- 発売日: 1971年10月
- ジャンル: ポップ・ロック、ソフト・ロック、ブルー・アイド・ソウル、ロック、R&B
概要
Three Dog Nightの6作目のスタジオ・アルバム『Harmony』は、1970年代前半のアメリカン・ポップ・ロックを代表するグループとしての成熟を示す作品である。前作『Naturally』で「Joy to the World」という巨大なヒットを生み出した後、バンドはその勢いを維持しながら、より洗練された歌唱、安定したアレンジ、幅広い楽曲解釈を本作で提示した。タイトルの『Harmony』は、単に美しいコーラスを意味するだけでなく、Three Dog Nightというバンドの本質をよく表している。彼らはロック、ソウル、R&B、フォーク、ポップスをひとつの大衆的なサウンドへ調和させるグループだった。
Three Dog Nightの最大の特徴は、チャック・ネグロン、コリー・ウェルズ、ダニー・ハットンという3人のリード・ヴォーカリストを擁していた点にある。3人は声質も表現方法も異なり、楽曲ごとに主役を変えることで、アルバム全体に多彩な表情をもたらした。ネグロンの伸びやかでソウルフルな歌唱、ウェルズの力強くブルージーな表現、ハットンのポップで親しみやすい声は、それぞれ異なる楽曲の魅力を引き出している。『Harmony』では、この三者のバランスが特に安定しており、バンド名義のアルバムとしてのまとまりが強い。
Three Dog Nightは、自作曲中心のロック・バンドというより、優れた外部ソングライターの楽曲を選び、それを独自のヴォーカル・アンサンブルと演奏で大衆的なヒットへ変換するグループだった。この姿勢は、ロック史において時に過小評価されることもある。しかし、1970年代前半のアメリカのラジオ文化において、優れた歌、明快なメロディ、力強いリズム、覚えやすいフックを備えた楽曲を広く届ける能力は極めて重要だった。Three Dog Nightは、その点で同時代の中でも特に優れた存在である。
『Harmony』には、ポール・ウィリアムズとロジャー・ニコルズによる「An Old Fashioned Love Song」、ホイト・アクストン作の「Never Been to Spain」、レオ・セイヤーとデヴィッド・コートニーによる「The Show Must Go On」以前の流れにもつながるような演劇的なポップ感覚など、当時のソングライター文化を反映した楽曲が収められている。とりわけ「An Old Fashioned Love Song」は、本作を代表するヒット曲であり、Three Dog Nightの持つ温かく親しみやすいポップ・センスを象徴している。一方で「Never Been to Spain」は、ブルース、カントリー、ロックを横断するアメリカ的なスケールを持ち、バンドのより骨太な側面を示した。
1971年という時代は、ロックがアルバム表現としてさらに拡大する一方で、AMラジオを中心としたポップ・ロックの黄金期でもあった。シンガーソングライターの内省的な作品、ハード・ロックの重量感、プログレッシブ・ロックの実験性、ソウルやR&Bの発展が同時に進んでいた。その中でThree Dog Nightは、複雑な思想性や過激な実験ではなく、多様な音楽要素を親しみやすい形にまとめることに長けていた。『Harmony』は、その大衆性が最も自然に発揮されたアルバムのひとつである。
後の音楽シーンへの影響という点では、Three Dog NightはAOR、ソフト・ロック、ラジオ向けロック、成人向けポップスの発展において重要な存在といえる。彼らは楽曲の作者性を前面に出すのではなく、歌そのものをいかに届けるかに重点を置いた。そのため、シンガーソングライター文化とロック・バンド文化の橋渡し役としても機能している。『Harmony』は、そうしたバンドの役割を明確に示す作品であり、1970年代初頭のアメリカン・ポップ・ロックの質感を理解するうえで欠かせない一枚である。
全曲レビュー
1. Never Been to Spain
アルバム冒頭を飾る「Never Been to Spain」は、ホイト・アクストン作の楽曲であり、Three Dog Nightの代表的なレパートリーのひとつである。前作『Naturally』の「Joy to the World」もホイト・アクストンによる曲であり、Three Dog Nightは彼の書く少し風変わりで、しかし強い大衆性を持つ楽曲を見事に自分たちのものにしていた。この曲は、その関係性をさらに印象づけるナンバーである。
