Coldplayとは何か
Coldplayは、Chris Martin、Jonny Buckland、Guy Berryman、Will Championを中心に1990年代後半のロンドンで形成された英国のロックバンドである。2000年のデビュー・アルバム『Parachutes』から世界的な成功を収め、その後も『A Rush of Blood to the Head』（2002）、『Viva la Vida or Death and All His Friends』（2008）、『Mylo Xyloto』（2011）、『Everyday Life』（2019）など、異なる方向性の作品を発表してきた。初期の内省的なギターロックから、電子音楽、アンビエント、R&B、ポップ、ゴスペル、アフリカや中東の音楽まで取り込みながら活動を続けている。
Coldplayを単に「スタジアムロックの巨大バンド」として捉えると、この長いキャリアの特徴を見落としやすい。彼らの音楽では、Chris Martinが作る比較的シンプルなコードと覚えやすいメロディが中心にあり、その周囲のサウンドを作品ごとに大きく変えてきた。つまり根本的な作曲法を毎回捨てるのではなく、同じポップソングの核を異なる音響へ置き直すことによって進化してきたバンドなのである。
『Parachutes』――静かなギターロックからの出発
2000年の『Parachutes』で聞けるColdplayは、後年の巨大なライブバンドとはかなり異なる。アルバムの多くではアコースティックギター、ピアノ、Jonny Bucklandのクリーンなエレクトリックギターが中心となり、演奏には広い余白が残されている。「Shiver」のようにバンド全体が動く曲もあるが、代表曲「Yellow」では単純なコード進行と繰り返されるギターによって、Chris Martinのメロディを最大限に目立たせている。
当時のColdplayはRadiohead、Jeff Buckley、Travisなどと比較された。特にMartinのファルセットや、Bucklandが音数を絞りながら残響のあるギターを鳴らす方法には、1990年代英国のオルタナティヴ・ロック以後の感覚がある。ただしColdplayは複雑な構成や実験性へ向かうより、悲しさや憧れを非常に分かりやすいメロディへまとめる方向に進んだ。
この時点ですでに、後のColdplayにつながる重要な特徴がある。Bucklandのギターはコードを大量に鳴らすより、Martinの歌の隙間へ短いフレーズを置く。Guy BerrymanのベースとWill Championのドラムも派手な演奏を避け、曲の感情が必要とする場所だけを強くする。各メンバーが競い合うのではなく、一つのメロディを全員で大きく見せるという考え方が、最初からバンドの基礎にあった。
『A Rush of Blood to the Head』――静けさを巨大なロックへ変える
2002年の『A Rush of Blood to the Head』では、『Parachutes』の繊細さを残しながら、音楽の規模が一気に広がった。「Politik」はその変化を冒頭から示しており、強く打ち込まれるピアノとドラムによって、それまでのColdplayにはなかった重量感を作る。「In My Place」ではBucklandの簡潔なギター・フレーズが曲全体を支え、「Clocks」では反復するピアノがリズムとメロディの両方を担っている。
特に「Clocks」はColdplayの作曲法を理解しやすい。中心となるピアノの音型は複雑ではないが、同じパターンを繰り返すことで催眠的な流れを作り、その上へドラム、ベース、ギター、声を少しずつ重ねていく。曲を大量のコード変更で展開させるのではなく、一つの印象的なモチーフを反復しながら音響を拡大する。この方法は後の「Viva la Vida」や「Paradise」などにも形を変えて受け継がれる。
一方、「The Scientist」のようなピアノ・バラードでは初期の親密さも残っている。この「小さな曲」と「巨大な曲」の両方を同じバンドが扱えることが重要だった。Coldplayはこのアルバムによって、内省的な英国ギターロックからスタジアムで成立するロックへ進みながら、歌そのものの簡潔さを失わなかった。
『X&Y』から『Viva la Vida』へ――巨大化と解体
2005年の『X&Y』では、そのスタジアムロック的な方向がさらに拡大した。「Speed of Sound」では「Clocks」に通じるピアノの反復が使われ、「Fix You」ではオルガンと声だけに近い静かな導入から、ドラムとギターが加わる巨大な後半へ進む。この「小さく始まり、大きく終わる」構造はColdplayの代表的な手法となった。
しかし成功した方法をそのまま続けることには限界もあった。そこで2008年の『Viva la Vida or Death and All His Friends』ではBrian Eno、Markus Dravs、Rik Simpsonらと制作し、バンドの音を意識的に組み替えた。ギター、ピアノ、ベース、ドラムという固定された役割を弱め、ストリングス、電子音、ループ、加工された声、アンビエント的な音響を曲ごとに使い分けている。
