アルバムレビュー：Journal for Plague Lovers by Manic Street Preachers

発売日：2009年5月18日

ジャンル：オルタナティブロック、ポストパンク、アートロック、ハードロック、ブリットロック

概要

Manic Street Preachersの『Journal for Plague Lovers』は、2009年に発表された9作目のスタジオ・アルバムであり、バンドの長いキャリアの中でも特別な意味を持つ作品である。本作最大の特徴は、1995年に失踪したRichey Edwardsが残した歌詞を全面的に用いて制作された点にある。Richeyは、Manic Street Preachers初期の思想的・視覚的・文学的なイメージを決定づけた存在であり、特に1994年の『The Holy Bible』では、身体、政治、歴史、自己破壊、ファシズム、摂食障害、消費社会への嫌悪を極限まで鋭い言葉で表現した。その後の失踪によって、彼の存在はバンドの歴史に深い空白を残した。

『Journal for Plague Lovers』は、その空白に直接向き合ったアルバムである。ただし本作は、単なる追悼作ではない。Richeyの未発表歌詞を使っているため、必然的に『The Holy Bible』との強い関連を持つが、音楽的にはその単純な続編ではない。むしろ、2009年時点のManic Street Preachersが、過去から届いた言葉を現在のバンド・サウンドへどう変換するかを試みた作品である。Richeyの言葉は1990年代半ばの緊張と痛みを宿しているが、それを鳴らすのは、すでに『Everything Must Go』『This Is My Truth Tell Me Yours』『Send Away the Tigers』などを経て、成熟した三人のバンドである。この時間のずれが、本作の大きな緊張を生んでいる。

本作は、Manic Street Preachersのカタログの中でも非常に硬質で、ギター・ロックとしての鋭さが強い。前作『Send Away the Tigers』では、彼らは比較的ストレートでアンセミックなロックへ回帰していたが、『Journal for Plague Lovers』では、より神経質で、歪で、言葉の圧力が強い方向へ向かっている。プロデューサーにはSteve Albiniが起用され、音は乾いていて、生々しく、過剰な装飾を避けている。これは非常に重要である。Richeyの歌詞は極めて密度が高く、過剰なアレンジを施せば言葉が埋もれてしまう可能性がある。本作では、ギター、ベース、ドラム、声が比較的直接的に鳴り、言葉の鋭さを支える構造になっている。

歌詞の世界は、Richeyらしく、極めて断片的で、文学的で、しばしば不穏である。病、身体、罪、宗教、歴史、芸術、性的イメージ、政治的暗示、自己嫌悪、知識、ユーモア、死の気配が、短いフレーズの中で交錯する。アルバムタイトルの「Plague Lovers」は、「疫病を愛する者たち」とも訳せる奇妙な言葉である。ここには、汚染された世界への執着、破滅的なものへの魅了、そして病んだ時代を記録する日誌という感覚がある。Richeyの歌詞において、病は単なる医学的状態ではなく、社会、身体、文化、精神が侵されていることの比喩でもある。本作はまさに、その病の記録として響く。

『The Holy Bible』と比較すると、『Journal for Plague Lovers』は同じRicheyの言葉を扱いながらも、聴こえ方が異なる。『The Holy Bible』では、言葉とサウンドが同時代の切迫感の中で一体化し、ほとんど逃げ場のない閉塞感を作っていた。本作では、Richeyの言葉は過去から届いた文書として存在し、バンドはそれを現在の演奏で再解釈している。そのため、痛みは直接的でありながら、どこか考古学的でもある。失われたノートを開き、そこに残された言葉を今の身体で歌う。その行為自体が、本作のコンセプトである。

James Dean Bradfieldの役割は、本作で非常に大きい。Richeyの歌詞は、通常のロック・ソングとしては非常に扱いにくい。文法的にもイメージ的にも飛躍が多く、歌にするには強い作曲力が必要である。Bradfieldは、それらの言葉をメロディへ変換し、時に鋭く、時にポップに、時に痛ましく歌い上げる。彼の声があることで、Richeyの断片的な言葉は、単なる未発表テキストではなく、生きたロック・ソングになる。Nicky WireとSean Mooreもまた、バンドとしての緊張感を保ち、歌詞に過剰に寄りかかるのではなく、演奏によって現在のManic Street Preachersを示している。