歌詞は、「スペインへ行ったことはないが、音楽は好きだ」というような、実際の経験と想像上の憧れを交差させる内容を持っている。続いてイングランド、ラスヴェガス、オクラホマなどの地名が登場し、語り手の移動や憧れが描かれる。重要なのは、地理的な正確さではなく、場所の名前が持つ響きやイメージである。スペインは異国的な憧れ、イングランドはロックの歴史や文化、ラスヴェガスは娯楽と幻想、オクラホマはアメリカ的な出自や大地の感覚を呼び起こす。
音楽的には、ブルース・ロックとカントリー・ロックを基盤にした骨太なアレンジが特徴である。リズムはゆったりとしているが、曲全体には強い推進力がある。ヴォーカルは抑えた語り口から始まり、サビに向かって感情を大きく広げていく。Three Dog Nightの強みであるコーラスは、単なる装飾ではなく、個人の旅の感覚を集団的な歌へと変換する役割を果たしている。
「Never Been to Spain」は、1970年代アメリカン・ロックにおけるロード・ソング的な感覚とも結びついている。実際に旅をしたかどうかよりも、場所への憧れ、移動への欲望、自分がどこから来てどこへ行くのかという意識が重要になる。Three Dog Nightはそのテーマを、重苦しく内省的にするのではなく、ラジオで広く共有できるロック・ソングとして提示している。アルバムの冒頭曲として、本作のスケール感と歌唱力を強く印象づける一曲である。
2. My Impersonal Life
「My Impersonal Life」は、アルバムの中でもやや陰影の濃い楽曲である。タイトルにある「impersonal」という言葉は、個人的ではない、無機質な、人格を失ったような状態を意味する。1970年代初頭のロックにおいて、現代社会の匿名性や疎外感は重要なテーマであり、この曲もその流れの中で聴くことができる。
歌詞では、語り手が自分の人生をどこか他人事のように感じている様子がうかがえる。人間関係や日々の出来事がありながら、それらが深い実感を伴わない。これは都市生活や大量消費社会の中で、個人が自分自身を見失っていく感覚とも重なる。Three Dog Nightは一般的に明るく親しみやすいヒット曲の印象が強いが、このような楽曲では、時代の不安や内面の空虚さにも触れている。
音楽的には、緊張感のあるコード進行と、抑制されたヴォーカル表現が印象的である。曲は派手に爆発するというより、内側に重さを抱えながら進む。コーラスも明るい合唱ではなく、語り手の孤立感を反響させるように機能している。Three Dog Nightのヴォーカル・アンサンブルは、喜びや祝祭だけでなく、こうした疎外感の表現にも有効である。
この曲は、アルバム全体に深みを与えている。「Never Been to Spain」が場所への憧れや旅の感覚を描く一方、「My Impersonal Life」は自己の内側にある空虚さへ向かう。外へ向かうエネルギーと内へ沈む感情が並ぶことで、『Harmony』は単なるヒット曲集ではなく、1970年代初頭の人間感覚を映す作品になっている。
3. An Old Fashioned Love Song
「An Old Fashioned Love Song」は、『Harmony』を代表する楽曲であり、Three Dog Nightのポップ・バンドとしての魅力が最も分かりやすく表れたナンバーである。ポール・ウィリアムズとロジャー・ニコルズによるこの曲は、タイトル通り「昔ながらのラヴ・ソング」を歌った作品であり、自己言及的なポップ・ソングとしても興味深い。
歌詞では、古風な愛の歌がラジオから流れ、それが聴き手や恋人たちの感情に寄り添う様子が描かれる。ここで重要なのは、ラヴ・ソングそのものがテーマになっている点である。曲は恋愛そのものを直接的に描くというより、人々が愛の歌を通じて感情を確認し、共有する構造を歌っている。これは1970年代のラジオ文化と深く結びついている。ラジオから流れる曲が、個人の生活や記憶に入り込み、感情の背景音楽になるという感覚である。
音楽的には、柔らかなメロディ、温かいコード進行、親しみやすいコーラスが中心になっている。Three Dog Nightの三声ヴォーカルは、この曲で特に効果的に機能する。リード・ヴォーカルが歌の物語を伝え、コーラスがそれを包み込むことで、曲そのものが「古き良きラヴ・ソング」の理想形として響く。過度な技巧よりも、聴き手にすぐ伝わる明快さが重視されている。
