発売日：2015年7月17日
ジャンル：Electronic / Big Beat / House / Techno / Psychedelic Dance / Alternative Dance
概要
Born in the Echoesは、The Chemical Brothersが2015年に発表した8作目のスタジオ・アルバムである。Tom RowlandsとEd Simonsによるデュオが、1990年代に確立したビッグ・ビート、サイケデリア、ブレイクビーツ、ロック的なダイナミズムを維持しつつ、2010年代の電子音楽へ再接続した作品であり、キャリア中盤以降の代表作のひとつに位置づけられる。
The Chemical Brothersは1990年代英国のクラブ・カルチャーから登場し、The Prodigy、Fatboy Slimらと並んで「ビッグ・ビート」と呼ばれる潮流を世界規模へ押し広げた。ヒップホップ由来のブレイクビーツ、アシッド・ハウスの反復、ロックの攻撃性、サイケデリックな音響を巨大なスケールで融合した彼らの音楽は、単なるクラブ・ミュージックではなく、ロック・フェスティバルでも成立するダンス・ミュージックとして発展していった。
1995年のExit Planet Dust、1997年のDig Your Own Hole、1999年のSurrenderは、その歴史的な基礎を作った作品である。そこでは「Leave Home」「Block Rockin’ Beats」「Setting Sun」「Hey Boy Hey Girl」といった楽曲を通じて、反復するビートがロックのリフと同じほど身体的な衝撃を持ち得ることを示した。
しかし2015年の時点では、電子音楽を取り巻く環境は大きく変わっていた。
EDMが世界のポップ市場を席巻し、フェスティバル文化は巨大産業となり、ダンス・ミュージックのサウンド自体も1990年代とはまったく異なるものになっていた。そのような状況でThe Chemical Brothersが選んだのは、EDM型の「ビルドアップ→ドロップ」を模倣することではなかった。
むしろ、彼ら自身が長年培ってきた「反復」「音色」「崩壊」「再構築」という方法論を現代的なプロダクションで再提示した。
そのためBorn in the Echoesには、流行への追従という感覚がほとんどない。
音は現代的だが、構造はThe Chemical Brothersそのもの。
巨大なキック。
うねるシンセサイザー。
突然変形するループ。
サイケデリックな残響。
そしてゲスト・ヴォーカルをひとつの「人物」ではなく、音響素材として曲の内部へ溶かしていく。
本作にはQ-Tip、St. Vincent、Ali Love、Cate Le Bon、Beckらが参加している。顔ぶれは非常に多彩だが、いわゆる「豪華ゲスト頼み」のアルバムにはならない。
The Chemical Brothersは、ゲストを自分たちのサウンドへ従属させる。
Q-Tipはラッパーというよりリズム装置になる。
St. Vincentの声は人間的なヴォーカルと電子音の中間へ変形する。
Cate Le Bonの歌唱はサイケデリックな幻影のように響く。
Beckは「Wide Open」で唯一と言ってよいほど明確なポップ・ソングの中心人物となる。
この使い分けが非常に巧みである。
タイトルのBorn in the Echoesは、「残響の中から生まれる」という意味を持つ。
The Chemical Brothers自身が過去のダンス・ミュージックの残響の中から生まれ、その後、自分たちもまた後続世代へ巨大な残響を残した存在だと考えると、非常に象徴的なタイトルである。
しかもこのアルバムは、過去の音をただ反復する作品ではない。
「Echo＝残響」は、元の音と同じではない。
反射し、遅れ、歪み、別の場所から戻ってくる。
Born in the Echoesもまさにそのような作品である。
1990年代のChemical Brothersの音が、2015年という別の空間で反響し、別の形に変化して戻ってきたアルバムなのである。
全曲レビュー
1. Sometimes I Feel So Deserted
アルバムは、極めて不穏な「Sometimes I Feel So Deserted」で始まる。
タイトルは「時々、ひどく見捨てられたように感じる」という孤独を示す言葉だが、音楽は内省的なバラードにはならない。
むしろ巨大なベースと硬質なビートが前面に出る。
冒頭から低音が身体を圧迫し、シンセサイザーが金属的な質感で周囲を埋める。
人間的な孤独を、感傷的なコードではなく無機質な機械音で表現する点が重要である。
ヴォーカル・フレーズは短く反復され、通常の意味での「歌詞」よりサンプルに近い役割を持つ。
The Chemical Brothersは昔から、人間の声を物語を伝えるためだけに使わない。
「Hey Boy Hey Girl」のように、一言のフレーズを何度も反復し、それ自体をパーカッションやリフへ変換する。
