発売日：2019年10月18日
ジャンル：Math Rock / Experimental Rock / Electronic / Art Rock
概要
Juice B Cryptsは、Battlesが2019年に発表した4作目のスタジオ・アルバムである。前作La Di Da Di発表後にベーシスト／ギタリストのDave Konopkaが脱退し、Ian WilliamsとJohn Stanierのデュオ体制となって初めて制作された作品であり、バンドの編成変化がそのまま音楽の構造変化へ結びついている。初期Battlesはギター、ベース、ドラム、ループを精密に噛み合わせるインストゥルメンタル主体のマスロックとして知られたが、本作では二人だけで空間を埋めるのではなく、多数のゲスト・ヴォーカルや外部演奏者を取り込み、音楽をより断片的で多声的なものへ変えている。
Ian Williamsのギターと鍵盤は、通常のコード伴奏より短いフレーズの反復やデジタル処理によって機能し、John Stanierのドラムは相変わらず人間離れした正確さと肉体的な強度を両立する。ただし、本作ではその両者が中心に居座るというより、ゲストの声や電子音が次々に横切る「交通整理された混沌」として全体が設計されている。Sal Principato、Xenia Rubinos、Shabazz Palaces、Tune-YardsのMerrill Garbusらの参加によって、ノーウェイヴ、ヒップホップ、アートポップ、ファンク、実験音楽の要素までが入り込む。
タイトルのJuice B Crypts自体にも意味の断片化を思わせる語感があり、楽曲も明確な物語より音声、リズム、サンプル、反復を組み替えることで進む。Battlesが得意としてきた「機械のように正確なバンド演奏」はそのまま残りながら、本作では人間の声が予測不能な異物として加わる。マスロックの構築性とダンス・ミュージックの反復、さらにコラージュ的なヴォーカル処理を接続した、キャリア中でも特に雑食的な一枚である。
全曲レビュー
1. Ambulance
冒頭からBattlesらしい不規則な反復と、Stanierの鋭いドラムが噛み合う。タイトルから想起される緊急性は、サイレンの模倣ではなく、短いフレーズが絶えず追い立てられるリズムによって表現される。
Williamsのギターは旋律を歌うというより、音を切断して配置する装置のように機能する。反復は同じ場所へ戻っているようで少しずつズレ、聴き手の身体感覚を微妙に撹乱する。デュオ体制になっても音の密度が減っていないことを示すオープニングであり、本作の「人力とデジタル処理の境界」を早くも提示する。
2. A Loop So Nice…
タイトル通りループそのものを主役にした短い楽曲で、Battlesの作曲法を半ば自己言及的に示している。フレーズが繰り返されるたびに、音色や配置がわずかに変化し、単純な反復が徐々に別の形へ移る。
バンドにとってループは装飾ではなく、演奏の時間を再構成する基本単位である。この曲ではその仕組みがむき出しになり、メロディや歌詞より「同じものがどう変わって聞こえるか」が焦点となる。続く「They Played It Twice」と対をなすような題名も、反復をコンセプトそのものへ押し上げている。
3. They Played It Twice
前曲のアイデアを受け継ぎつつ、より具体的に「繰り返すこと」を音楽化する。Battlesは反復を安定のために使うのではなく、リズムの重心をずらすことで不安定さを生み出すが、この曲でも同じフレーズが再登場するたびに違う場所へ着地したように感じられる。
Stanierのドラムは複雑な構造を説明するのではなく、圧倒的な物理感でそれを成立させる。緻密な音楽でありながら頭で数えなくても身体に入ってくる点がBattlesの強みであり、短いながら本作のマスロック的な核を明確に見せる。
4. Sugar Foot
本作の中でも特にゲスト・ヴォーカルの存在感が強い曲で、Jon AndersonとPrairie WWWWが参加している。高く伸びる声と奇妙な発声が、Battlesの硬質なリズムの上で一種の異物として機能する。
音楽はファンク的な跳ねを持ちながら、通常のグルーヴへ素直には収束しない。ヴォーカルが旋律を安定させるどころか、リズムの上を浮遊し、音楽の輪郭をさらに曖昧にする。Battlesが「歌を入れる」ことでポップへ近づくのではなく、声そのものを別の楽器として扱っていることがよく分かる一曲である。