この曲は、ポップスの伝統に対する敬意を含んでいる。1970年代初頭のロックは、しばしば新しさや実験性を追求したが、「An Old Fashioned Love Song」はあえて古典的な形式の価値を認める。古風であることは時代遅れではなく、人間の感情に長く寄り添う普遍性を持つという考えが示されている。Three Dog Nightのように、楽曲の解釈力を武器とするバンドにとって、この曲は非常に相性が良かった。
4. Never Dreamed You’d Leave in Summer
「Never Dreamed You’d Leave in Summer」は、スティーヴィー・ワンダーとシリータ・ライトによる楽曲であり、本作の中でも特に繊細で哀感の強いバラードである。スティーヴィー・ワンダーのソングライティングには、ソウルの深い情感とポップスとしての美しい構成が共存しているが、Three Dog Nightはそれを自分たちのヴォーカル・スタイルで丁寧に解釈している。
歌詞は、夏に去っていくとは思わなかったという喪失感を中心に展開する。季節は通常、感情の象徴として機能する。春は始まり、夏は充実や幸福、秋は変化、冬は終わりや孤独を表すことが多い。この曲では、本来なら明るさや生命力を象徴する夏に別れが訪れることが大きな痛みとなる。幸福であるはずの季節に喪失が起こるからこそ、語り手の動揺は深い。
音楽的には、派手な展開を避け、メロディと歌詞の陰影を大切にしている。Three Dog Nightの歌唱は、原曲のソウル的な繊細さを尊重しつつ、ロック・バンドとしての厚みを加えている。コーラスは過度に明るくならず、むしろ感情の余韻を広げる役割を果たしている。バンドの演奏も抑制されており、曲の悲しみを支えるための空間が確保されている。
この曲は、Three Dog Nightが単なる陽気なヒット・メーカーではなく、失恋や喪失のような静かな感情を扱えるグループであることを示している。彼らのヴォーカル力は、力強く歌い上げる場面だけでなく、抑えた表現の中にも表れる。『Harmony』の中では、アルバムの感情的な深みを担う重要な一曲である。
5. Jam
「Jam」は、タイトル通り、バンドの演奏面を前面に出した楽曲である。Three Dog Nightはヴォーカル・グループとして語られることが多いが、実際には強力な演奏陣を備えたロック・バンドでもあった。この曲では、そのバンドとしての肉体性やグルーヴが比較的ストレートに表れている。
音楽的には、ブルース・ロックやR&Bを基盤にしたジャム感覚が強い。決められた歌メロディを中心に進む曲というより、リズム、リフ、楽器同士の反応によって曲が動いていく。ギター、キーボード、ベース、ドラムが互いに絡み合い、スタジオ録音でありながらライブ的な空気を持っている。Three Dog Nightのアルバムにおいて、このような曲は、ヒット・シングルだけでは見えにくいバンドの実力を伝える役割を果たす。
歌詞やタイトルの面では、明確な物語よりも、音楽を演奏する行為そのものが主題になっている。1970年代初頭のロックでは、ジャムは即興性、自由、演奏者同士の対話を象徴していた。Three Dog Nightはジャム・バンド的な長尺即興を中心にしたグループではないが、この曲ではポップ・ロックの枠内で演奏の楽しさを示している。
アルバムの流れの中では、「Never Dreamed You’d Leave in Summer」の哀感を受けた後に、再び身体的なリズムへ戻す役割を担っている。『Harmony』は歌のアルバムであると同時に、バンドのアルバムでもある。「Jam」はその点を確認させる曲であり、作品全体にライブ感と躍動感を加えている。
6. You
「You」は、シンプルなタイトルが示す通り、特定の相手への感情を中心にした楽曲である。Three Dog Nightのレパートリーには、複雑な物語性よりも、直接的な呼びかけによって成立する曲が多い。この曲もその系譜にあり、相手への思いをストレートに伝えるポップ・ロックとして機能している。
歌詞の中心にあるのは、「あなた」という存在によって語り手の感情や生活が変化するという感覚である。恋愛の曲として読むことができるが、それだけに限定されず、誰かとの関係によって自分の内面が形作られるという普遍的なテーマを持つ。Three Dog Nightの歌唱は、このような直接的な言葉に説得力を与える。単純な歌詞であっても、声の厚みと表情によって、感情が平板にならない。
音楽的には、メロディの分かりやすさとリズムの安定感が特徴である。派手な実験性はないが、曲の構成はよく整理されており、ヴォーカルが自然に前へ出る。Three Dog Nightは、こうした中庸のポップ・ロックにおいて非常に強い。過度に甘くならず、ロック・バンドとしての芯を残しながら、幅広い聴き手に届く形に仕上げている。
