発売日：1970年11月1日
ジャンル：フォーク・ロック、カントリー・ロック、アメリカーナ、サイケデリック・ロック、ルーツ・ロック
概要
Grateful Deadの5作目のスタジオ・アルバムであるAmerican Beautyは、1970年のアメリカン・ロックを代表する作品の一つであり、バンドの長いキャリアの中でも最も親しみやすく、かつ詩的な完成度を持つアルバムである。同年に発表された前作Workingman’s Deadと並び、Grateful Deadが初期のサイケデリックな長尺ジャムや実験的な混沌から、フォーク、カントリー、ブルーグラス、ゴスペル、ブルースを基盤とするソングライティングへ大きく舵を切った時期の成果として位置づけられる。
1960年代後半のGrateful Deadは、サンフランシスコのカウンターカルチャーを象徴するバンドとして知られていた。長大な即興演奏、LSD文化との結びつき、コミューン的な活動形態、そしてライヴ会場を共同体的な体験へ変える力によって、彼らは通常のロック・バンドとは異なる存在となっていた。しかし、American Beautyではそうしたサイケデリックな拡張性がいったん内側へ折りたたまれ、楽曲そのものの美しさ、声の重なり、歌詞の余韻が中心に置かれている。
この方向転換には、同時代のアメリカン・ロック全体の流れも関係している。1960年代末には、The BandのMusic from Big PinkやBob DylanのJohn Wesley Harding以降、ロックは過剰なサイケデリック表現から、より土着的で簡素なアメリカ音楽へ回帰する動きを見せていた。Grateful Deadもまた、ブルーグラス、カントリー、フォーク、ゴスペルといったアメリカ音楽の伝統を改めて吸収し、自分たちの言語へと変換していった。American Beautyは、その流れの中でも特に優れた成果であり、ルーツ・ミュージック的な温かさと、Robert Hunterによる象徴的な詞世界が高い精度で結びついている。
本作の特徴は、Grateful Deadのスタジオ・アルバムの中でも、楽曲の完成度が非常に高い点にある。バンドはライヴでこそ本領を発揮する存在として語られることが多いが、American Beautyでは、スタジオ録音ならではのハーモニー、アコースティック楽器の質感、簡潔なアレンジが大きな力を持っている。Jerry Garcia、Bob Weir、Phil Lesh、Ron “Pigpen” McKernan、Bill Kreutzmann、Mickey Hartというメンバーに加え、作詞家Robert Hunterの存在が極めて重要である。Hunterは、アメリカの民謡、聖書的なイメージ、開拓時代の神話、死と再生、旅と放浪を、曖昧で詩的な言葉へと変換した。
アルバムには「Box of Rain」「Friend of the Devil」「Sugar Magnolia」「Ripple」「Brokedown Palace」「Truckin’」といった、後にGrateful Deadの代表曲となる楽曲が数多く収録されている。これらの曲は、それぞれが異なる表情を持ちながらも、全体として死、別れ、旅、友情、共同体、移動、記憶といったテーマを共有している。特に「Ripple」や「Brokedown Palace」では、Grateful Deadの音楽が単なるヒッピー文化の象徴を超え、アメリカ音楽における祈りや哀歌の系譜と深く結びついていることが分かる。
American Beautyというタイトルも象徴的である。直訳すれば「アメリカの美」だが、それは愛国主義的な美しさではない。むしろ、旅の途中で出会う風景、老いた労働者、移動する共同体、壊れかけた家、川辺の別れ、道端の歌といった、不完全で移ろいやすいものの中に宿る美である。Grateful Deadは本作で、アメリカという国を勝利や繁栄の物語としてではなく、放浪者、敗者、夢想家、友人たちの歌として描いている。
音楽史的には、American Beautyは後のアメリカーナ、オルタナ・カントリー、ジャム・バンド、フォーク・ロック再評価に大きな影響を与えた作品である。Grateful Deadの影響を受けた後続のアーティストは、PhishやWidespread Panicのようなジャム・バンドだけではない。Wilco、Uncle Tupelo、The Jayhawks、Fleet Foxes、My Morning Jacketなど、アメリカ音楽の伝統とロックを再接続するアーティストたちの文脈においても、本作の持つ歌心と共同体的な感覚は重要な参照点となっている。
全曲レビュー