本曲にも同じ発想がある。
「deserted＝見捨てられた」という感情が、ビートの内部で何度もループされることで、心理状態そのものが機械化される。
オープニングとして、本作が過去の陽気なビッグ・ビート回帰ではなく、より暗く、物理的なアルバムであることを示す一曲である。
2. Go feat. Q-Tip
本作最大の代表曲のひとつ。
A Tribe Called QuestのQ-Tipを迎えた楽曲であり、両者は2005年の「Galvanize」でも強力なコラボレーションを成立させていた。
「Go」では、その関係がさらにシンプルな形へ研ぎ澄まされている。
タイトル通り、中心にあるのは「行け」という一語。
Q-Tipのラップは複雑な物語を展開するというより、ビートに命令を与えるように機能する。
この曲の魅力は、ラップと電子音が対等であることだ。
Q-Tipが曲の上に乗っているのではなく、声そのものがシンセやドラムと一体化している。
ビートは直線的で、キックとベースが前へ進み続ける。
その上に、鋭い電子音が規則的に置かれる。
構造そのものは非常にミニマルだ。
しかし、音色が少しずつ変化し、声とビートが強度を増していくことで巨大な推進力が生まれる。
歌詞にも「行動」「前進」「停止しないこと」という感覚があり、クラブ・ミュージックの身体性と完全に一致する。
The Chemical Brothersが2010年代でもなお、数少ない材料から巨大なフロア向けトラックを作れることを証明した楽曲である。
3. Under Neon Lights feat. St. Vincent
St. VincentことAnnie Clarkをフィーチャーした一曲。
タイトルは「ネオンの光の下で」。
都市の夜、人工的な色彩、クラブ、孤独、誘惑といったイメージを連想させる。
St. Vincentのヴォーカルはここで非常に効果的だ。
彼女自身、アート・ロック、エレクトロニック、ギター・ミュージックの境界を横断するアーティストであり、The Chemical Brothersの人工的な音響と相性がよい。
声は人間的でありながら、どこか冷たい。
そのため「ネオンの下」という人工的な都市空間のイメージと自然に結びつく。
音楽は重いビートを持つが、「Go」のような直線的な推進力ではなく、より妖しく揺れる。
シンセサイザーが変形し、St. Vincentの声がその間を漂う。
The Chemical Brothersのサイケデリックな側面が強く現れている曲でもある。
光が眩しいほど、周囲の闇も濃くなる。
そのような都市の二重性を音響で表現した楽曲である。
4. EML Ritual feat. Ali Love
本作でも特にダークで攻撃的なクラブ・トラック。
Ali Loveのヴォーカルを迎え、反復的なビートと呪術的な声によって「Ritual＝儀式」というタイトルをそのまま音にしている。
The Chemical Brothersにとって、ダンス・ミュージックはしばしば現代的な儀式である。
大勢の人間が暗い空間に集まる。
同じビートを聴く。
身体を反復して動かす。
時間感覚が薄れる。
そこには宗教的儀式との類似性がある。
「EML Ritual」はその感覚を非常に直接的に表現する。
ビートは反復し続け、シンセサイザーは徐々に音色を変える。
重要なのは、曲が「展開する」というより「変質する」ことだ。
同じパターンが続いているように見えるが、フィルター、音量、歪み、空間処理が少しずつ変わる。
これによって聴き手は同じ場所にいるのに、いつの間にか全く違う音響へ移動している。
テクノやアシッド・ハウスの基本的な発想を、The Chemical Brothers流の巨大なサウンドへ変換した曲である。
5. I’ll See You There
ゲスト・ヴォーカルを前面に置かず、The Chemical Brothers自身のサイケデリックな音響感覚を強く押し出した一曲。
タイトルは「そこで会おう」。
しかし、どこで会うのかは明確ではない。
この曖昧さが曲のサイケデリックな性格と合っている。
音楽は1960年代末のサイケデリック・ロックを電子音楽へ変換したような質感を持つ。
歪んだギター的な音。
渦を巻くシンセ。
反復するドラム。
断片的な声。
The Chemical Brothersはキャリアを通じてThe Beatles、The Beatles末期のスタジオ実験、サイケデリック・ロック、The Beatles以外にもThe Beatles? ではなく、より広く1960年代サイケデリアやロック的音響への関心を示してきた。
本曲ではその要素が特に強い。
ただし、懐古的ではない。
1960年代のサイケデリアを再現するのではなく、その「感覚」を2010年代の電子音響に置き換える。
音が左右に揺れ、遠近感が崩れ、聴き手の位置が不安定になる。
クラブ・ミュージックとサイケデリック・ロックの境界を最も明確に消した曲のひとつである。