日本のリスナーにとって本作は、Manic Street Preachersの歴史をある程度知ったうえで聴くと、特に深く響くアルバムである。『The Holy Bible』の文脈、Richey Edwardsの役割、その後の『Everything Must Go』以降の変化を知ることで、本作の意味はより明確になる。しかし、単体のギター・ロック作品として聴いても、曲は力強く、メロディも鋭い。過去の亡霊と現在のバンドが向き合う作品として、『Journal for Plague Lovers』はManic Street Preachersの中でも極めて重要な一枚である。

全曲レビュー

1. Peeled Apples

「Peeled Apples」は、アルバムの冒頭を飾る楽曲であり、本作が単なる感傷的な回顧ではなく、鋭いロック・アルバムであることを最初に示す。タイトルは「皮を剥かれたリンゴ」を意味し、身体の表面を剥がすような不快なイメージを持つ。Richeyの歌詞にしばしば現れる、身体の加工、純粋さの喪失、無防備な内部の露出を思わせる言葉である。

音楽的には、硬いギターとタイトなリズムが印象的で、アルバムの入り口として非常に強い。Steve Albiniのプロダクションらしく、音は乾いていて、余計な装飾が少ない。バンドは過去を静かに悼むのではなく、いきなり緊張した演奏で聴き手を引き込む。

歌詞では、自己認識、記憶、文化的引用、身体的な不快感が断片的に現れる。Richeyの言葉は、物語を順に説明するのではなく、鋭いイメージを投げつける。そのため、聴き手は意味を一つに固定するより、言葉の切断面を受け取ることになる。

「Peeled Apples」は、本作の宣言のような楽曲である。Manic Street Preachersはここで、Richeyの言葉を神聖な遺物として丁重に飾るのではなく、現在のロック・バンドとして激しく鳴らしている。

2. Jackie Collins Existential Question Time

「Jackie Collins Existential Question Time」は、タイトルからしてRicheyらしい奇妙な組み合わせを持つ楽曲である。大衆小説家Jackie Collinsの名前と、実存的な問いを意味する「Existential Question Time」が結びついている。低俗と高尚、ポップ・カルチャーと哲学、娯楽と存在論が一つのタイトルの中で衝突している。

音楽的には、本作の中でも特にキャッチーで、テンポの良いロック・ナンバーである。ギターは鋭く、メロディは明快で、アルバム序盤に勢いを与える。歌詞のねじれた知性に対して、曲調は比較的ポップで、この対比が非常にManic Street Preachersらしい。

歌詞では、セレブリティ文化、性的イメージ、メディア、人生の虚無が暗示される。Jackie Collins的な大衆的ゴシップの世界と、実存的な空虚が重ねられることで、現代文化の表面性が浮かび上がる。娯楽は人々を楽しませるが、その裏には孤独や虚無がある。

「Jackie Collins Existential Question Time」は、本作の中でもRicheyの言葉遊びとバンドのポップセンスがうまく結びついた曲である。難解なタイトルを持ちながら、楽曲としては非常に即効性がある。

3. Me and Stephen Hawking

「Me and Stephen Hawking」は、科学者Stephen Hawkingの名を用いた楽曲であり、知性、身体、障害、宇宙、自己認識といったテーマを連想させる。Richeyの歌詞における特徴の一つは、歴史的人物や文化的人物の名前を、自分自身の内面の比喩として使う点にある。この曲でも、Hawkingという存在は単なる言及ではなく、身体と知性の関係を問うための装置になっている。

音楽的には、比較的明るく跳ねる感覚がある。歌詞の奇妙さに対して、曲は意外に軽快で、Manic Street Preachersのパワーポップ的な面も感じられる。Bradfieldのヴォーカルは力強く、複雑な言葉をしっかりと歌として成立させている。

歌詞では、知性の拡張と身体の限界、世界を理解しようとする意志と、自分自身の不完全さが交差する。Stephen Hawkingは、宇宙を理論的に把握しようとした人物であると同時に、身体の制限と共に生きた人物でもある。そのイメージは、Richeyの身体へのこだわりや不安と深く響き合う。

「Me and Stephen Hawking」は、知的な引用をポップなロック・ソングへ変換した楽曲である。重いテーマを扱いながら、曲そのものは軽快に進む点が、本作の面白さをよく示している。

