Item: The Boy Bands Have Won
Author: Tunesight

発売日：2008年3月3日

ジャンル：フォーク、アナーコ・フォーク、インディー・フォーク、政治的フォーク、アカペラ、トラッド・フォーク、オルタナティヴ

概要
全曲レビュー
総評
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関連レビュー

概要

Chumbawambaの『The Boy Bands Have Won』は、2008年に発表されたアルバムであり、バンド後期のアコースティック／フォーク路線を代表する重要作である。正式タイトルは極端に長く、音楽文化の模倣、保存、再利用、変化をめぐる宣言文のような形を取っている。一般的には短く『The Boy Bands Have Won』と呼ばれるが、この長いタイトルそのものが、アルバム全体の思想を示している。つまり、音楽文化を博物館の展示物のように固定するのではなく、受け継ぎ、作り替え、自分たちのものとして歌い直すべきだという姿勢である。

Chumbawambaは、1980年代のアナーコ・パンク／DIYシーンから登場し、反戦、反資本主義、反ファシズム、労働者階級の連帯、メディア批判を一貫して歌ってきたバンドである。1997年の「Tubthumping」の世界的ヒットによって大衆的にも知られるようになったが、その後も彼らは単なるポップ・バンドにはならず、政治性とユーモアを保ちながら独自の活動を続けた。2000年代のChumbawambaは、電気的なポップやダンス・ロックから距離を置き、フォーク、アカペラ、労働歌、民衆歌、パブで歌われるような合唱の形式へ接近していった。

『The Boy Bands Have Won』は、その後期Chumbawambaの美学が最も明確に表れた作品のひとつである。ここには、派手なロック・サウンドや大きなビートはほとんどない。代わりにあるのは、声、アコースティック楽器、短い物語、歴史上の人物、労働者の怒り、社会的弱者への共感、そして英国フォークの伝統を現代的に作り替える批評性である。曲は短いものが多く、アルバム全体は政治的な短編集、あるいは民衆の声を集めた歌集のように進む。

タイトルが示す「ボーイ・バンドが勝った」という表現は、単に商業的なポップ・グループへの皮肉ではない。Chumbawambaが批判しているのは、文化を安全な商品として繰り返すこと、過去の音楽を敬意の名のもとに固定してしまうこと、創造を模倣に置き換える態度である。彼らにとってフォークとは、古い形をそのまま保存するものではなく、現在の政治や生活の中で歌い直されるべきものだった。本作は、まさにその実践である。

歌詞面では、死、労働、失業、反戦、記憶、移民、階級、歴史、抵抗が扱われる。だが、重いテーマであっても、Chumbawambaは説教臭さだけに閉じこもらない。彼らはユーモアを使い、皮肉を使い、短い歌にして、誰でも口ずさめる形へ変える。政治とは演説だけでなく、歌い継がれるメロディ、食卓での会話、パブの合唱、路上の冗談の中にもある。その考え方が、本作全体を貫いている。

全曲レビュー

1. When an Old Man Dies

「When an Old Man Dies」は、アルバム冒頭にふさわしい、記憶と死をめぐる楽曲である。老人が死ぬとき、単に一人の命が終わるのではなく、その人が持っていた物語、労働の記憶、土地の記憶、家族の記憶も失われる。フォーク・ミュージックにおいて、記憶の継承は非常に重要なテーマであり、この曲はその意識を静かに提示する。

音楽的には、簡素なアコースティック・アレンジと声の重なりが中心である。大きな感情の爆発はなく、むしろ淡々とした語りによって、死の重みが浮かび上がる。Chumbawambaはここで、死を美化するのではなく、共同体の中から一つの記憶の柱が消える出来事として捉えている。

歌詞の核心は、個人の人生が社会的な記録でもあるという点にある。権力者や英雄だけが歴史を作るのではない。普通の人々の生活、労働、歌、失敗、冗談もまた歴史である。「When an Old Man Dies」は、本作が民衆の記憶を扱うアルバムであることを最初に示す曲である。

