Panda Bear: ドリーミーなサウンドスケープを紡ぐアニマルコレクティヴの奇才

イントロダクション：夢の中で鳴るポップミュージック

Panda Bear（パンダ・ベア）は、アメリカの実験的ポップグループAnimal Collective（アニマル・コレクティヴ）のメンバーとして知られる音楽家、Noah Lennox（ノア・レノックス）のソロ名義である。彼の音楽は、サイケデリック・ポップ、エレクトロニカ、アンビエント、ドローン、ビーチ・ボーイズ的なコーラスワーク、サンプルベースのループ音楽を独自に融合させた、非常に幻想的な世界を持っている。

Panda Bearの音楽を聴くと、現実の輪郭が少しずつ溶けていく。波のように反復するビート、霧の中から浮かび上がる声、遠くの記憶のようなメロディ、教会音楽にも子守歌にも聞こえるハーモニー。そこには、ポップミュージックの親しみやすさがありながら、同時に夢の中を歩いているような不確かさがある。

彼の代表作Person Pitchは、2000年代のインディー音楽における重要作として語られることが多い。サンプルを反復しながら、陽光のようなメロディと多重コーラスを重ね、エレクトロニックでありながら人間的、実験的でありながら驚くほど温かい音楽を作り上げた。この作品以降、Panda Bearは単なるAnimal Collectiveの一員ではなく、現代サイケデリック・ポップを代表するソロアーティストとして認識されるようになった。

Panda Bearの魅力は、難解な実験音楽を、どこか懐かしく、柔らかく、感情的なものへ変えてしまう点にある。彼の音楽は、ノイズやループ、電子音を使いながらも、最終的には人の声とメロディの力へ戻ってくる。まるで、崩れかけたデジタルの雲の向こうに、昔から知っている歌が聞こえてくるようである。

アーティストの背景と歴史：Noah Lennoxという音の旅人

Panda BearことNoah Lennoxは、アメリカ・メリーランド州出身のミュージシャンである。幼少期から音楽に親しみ、合唱やドラム、録音への関心を持っていた。彼の音楽において、声とリズムが非常に重要であることは、この背景とも関係している。

彼は高校時代から、後にAnimal Collectiveを結成する仲間たちと音楽活動を始めた。Animal Collectiveは、Avey Tare、Geologist、Deakin、そしてPanda Bearらによって形作られた、2000年代以降の実験的インディーミュージックを象徴するグループである。フォーク、ノイズ、電子音楽、サイケデリア、即興、ポップを混ぜ合わせ、アルバムごとにまったく異なる音楽世界を作ってきた。

Panda BearはAnimal Collectiveの中でも、特に声の美しさと反復するリズム感覚で強い個性を示した。彼のボーカルは、ブライアン・ウィルソンやThe Beach Boysを連想させる透明なハーモニーを持ちながら、同時に現代的な電子音響の中に溶け込む不思議な質感を持っている。

ソロとしてのPanda Bearは、Animal Collectiveの混沌とした集団性とは少し異なり、より個人的で、瞑想的で、内向的な音楽を展開していく。初期にはローファイで素朴な作品もあったが、やがてサンプラー、ループ、電子音、コーラスを用いた独自のサウンドを確立した。

また、彼がポルトガル・リスボンに移住したことも、音楽に大きな影響を与えている。海、光、古い街並み、異国での生活、家族との時間。そうした環境が、Person Pitch以降のPanda Bearの音楽に、どこか温かく、海風を感じさせる空気を与えている。

音楽スタイルと特徴：サンプル、声、反復、そして光

Panda Bearの音楽を特徴づける要素はいくつかある。まず重要なのは、反復である。彼の楽曲では、短いサンプルやコード、リズムパターンが何度も繰り返される。その反復は単調ではなく、少しずつ表情を変えながら、聴き手を催眠的な状態へ導く。

この反復感は、テクノやハウス、ミニマルミュージックにも通じる。しかしPanda Bearの場合、そこに非常にポップなメロディと声が乗るため、冷たい機械音楽にはならない。むしろ、子どもの頃に何度も聴いた記憶の中の歌のように、懐かしく響く。