6. Just Bang
タイトル通り、「ただ叩く」「ただ鳴らす」という極端に原始的な発想を持つトラック。
本作の中でも特にミニマルで、ビートそのものを前面に出している。
The Chemical Brothersは複雑なスタジオ技術を持つユニットだが、ときに彼らの音楽の本質は非常に単純である。
強いキック。
大きなスネア。
反復するベース。
それだけで身体を動かす。
「Just Bang」は、その原点へ近づく。
歌詞らしい歌詞もほとんど必要ない。
意味より音。
物語より身体。
この姿勢はハウスやテクノの核心でもある。
一方で、完全に機能的なクラブ・トラックにはならず、音の歪みや変形によってThe Chemical Brothers特有の遊び心が加えられる。
アルバム中盤で、作品全体を一度「純粋なリズム」へ戻す役割を果たしている。
7. Reflexion
タイトルは「反射」または「反映」を意味する。
Born in the Echoesというアルバム・タイトルと非常に近い概念である。
音が反射する。
過去が現在に反射する。
ひとつの音楽ジャンルが別の時代に形を変えて現れる。
本曲はそのテーマを音響そのもので表している。
リズムは比較的穏やかだが、シンセサイザーが何層にも重なり、音が互いに反射するような構造を作る。
メロディは明確な歌へ向かわず、断片的なパターンが繰り返される。
そのため、聴き手の意識がひとつの中心に固定されない。
ある音に注目すると、別の音が背後から現れる。
この立体感はThe Chemical Brothersのスタジオ技術の強みである。
ダンス・ミュージックでありながら、ヘッドフォンで聴いたときに細部が何層も発見できる。
「Reflexion」はその音響設計を特に楽しめるトラックである。
8. Taste of Honey
タイトルは「蜂蜜の味」。
甘さ、粘り、官能性を連想させる。
本曲もその名の通り、他の激しいトラックより少し粘着質で、奇妙な官能性を持つ。
The Chemical Brothersは、電子音を「硬い未来的な音」としてだけ使わない。
液体のようにする。
粘らせる。
溶かす。
「Taste of Honey」ではその感覚が強く、音が耳の周囲へまとわりつく。
リズム自体は簡潔だが、サンプルや声の断片が不規則に配置され、コミカルでありながら少し不気味な空気がある。
彼らの作品には、この「ユーモアと不穏さ」の同居がしばしば見られる。
大げさなシンセや異様なヴォーカル処理を使いながら、それを完全にシリアスにはしない。
「Taste of Honey」はアルバムの中で、そうした音響的な悪戯を示す一曲である。
9. Born in the Echoes feat. Cate Le Bon
アルバムのタイトル曲であり、本作のコンセプトを最も象徴する一曲。
Cate Le Bonの独特なヴォーカルが大きな役割を果たしている。
彼女の声は乾いていて、どこか距離がある。
通常のポップ・ヴォーカルのように感情を前面へ出さず、奇妙な平坦さを保つ。
そのためThe Chemical Brothersのサイケデリックな電子音と非常によく馴染む。
タイトルの「Born in the Echoes＝残響の中から生まれる」は、記憶や過去の音楽文化を象徴しているように聞こえる。
人間は完全に無から何かを作るわけではない。
過去の音。
過去の言葉。
過去の体験。
それらの残響の中から新しいものを作る。
The Chemical Brothers自身の音楽も、ヒップホップ、アシッド・ハウス、サイケデリック・ロック、テクノ、ロックンロールの残響から生まれた。
そして2015年には、彼ら自身が若い世代にとって「過去の残響」の一部になっている。
その自己言及的な構造がタイトルに込められていると考えることができる。
音楽は派手に爆発するより、奇妙な反復と声の存在感を中心に進む。
アルバムの思想的な中心曲である。
10. Radiate
タイトルは「放射する」「光を放つ」。
本作後半で、暗いクラブ・サウンドから少し開放的な方向へ移る楽曲である。
音楽には上昇感があり、シンセサイザーが広がっていく。
ただし、一般的なEDMのように大きなドロップへ一直線に向かうわけではない。
The Chemical Brothersは、エネルギーを一度に放出せず、徐々に空間へ拡散させる。
「Radiate」というタイトルはその構造そのものだ。
中心から外へ。
一音が別の音へ。
反復が空間全体へ。
この拡張感によって、アルバム終盤に光が差し込むような効果が生まれる。
ここまでの作品が「地下」「夜」「ネオン」「儀式」といった閉鎖的な空間を多く扱っていたのに対し、「Radiate」では音が外へ広がる。
次の「Wide Open」へ向かう重要な橋渡しである。
11. Wide Open feat. Beck
アルバム最後を飾る楽曲であり、本作でも特にポップ・ソングとして完成度の高い一曲。