2. Add Me

「Add Me」は、SNS時代の人間関係を皮肉った楽曲である。2008年という時期は、MySpaceやFacebookなどのソーシャル・ネットワークが急速に日常化していた時期であり、「友達になる」「追加する」という行為が、現実の関係性とは別の意味を持ち始めていた。この曲は、その新しい社会的習慣をChumbawambaらしい軽い皮肉で扱っている。

音楽的には、明るく親しみやすいメロディが使われており、テーマの現代性に反して、どこか古いフォーク・ソングのようにも響く。この対比が面白い。最先端のデジタルな孤独を、古い合唱の形式で歌うことで、現代の奇妙さがよりはっきり見えてくる。

歌詞では、誰かを「追加」することが、親密さの代替物になっていく状況が描かれる。友人の数は増えるが、本当の関係は深まっているのか。Chumbawambaは、テクノロジーを単純に拒否するのではなく、人間関係が数字やプロフィールに置き換わることを風刺している。「Add Me」は、本作の中でも現代批評が分かりやすく表れた楽曲である。

3. Words Can Save Us

「Words Can Save Us」は、言葉の力を主題にした楽曲である。Chumbawambaにとって言葉は、政治的スローガンであり、歌であり、冗談であり、歴史を残す手段でもある。この曲では、言葉が人を救う可能性、あるいは少なくとも孤立から引き戻す力を持つことが歌われる。

サウンドは非常に穏やかで、歌詞の内容を邪魔しない。声の重なりは、言葉が一人の口からだけでなく、共同体の中で共有されるものだという感覚を強めている。Chumbawambaの後期作品において、コーラスは単なる音楽的装飾ではなく、政治的な意味を持つ。複数の声が同じ言葉を歌うことは、連帯の表現でもある。

歌詞では、言葉が沈黙を破り、孤独を和らげ、過去を記憶し、権力に抵抗する手段として描かれる。暴力に対して、言葉は弱いように見える。しかし、歴史を変えてきたのもまた、歌われ、語られ、書かれた言葉である。「Words Can Save Us」は、本作の思想的中心のひとつである。

4. Hull or Hell

「Hull or Hell」は、英国の都市Hullと地獄をかけたタイトルが印象的な楽曲である。Chumbawambaは、地名や地域性をしばしば階級や労働の文脈で扱う。この曲でも、特定の場所に生きる人々の生活感、閉塞感、そしてユーモアが混ざっている。

音楽的には、軽快で短く、民謡的な語り口を持つ。深刻な社会批評を重々しく語るのではなく、地元の冗談のように歌うことで、生活に根差した政治性が生まれる。Chumbawambaの政治歌は、抽象的な理論ではなく、実際の町、道、仕事、酒場、人間の声から出発する。

歌詞では、Hullという場所が、愛着と諦め、誇りと自嘲の入り混じったものとして描かれる。地方都市はしばしば中央から軽視されるが、そこには独自の生活と歴史がある。「Hull or Hell」は、場所への皮肉な愛情を通して、英国社会の地域格差や階級感覚をにじませる楽曲である。

5. El Fusilado

「El Fusilado」は、スペイン語で「銃殺された男」を意味し、処刑や政治的暴力を題材にした楽曲である。Chumbawambaは歴史上の抵抗者や犠牲者をしばしば歌ってきたが、この曲もその流れにある。民衆歌の伝統では、処刑された人物は単なる死者ではなく、記憶されることで抵抗の象徴になる。

音楽的には、物語歌としての性格が強く、語りが前面に出る。派手なアレンジではなく、言葉と旋律によって人物の運命を伝える作りになっている。こうした簡素さは、古いバラッドの形式に通じる。