次に重要なのは、声の多重録音である。Panda Bearのボーカルは、しばしば何層にも重ねられ、教会の聖歌隊のようにも、ビーチ・ボーイズ的なサーフポップのコーラスのようにも響く。彼の声は、歌詞の意味を伝えるだけではなく、音の質感として空間を満たす。

また、サンプルの使い方も独特である。彼は過去の音源や音の断片を、単なる引用としてではなく、記憶の素材として扱う。古いレコードの一部、曖昧なリズム、どこかで聴いたような音が、ループされることで新しい風景を作る。Panda Bearの音楽では、サンプルは過去の記録であると同時に、現在の夢の材料でもある。

サウンド全体には、しばしば海や光のイメージがある。音は波のように寄せては返し、メロディは水面に反射する太陽のように揺れる。だが、その明るさの奥には、喪失や不安、孤独も漂う。Panda Bearの音楽は、ただ幸福な夢ではない。夢から覚めることを知っている人の音楽である。

代表曲の解説：幻想的なポップの断片たち

Bros

Brosは、Panda Bearの代表曲の中でも特に重要な楽曲である。長尺でありながら、軽やかなギターサンプルと反復するビート、多層的なボーカルによって、聴き手を少しずつ夢の中へ連れていく。

この曲には、友情、距離、変化、個人として生きることへの感覚がにじんでいる。タイトルは親しげだが、曲全体にはどこか淡い寂しさがある。親密な関係であっても、人はそれぞれ別の時間を生きている。その感覚が、反復する音の波の中から浮かび上がる。

Brosのすごさは、構成が長いにもかかわらず、聴いているうちに時間感覚が曖昧になるところにある。曲は進んでいるようで、同じ場所を回り続けているようでもある。まるで海岸沿いを歩きながら、同じ波を何度も見ているような音楽だ。

Comfy in Nautica

Comfy in Nauticaは、Panda Bearの音楽が持つ祝祭的でスピリチュアルな魅力を象徴する楽曲である。手拍子のようなリズム、広がるコーラス、力強くも柔らかなメロディが、聴き手に高揚感を与える。

この曲には、自己肯定や前進する力がある。だが、それは派手なロックアンセムのような力強さではない。もっと内側から湧き上がるような、静かな勇気である。Panda Bearの声は、誰かを鼓舞するというより、自分自身に向けて祈るように響く。

Comfy in Nauticaというタイトルも印象的だ。海や航海を思わせる言葉があり、安心感と移動感が同時にある。心地よさの中で旅をする。Panda Bearの音楽性をよく表すタイトルである。

Take Pills

Take Pillsは、Panda Bearの中でも特に個人的なテーマを持つ楽曲である。タイトルからは薬や治療、精神状態への意識が読み取れるが、曲調は柔らかく、どこか開放的でもある。

この曲は、前半の穏やかなパートから、後半の明るく跳ねる展開へ移っていく。その変化が、閉じた場所から外へ出るような感覚を生む。鬱屈した状態、日常の重さ、心身の不安を抱えながらも、音楽が少しずつ空気を入れ替えていく。

Panda Bearの楽曲では、明るさと不安がしばしば同時に存在する。Take Pillsもその代表である。軽やかなサウンドの奥に、切実な生活感がある。だからこそ、単なる陽気なポップソングにはならない。

Good Girl / Carrots

Good Girl / Carrotsは、Panda Bearの実験性とポップ性が見事に結びついた楽曲である。複数のパートが組み合わさり、曲が進むにつれて別の景色へ変化していく。サンプル、声、リズム、メロディが複雑に重なりながらも、不思議な親しみやすさを持っている。

この曲では、遊び心と精神的な深みが同居している。音はカラフルで、リズムは軽快だが、歌声にはどこか内省的な響きがある。Panda Bearは、楽曲を単なる実験の場にするのではなく、感情の流れとして構成する。

特に後半の展開には、解放感がある。何かがほどけ、広がり、光の中へ出ていくような感覚だ。Good Girl / Carrotsは、Panda Bearのサウンドスケープが一曲の中で旅をすることを示す名曲である。