タイトル曲「Viva la Vida」では、その変化が特に分かりやすい。Coldplay最大級のヒット曲でありながら、従来のロックバンドらしいギター・リフを中心にしていない。ストリングスの反復と一定のビートが曲を動かし、Martinの声と集団的なコーラスがその上に乗る。「Lovers in Japan」ではピアノと厚い音響、「Chinese Sleep Chant」ではシューゲイズ的なギター、「Yes」では低い声とストリングスを使うなど、アルバム全体が一つの音色に統一されていない。
ここでColdplayは「ギターバンドが別ジャンルを追加する」という段階から、「曲ごとに必要な音楽の形式を選ぶ」バンドへ変化した。この柔軟性が、その後の長いキャリアを支えることになる。
『Mylo Xyloto』以降――ロックとポップの境界をなくす
2011年の『Mylo Xyloto』では、『Viva la Vida』の実験性をより明るいエレクトロニック・ポップへ向けた。「Paradise」はシンセサイザーと重い低音、ストリングスを組み合わせ、「Every Teardrop Is a Waterfall」では電子的な反復の上をギターが駆け抜ける。「Princess of China」ではRihannaを迎え、Coldplayがロックバンドという枠内だけで作品を考えなくなったことを明確にした。
この時期から、ライブの作り方も音楽に影響する。観客が一緒に歌える単純な母音やフレーズ、大きなサビ、一定の電子ビートが増え、何万人という観客そのものをアレンジへ組み込める曲が多くなった。「Paradise」の後半で反復されるボーカルなどは、録音だけで完結するというより、巨大な会場で集団が同じ旋律を歌うことまで想定したフックとして機能する。
2014年の『Ghost Stories』では逆に規模を縮小し、アンビエント、エレクトロニカ、R&B的な音響へ接近した。「Midnight」ではMartinの声を大きく電子処理し、従来のバンド演奏をほとんど感じさせない。「Magic」でも派手なギターではなく、ベースとミニマルなビートが曲の中心にある。Coldplayの多様性は、音を追加して巨大化することだけでなく、必要ならバンドらしい音を消すことにも表れている。
ポップバンドとしてのColdplay
2015年の『A Head Full of Dreams』では、その反動のように色彩の強いポップへ戻った。Beyoncé、Tove Lo、Noel Gallagherらが参加し、ディスコ、ファンク、R&B、エレクトロニック・ポップの要素が使われる。「Adventure of a Lifetime」ではBucklandのギターが重要だが、その役割は従来のロック的なコード演奏ではない。細かく反復されるフレーズがファンクのようなリズムを作り、ギター自体がダンス・トラックの一部になっている。
2021年の『Music of the Spheres』ではMax Martinをプロデューサーに迎え、BTSとの「My Universe」などを通してグローバルなポップへさらに接近した。ここまで来ると、Coldplayを「ロックなのかポップなのか」で分類すること自体があまり重要ではなくなる。ロックバンドの編成を基礎に持ちながら、必要に応じてシンセ、プログラミング、ゲストボーカル、巨大なコーラスを使うことが通常の制作方法になったからだ。
それでも「Higher Power」や「My Universe」を聴けば、Martinのシンプルなメロディを中心に、BerrymanとChampionが安定した推進力を作り、Bucklandが隙間へ特徴的な音を置くという基本構造は初期とそれほど変わっていない。音色は大きく変化しても、四人が曲の中で果たす機能には一貫性がある。
『Everyday Life』が示したもう一つの方向
Coldplayの多様性を考えるうえで、2019年の『Everyday Life』は特に重要である。『Sunrise』と『Sunset』の二部に分かれたこの作品では、ゴスペル、ブルース、クラシック、アフロビート、中東音楽などが同じアルバムに並ぶ。世界的ヒットを狙うシングルの集合というより、異なる文化や社会的な問題を一つの作品の中で扱う方向へ進んだ。
たとえば「Arabesque」にはStromaeやFemi Kutiらが参加し、サックス、ホーン、複雑なリズムを中心に長い演奏を展開する。Chris Martinの歌だけが中心になる通常のColdplayとは異なり、後半では管楽器とリズムそのものが曲を支配していく。「Trouble in Town」では人種差別や警察暴力を扱い、「Guns」では政治的な内容を短いアコースティック曲として提示する。
この作品が示したのは、Coldplayがポップ化によって実験性を失ったわけではないということだ。大規模なポップ作品と、商業性をあまり優先しない実験的な作品を交互に作れることが、2010年代以降の彼らの特徴になった。
Coldplayのサウンドを支える4人
Coldplayの変化をChris Martinだけの作曲やプロデューサーの仕事として考えると、バンドの特徴を見落とす。Jonny Bucklandは非常に音数の少ないギタリストで、派手なソロより、数音だけで曲を識別できるフレーズを作ることを得意としている。「In My Place」のイントロはその典型であり、「Strawberry Swing」や「Adventure of a Lifetime」では別のリズム感へ適応している。