歌詞では、国家や権力による暴力、そしてその暴力に屈しない記憶が描かれる。銃殺は身体を奪うが、歌にされた人物は共同体の中で生き続ける。Chumbawambaは、歴史の敗者や犠牲者を忘れないことを政治的行為として捉えている。「El Fusilado」は、本作の中でも反権力的な記憶の歌として重要である。

6. Unpindownable

「Unpindownable」は、「固定できない」「ピンで留められない」といった意味を持つ造語的なタイトルである。これは、文化や人間を一つの定義に閉じ込めることへの抵抗を示している。本作の長いタイトルが主張する、文化は固定されず変化し続けるべきだという考えと深く結びつく。

音楽的には、軽やかなフォーク調で、言葉の遊びが中心にある。Chumbawambaは、難解な理論を歌詞にするのではなく、耳に残る言葉で思想を伝える。この曲でも、「固定できない」という概念をユーモラスな歌として表現している。

歌詞では、人や文化を分類しようとする態度への批判が感じられる。伝統音楽も、政治運動も、個人のアイデンティティも、固定した瞬間に生命力を失う。変わり続けること、逃げ続けること、名前を与えられてもそこからはみ出すこと。それがこの曲の主題である。「Unpindownable」は、アルバム全体の文化論を短く鮮やかにまとめた楽曲である。

7. I Wish That They’d Sack Me

「I Wish That They’d Sack Me」は、労働と失業を皮肉混じりに扱った楽曲である。タイトルは「いっそ解雇してくれればいいのに」という意味であり、働くことへの疲労、職場への不満、労働者の無力感がユーモラスに表現されている。

音楽的には、歌いやすいメロディと素朴なアレンジが中心で、パブで歌われる労働歌のような雰囲気がある。Chumbawambaは、労働者の怒りを深刻な演説ではなく、笑いを含んだ歌にすることで、より生活に近い形で伝える。

歌詞では、仕事を失うことへの恐れと、仕事から解放されたいという矛盾した感情が描かれる。労働は生活のために必要だが、同時に人を消耗させる。解雇は不安である一方、苦しい職場からの脱出でもある。この皮肉な二重性を、Chumbawambaは非常にうまく歌にしている。「I Wish That They’d Sack Me」は、本作の階級意識が分かりやすく表れた一曲である。

8. Word Bomber

「Word Bomber」は、言葉を爆弾のように扱う人物、あるいは言葉によって権力に攻撃を仕掛ける行為を描いた楽曲である。Chumbawambaにとって、歌と言葉は抵抗の武器であり、この曲はその考えを非常に直接的に示している。

音楽的には、短く鋭いフォーク・ソングとして機能する。大音量のパンク・ギターはないが、言葉のリズムとコーラスによって強い推進力が生まれる。後期Chumbawambaは、電気的な攻撃性を捨てても、政治的な鋭さを失っていない。

歌詞では、言葉が爆発物のように権力の壁を壊すイメージが描かれる。爆弾という言葉には暴力の影もあるが、ここでは物理的破壊ではなく、言説の破壊力が中心である。沈黙を破る言葉、嘘を暴く言葉、歴史を掘り起こす言葉。「Word Bomber」は、歌うことそのものの政治性を示す楽曲である。

9. All Fur Coat and No Knickers

「All Fur Coat and No Knickers」は、英国的な俗語表現を用いた楽曲であり、外見は立派だが中身が伴わない人物や態度を風刺している。タイトルの下品さを含むユーモアは、Chumbawambaらしい民衆的な批評の方法である。

音楽的には、軽妙で、皮肉を効かせた歌い口が特徴である。フォークの伝統には、権力者や気取った人々を笑いものにする歌が多く存在する。この曲もその系譜にある。上品な批評ではなく、庶民的な罵倒と笑いによって偽善を暴く。