4. This Joke Sport Severed

「This Joke Sport Severed」は、本作の中でも特に不穏なタイトルを持つ楽曲である。「冗談」「スポーツ」「切断されたもの」という言葉が並び、娯楽、競争、身体の損傷が混ざった異様な感覚を生む。Richeyの歌詞において、笑いと暴力はしばしば近い場所にある。ここでも、冗談は軽さではなく、切断の痛みと結びついている。

音楽的には、比較的抑制された曲調で、メロディには深い陰影がある。アルバム序盤の鋭いロック・ナンバーから少し沈み込み、言葉の奇妙さと哀しみが前面に出る。Bradfieldの歌唱は繊細で、歌詞の断片性を情緒へ変換している。

歌詞では、関係の破綻、自己の分裂、笑いとして処理される痛みが暗示される。切断されたものは身体かもしれないし、感情かもしれないし、過去とのつながりかもしれない。Richeyの言葉は、ひとつの意味に閉じないまま、聴き手に不快な余韻を残す。

「This Joke Sport Severed」は、本作の中で、痛みを静かに表現する重要曲である。激しいロックではないが、言葉の不穏さとメロディの哀しみが深く結びついている。

5. Journal for Plague Lovers

表題曲「Journal for Plague Lovers」は、アルバム全体のコンセプトを象徴する楽曲である。「疫病を愛する者たちの日誌」というタイトルには、病んだ世界を観察し、記録し、同時にそこから離れられない者たちの感覚がある。Richeyの歌詞世界において、病は単なる苦痛ではなく、社会や文化の真実を暴くものでもある。

音楽的には、力強いギターとメロディが中心で、表題曲にふさわしい存在感を持つ。曲は過度に重くなりすぎず、むしろ鋭く前へ進む。Manic Street Preachersはここで、Richeyの暗い言葉を、単に沈鬱な音楽へ落とし込むのではなく、強いロックとして鳴らしている。

歌詞では、病、愛、記録、汚染、欲望が混ざる。Plague Loversとは、破滅的なものに惹かれる人々、病んだ時代を愛してしまう人々、あるいは病を通じてしか世界を理解できない人々とも読める。ここには、Richey的な自己認識が濃く現れている。

「Journal for Plague Lovers」は、本作の中心的な楽曲である。アルバム全体が、失われた言葉の記録であり、病んだ世界への日誌であることを明確に示している。

6. She Bathed Herself in a Bath of Bleach

「She Bathed Herself in a Bath of Bleach」は、極めて強烈なイメージを持つ楽曲である。漂白剤の風呂で身体を洗うというタイトルは、浄化への欲望、自己否定、身体への攻撃、汚れを消し去りたいという願望を示す。Richeyの歌詞における身体嫌悪と浄化のテーマが、非常に露骨な形で表れている。

音楽的には、短く鋭いロック・ナンバーであり、ギターの硬さとリズムの勢いが印象的である。曲は長々と感情を説明せず、タイトルの強烈なイメージをそのまま音にしているように響く。

歌詞では、清潔さへの強迫、身体の汚れ、自己を消毒したい感覚が示唆される。しかし、漂白剤は清潔にするものであると同時に、身体を傷つける危険な物質でもある。つまり、浄化の欲望は自己破壊と隣り合わせである。この矛盾は、Richeyの言葉の中心にある。

「She Bathed Herself in a Bath of Bleach」は、本作の中でも『The Holy Bible』に近い身体的な不快感を持つ曲である。浄化を求めるほど身体が傷つくという倒錯が、短く鋭く表現されている。

7. Facing Page: Top Left

「Facing Page: Top Left」は、書物やノートのページ配置を思わせるタイトルを持つ楽曲である。Richeyが残したノートや文書をもとに制作された本作において、このタイトルは特に象徴的である。ページの向かい側、左上という具体的な位置の指定は、失われた日誌の断片を見ているような感覚を生む。

音楽的には、比較的穏やかで、アルバム中盤に静かな余白を作る。曲は大きく爆発せず、言葉とメロディを丁寧に置いていく。Bradfieldの歌唱は抑制され、テキストを読み上げるような感覚もある。

歌詞では、断片、記録、視線、配置、記憶の残り方が暗示される。何かがページの特定の場所に残っているということは、非常に物質的な記憶である。言葉は抽象的な思想であると同時に、紙の上に位置を持つものでもある。本作全体がRicheyの残した言葉に基づいているため、この曲はアルバムの制作方法そのものを反映しているようにも聴こえる。