Beckをヴォーカルに迎え、「Wide Open＝完全に開かれた」というタイトルの通り、ここまでの閉塞的な音響から一気に空間が広がる。
歌詞の中心には、関係が崩れていく感覚や、自分が無防備になっていく感情がある。
「open」という言葉は自由を意味すると同時に、守るものがなくなることも意味する。
開かれることは解放でもあり、傷つきやすくなることでもある。
Beckの声はその曖昧さに非常によく合う。
彼の歌唱は感情的だが、過度に劇的ではない。
少し乾いた声で、関係の終わりを受け入れていくように歌う。
音楽はミニマルな電子ビートと柔らかなシンセを中心に進み、The Chemical Brothersとしてはかなり抑制されている。
しかし後半になるにつれて音が少しずつ増え、巨大な空間へ開いていく。
アルバムのオープニングが「Sometimes I Feel So Deserted」という孤立から始まったことを考えると、最後が「Wide Open」で終わる構成は非常に象徴的である。
最初は閉じている。
最後は開く。
ただし、その開放は単純な幸福ではない。
孤独を抱えたまま、それでも外へ出る。
本作の締めくくりとして非常に美しい。
総評
Born in the Echoesは、The Chemical Brothersが「1990年代のビッグ・ビートの巨人」という過去の肩書きに依存せず、2010年代でもなお独自のダンス・ミュージックを作れることを証明した作品である。
その最大の特徴は、EDM全盛期にあってEDMの構造を模倣しなかったことにある。
2010年代前半のフェスティバル向けダンス・ミュージックでは、曲の構造が非常に明確だった。
導入。
ビルドアップ。
緊張。
ドロップ。
再びビルドアップ。
この形式は巨大な観客を瞬間的に興奮させるうえで非常に効果的だった。
しかしThe Chemical Brothersは、もっと古いクラブ・ミュージックの考え方を保持している。
反復。
微細な変化。
音色の変形。
徐々に蓄積するトランス状態。
つまり「何か大きなことが起きる瞬間」より、「同じことが続いているうちに意識が変わること」を重視する。
「EML Ritual」「Just Bang」「Reflexion」などはその典型である。
この考え方はアシッド・ハウス、テクノ、クラウトロック、ミニマル・ミュージックにも通じる。
The Chemical Brothersはもともと、ロックの「リフ」とクラブの「ループ」が実は非常に近いものだと理解していた。
どちらも短いフレーズを反復する。
違うのは音色と文脈だけである。
そのため彼らの音楽では、シンセのループがギター・リフのように聞こえ、ブレイクビーツがロック・ドラムのように身体へ響く。
Born in the Echoesでも、その基本哲学は変わらない。
一方で、本作はゲスト・ヴォーカルの使い方が非常に優れている。
Q-Tip。
St. Vincent。
Ali Love。
Cate Le Bon。
Beck。
これほど個性の異なるアーティストを一枚に集めると、通常はコンピレーションのような散漫さが生まれる。
しかし本作では、それぞれの個性がChemical Brothersのサウンドへ組み込まれているため、アルバムとしての統一感が失われない。
「Go」のQ-Tipはヒップホップの代表者として登場するのではない。
リズムを押す声として機能する。
「Under Neon Lights」のSt. Vincentは、アート・ロックのスターとして曲を支配しない。
電子音と人間の境界に置かれる。
「Born in the Echoes」のCate Le Bonは、物語を歌うというよりサイケデリックな人格を作る。
「Wide Open」のBeckだけは比較的明確なシンガー・ソングライターとして扱われるが、それでも曲の感情をThe Chemical Brothersのミニマルな電子音が包む。
この編集能力が、彼らの長寿の理由のひとつである。
The Chemical Brothersは「ゲストを呼ぶユニット」なのではなく、「他者の声を自分たちの音響へ翻訳するユニット」なのである。
また、アルバム・タイトルが示す「echoes＝残響」は、The Chemical Brothers自身の歴史にも関係する。
1990年代に彼らが登場したとき、ダンス・ミュージックとロックはまだ明確に分かれていると考えられることが多かった。
彼らはその境界を壊した。
ロック・フェスティバルで電子音楽が巨大な音量で鳴る。
クラブ・ミュージックがアルバム単位でロック・ファンにも聴かれる。
ヴォーカリストがゲストとして参加しながら、プロデューサーが作品の主体であり続ける。
これらは現在では珍しくない。
しかし1990年代には、その構造自体が新しかった。
2015年になると、彼らがかつて作った未来がすでに現実になっていた。
つまりThe Chemical Brothersは、自分たちの影響が世界に広がった後の時代に音楽を作らなければならなかった。
Born in the Echoesは、その状況への非常に優れた回答である。