歌詞では、見栄、体裁、空虚な権威が批判される。立派な毛皮を着ていても、中身が空っぽなら意味がない。これは個人だけでなく、政治家、メディア、文化産業、商業音楽にも当てはまる。「All Fur Coat and No Knickers」は、Chumbawambaの階級的ユーモアがよく出た風刺歌である。

10. Fine Line

「Fine Line」は、細い境界線を意味するタイトルを持つ楽曲である。正義と暴力、抵抗と破壊、記憶と神話、伝統と模倣。その間にはしばしば細い線しかない。アルバム全体の文化論や政治意識を考えると、この曲は非常に重要な位置を占める。

音楽的には、落ち着いた雰囲気を持ち、歌詞の内容を丁寧に聴かせる。声の重なりが穏やかで、曲には内省的な空気がある。Chumbawambaは騒がしい政治的皮肉だけでなく、このような静かな倫理的問いも扱うことができる。

歌詞では、物事を単純に二分できない現実が描かれる。政治的に正しいと思われる行動も、別の角度から見れば危うさを含むことがある。伝統を守ることと文化を殺すことの違いも、非常に細い線で分かれている。「Fine Line」は、本作の中で最も思索的な楽曲のひとつである。

11. Lord Bateman’s Motorbike

「Lord Bateman’s Motorbike」は、古い英国バラッド「Lord Bateman」を現代的にずらしたようなタイトルを持つ楽曲である。貴族的な古い物語と、現代的で庶民的な乗り物であるモーターバイクを組み合わせることで、伝統の再利用という本作の主題が具体的に示されている。

音楽的には、フォーク・バラッド的な語り口を保ちながら、タイトルの奇妙さによってユーモラスな感覚が加わる。Chumbawambaは古い歌を神聖なものとして扱うのではなく、現代の言葉や道具を混ぜ込むことで生き返らせる。この曲はその方法論の実例である。

歌詞では、古い物語の型が現代的な文脈へ移される。重要なのは、伝統を壊しているのではなく、変化させることで生かしている点である。タイトルだけでも、本作の長い副題が主張する「文化を凍結するな」という思想がよく分かる。「Lord Bateman’s Motorbike」は、フォークの再発明をユーモラスに示す楽曲である。

12. A Fine Career

「A Fine Career」は、立派な経歴や成功を皮肉るようなタイトルを持つ楽曲である。Chumbawambaは、キャリア、名声、制度的評価に対して常に距離を取ってきたバンドであり、この曲でも成功の意味が問い直される。

音楽的には、明るく軽い調子があり、歌詞の皮肉をより際立たせる。成功やキャリアを重々しく語るのではなく、どこか冷めた視線で眺めるところにChumbawambaらしさがある。

歌詞では、世間的に立派とされる人生や職業的成功が、必ずしも人間的な充実を意味しないことが示される。履歴書に書ける成果、肩書、名誉。それらは本当に価値あるものなのか。「A Fine Career」は、資本主義社会における成功の物語を軽やかに疑う楽曲である。

13. To a Little Radio

「To a Little Radio」は、小さなラジオに向けた歌であり、メディア、声、情報、孤独な部屋で聴く音楽の力を扱っている。Chumbawambaにとってラジオは、商業メディアであると同時に、遠くの声を届ける民衆的な装置でもある。

音楽的には、静かで親密な雰囲気を持つ。大きなステージではなく、小さな部屋で鳴る音楽を思わせる。声が小さな機械を通して届くという感覚が、曲の温度を決めている。

歌詞では、ラジオが孤独な人に声を届け、世界とつながる手段になることが描かれる。インターネット時代に入っても、小さなラジオのような素朴な通信手段には特別な温かさがある。「To a Little Radio」は、音楽や言葉がメディアを通して人に届くことの意味を静かに歌った楽曲である。

14. Bury Me Deep

「Bury Me Deep」は、埋葬と記憶を扱う楽曲である。深く埋めてくれという言葉には、死後の安息、忘却への願い、あるいは逆に忘れられたくないという矛盾した感情が含まれる。