「Facing Page: Top Left」は、派手な曲ではないが、本作の文書性、記録性を示す重要な楽曲である。失われたノートの余白を覗き込むような静かな緊張がある。

8. Marlon J.D.

「Marlon J.D.」は、Marlon BrandoとJohn Dillingerを連想させるタイトルであり、映画、犯罪、男性性、反抗、アイコン化された暴力がテーマとして浮かび上がる。Richeyの歌詞では、文化的アイコンがしばしば自己像や社会批判の素材になる。この曲でも、スター性と犯罪性が一つに結びついている。

音楽的には、本作の中でも特に強いロック・ナンバーである。ギターは鋭く、リズムも前のめりで、Bradfieldのヴォーカルも力強い。アルバム中盤に再び攻撃性をもたらす重要な曲である。

歌詞では、反英雄、暴力、魅力、名声、自己破壊が交錯する。Marlon Brandoは映画における反抗的男性像を象徴し、John Dillingerは犯罪者として神話化された存在である。この二つの名前が重なることで、男性性の演技、暴力の美化、社会がアウトローを消費する構造が浮かび上がる。

「Marlon J.D.」は、Manic Street Preachersの文化批評的な鋭さがよく出た楽曲である。ロックの攻撃性と、アイコンへの冷たい視線が強く結びついている。

9. Doors Closing Slowly

「Doors Closing Slowly」は、閉じていく扉というイメージを持つ楽曲であり、機会の喪失、関係の終わり、精神的な閉塞を感じさせる。ゆっくり閉じる扉は、突然の断絶ではなく、避けられない終わりが少しずつ近づいてくる感覚を示す。

音楽的には、静かで不穏な空気を持つ。アルバムの中でもテンションが低く、内省的な曲であり、言葉の余韻が重視されている。Bradfieldの声も抑えられており、曲全体に諦めのような感覚が漂う。

歌詞では、閉じられること、閉じ込められること、終わりが近づくことが示唆される。扉は外へ出るためのものでもあり、内側へ閉じこもるためのものでもある。その扉がゆっくり閉じる時、逃げる時間はまだあるようで、実際にはもう決定が下されている。

「Doors Closing Slowly」は、本作の中で静かな絶望を担う楽曲である。激しい自己破壊ではなく、じわじわと閉じていく世界の感覚が表現されている。

10. All Is Vanity

「All Is Vanity」は、聖書的な響きを持つタイトルであり、「すべては虚無」「すべては空しい」といった意味を持つ。虚栄、無常、人生の空虚さを示す言葉であり、Manic Street Preachersの文学的・宗教的な語彙と深く結びつく。

音楽的には、比較的力強く、アルバム後半に明確なロックの輪郭を与える。ギターは硬く、リズムもタイトで、Bradfieldのヴォーカルは歌詞の冷たい認識を強く押し出す。曲は暗いが、演奏はしっかりと前へ進む。

歌詞では、虚栄、欲望、名声、世界の空しさが描かれる。すべてが虚しいという認識は、単なる悲観ではなく、社会が価値として提示するものへの拒絶でもある。美、成功、知識、信仰、肉体。それらはすべて意味を持つように見えて、最終的には空虚へ向かう。

「All Is Vanity」は、本作の哲学的な側面を代表する楽曲である。Richeyの言葉が持つ宗教的・終末的な響きが、硬いロックサウンドの中で明確に表れている。

11. Pretension/Repulsion

「Pretension/Repulsion」は、「気取り」と「嫌悪」という二つの言葉を並べたタイトルであり、自己演出と自己嫌悪、知性と恥、文化的なポーズと内面的な拒絶がテーマとして浮かび上がる。Manic Street Preachersの初期から続く、知的であることへの誇りと、それが気取りに見えることへの不安がここにある。

音楽的には、やや攻撃的で、言葉の鋭さを支える緊張感がある。ギターは硬く、リズムは切迫し、曲は短くも強い印象を残す。Bradfieldは複雑な語彙を、ロックとして自然に歌い切っている。

歌詞では、自己表現が常に気取りとして受け取られる危険、同時に自分自身への嫌悪が描かれる。Richeyの言葉には、自らの知性や美意識を徹底的に押し出しながら、それを信じ切れない屈折がある。この曲は、その屈折を非常によく示している。