アルバム全体の中では、重いテーマや演奏重視の曲の間で、親しみやすい歌ものとして機能している。『Harmony』というタイトルにふさわしく、この曲も個人の声とコーラス、ポップ性とロック性を調和させている。
7. Night in the City
「Night in the City」は、都市の夜を舞台にした楽曲であり、アルバムの中にやや硬質な空気を持ち込んでいる。Three Dog Nightの音楽には陽気なラジオ・ヒットのイメージが強いが、この曲では夜の都市が持つ緊張感、誘惑、孤独が描かれている。
歌詞では、夜の街が単なる背景ではなく、登場人物の感情を映す空間として機能している。都市の夜は、自由や興奮の場であると同時に、不安や疎外を感じさせる場所でもある。1970年代のロックでは、夜の街はしばしば欲望、音楽、酒場、孤独、出会いと別れが交差する場として描かれた。この曲も、その伝統に属している。
音楽的には、リズムがやや引き締まっており、都会的な緊張感を支えている。ヴォーカルは力強く、コーラスは曲の輪郭を太くする。ギターやキーボードの響きも、明るい田園的なサウンドではなく、都市の照明や夜気を思わせる硬さを持っている。Three Dog Nightの演奏は、曲の情景に合わせて色彩を変えることに長けており、この曲でもその柔軟さが示されている。
「Night in the City」は、アルバムの中で感情の舞台を個人の内面から都市空間へ広げる曲である。「My Impersonal Life」とも通じる現代的な感覚があり、個人が大きな都市の中でどのように自分を保つのかというテーマがにじむ。明るいポップ・ソングだけではない本作の幅を示す重要な一曲である。
8. Murder in My Heart for the Judge
「Murder in My Heart for the Judge」は、モビー・グレープの楽曲として知られるナンバーであり、Three Dog Nightはこれを自分たちらしい力強いロック・ソウルとして再解釈している。タイトルは非常に物騒で、「判事に対する殺意」という意味を持つ。もちろんこれは必ずしも具体的な犯罪の表明ではなく、権威や制度に対する怒りを象徴する表現として読むことができる。
歌詞の背景には、法、裁き、権力への不信感がある。1960年代末から1970年代初頭にかけて、アメリカでは反戦運動、公民権運動、世代間対立、警察や司法への不信が広がっていた。ロックはその空気を直接的、あるいは比喩的に取り込んだ。この曲の過激なタイトルも、そうした反権威的な感情と結びついている。
音楽的には、ブルース・ロックの重みとソウルフルなヴォーカルが中心である。Three Dog Nightはこの曲で、怒りを単なる粗暴な叫びではなく、歌として制御された表現にしている。リズムは力強く、コーラスは告発の声を増幅するように響く。原曲の持つサイケデリックなロック感覚に、Three Dog Nightらしい明快な構成とヴォーカルの厚みが加わっている。
この曲は、『Harmony』の中でも特に硬派な側面を担っている。「An Old Fashioned Love Song」のような温かいポップスと同じアルバムに収められていることが、Three Dog Nightの幅広さを示している。彼らは愛や慰めを歌うだけでなく、怒りや社会的な緊張も大衆的なロックの形で表現できた。
9. The Family of Man
「The Family of Man」は、Three Dog Nightの人間主義的な側面が表れた楽曲である。タイトルは「人類の家族」という意味を持ち、個人や国境、社会的な違いを越えた共同体意識を想起させる。1970年代初頭のポップ・ロックには、世界全体をひとつの共同体として見る理想主義的な感覚がしばしば存在したが、この曲もその流れに位置づけられる。
歌詞では、人間同士が同じ世界に生きていること、互いに関係し合っていることが示される。これは1960年代のカウンターカルチャー的な「愛と平和」の理念を引き継ぎつつ、よりラジオ向けのポップ・ロックとして整理された表現である。Three Dog Nightのヴォーカル・アンサンブルは、このテーマと非常に相性が良い。複数の声が重なることで、個人の声が共同体の声へと広がるからである。