5. Fort Greene Park
タイトルはブルックリンのフォート・グリーン・パークを指し、都市の具体的な地名が付けられている。だが音楽は風景描写的というより、反復するギターとドラムによって都市の運動感や人の流れを抽象化したような構造を持つ。
Williamsのフレーズは比較的明るく、アルバムの中では開放感がある。細かく分割されたリズムの上に複数の音型が重なり、ひとつの場所に多様な動きが共存する感覚を作る。Battlesの音楽が無機質に見えて、実は都市生活の複雑なリズムと相性が良いことを感じさせる曲である。
6. Titanium 2 Step
Sal Principatoをフィーチャーした本作屈指の躍動的なトラック。PrincipatoのヴォーカルはThe Liquid Liquidを思わせるニューウェイヴ／ノーウェイヴ的な反復感を持ち、Battlesの精密な演奏へより直接的なダンス性を持ち込む。
ドラムは強烈に前へ進むが、ギターとシンセは拍を単純に補強せず、細かなアクセントをずらしていく。ファンクの身体性とマスロックの幾何学性が最も自然に融合した曲の一つで、複雑さが難解さではなく推進力へ転換されている。ヴォーカルも意味を伝えるため以上に、リズムを追加するパーカッションとして働く。
7. Hiro 3
短く切り込むような構成で、アルバム中盤の流れを再び抽象的な方向へ戻す。メロディは断片化され、音が現れては消えるため、長い展開より瞬間的な反応の連鎖として聞こえる。
Stanierのドラムは複雑な拍子を誇示するより、変則的なフレーズへ一貫した身体性を与える。Battlesの楽曲では、プログラミングされた音と生演奏の境界がしばしば不明瞭になるが、この曲はその曖昧さを特に強く感じさせる。短いながら、デュオの編集感覚が凝縮されている。
8. Izm
Shabazz Palacesを迎え、ヒップホップとBattlesのリズム設計が交差する曲。低く落ち着いたラップは、WilliamsとStanierの細かく動く演奏に対して重心を下げる役割を果たし、アルバム中でも独特の空間を作る。
Battlesのビートは通常のヒップホップのように一定の反復へ固定されず、フレーズの長さやアクセントが絶えず変化する。その上でラップが一定の流れを保つことで、二つの異なる時間感覚が同時に存在する。ジャンル融合というより、それぞれの語法を無理に馴染ませず衝突させることで成立している点が本作らしい。
9. Juice B Crypts
タイトル曲は、アルバム全体のコラージュ性を最も濃縮したような一曲。細かく刻まれたギター、電子音、声の断片、ドラムが複数の層を作り、どれか一つを主役に固定しない。
フレーズはキャッチーだが、そのキャッチーさは通常のサビではなく、短い音型が記憶に残ることで生まれる。Battlesはここで、ポップ・ソングの「覚えやすさ」をメロディではなくリズムと音色へ置き換えている。タイトルの意味不明瞭な語感と同様、音楽も意味を解読するより、断片同士の接続そのものを楽しむ設計になっている。
10. Last Supper on Shasta Pt. 1
Merrill Garbusをフィーチャーした終盤の長尺展開の前半。Garbusの声は力強く、Battlesの細密な演奏に対して非常に人間的な不規則さを持ち込む。音程だけでなく、息、発声、アクセントそのものがアレンジの一部となっている。
タイトルには宗教画的な「最後の晩餐」と、カリフォルニアのシャスタ山を思わせる地名が組み合わされ、荘厳さと奇妙な日常感が同居する。音楽も同様に、ドラマティックな上昇感を作りながら、ところどころで意図的にバランスを崩す。終盤へ向けてアルバムの多声性が大きく広がる。
11. Last Supper on Shasta Pt. 2
前曲を引き継ぎながら、より解放的で広がりのある形へ展開する。複雑なリズムとヴォーカルの断片が積み重なり、アルバム全体で試されてきたループ、反復、声の処理が一つの流れへ統合されていく。
明確な「解決」を提示する終曲ではないが、ここまでの細かな切断感に比べると、音楽が大きな弧を描くように聞こえる。Battlesの緻密さは最後まで維持されながら、単なる数学的な構築ではなく、祝祭的な高揚へ向かう。デュオ体制の不在感を埋めるのではなく、多数の外部の声を取り込むことで新しい共同体を作る、という本作の方法論を象徴する締めくくりである。
総評