Surfer’s Hymn

Surfer’s Hymnは、タイトル通り、サーフィンや海を連想させる楽曲である。しかし、単なるサーフポップではない。リズムと声が波のように反復され、サーフィンという行為がほとんど宗教的な儀式のように感じられる。

この曲には、The Beach Boysへの遠い敬意がある。だが、Panda Bearはその影響をそのまま再現するのではなく、電子音響とサンプルの中へ溶かし込む。結果として、懐かしいサーフミュージックが、現代の夢の中で再構築されたように響く。

Surfer’s Hymnは、Panda Bearの音楽が持つ海洋的なイメージを象徴する楽曲である。水、光、身体、祈り。それらが柔らかく重なっている。

Tomboy

Tomboyは、同名アルバムの中心的な楽曲であり、Panda Bearの音楽がより硬質でミニマルな方向へ向かったことを示している。Person Pitchの陽光に満ちたサンプルコラージュとは異なり、ここでは音がより削ぎ落とされ、ビートと声の輪郭が強調されている。

曲には、少し冷たい空気がある。リズムは重く、ボーカルは反響し、空間には余白がある。Panda Bearの音楽は、ここでより内省的で、緊張感のあるものへ変化している。

Tomboyは、彼が一つの成功したスタイルに安住しなかったことを示す曲である。夢のような音楽を作りながらも、彼は常にその夢の形を変えてきた。

Mr Noah

Mr Noahは、Panda Bearのよりリズミックで、少し歪んだポップ感覚が表れた楽曲である。跳ねるようなビート、加工された音、反復されるフレーズが、奇妙な中毒性を生む。

この曲には、可愛らしさと不気味さが同時にある。Panda Bearの声はいつものように柔らかいが、周囲のサウンドは少しざらつき、歪んでいる。まるで子どものおもちゃが壊れたまま踊っているような感覚だ。

Mr Noahは、Panda Bearが甘美なサイケデリックだけでなく、よりひねくれた電子ポップも作れることを示している。ポップでありながら、どこか落ち着かない。この不安定さが魅力である。

アルバムごとの進化

Panda Bear：ローファイな出発点

1999年のPanda Bearは、Noah Lennoxの初期衝動を捉えた作品である。後の洗練されたサンプルワークや電子音響と比べると、かなり素朴でローファイな印象がある。しかし、その中にはすでに彼らしい声へのこだわり、メロディへの感覚、個人的な空気が存在している。

このアルバムは、後のPanda Bear像を直接的に示すものではないかもしれない。だが、音楽を個人的な記録として作る姿勢は、すでにここにある。録音の粗さも含めて、若いアーティストが自分の内側の音を探している感触がある。

Panda Bearの音楽は、最初から完成された電子ポップだったわけではない。むしろ、声と簡素な録音から始まり、そこに少しずつサンプル、ループ、音響の層が加わっていった。その出発点として、この作品は重要である。

Young Prayer：喪失と祈りのアルバム

2004年のYoung Prayerは、Panda Bearの作品の中でも特に静かで、個人的で、深い感情を持つアルバムである。父親の死と深く関係する作品として知られ、楽曲は断片的で、言葉よりも声と響きが中心になっている。

このアルバムには、通常のポップソングの構造はあまりない。曲は短く、断片的で、祈りのように響く。ギターと声が中心で、音の隙間が非常に大きい。その余白に、喪失の感覚が漂っている。

Young Prayerは、悲しみを説明するアルバムではない。悲しみがまだ言葉になる前の状態を、そのまま音にしているような作品である。Panda Bearの音楽におけるスピリチュアルな側面を理解するうえで、非常に重要な一枚だ。

Person Pitch：サイケデリック・サンプルポップの金字塔

2007年のPerson Pitchは、Panda Bearの代表作であり、2000年代インディー音楽の重要なアルバムである。サンプル、ループ、多重コーラス、反復するビートが組み合わさり、まるで陽光と記憶でできた巨大な音の海のような作品になっている。