1. Box of Rain
アルバム冒頭を飾る「Box of Rain」は、Phil LeshとRobert Hunterによる楽曲であり、American Beautyの静かな深みを最初に示す重要曲である。Phil Leshがリード・ヴォーカルを担当している点でも特別な位置にある。Leshは通常、ベーシストとしてバンドの音楽的構造を支える存在だが、この曲では非常に個人的で、切実な声を聴かせる。
この曲の背景には、Phil Leshの父の死があるとされる。Robert Hunterの歌詞は、直接的な死別の告白ではなく、別れ、慰め、世界の不可解さを象徴的な言葉で描いている。「Box of Rain」という表現は、雨の箱という不思議なイメージであり、悲しみ、世界、贈り物、記憶を同時に連想させる。雨は涙や浄化を意味し、箱は何かを収める器である。つまりこのタイトルは、悲しみを抱えながらも、それを一つの贈り物として受け取るような感覚を持っている。
音楽的には、明るく穏やかなカントリー・フォーク調のアレンジが中心である。アコースティック・ギター、柔らかなコーラス、温かいベースラインが、歌詞の喪失感を過度に暗くしない。Grateful Deadの特徴は、死や別れを扱う曲であっても、単純な悲嘆には落ち込まない点にある。この曲でも、悲しみは受け入れられ、歌として共有される。
Leshの歌唱は技巧的に整っているわけではないが、その素朴さが曲に強い説得力を与えている。Jerry GarciaやBob Weirとは異なる声質が、楽曲をより私的で脆いものにしている。アルバムの幕開けとして、「Box of Rain」は本作が派手なロックの勝利ではなく、人生の有限性を静かに見つめる作品であることを示している。
2. Friend of the Devil
「Friend of the Devil」は、Jerry Garcia、John Dawson、Robert Hunterによる楽曲であり、本作の中でも特に親しみやすいメロディを持つ代表曲である。軽快なアコースティック・ギターのリフ、流れるようなテンポ、物語性の強い歌詞によって、Grateful Deadのフォーク／カントリー的な魅力が最も分かりやすく表れている。
歌詞は、悪魔の友人である語り手が、保安官や家庭や過去から逃げながら旅を続けるという内容を持つ。ここには、アメリカのアウトロー・バラッドの伝統が色濃く反映されている。逃亡者、借金、複数の家庭、道中の危険、追跡といった要素は、古い民謡や西部劇的な物語と通じる。しかし、Hunterの歌詞は単なる物語歌に留まらず、人生の選択がもたらす代償や、自由と孤独の表裏一体性を描いている。
音楽的には、ブルーグラスに近い軽やかな弦楽器の感覚が重要である。Garciaのギターは繊細に流れ、曲全体に移動感を与えている。テンポは速すぎず、語り手が道を歩きながら話しているような自然な推進力を持つ。Grateful Deadのライヴでは、この曲はしばしばテンポを落としたより内省的なアレンジでも演奏され、楽曲の持つ多面性が示された。
「Friend of the Devil」における悪魔は、絶対的な悪というより、自由、誘惑、危険、逃避の象徴である。語り手は悪魔と友人であるが、その関係は勝利ではなく、むしろ逃げ続けなければならない宿命を意味している。この曲は、軽やかなメロディの裏に、自由を選ぶ者が背負う不安を忍ばせている。
3. Sugar Magnolia
「Sugar Magnolia」は、Bob WeirとRobert Hunterによる楽曲であり、American Beautyの中でも最も陽気で開放的なロック・ナンバーである。Grateful Deadのライヴにおいても長年にわたり重要なレパートリーとなり、特に終盤の高揚感を生む曲として機能した。アルバムの中では、前2曲の内省的な空気を受けた後に、明るい祝祭性を持ち込む役割を果たしている。
音楽的には、軽快なギター・リフと弾むリズムが中心で、カントリー・ロックとロックンロールの感覚が結びついている。Bob Weirのヴォーカルは、Garciaの柔らかい歌唱とは異なり、より外向的で若々しい勢いを持っている。コーラスも明るく、曲全体が太陽の下で鳴るような印象を与える。
歌詞に描かれる「Sugar Magnolia」は、自然、女性性、自由、日常の喜びを象徴する存在である。彼女は単なる恋愛対象というより、花、光、踊り、風のような要素と結びつき、生命力そのものを表す。Robert Hunterの歌詞にはしばしば神話的・寓話的な人物が登場するが、この曲ではその要素が非常にポップで親しみやすい形になっている。