音楽的には、メロディは明快で、サビに向かって開かれていく構成を持つ。リズムは安定しており、歌詞のメッセージを過度に重くせず、前向きなエネルギーとして伝える。コーラスは曲の中心的な役割を担い、「人類の家族」という主題を音響的にも表現している。Three Dog Nightの「Harmony」というアルバム・タイトルと最も直接的に響き合う楽曲のひとつである。
ただし、この曲の理想主義は単純な楽観だけではない。1970年代初頭のアメリカ社会には、戦争、差別、政治不信、世代間対立が存在していた。その中で「人類の家族」を歌うことは、現実の分断に対する願いでもあった。Three Dog Nightはその願いを説教ではなく、ポップ・ソングとして提示している。ここに彼らの大衆音楽としての強みがある。
10. Intro / Poem: Mistakes and Illusions / Peace of Mind
アルバム終盤に置かれた「Intro / Poem: Mistakes and Illusions / Peace of Mind」は、本作の中でも最も内省的で構成的な楽曲である。タイトルからも分かるように、導入、詩の朗読的要素、そして「心の平安」へ向かう流れを持っている。Three Dog Nightのアルバムにはヒット・シングルの印象が強いが、この曲はアルバム単位の表現を意識した作品として重要である。
「Mistakes and Illusions」という言葉は、過ちと幻想を意味する。人は誤りを犯し、同時に自分に都合のよい幻想を抱く。その結果として苦悩や混乱が生まれる。しかし、曲はそこから「Peace of Mind」、すなわち心の平安へ向かう。これは1970年代初頭のロックにおける精神的探求のテーマと重なる。社会変革や外的な自由だけでなく、内面の安定や自己理解を求める意識がこの時代には広がっていた。
音楽的には、通常のポップ・ソングよりも劇的な展開を持つ。語りや導入部によって、聴き手は曲の精神的な空間へ引き込まれる。そこからヴォーカルと演奏が徐々に広がり、心の混乱から平安へ向かう流れが作られる。Three Dog Nightのコーラスは、ここで宗教的、あるいはゴスペル的な響きを帯びる。個人の内面の不安が、複数の声によって支えられ、より大きな安定へ導かれるように感じられる。
歌詞のテーマは、人生における過ちを認め、幻想から目覚め、心の平和を求めることにある。これは単純な自己啓発ではなく、1960年代末から1970年代初頭にかけての精神文化と関係している。多くの若者が社会制度だけでなく、自分自身の意識や生き方を問い直していた。その文脈において、この曲はThree Dog Nightなりの精神的な終着点を提示している。
アルバムの最後にふさわしく、この曲は『Harmony』というタイトルを内面的な意味で回収している。調和とは、声の重なりだけでなく、外の世界と内面、自分の過ちと希望、個人と共同体の間に見いだされるものでもある。この終曲によって、アルバムは単なるポップ・ロック集から、より広いテーマを持つ作品へと広がっている。
総評
『Harmony』は、Three Dog Nightの黄金期における充実したアルバムであり、バンドの特徴である多様な楽曲解釈、優れたヴォーカル・アンサンブル、ポップ・ロックとしての明快な完成度がよく表れている作品である。前作『Naturally』が「Joy to the World」の爆発的な成功によって象徴されるなら、本作はより落ち着いた完成度と幅の広さによって評価されるべきアルバムである。
本作の中心にあるのは、タイトル通り「調和」である。それは3人のリード・ヴォーカリストの声の調和であり、ロック、ソウル、R&B、フォーク、ポップスの調和であり、外部ソングライターの楽曲とバンド自身の解釈力の調和でもある。「Never Been to Spain」ではアメリカ的な旅と憧れが歌われ、「An Old Fashioned Love Song」ではポップ・ソングの普遍性が祝福される。「Never Dreamed You’d Leave in Summer」では喪失が繊細に表現され、「Murder in My Heart for the Judge」では怒りと反権威的な感情が示される。「The Family of Man」と「Peace of Mind」では、共同体意識と内面の平安がテーマになる。
音楽的には、Three Dog Nightの強みが非常に安定して発揮されている。彼らの演奏は過度に実験的ではないが、楽曲ごとの個性を的確に引き出す柔軟さがある。リズム隊は曲をしっかり支え、ギターやキーボードは主張しすぎずに色彩を加える。そして何より、ヴォーカルが楽曲の中心にある。3人のリード・シンガーを擁する体制は、アルバムに多面的な表情を与え、同時にコーラスによって統一感を生んでいる。