自分たちの過去を再演するのではない。
しかし自分たちが作った方法論を捨てもしない。
その「残響」をもう一度加工する。
だから本作はノスタルジックではない。
同時に、流行にも追随しない。
その中間にある。
音響面では、キャリア後期ならではの成熟も感じられる。
1990年代のThe Chemical Brothersは、巨大なブレイクビーツとサンプルの衝突によって聴き手を圧倒した。
本作では、音を増やすだけでなく「減らす」ことができる。
「Just Bang」のように要素を極端に削る。
「Wide Open」のように静かなビートを維持する。
「Born in the Echoes」のように声と反復だけで奇妙な空間を作る。
この抑制があるからこそ、「Go」や「Sometimes I Feel So Deserted」の巨大さがより強く感じられる。
アルバムの流れも興味深い。
「Sometimes I Feel So Deserted」の孤独。
「Go」の推進。
「Under Neon Lights」の都市的な夜。
「EML Ritual」の儀式。
「I’ll See You There」のサイケデリア。
「Just Bang」の純粋なリズム。
そこから「Born in the Echoes」の自己言及的な世界を経て、「Radiate」で光が広がり、「Wide Open」で開放される。
明確なストーリー・アルバムではない。
しかし、閉塞から開放へ進む感覚はある。
そのためBorn in the Echoesは、単なるクラブ・トラック集ではなく、アルバムとしての起伏を持つ。
2015年の電子音楽作品として見ても、非常に独自の位置にある。
若いEDMプロデューサーのように最大音圧を競わない。
インディー系エレクトロニカのように繊細さだけへ向かわない。
テクノの純粋主義にもならない。
ロック・バンド化もしない。
そのすべてを知りながら、The Chemical Brothersという固有の言語に戻す。
Born in the Echoesは、キャリア20年以上のアーティストが「過去の代表作を再現せず、それでも自分たちらしさを失わない」ことに成功した好例である。
そして、タイトル通り、過去の残響から新しい音を生み出すことこそ、The Chemical Brothersの長いキャリアを貫く本質だと再確認させる作品である。
おすすめアルバム
1. The Chemical Brothers – Dig Your Own Hole（1997）
The Chemical Brothersの代表作であり、ビッグ・ビートを世界規模へ押し上げた重要作。「Block Rockin’ Beats」「Setting Sun」などを収録し、ヒップホップ的なブレイクビーツ、サイケデリア、ロックの攻撃性が巨大な音響として融合している。Born in the Echoesの原点を理解するための最重要作。
2. The Chemical Brothers – Surrender（1999）
「Hey Boy Hey Girl」「Let Forever Be」などを収録。前作の攻撃性から一歩進み、ハウス、サイケデリック・ポップ、アンビエントを取り込み、より多彩なアルバムへ発展した。ゲスト・ヴォーカルと電子音を一体化する方法はBorn in the Echoesへ直接つながっている。
3. The Chemical Brothers – Further（2010）
Born in the Echoesの前作にあたるスタジオ・アルバムで、ゲスト歌手への依存を抑え、電子音響そのものを中心にした作品。長い反復とサイケデリックな展開によって、アルバム全体をひとつの連続体として聴かせる。Born in the Echoesのより純粋な電子音楽的側面を深く理解できる。
4. Underworld – Second Toughest in the Infants（1996）
1990年代英国電子音楽を代表する作品。テクノ、ハウス、プログレッシブな構成、断片的なヴォーカルを組み合わせ、長い反復の中から徐々に高揚を生み出す。The Chemical Brothersとは方法が異なるが、「ドロップではなく持続的な変化でトランス状態を作る」という点でBorn in the Echoesと深く関連する。
5. The Prodigy – The Fat of the Land（1997）
ビッグ・ビートをロック・フェスティバル規模へ拡張した歴史的作品。The Chemical Brothersより攻撃的でパンク的だが、クラブ・ミュージックのビートをロックと同じ身体的強度で鳴らすという発想を共有する。Born in the Echoesを、1990年代英国ダンス・ミュージックから2010年代へ続く長い流れの中で理解するための重要な比較対象である。
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