一方で、この曲の明るさは、単純なラヴ・ソングの幸福感だけではない。Grateful Deadにおいて、祝祭は常に一時的なものである。ライヴでの「Sugar Magnolia」は、観客とバンドが一体となる瞬間を作り出すが、その一体感は永続しないからこそ価値を持つ。アルバムの流れにおいても、この曲は人生の悲しみや別れの中に差し込む、束の間の光として機能している。
4. Operator
「Operator」は、Ron “Pigpen” McKernanによる楽曲で、本作の中でもブルースやR&Bの伝統を最も直接的に感じさせる曲である。PigpenはGrateful Dead初期の重要人物であり、ブルース・ハープ、オルガン、荒々しいヴォーカルを通じて、バンドに土臭いR&B感覚をもたらしていた。American Beautyでは全体的にフォーク／カントリー色が強いが、「Operator」はその中でPigpenの個性を示す貴重な一曲である。
曲は、電話交換手に相手をつないでほしいと頼むという内容を持つ。現在の通信環境から見ると古風な設定だが、このアナログな距離感が曲に独特の味わいを与えている。語り手は誰かと連絡を取りたいが、うまくつながらない。ここには、恋愛のすれ違い、孤独、コミュニケーションの不確かさが簡潔に表れている。
音楽的には、軽いシャッフル感を持つカントリー・ブルース調で、Pigpenの歌唱が曲の中心にある。彼のヴォーカルは、GarciaやWeirのような繊細なメロディ感覚とは異なり、より直接的で人間臭い。少しぶっきらぼうで、ユーモアもあり、ブルースの会話的な伝統を引き継いでいる。
アルバム全体の中では、「Operator」は小品的な役割を持つが、Grateful Deadの多様性を示すうえで重要である。バンドはサイケデリック・ジャム、フォーク・バラード、カントリー・ロックだけでなく、ブルースやR&Bの土台を持っていた。この曲は、その土台を簡潔に示し、アルバムに人懐こい軽さを加えている。
5. Candyman
「Candyman」は、Jerry GarciaとRobert Hunterによる楽曲で、ブルース、フォーク、カントリーが混ざり合った妖しい魅力を持つ一曲である。タイトルの「Candyman」は、甘いものを配る人物であると同時に、誘惑者、賭博師、アウトロー、あるいは危険な魅力を持つ存在としても読める。Grateful Deadの世界では、こうした曖昧な人物像がしばしば重要な役割を果たす。
音楽的には、ゆったりとしたテンポで進み、Garciaの歌唱とギターが曲のムードを決定している。アコースティックな質感を保ちながらも、曲にはどこか不穏な空気が漂う。明るいカントリー・ソングではなく、夜の酒場や賭場に近い雰囲気がある。Garciaのギターは、少ない音数で甘さと危うさを表現している。
歌詞には、賭け、銃、女性、甘い言葉、危険な取引といったイメージが現れる。Candymanは魅力的だが、完全に信頼できる人物ではない。彼は楽しみをもたらす一方で、破滅も運んでくる。これはアメリカのブルースやフォークにおけるトリックスター的な人物像と重なる。Grateful Deadは、こうした古いアメリカ音楽のキャラクターを、現代的なロックの文脈で再生させている。
「Candyman」は、本作の中でも特に影のある曲である。「Sugar Magnolia」の明るさと対照的に、ここでは快楽の裏にある危険が描かれる。American Beautyが単なる牧歌的なアルバムではないことを示す重要曲であり、アメリカーナの中に潜む暴力性や誘惑を静かに浮かび上がらせている。
6. Ripple
「Ripple」は、Jerry GarciaとRobert Hunterによる楽曲であり、Grateful Deadの全楽曲の中でも特に象徴的な一曲である。American Beautyの精神的中心といえる曲であり、フォーク・バラードとしての簡素な美しさと、Robert Hunterの詩的な歌詞が高い次元で結びついている。
音楽的には、穏やかなアコースティック・ギターと柔らかなコーラスを中心にした非常にシンプルな構成である。派手な演奏はなく、メロディはまるで古い民謡のように自然に流れる。Garciaのヴォーカルは静かで、説教するのではなく、聴き手に語りかけるように響く。終盤のラララのコーラスは、言葉を超えた共同体的な歌として機能している。
歌詞は、道、泉、歌、沈黙、導き、孤独な旅といったイメージで構成されている。「If my words did glow with the gold of sunshine」という冒頭から、曲は言葉が光を持つ可能性と、その限界を同時に示す。歌は誰かを導くかもしれないが、最終的に道を歩くのは一人である。この二重性が「Ripple」の核心である。
