。そこには普段は人に見せないもの、捨てられないもの、忘れたふりをしているものが置かれている。歌詞は、心の中の混乱や秘密を、物理的な空間として描くことで、個人の記憶の重さを表現している。Adamの歌唱は、この比喩を丁寧に拡大し、聴き手に感情の奥行きを感じさせる。
音楽的には、派手なロック・ナンバーではなく、言葉と旋律を中心にした構成である。Adamは過度に装飾せず、曲の持つ脆さを保っている。アルバム全体が「高いドラマ性」を掲げる中で、本曲は外へ向かう大きなドラマではなく、内側にしまわれた小さなドラマを扱う。そこに本作の幅が表れている。
10. I’m a Man
Spencer Davis Groupの「I’m a Man」は、1960年代のブルース・ロック／R&Bロックのエネルギーを象徴する楽曲である。原曲は、若いSteve Winwoodの力強いヴォーカルとオルガンを中心に、男性的な自信とリズムの躍動を前面に出していた。Adam Lambert版では、この古典的なロックの男性性が、よりグラムで挑発的な形へ作り替えられている。
本曲の面白さは、タイトルにある「男である」という宣言が、Adam Lambertのパフォーマンスによって単純なマッチョイズムからずらされる点にある。彼は男性性をそのまま肯定するのではなく、誇張し、演じ、装飾することで、ロックにおける「男らしさ」の記号を再解釈している。これはグラム・ロックが長年行ってきた手法でもある。
音楽的には、原曲のブルース・ロック的な骨格を保ちながら、より現代的で派手なプロダクションが加えられている。Adamの声は、荒々しさよりも華やかな支配力を持ち、曲全体をステージ上の宣言のように変える。アルバムの中でも、ロックの歴史とジェンダー表現の読み替えが強く結びついた一曲である。
11. Mad About the Boy
アルバムの最後を飾る「Mad About the Boy」は、Noël Cowardによるクラシックな楽曲であり、もともとは1930年代に書かれたスタンダードとして知られる。多くの歌手によって歌い継がれてきたこの曲は、叶わない恋、憧れ、自己抑制、そして社会的に簡単には表明できない欲望を含んだ作品である。Adam Lambertがこの曲を取り上げることは、本作の締めくくりとして非常に意味深い。
原曲の時代背景を考えると、この曲に含まれる欲望は、しばしば抑圧や暗示を通じて表現されてきた。Adam Lambert版では、その曖昧さや隠された感情が、現代のクィア・ポップの文脈の中でより明確な輝きを持つ。彼の歌唱は、優雅でありながらも深い切実さを帯びており、単なる懐古的なスタンダード・カバーではない。
音楽的には、アルバム全体の中でも最もクラシックで、舞台的な雰囲気が強い。派手なビートやロック的な爆発ではなく、歌そのものの表情が中心に置かれる。Adam Lambertの声は、ここで過剰な技巧を抑え、言葉の響きとメロディの陰影を丁寧に扱う。『High Drama』というアルバムは、最終的にこの曲によって、単なる派手なカバー集ではなく、欲望、演技、アイデンティティ、歌の歴史をめぐる作品として締めくくられる。
総評
『High Drama』は、Adam Lambertの歌唱力と表現者としての個性を、カバー・アルバムという形式で明確に示した作品である。収録曲は時代もジャンルも異なるが、全体を貫くのは、既存の楽曲に潜むドラマを拡大し、Adam自身の声と美学によって再配置する姿勢である。彼は原曲を単純に再現するのではなく、それぞれの曲が持つ感情の核を見つけ、そこにグラム・ロック的な華やかさ、ポップ・シアター的な演出、クィアな感性を加えている。
本作の大きな魅力は、選曲の幅広さにある。Bonnie TylerやDuran Duran、Culture Clubのような80年代ポップから、Sia、Billie Eilish、Lana Del Rey、P!nkのような比較的新しい時代のアーティスト、さらにNoël Cowardのクラシックなスタンダードまでが並ぶ。この幅広さは、Adam Lambertが単に一つのジャンルに属する歌手ではなく、ポップ・ミュージック全体を舞台として扱う表現者であることを示している。