「Pretension/Repulsion」は、本作の中で自己批評的な楽曲である。Manic Street Preachersというバンド自体が常に抱えてきた、思想とポーズ、誠実さと演技の緊張がここに凝縮されている。

12. Virginia State Epileptic Colony

「Virginia State Epileptic Colony」は、アメリカの優生学や施設収容の歴史を連想させるタイトルを持つ、極めて重い楽曲である。てんかん患者や障害者を隔離・管理する施設の名を想起させ、身体、国家、医学、管理、排除の問題が強く浮かび上がる。

音楽的には、比較的メロディアスでありながら、歌詞の背景は非常に暗い。Manic Street Preachersは、重いテーマを必ずしも重苦しい音だけで表現しない。むしろ、メロディを与えることで、歴史の残酷さをより広く聴き手に届ける。

歌詞では、制度によって管理される身体、社会から排除される人々、医学や国家の名のもとに正当化される暴力が示唆される。これは『The Holy Bible』にも通じる身体政治のテーマである。Richeyの関心は、個人の病だけでなく、社会が病や障害をどのように分類し、支配するかに向いていた。

「Virginia State Epileptic Colony」は、本作の中でも歴史的・政治的な重みが強い曲である。優生思想、施設、身体の管理というテーマを、ロックソングの中に鋭く刻んでいる。

13. William’s Last Words

「William’s Last Words」は、アルバム本編の最後を飾る楽曲であり、本作の中でも最も静かで、最も感情的に重い曲である。リード・ヴォーカルをNicky Wireが担当している点も重要で、彼の不安定で素朴な声が、曲に非常に個人的な響きを与えている。

音楽的には、アコースティックで控えめなアレンジが中心である。大きなロックのカタルシスではなく、まるで遺書や別れの手紙を読むような静けさがある。Nickyの歌唱は技術的に完璧ではないが、その不完全さが曲の意味と深く結びついている。

歌詞では、別れ、死、残された者への言葉、穏やかな終わりが感じられる。タイトルの「最後の言葉」は、当然ながらRicheyの不在と重なって聴こえる。だが、曲は過度にドラマ化されていない。むしろ、静かに語りかけるようなトーンが、深い喪失感を生んでいる。

「William’s Last Words」は、『Journal for Plague Lovers』を締めくくるにふさわしい楽曲である。アルバム全体を通じて、Richeyの鋭い言葉がロックとして鳴らされてきたが、最後には、非常に個人的で静かな別れの感覚が残る。これは追悼というより、残された言葉への返答のような曲である。

総評

『Journal for Plague Lovers』は、Manic Street Preachersのキャリアにおいて、過去と現在が最も直接的に交差したアルバムである。Richey Edwardsが残した歌詞を用いたことで、本作は必然的にバンドの記憶、喪失、未完の歴史と向き合う作品になった。しかし、重要なのは、本作が単なる資料集や追悼盤ではないということだ。三人のManic Street Preachersは、過去の言葉を現在のバンド・サウンドへ変換し、ひとつの新しいアルバムとして成立させている。

本作の最大の魅力は、Richeyの言葉の鋭さと、バンドの演奏の現在性がぶつかり合っている点である。歌詞は1990年代半ばの緊張を宿しているが、音楽は2009年のバンドによって鳴らされている。この時間差は、単なる懐古ではなく、むしろ作品に独特の厚みを与えている。過去から届いた言葉を、現在の身体で歌う。その行為自体が、Manic Street Preachersというバンドの歴史を示している。

音楽的には、アルバムは非常に引き締まっている。Steve Albiniのプロダクションは、派手な装飾を避け、バンドの生々しい演奏を前面に出す。ギターは硬く、ドラムは乾いていて、ベースは曲の輪郭をしっかり支える。この音の質感は、Richeyの歌詞の鋭さとよく合っている。『Everything Must Go』や『This Is My Truth Tell Me Yours』のような壮麗なストリングス主体の広がりではなく、もっと直接的で、骨格の見えるロック・サウンドである。

歌詞の面では、本作は非常に密度が高い。身体嫌悪、浄化、虚栄、病、知性、文化的引用、優生学、宗教、死、自己演出。これらが短いフレーズの中に詰め込まれている。Richeyの言葉は、聴き手に分かりやすく寄り添うものではない。むしろ、難解で、断片的で、時に冷たく、時に奇妙なユーモアを含む。しかし、その扱いにくさこそが彼の言葉の本質であり、本作はそれを薄めずに提示している。