タイトルの「Ripple」は、水面に広がる波紋を意味する。小さな一滴が広がり、やがて消えていく。そのイメージは、歌、人生、影響、記憶、共同体のすべてに重なる。Grateful Deadの音楽そのものも、固定されたメッセージではなく、演奏され、聴かれ、歌い継がれることで波紋のように広がっていった。
「Ripple」は、宗教的な賛美歌ではないが、祈りに近い力を持つ。特定の教義を語るのではなく、旅を続ける人間への静かな祝福として響く。日本のリスナーにとっても、この曲は英語の細部をすべて理解しなくても、メロディと声の質感から深い普遍性を感じ取れる楽曲である。
7. Brokedown Palace
「Brokedown Palace」は、Jerry GarciaとRobert Hunterによるバラードであり、American Beautyの中でも最も深い哀愁を持つ楽曲の一つである。タイトルは「壊れた宮殿」を意味し、かつて栄えていた場所、人生の終着点、老いた身体、失われた共同体を連想させる。Grateful Deadの死生観が非常に美しく表れた曲である。
音楽的には、ゴスペルやフォーク・バラードの要素を持つ穏やかな曲調で、コーラスの響きが特に重要である。Garciaのヴォーカルは静かに沈み込み、バンドのハーモニーがその周囲を包み込む。曲は大きく盛り上がるというより、ゆっくりと川を下るように進む。
歌詞には、川辺で休む、家へ帰る、別れを告げるといったイメージが現れる。ここでの「家」は、単なる住居ではなく、死後の安息、人生の終着点、共同体への帰還を意味しているように響く。Robert Hunterの歌詞は、死を恐怖としてだけではなく、長い旅の後に訪れる休息として描く。この視点は、アメリカのゴスペルやフォーク・ソングの伝統と深く結びついている。
「Brokedown Palace」は、Grateful Deadのライヴでもしばしば感動的な場面で演奏された。特に終演近くに置かれることで、観客に別れと安らぎを与える曲として機能した。スタジオ版では、その原型となる静かな美しさが丁寧に記録されている。
アルバムの中では、「Ripple」に続いて配置されることで、精神的な流れが深まる。「Ripple」が旅を続ける者への祝福だとすれば、「Brokedown Palace」は旅の終わりに与えられる安息の歌である。この連続は、American Beautyの中でも特に重要な部分である。
8. Till the Morning Comes
「Till the Morning Comes」は、比較的短く明るい楽曲であり、前曲「Brokedown Palace」の深い哀愁の後に、軽やかな変化をもたらす。Jerry GarciaとRobert Hunterによるこの曲は、アルバム後半に少しポップな明るさを差し込む役割を持っている。
音楽的には、軽快なカントリー・ロック／フォーク・ロック調で、コーラスも明るく、曲の輪郭は非常に親しみやすい。長大な展開や複雑なアレンジはなく、短い時間の中でメロディとリズムがすっきりと提示される。Grateful Deadの楽曲には、深遠なバラードや長尺ジャムだけでなく、このような小品的なポップ・ソングも存在する。
歌詞のテーマは、夜を越えて朝を待つことにある。朝が来るまで続ける、耐える、あるいは楽しむという感覚は、Grateful Deadの音楽に頻繁に現れる時間の流れと結びついている。夜は不安や混乱を象徴する一方で、音楽や共同体が生まれる時間でもある。朝は新しい始まりであり、現実への帰還でもある。
この曲は、アルバムの中で大きな主張を持つ曲ではないが、流れを整えるうえで重要である。American Beautyは深い死生観を持ちながらも、重苦しい作品ではない。小さな明るさ、短い喜び、日常的な軽さが挟まれることで、アルバム全体の人間的な温度が保たれている。
9. Attics of My Life
「Attics of My Life」は、Jerry GarciaとRobert Hunterによる楽曲で、アルバム終盤に置かれた非常に静謐なコーラス曲である。タイトルは「人生の屋根裏部屋」を意味し、記憶、過去、しまい込まれた感情、古い夢を連想させる。American Beautyの中でも特に祈りに近い質感を持つ曲である。
音楽的には、ほとんど賛美歌のような構成で、楽器の主張は控えめに抑えられ、声の重なりが中心となる。Grateful Deadはライヴ・ジャムのイメージが強いバンドだが、この曲ではハーモニー・グループとしての側面が際立っている。完璧に整った合唱ではないが、その少し不安定な声の重なりが、かえって人間的で深い味わいを生んでいる。