一方で、『High Drama』は全曲が同じ方向へ作り替えられているわけではない。「Holding Out for a Hero」や「Sex on Fire」ではロック的な高揚が強調され、「Getting Older」や「My Attic」では内省的な感情が重視される。「Do You Really Want to Hurt Me」や「Mad About the Boy」では、ポップ史におけるクィアな感情表現が現代的に再照射される。こうした多様性によって、アルバムは単調なヴォーカル・ショーに陥っていない。
Adam Lambertの歌唱は、しばしば高音や声量に注目される。しかし本作を通して重要なのは、彼が声を「演じる」能力である。曲ごとに主人公を変え、欲望、孤独、自己破壊、誇り、傷つきやすさを異なる表情で歌い分ける。その意味で『High Drama』は、ポップ・アルバムであると同時に、短い舞台作品を連ねたような構成を持つ。歌手が楽曲の登場人物を引き受け、原曲の歴史と自分自身の表現を重ねることで、新たな物語を作り出している。
日本のリスナーにとって本作は、Adam Lambertのソロ・アーティストとしての魅力を理解するうえで有効な一枚である。Queen + Adam Lambertでの活動を通じて彼の声を知ったリスナーにとっては、彼がロックの大曲だけでなく、シンセポップ、ソウル、インディー・ポップ、スタンダードまで幅広く解釈できる歌手であることが分かる。また、80年代ポップやグラム・ロック、現代ポップのカバーに関心があるリスナーにも聴きやすい内容である。
『High Drama』は、カバー・アルバムとして原曲への敬意を保ちながら、Adam Lambertの個性を強く刻んだ作品である。派手さ、陰影、官能性、傷つきやすさ、自己演出が一体となり、タイトル通り高いドラマ性を持つ。既存の名曲を通じて、歌うことそのものがいかに演技であり、告白であり、解放であるかを示すアルバムである。
おすすめアルバム
1. Adam Lambert – Velvet
Adam Lambertのオリジナル・アルバムの中でも、ファンク、ディスコ、グラム・ロック、ソウルを洗練された形で融合した作品である。『High Drama』で示された艶やかなヴォーカル表現やレトロなポップ感覚は、『Velvet』においてより本人のソングライティングと結びついている。Adam Lambertの音楽性を本格的に理解するうえで重要な一枚である。
2. Queen – A Night at the Opera
Adam Lambertのステージ表現を考えるうえで欠かせないQueenの代表作である。ロック、オペラ、バラード、ミュージックホール的要素を横断し、楽曲を劇的な構成へ拡大する手法は、『High Drama』の美学とも深くつながる。Freddie Mercuryの演劇的なヴォーカル表現は、Adam Lambertの表現を理解するための重要な参照点である。
3. David Bowie – The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
グラム・ロック、演劇性、架空の人格、ジェンダー表現を結びつけた歴史的名盤である。Adam Lambertが持つ華やかさや自己演出の感覚は、Bowieの築いたグラム・ロックの文脈と強く関係している。『High Drama』のステージ的な歌唱やクィアな美学に関心があるリスナーにとって、非常に関連性の高い作品である。
4. Culture Club – Colour by Numbers
「Do You Really Want to Hurt Me」の文脈をさらに理解するために重要なアルバムである。ニュー・ウェイヴ、ソウル、レゲエ、ポップを融合し、Boy Georgeの中性的な存在感と切ない歌唱が強く表れている。1980年代ポップにおけるジェンダー表現とメロディの美しさを知るうえで、『High Drama』と接続しやすい作品である。
5. Sia – 1000 Forms of Fear
「Chandelier」を収録したSiaの代表作であり、自己破壊、孤独、痛み、ポップ・アンセムとしての爆発力が共存している。Adam Lambert版「Chandelier」の劇的な解釈を理解するうえで、原曲が持つ感情の密度を確認できる作品である。現代ポップにおける強いヴォーカル表現と暗い主題の関係を知るためにも重要な一枚である。
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