このアルバムの魅力は、実験的でありながら、非常に人懐っこいところにある。サンプルベースの音楽でありながら、冷たくならない。電子的な構造を持ちながら、声とメロディが温かい。複雑な音の層がありながら、聴き手を拒まない。

Bros、Comfy in Nautica、Take Pills、Good Girl / Carrotsなど、収録曲はいずれも独自の世界を持っている。曲は長く、反復的だが、その反復が少しずつ気分を変化させる。聴いていると、現実の時間とは別の時間が流れ始める。

Person Pitchは、チルウェイヴやサンプルベースのインディーポップ、現代サイケデリック・ミュージックにも大きな影響を与えた作品である。Panda Bearがソロアーティストとして決定的な地位を築いたアルバムだ。

Tomboy：光の後に訪れた影とミニマリズム

2011年のTomboyは、Person Pitchの後に発表された作品として大きな注目を集めた。しかし、Panda Bearは前作の成功したスタイルをそのまま繰り返さなかった。ここでは、音がより削ぎ落とされ、ビートは重く、空間は暗くなっている。

Person Pitchが太陽の光と波のアルバムだとすれば、Tomboyは曇った空の下で鳴る祈りのようなアルバムである。声は依然として美しいが、サウンドには硬さと緊張感がある。

この作品では、リズムと声の関係がより明確になっている。サンプルのカラフルさは後退し、代わりにドローン的な響きや反復するビートが前に出る。Panda Bearの音楽が、単なるドリーミーなポップではなく、より深い音響探求を持っていることを示した作品である。

Panda Bear Meets the Grim Reaper：死の影とポップの遊び心

2015年のPanda Bear Meets the Grim Reaperは、タイトルからして死神との出会いを示す、やや不気味でユーモラスな作品である。サウンドは前作よりもカラフルで、リズムも多様だが、その奥には死や時間への意識がある。

Mr Noahのような楽曲では、跳ねるビートと歪んだ電子音が印象的で、Panda Bearのポップ感覚がより奇妙な方向へ広がっている。全体として、明るさと不穏さが混ざったアルバムである。

この作品の面白さは、死や不安を重苦しく描くだけでなく、音の遊び心を通じて扱っている点にある。Panda Bearは、深刻なテーマを持ちながらも、サウンドをカラフルに歪ませ、奇妙なポップとして提示する。

Panda Bear Meets the Grim Reaperは、彼の音楽が持つサイケデリックなユーモアと、人生の有限性への意識が交差した作品である。

Buoys：音数を絞った親密な電子フォーク

2019年のBuoysは、Panda Bearのディスコグラフィの中でも特にミニマルで親密な作品である。プロデューサーにSonic Boomを迎え、音数を大きく絞り込んだサウンドが特徴である。

ここでは、アコースティックギターのような質感、オートチューン的な声の加工、低音の揺れ、シンプルな電子音が中心になる。過去作のような分厚いサンプルの海ではなく、もっと空間の広い、近い音楽である。

Buoysは、Panda Bearの音楽が「たくさんの音を重ねる」ことだけで成り立っているわけではないことを示した。むしろ、少ない音の中でも声の質感、メロディの揺れ、音の余韻によって独自の世界を作れることがわかる。

このアルバムは、派手な代表作ではないかもしれない。しかし、Panda Bearの内省的で成熟した側面を理解するうえで重要な作品である。

Reset：Sonic Boomとの記憶のポップ再構築

2022年のResetは、Sonic Boomとの共作として発表された作品であり、Panda Bearのキャリアの中でも特に明るく、ポップで、過去の音楽への愛情が前面に出たアルバムである。

この作品では、1950年代から60年代のポップスやロックンロールのサンプルが多く用いられ、それらがPanda Bearの声とSonic Boomの音響処理によって新しい形へ変換されている。古い音楽が、ただの懐古ではなく、現代のサイケデリック・ポップとして再生される。

Resetというタイトルも象徴的である。リセットとは、過去を消すことではなく、もう一度始め直すことでもある。Panda BearとSonic Boomは、ポップミュージックの記憶を素材にしながら、それを現在の耳で聴けるものへ作り直した。