Guy Berrymanのベースも同様に控えめだが、「Magic」のようにベースが曲のフックを担う場合もある。Will Championはロック的な強いドラムから電子ビートと共存する演奏まで対応し、さらにコーラスや複数の楽器も担当する。Martinがメロディを前面に出すほど、残る三人は「何を追加するか」だけでなく「何を演奏しないか」を選ぶ。この引き算が、音数の多い後期作品でもColdplayの曲を比較的明快に保っている。
そしてMartinの最大の特徴は、複雑さより記憶しやすさを優先するメロディにある。「Yellow」「Clocks」「Viva la Vida」「Paradise」「A Sky Full of Stars」ではサウンドの時代もジャンルも違うが、中心となる旋律は一度聴けば追えるほど明快だ。Coldplayの進化とは、このメロディの分かりやすさを維持したまま、その周囲に置く音楽を変え続けてきた歴史でもある。
モダンロックにおけるColdplayの位置
Coldplayは、2000年代以降のロックバンドがどのようにポップの変化へ対応できるかを示した代表的な存在である。2000年にはギターロックとして登場したが、ストリーミング時代まで同じ編成とサウンドに固執しなかった。Brian Enoとの実験、RihannaやBeyoncéとの共演、Aviciiとの「A Sky Full of Stars」、BTSとの「My Universe」まで、その時代の異なる音楽と接触している。
この姿勢は、毎回まったく新しい音楽を発明するという意味での革新とは少し違う。Coldplayが得意なのは、すでに存在するジャンルや制作方法を、自分たちのメロディとバンド感覚の中へ取り込むことである。アンビエント、EDM、R&B、ファンク、ゴスペルを使っても、最終的には大勢が共有できるColdplayのポップソングへ変える。その翻訳能力こそが彼らの強みである。
同時に、その分かりやすさは評価が分かれる理由にもなった。実験的な要素を導入しても極端な方向へ進むことは少なく、最終的には大きなメロディへ着地する場合が多い。しかし、その性質を弱点だけとして捉えると、20年以上にわたる変化を説明できない。彼らは前衛的なロックバンドではなく、実験的な音響を巨大なポップの聴衆へ届けられる形に変換してきたバンドなのである。
Coldplayの進化が分かる5曲
「Yellow」
『Parachutes』期のColdplayを代表する一曲。単純なコード、繰り返されるギター、Chris Martinの親密な歌声という最小限の材料で大きな感情を作る。後年の華やかなサウンドとは異なるが、メロディ中心という原則はすでに完成している。
「Clocks」
反復するピアノをリズムとメロディの中心に置き、同じモチーフを維持したまま音楽を拡大する曲。ギター中心でなくてもロックバンドとして成立できることを示し、後のColdplayにつながる「反復＋巨大化」の基本形を作った。
「Viva la Vida」
ストリングスとリズムを中心にしたアレンジによって、従来のColdplayらしいピアノやギターを主役から外した代表曲。Brian Enoらとの制作を通して、バンドが固定された楽器の役割から自由になった時期を象徴している。
「Midnight」
加工されたボーカル、電子音、アンビエント的な空間を中心にし、通常のColdplayのバンド演奏を意図的に後退させた曲。巨大なサビに頼らず音色そのものを聴かせるため、彼らの実験的な側面が最も分かりやすい。
「Arabesque」
アフロビートやジャズ的なホーンを取り込み、後半では長いサックスと管楽器の演奏が曲を支配する。Coldplayの多様性が単なるEDMやポップへの接近ではなく、バンドの構造そのものを変える方向にも向かえることを示した。
まとめ
Coldplayのキャリアを通して一貫しているのは、音楽の表面ではなく、その中心にあるメロディである。『Parachutes』の静かなギターロックから、『A Rush of Blood to the Head』の大きなロック、『Viva la Vida』の実験的なアレンジ、『Ghost Stories』の電子音響、『Everyday Life』の多文化的な音楽、『Music of the Spheres』以降のグローバル・ポップまで、使う音は大きく変化してきた。それでも、簡潔な旋律を四人の演奏によって最大限に広げるという原則は残っている。Coldplayのモダンロックにおける特徴は、一つのジャンルを守り続けたことではなく、ロックバンドという形式を維持しながら、その境界を何度も動かしてきたことにある。
参照元
- Coldplay公式サイト
- Parlophone
- GRAMMY.com
- Billboard
- Apple Music
- The Guardian
- Rolling Stone
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