音楽的には、フォーク・バラッドの伝統に近い暗い叙情を持つ。Chumbawambaは、死を扱う曲でも過剰な感傷に流れず、簡潔な言葉と声で情景を作る。この抑制が曲の重みを生んでいる。

歌詞では、死者をどう記憶するかが問われる。深く埋めることは、忘れることなのか、守ることなのか。民衆歌の伝統では、死者は歌われることで地上に戻ってくる。「Bury Me Deep」は、その死と歌の関係を感じさせる楽曲である。

15. You Watched Me Dance

「You Watched Me Dance」は、誰かに見られながら踊るという親密で少し脆い場面を描いた楽曲である。本作の中では、政治的な題材から少し離れ、個人的な記憶や身体の感覚に近づく曲である。

音楽的には、柔らかなメロディと控えめな演奏が印象的である。踊りを題材にしているが、大きなダンス・ビートではなく、むしろ私的な時間の中での小さな動きとして描かれている。

歌詞では、見られること、踊ること、記憶されることが重なる。踊りは自由の表現であり、同時に誰かの視線にさらされる行為でもある。「You Watched Me Dance」は、Chumbawambaの後期作品にある人間的な優しさを示す楽曲である。

16. Compliments of Your Waitress

「Compliments of Your Waitress」は、ウェイトレスという労働者の存在を通して、サービス業、階級、日常の見えにくい労働を扱う楽曲である。Chumbawambaは、政治を大きな制度だけでなく、日々の労働の中にも見出す。

音楽的には、軽い語り口で進むが、歌詞には鋭い観察がある。食事の場で客が当然のように受け取るサービスの背後には、働く人の疲労や感情がある。その見えない部分を歌にすることが、この曲の意義である。

歌詞では、ウェイトレスの視点や、彼女を取り巻く社会的な関係が描かれる。感謝の言葉やチップの裏にある階級関係、客と労働者の距離。こうした日常の政治性が、さりげなく浮かび上がる。「Compliments of Your Waitress」は、本作の労働者への視線を象徴する曲である。

17. R.I.P. RP

「R.I.P. RP」は、追悼を思わせるタイトルを持つ短い楽曲である。具体的な対象を明確にしすぎないことで、曲は個別の死と広い記憶の両方へ開かれている。Chumbawambaのアルバムでは、こうした小さな追悼歌が重要な役割を果たす。

音楽的には、簡潔で、余計な装飾を排した構成である。短い曲だからこそ、言葉の重みが残る。死者を長々と説明するのではなく、名前や略号だけで記憶の扉を開く。

歌詞では、失われた人物への敬意と、記憶の継続が感じられる。Chumbawambaにとって、死者を歌うことは過去に閉じ込めることではなく、現在の運動や生活に結びつけることでもある。「R.I.P. RP」は、小品ながらアルバムの記憶の主題を支える楽曲である。

18. Charlie

「Charlie」は、人物名をタイトルにした楽曲であり、個人の物語を通じて社会的なテーマを浮かび上がらせるChumbawambaらしい一曲である。大文字の政治ではなく、名前を持つ誰かの人生に焦点を当てることで、社会の構造が具体的に見えてくる。

音楽的には、素朴なフォーク・ソングとして進む。歌は大げさではなく、語り聞かせるような調子を持つ。これは、歴史の教科書に載らない人物の話を伝えるための形式として効果的である。

歌詞では、Charlieという人物の人生や立場が断片的に描かれる。彼が英雄なのか、失敗者なのか、労働者なのか、被害者なのかは一つに固定されない。重要なのは、名前を持つ普通の人間の物語が、社会の記録として歌われることである。「Charlie」は、本作の民衆史的な視点を示す楽曲である。