Juice B Cryptsは、Battlesが「メンバーが減ったバンド」から「二人を中心に外部の声を接続するシステム」へ変化したアルバムである。Dave Konopka脱退後、通常ならギターやベースの不足を補う方向へ進みそうなところを、Ian WilliamsとJohn Stanierは逆に空間を開き、その中へヴォーカル、電子音、ノーウェイヴ、ヒップホップ、アートポップといった異物を次々に流し込んだ。結果として、過去作以上に人間の声が多いにもかかわらず、典型的な「歌もの」にはならない。
作曲の基本には、Battlesが初期から追究してきた反復がある。ただし本作のループはミニマル・ミュージックのように静かに変化するのではなく、互いに衝突し、ズレ、別の拍感を生む。ギターはリフというより短い記号、ドラムは伴奏というより構造そのものとして機能するため、ひとつの曲の中に複数の時間軸が存在するように感じられる。特にStanierの演奏は、人力であることの重さを保持しながら、機械と区別できないほど精密である。
その一方で、本作は過去のBattles作品ほどミニマルではない。Mirroredのように限られた音型から巨大な構築物を作るのではなく、多数のアイデアを短時間で切り替えるため、聴感上はより雑多で落ち着きがない。ゲストの声も統一感を与えるより、曲ごとの人格を変える方向に働く。この断片性は弱点にもなり得るが、デュオ化したバンドが同じことを繰り返さず、新しい構造を探した結果でもある。
歌詞については、通常のロック・アルバムのような統一テーマを読み取るのは難しい。ここでの声は物語を語る主体というより、音響素材として扱われる場合が多く、言葉の意味より発音、リズム、反復が重視される。したがって本作の「人間らしさ」は告白的な歌詞ではなく、デジタルな構造の中へ予測不能な声が入り込む瞬間に現れる。
2010年代後半には、ロックと電子音楽、ヒップホップ、実験音楽の境界はすでに大きく崩れていた。その中でBattlesは、マスロックという出自を守りながらジャンル横断を行うのではなく、「そもそもバンドとはどこまで固定された編成である必要があるのか」という問いへ進んだ。Juice B Cryptsは、その答えをデュオ＋ゲストという形式で提示した作品である。
整然とした構築美だけを求めれば、初期作より散漫に感じられる部分はある。しかし、ポリリズム、ループ、電子処理、声の断片を同時進行させながら、最終的に身体的なグルーヴへ着地させる技術は依然として独自性が高い。Juice B CryptsはBattlesのキャリアにおける縮小ではなく、編成の減少をきっかけに音楽の入口を増やした作品であり、彼らが単なるマスロック・バンドではなく、反復と編集を核にした実験的ポップ・ユニットであることを改めて示した一枚である。
おすすめアルバム
Mirrored by Battles
2007年発表のデビュー・アルバム。Tyondai Braxton在籍時の声の加工、ギター・ループ、ポリリズムが高密度に組み合わされ、Battlesの基本語法を確立した。Juice B Cryptsで再び声が重要になった意味を比較するうえで最適な作品。
Gloss Drop by Battles
2011年発表の2作目。Braxton脱退後にゲスト・ヴォーカルを導入し、バンドのインストゥルメンタル構造へ外部の声を組み込んだ。Juice B Cryptsのコラボレーション志向に直接つながる先例である。
La Di Da Di by Battles
2015年発表の前作。ほぼ全面的にインストゥルメンタルへ回帰し、ギター、ベース、ドラム、ループの構造美を極端に突き詰めた。ヴォーカルを大量に導入したJuice B Cryptsとの対照によって、バンドの変化が最も分かりやすい。
Remain in Light by Talking Heads
1980年発表。アフリカ音楽由来のポリリズム、反復、ファンク、スタジオ編集を組み合わせ、ロック・バンドを固定的な編成から解放した作品。Battlesがループと人力演奏を接続する方法には、この系譜と共通する発想が見られる。
Biophilia by Björk
2011年発表。電子音、変則的な拍子、人声、特殊な音響設計を用いながら、実験性をポップの形式へ接続した作品。Juice B Cryptsと直接同じサウンドではないが、リズムと音色の設計を楽曲の中心に置き、声を構造の一部として扱う点で近い感覚を持つ。
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