歌詞の面でも、本作は単なるラヴ・ソング集ではない。旅、疎外、愛、喪失、演奏の喜び、都市の夜、権威への怒り、人類的な連帯、心の平安といったテーマが並んでいる。これらは1970年代初頭のアメリカ社会や音楽文化を反映している。Three Dog Nightは政治的なバンドではないが、時代の空気を完全に切り離した存在でもない。彼らはその時代の不安や希望を、ラジオで共有できるポップ・ロックへ変換した。
ロック史においてThree Dog Nightは、自作自演を重視する価値観の中で軽視されることもある。しかし『Harmony』を聴くと、楽曲を選ぶ力、歌として成立させる力、幅広い聴き手へ届ける力がいかに重要であるかが分かる。彼らはソングライターの楽曲を単にカバーしたのではなく、自分たちの声とアレンジによって新しい生命を与えた。これはポップ・ミュージックにおける極めて重要な能力である。
日本のリスナーにとって『Harmony』は、1970年代前半のアメリカン・ラジオ・ロックを理解するうえで非常に有効な作品である。ハード・ロックやプログレッシブ・ロックのような派手な革新性は少ないが、良質なメロディ、緻密なコーラス、ソウルフルな歌唱、ラジオ向けの明快な構成が高い水準で結びついている。特に、ソフト・ロック、AOR、ブルー・アイド・ソウル、シンガーソングライター作品に関心のあるリスナーにとって、本作は重要な接点となる。
評価としては、『Harmony』はThree Dog Nightの代表作のひとつであり、バンドの成熟したポップ・ロック感覚を知るために適したアルバムである。「An Old Fashioned Love Song」や「Never Been to Spain」のようなヒット曲だけでなく、アルバム全体を通じて聴くことで、彼らの音楽が単なるシングル志向ではなく、多様な感情と時代性を含んでいたことが理解できる。派手な革命ではなく、優れた歌を優れた声で届けること。その価値を明確に示す作品である。
おすすめアルバム
1. Naturally by Three Dog Night
『Harmony』の直前に発表されたアルバムであり、「Joy to the World」を収録したThree Dog Nightの代表作のひとつである。より祝祭的で陽性のエネルギーが強く、バンドの大衆的な魅力が分かりやすく表れている。『Harmony』の洗練された方向性と比較することで、バンドの黄金期の流れを理解できる。
2. It Ain’t Easy by Three Dog Night
1970年発表の作品で、Three Dog Nightがヒット・バンドとしての地位を確立していく時期の重要作である。ロック、ソウル、ブルース、ポップスの要素がバランスよく配置されており、3人のリード・ヴォーカリストの使い分けも効果的である。『Harmony』に至るまでのバンドの成熟を知るうえで関連性が高い。
3. Nilsson Schmilsson by Harry Nilsson
1971年発表の名盤で、Three Dog Nightとも関係の深いソングライター文化を理解するうえで重要な作品である。ユーモア、哀愁、ポップなメロディ、ロック的な力強さが同居しており、1970年代初頭のアメリカン・ポップの豊かさを示している。『Harmony』の背景にある作家性と歌の力を別角度から味わえる。
4. Just an Old Fashioned Love Song by Paul Williams
「An Old Fashioned Love Song」の作者であるポール・ウィリアムズの作品であり、1970年代初頭のソフト・ロック、ポップ・ソングライティングの美点を理解するために重要である。繊細なメロディ、感情に寄り添う歌詞、古典的なポップスへの敬意があり、Three Dog Nightがなぜ彼の楽曲と相性が良かったのかが分かる。
5. Tapestry by Carole King
1971年を代表するシンガーソングライター・アルバムであり、同時代のアメリカン・ポップのもうひとつの中心を示す作品である。『Harmony』がバンドによる楽曲解釈とヴォーカル・アンサンブルを重視するのに対し、『Tapestry』は作家自身の声による内省的な表現を提示している。両作を比較すると、1970年代初頭のポップ・ロックが持っていた幅広さがよく分かる。
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