19. The Ogre

「The Ogre」は、怪物を意味するタイトルを持つ楽曲である。おとぎ話の怪物のようなイメージを用いながら、Chumbawambaは権力者、加害者、社会的な恐怖を風刺しているように聞こえる。フォークの伝統では、怪物や悪役はしばしば現実の権力の比喩として機能する。

音楽的には、童話的な雰囲気と皮肉が混ざっている。怖い話のようでありながら、どこか滑稽でもある。この滑稽さが、権力を神秘化せず、笑いものにするChumbawambaの姿勢と合っている。

歌詞では、怪物が人々を脅かす存在として描かれるが、その怪物は外部の空想だけではなく、現実社会の中にもいる。強欲、暴力、支配欲、差別。そうしたものが怪物の姿を取る。「The Ogre」は、寓話を通じて政治的な恐怖を描く楽曲である。

20. Refugee

「Refugee」は、難民を主題にした楽曲であり、本作の中でも特に現代的で切実な社会問題に向き合っている。Chumbawambaは、国境、戦争、移動、排除に対して一貫して批判的な視点を持ってきた。この曲では、難民を抽象的な問題ではなく、人間の経験として描こうとしている。

音楽的には、抑制されたアレンジによって、歌詞の重みが前面に出る。大きな同情の演出ではなく、静かに語ることで、聴き手に考える余地を残している。

歌詞では、故郷を離れざるを得なかった人々の不安、移動、拒絶、見知らぬ土地での孤独が感じられる。難民はニュースの数字ではなく、家族、記憶、名前、声を持つ人間である。「Refugee」は、Chumbawambaの国際主義的な視点と人道的な感覚が強く表れた楽曲である。

21. Same Old Same Old

「Same Old Same Old」は、「いつもの同じこと」という意味を持つタイトルであり、社会の変わらなさ、政治の空回り、日常の反復を皮肉る楽曲である。Chumbawambaにとって、歴史は進歩だけではなく、同じ不正が形を変えて繰り返される場所でもある。

音楽的には、反復的で覚えやすいメロディが使われている。曲の構造自体が、同じことの繰り返しを表しているように聞こえる。軽い調子でありながら、その裏には諦めと怒りがある。

歌詞では、政治家の言葉、職場の不満、メディアの嘘、社会の不公平がまた繰り返される感覚が描かれる。しかし、Chumbawambaは完全な絶望には向かわない。同じことが続くなら、それに対してまた歌い、また笑い、また抵抗する。「Same Old Same Old」は、反復する不正への皮肉な応答である。

22. Waiting for the Bus

「Waiting for the Bus」は、バスを待つという日常的な場面を描いた楽曲である。交通機関を待つ時間は、労働者の日常、退屈、遅れ、公共性、そして社会のインフラを象徴する。Chumbawambaは、こうした小さな場面から社会の姿を見つける。

音楽的には、素朴で親しみやすい。バスを待つ人々がその場で口ずさめるような軽さがある。大きな政治的事件ではなく、日常の中の小さな時間を歌うことで、アルバムに生活感が加わる。

歌詞では、待つことの感覚が中心になる。待つ時間は無駄に見えるが、そこには人々の会話、苛立ち、観察、階級的な現実がある。車を持たない人々、公共交通に依存する人々の生活も見えてくる。「Waiting for the Bus」は、本作の生活密着型の政治性をよく示す楽曲である。

23. What We Want

「What We Want」は、「私たちが望むもの」を主題にした楽曲であり、アルバム終盤に共同体的な意思を提示する。Chumbawambaの政治性は、単なる反対だけではなく、別の社会を望むことにもある。この曲は、その願望をシンプルに歌う。

音楽的には、合唱向きの構成で、複数の声が重なることで集団的な力が生まれる。Chumbawambaにとって「私たち」という言葉は非常に重要である。それはバンドだけでなく、労働者、移民、失業者、歌う人々、忘れられた人々を含む。