歌詞は、夢、記憶、愛、導き、内面的な部屋をめぐる詩的なイメージで構成されている。「Attics」という言葉は、普段は使わないものを保管する場所を示す。人生の中で忘れかけていた記憶や感情が、屋根裏にしまわれている。曲はその場所を静かに訪れるような感覚を持っている。
この曲には、死や別れを直接語るわけではないが、人生全体を振り返るような深い時間感覚がある。若者の反抗や旅の興奮ではなく、長い時間の中で残ったものを見つめる歌である。1970年の時点でGrateful Deadはまだ若いバンドだったが、この曲にはすでに老成した視点が宿っている。
アルバム終盤において、「Attics of My Life」は「Brokedown Palace」と並ぶ精神的な深みを持つ。American Beautyは、外の道を旅するアルバムであると同時に、内側の記憶の部屋を巡るアルバムでもある。この曲は、その内面的な旅の到達点の一つである。
10. Truckin’
アルバムを締めくくる「Truckin’」は、Grateful Deadの代表曲の一つであり、バンド自身の旅と共同体を象徴する楽曲である。Jerry Garcia、Bob Weir、Phil Lesh、Robert Hunterの共作で、軽快なシャッフル感を持つロック・ナンバーとして、本作の最後に外向きのエネルギーを取り戻す。
歌詞は、バンドのツアー生活、移動、警察とのトラブル、都市から都市への旅、成功と混乱を断片的に描いている。特に「What a long, strange trip it’s been」というフレーズは、Grateful Deadのキャリア全体を象徴する言葉として広く知られるようになった。この一節は、単に長い旅だったという意味ではなく、予測不能で、奇妙で、苦労と喜びが入り混じった人生そのものを表している。
音楽的には、ブルース、ロックンロール、カントリーが混ざった軽快な曲調である。Bob Weirのヴォーカルは語り口に近く、バンド全体もリラックスしたグルーヴを作っている。曲は深刻になりすぎず、旅の疲労やトラブルもユーモアを交えて描かれる。これがGrateful Deadらしい重要な点である。彼らは人生の困難を悲劇としてだけではなく、語り草になる出来事として歌う。
「Truckin’」は、アルバムの終曲として非常に効果的である。American Beautyは、死、別れ、祈り、記憶を深く扱ってきたが、最後には再び道へ出る。壊れた宮殿で休み、屋根裏の記憶を見つめた後でも、旅は続く。Grateful Deadの世界では、終わりは常に次の移動の始まりでもある。
この曲はまた、バンド自身の自己神話化でもある。Grateful Deadは単なるレコーディング・アーティストではなく、移動し続ける共同体だった。「Truckin’」は、その共同体のテーマソングとして機能し、後のDeadhead文化を象徴する楽曲となった。
総評
American Beautyは、Grateful Deadのスタジオ・アルバムの中でも最も完成度が高く、かつ多くのリスナーにとって最も入りやすい作品である。初期のサイケデリックな実験性や、後年のジャズ・ロック的な複雑さに比べ、本作ではメロディ、ハーモニー、歌詞、アコースティックな質感が中心に置かれている。そのため、Grateful Deadを「長いジャムのバンド」としてしか知らないリスナーにとって、本作は彼らのソングライティング能力を知る最良の入口となる。
アルバム全体を貫くテーマは、旅と別れである。「Box of Rain」では死別と慰めが歌われ、「Friend of the Devil」では逃亡者の旅が描かれ、「Ripple」では孤独な道を進む者への祝福が与えられる。「Brokedown Palace」では人生の終着点が静かに描かれ、「Attics of My Life」では記憶の奥へと向かい、「Truckin’」では再び道へ出る。これらの曲は、個別には異なる物語を持ちながら、全体として人間が生き、失い、歌い、移動し続ける姿を描いている。
音楽的には、フォーク、カントリー、ブルーグラス、ゴスペル、ブルース、ロックンロールが柔らかく溶け合っている。ここで重要なのは、Grateful Deadがこれらのジャンルを単なる復古趣味として扱っていないことである。彼らは古いアメリカ音楽の形式を借りながら、1960年代末から70年代初頭のカウンターカルチャーの感覚、共同体への憧れ、死生観、サイケデリックな象徴性をそこに注ぎ込んだ。結果として、本作は古くも新しくもある独特の時間感覚を持つ。