『The Holy Bible』との比較は避けられないが、本作はその続編というより、別の時間から見た鏡像である。『The Holy Bible』は、同時代の緊張とRicheyの存在が直接的に反映された、ほとんど危険なほど切迫した作品だった。『Journal for Plague Lovers』は、同じ人物の言葉を扱いながらも、そこには距離がある。その距離は弱さではなく、時間を経たバンドにしか持てない視点である。過去に戻ることはできないが、過去の言葉をもう一度鳴らすことはできる。本作はその試みである。

James Dean Bradfieldの作曲と歌唱は、本作の成立に不可欠である。Richeyの歌詞は、通常の意味で歌いやすいものではない。だがBradfieldは、それをメロディへ変え、曲として成立させる。時に鋭く、時にポップに、時に静かに歌い分けることで、言葉の多面性を音楽として開いている。彼の存在によって、本作は単なる「Richeyの歌詞を使ったアルバム」ではなく、Manic Street Preachersのアルバムになる。

Nicky Wireの役割も重要である。Richeyと共に初期Manicsの思想的世界を作ってきた彼にとって、本作は特別な意味を持つはずである。最後の「William’s Last Words」で彼が歌うことは、技術的な選択以上の意味を持つ。そこには、友人、バンドメイト、残された者としての声がある。完璧な歌唱ではないが、その不完全さが、むしろ本作の感情的な到達点になっている。

本作の弱点を挙げるなら、やはり聴き手を選ぶ点である。歌詞は難解で、テーマは重く、曲も必ずしも大衆的なアンセムばかりではない。『Everything Must Go』のような開放的なメロディを期待すると、硬く感じられるかもしれない。また、Richeyの存在を知らずに聴くと、アルバムの背景にある重みがつかみにくい部分もある。しかし、その難しさは本作の価値を下げるものではない。むしろ、Manic Street Preachersというバンドが持つ文学性、歴史性、自己批評性を理解するうえで重要である。

日本のリスナーにとって本作は、『The Holy Bible』と『Everything Must Go』の両方を聴いた後に触れると、特に深く響く作品である。『The Holy Bible』の言葉の過酷さと、『Everything Must Go』以降のバンドの生存の歴史。その二つを知ることで、『Journal for Plague Lovers』が単なる過去の発掘ではなく、バンドが自分たちの歴史と向き合う行為であることが見えてくる。

総じて『Journal for Plague Lovers』は、Manic Street PreachersがRichey Edwardsの残した言葉を、現在のバンドとして再び鳴らした重要作である。病んだ時代の日誌、身体への嫌悪、知性の過剰、虚栄への拒絶、失われた友人への返答。それらが、乾いたギター・サウンドと鋭いメロディの中で結晶化している。本作は、過去に戻るためのアルバムではなく、過去と共に生き続けるためのアルバムである。

おすすめアルバム

1. Manic Street Preachers – The Holy Bible（1994）

Richey Edwardsの言葉とバンドの鋭いサウンドが最も苛烈に結びついた作品である。『Journal for Plague Lovers』の精神的・歌詞的な前史として不可欠であり、身体、政治、歴史、自己破壊を極限まで掘り下げている。

2. Manic Street Preachers – Everything Must Go（1996）

Richey失踪後、バンドが喪失を抱えながら大きなメロディと開放的なサウンドへ向かった重要作である。『Journal for Plague Lovers』が過去の言葉へ向き合う作品だとすれば、本作はその不在の後にバンドが生き残るための作品である。

3. Manic Street Preachers – Lifeblood（2004）

Manic Street Preachersの中でも冷たく、内省的で、シンセを多用した異色作である。『Journal for Plague Lovers』とは音楽性が異なるが、記憶、喪失、歴史への静かな視線という点で関連性がある。

4. Joy Division – Closer（1980）

ポストパンクの冷たい音像、精神的な閉塞感、死の影が濃く刻まれた作品である。『Journal for Plague Lovers』の硬質な空気や、言葉とサウンドが作る不穏な緊張感を理解するうえで重要な比較対象となる。

5. Nirvana – In Utero（1993）

Steve Albiniの乾いたプロダクション、身体的な不快感、名声への拒絶、自己嫌悪が強く表れた作品である。Manic Street Preachersとは文脈が異なるが、『Journal for Plague Lovers』の生々しい音作りと痛みの表現に通じるものがある。