歌詞では、より公正で、より自由で、より人間的な生活への願いが描かれる。抽象的な革命ではなく、具体的な生活の改善、尊厳、声を持つことが求められる。「What We Want」は、アルバムの政治的願望を率直に表す楽曲である。

24. After Shelley

「After Shelley」は、英国ロマン派詩人Percy Bysshe Shelleyへの参照を含む楽曲である。Shelleyは政治的急進性、自由、詩の力を象徴する存在でもあり、Chumbawambaが彼を取り上げることは自然である。タイトルの「After」は、Shelleyの後に、あるいはShelleyにならってという意味を持つ。

音楽的には、詩的で静かな余韻を持つ。アルバム終盤に置かれることで、民衆歌、政治歌、詩の伝統が一つにつながる。Chumbawambaは、フォークだけでなく文学的な急進主義も自分たちの文化的資源として扱っている。

歌詞では、詩と言葉が権力に対抗する力を持つという考えが浮かび上がる。Shelleyの詩は過去のものだが、その精神は現代に作り替えられるべきものとして歌われる。「After Shelley」は、本作の文化継承と再創造の主題を文学的に締めくくる楽曲である。

総評

『The Boy Bands Have Won』は、Chumbawamba後期の代表作であり、彼らがパンク・バンドから政治的フォーク集団へと変化したことを示す重要なアルバムである。初期の攻撃的なアナーコ・パンクや、1990年代のポップ／ダンス的な表現とは異なり、本作ではアコースティックな響き、合唱、短い物語歌が中心になっている。しかし、音が穏やかになったからといって、政治性が弱まったわけではない。むしろ、言葉と声の力がよりはっきりと前面に出ている。

本作の最大のテーマは、文化を変化させながら受け継ぐことである。長いアルバム・タイトルは、模倣や保存主義への批判であり、フォーク・ミュージックを生きた文化として扱う宣言でもある。Chumbawambaは、古い歌、古い物語、地域の言葉、労働歌、政治詩を、そのまま展示するのではなく、現代の労働、SNS、難民、失業、メディア、階級問題へ接続している。

音楽的には、非常に簡素である。だが、その簡素さは貧弱さではない。むしろ、誰でも歌えること、誰でも持ち運べること、共同体の中で再利用できることを重視した音楽である。これは、商業的ポップの大規模なプロダクションとは正反対の価値観である。タイトルにある「ボーイ・バンドが勝った」という皮肉に対して、Chumbawambaは、豪華な商品ではなく、歌い継がれる小さな歌で対抗している。

歌詞面では、死者の記憶、労働者の愚痴、難民の移動、言葉の力、地域への皮肉な愛着、文化の再発明が扱われる。大きな革命の物語だけではなく、バスを待つ時間、ウェイトレスの仕事、SNSの友達申請、老人の死といった小さな出来事に政治を見出している点が重要である。Chumbawambaにとって政治とは、議会や戦場だけにあるのではない。生活そのものの中にある。

日本のリスナーにとって本作は、「Tubthumping」のイメージだけでChumbawambaを知っている場合、かなり意外に響く作品である。ここには派手なアンセムは少ないが、バンドの本質である反権力、DIY、ユーモア、連帯、文化批評が非常に濃く刻まれている。Billy Bragg、The Mekons、The Watersons、English Rebel Songs、アナーコ・パンク以後のフォークに関心があるリスナーにとって、非常に重要な作品である。

『The Boy Bands Have Won』は、静かなアルバムでありながら、非常に反抗的なアルバムである。文化を凍らせるな。過去を崇拝するだけではなく、自分たちの手で作り替えろ。歌は博物館ではなく、生活の中で歌われるべきものだ。Chumbawambaはその思想を、短い歌と複数の声で実践している。本作は、フォークを過去の遺物ではなく、現在の抵抗と記憶の道具として鳴らした、後期Chumbawambaの傑作である。

アルバムレビュー：The Boy Bands Have Won by Chumbawamba

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