Robert Hunterの歌詞は、本作の価値を決定づける大きな要素である。彼の詞は、明確な政治的メッセージや個人的告白ではなく、アメリカの民話、聖書的な響き、道と川のイメージ、死と再生の象徴を用いて、聴き手に広い解釈の余地を与える。特に「Ripple」「Brokedown Palace」「Box of Rain」は、Grateful Deadの作品の中でも最も詩的で普遍性の高い楽曲である。
また、本作はバンドのハーモニーへの意識が強く表れた作品でもある。Grateful Deadは完璧なヴォーカル・グループではない。声の揺れや粗さもある。しかし、その不完全さが、かえって共同体的な温かさを生んでいる。美しく整いすぎた合唱ではなく、旅の仲間たちが一緒に歌っているような感覚がある。この人間的な響きこそ、American Beautyの大きな魅力である。
日本のリスナーにとって本作は、アメリカン・ロックのルーツを理解するうえでも重要である。カントリーやブルーグラスに馴染みが薄い場合でも、本作のメロディや歌詞の世界は比較的入りやすい。むしろ、アメリカ音楽の伝統がロックとどのように結びつき、後のアメリカーナやオルタナ・カントリーへつながっていくのかを知るための優れた作品である。
Grateful Deadの本質がライヴにあることは確かである。しかし、American Beautyは、彼らがスタジオでも非常に優れたアルバムを作ることができたことを示している。ここには長大な即興演奏はほとんどない。その代わりに、短い曲の中に深い時間、広い風景、人生の移ろいが凝縮されている。ライヴで拡張されるGrateful Deadとは別に、歌そのものの強度を持つGrateful Deadがここにいる。
総合的に見て、American BeautyはGrateful Deadの最高傑作の一つであり、1970年代アメリカン・ロックの重要な到達点である。壊れやすく、素朴で、深く、温かく、どこか彼岸的でありながら、常に道の上にある。アルバムは、アメリカの美を壮大な国家の物語としてではなく、旅人の歌、友人たちの声、川辺の別れ、朝まで続く音楽として描いている。その意味で本作は、Grateful Deadの精神を最も静かに、最も美しく伝えるアルバムである。
おすすめアルバム
1. Grateful Dead – Workingman’s Dead（1970年）
American Beautyと対をなす重要作であり、Grateful Deadがフォーク、カントリー、ブルーグラスへ接近した転換点のアルバムである。「Uncle John’s Band」「Dire Wolf」「Casey Jones」など、簡潔で強い楽曲が並び、バンドのアメリカーナ志向が明確に表れている。American Beautyの前史として欠かせない作品である。
2. Grateful Dead – Europe ’72（1972年）
Grateful Deadのライヴ・バンドとしての魅力を知るうえで重要なアルバムである。American Beauty収録曲とは異なる楽曲も多いが、フォーク、カントリー、ロック、即興がどのようにステージ上で一体化するかを確認できる。スタジオでの歌心とライヴでの拡張性を比較するうえで有効な作品である。
3. Crosby, Stills, Nash & Young – Déjà Vu（1970年）
同じ1970年に発表された、アメリカン・フォーク・ロック／カントリー・ロックの代表的作品である。美しいハーモニー、アコースティックな質感、カウンターカルチャー後期の空気感という点で、American Beautyと共通する要素が多い。より洗練された西海岸的ハーモニーを聴くことができる。
4. The Band – Music from Big Pink（1968年）
アメリカ音楽の伝統をロックの文脈で再構築した歴史的作品であり、Grateful Deadのルーツ回帰を理解するうえで欠かせない。フォーク、カントリー、ゴスペル、ブルースが混ざり合い、過度なサイケデリアから土着的な音楽へ向かう流れを象徴している。American Beautyの背景にある時代の変化を知るために重要である。
5. Gram Parsons – GP（1973年）
カントリー・ロック、後のアメリカーナに大きな影響を与えた作品である。Grateful Deadとは異なる形で、カントリーとロックを結びつけ、喪失、旅、愛、孤独を歌っている。American Beautyの持つ土臭さと叙情性に惹かれるリスナーにとって、アメリカン・ルーツ音楽の別の重要な展開を知るための作品である。
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