このアルバムは、Panda Bearの音楽にある懐かしさの感覚を最もわかりやすく示している。過去のポップスは、ここで記憶の中の幽霊ではなく、新しく踊り出す音になる。

影響を受けたアーティストと音楽

Panda Bearの音楽において、最もよく語られる影響のひとつがThe Beach Boysである。特にBrian Wilsonの多重コーラス、サーフミュージック、陽光と憂鬱が共存するメロディ感覚は、Panda Bearの声の使い方に強く通じる。

ただし、Panda BearはThe Beach Boysを単純に再現しているわけではない。彼はそのハーモニー感覚を、サンプラー、ループ、電子音、アンビエントの中に移植した。つまり、1960年代のサーフポップの霊を、2000年代以降のデジタルな夢の中で再び歌わせたのである。

また、Brian Enoのアンビエント的な音響感覚、Steve Reichやミニマルミュージックの反復性、ダブや電子音楽の空間処理、ヒップホップ以降のサンプリング文化も重要である。Panda Bearの音楽は、ポップソングと音響実験の中間にある。

さらに、Animal Collectiveの仲間たちからの影響も大きい。Avey Tareの感情的で叫ぶような表現、Geologistの電子音響的な空間感覚、Deakinのギターやハーモニー。これらの集団的な実験の中で、Panda Bearは自分の声と反復の美学を磨いていった。

影響を与えたアーティストと音楽シーン

Panda Bearが後続の音楽シーンに与えた影響は非常に大きい。特にPerson Pitch以降、サンプルベースのサイケデリック・ポップ、チルウェイヴ、ローファイ・ポップ、インディーエレクトロニカの領域で、彼の影響は広く感じられる。

2000年代後半から2010年代初頭にかけて、夢のようなシンセ、加工された声、ノスタルジックなサンプル、海辺のような音像を持つアーティストが増えた。Washed Out、Toro y Moi、Memory Tapesなどに代表されるチルウェイヴの空気には、Panda BearやAnimal Collectiveが切り開いた感覚が確かに流れている。

また、インディーポップにおける「声の扱い方」にも影響を与えた。Panda Bearの声は、歌詞を伝えるためだけでなく、音の層として機能する。これは多くのエレクトロニック・ポップやドリームポップのアーティストにとって重要な手法となった。

さらに、サンプルを使った音楽が、ヒップホップやダンスミュージックだけでなく、インディーロックやフォーク的な感情表現にも使えることを示した点も大きい。Panda Bearは、サンプリングを個人的でスピリチュアルなポップへ変えたアーティストである。

Animal Collectiveとの関係：集団の中の個としてのPanda Bear

Panda Bearを語るうえで、Animal Collectiveとの関係は避けられない。Animal Collectiveは、2000年代のインディー音楽において最も実験的で影響力のあるグループのひとつであり、Panda Bearはその中核的な存在である。

Animal Collectiveでは、Panda Bearの声はしばしば楽曲に柔らかな光を与える。Avey Tareの感情的な叫びや奇妙なメロディと対照的に、Panda Bearの声はより丸く、聖歌的で、広がりを持つ。特にMerriweather Post Pavilionのような作品では、彼のポップセンスが大きく反映されている。

一方、ソロとしてのPanda Bearは、Animal Collectiveよりも内省的で、反復的で、音の構造がよりシンプルに感じられることが多い。Animal Collectiveが集団のエネルギーで音を爆発させるバンドだとすれば、Panda Bearのソロは、ひとりで波を見つめながら同じフレーズを繰り返すような音楽である。

この違いが面白い。Panda BearはAnimal Collectiveの一部でありながら、ソロではまったく独立した美学を築いている。彼の音楽は、集団の中から生まれた個人の夢である。

同時代のアーティストとの比較：Panda Bearのユニークさ

Panda Bearと同時代には、多くの実験的なインディーアーティストが登場した。Animal Collectiveの仲間たちはもちろん、Ariel Pink、Grizzly Bear、Sufjan Stevens、Four Tet、Caribou、Deerhunterなどが、2000年代のインディー音楽を豊かにしていた。

Ariel Pinkがローファイな記憶のポップを歪んだカセットテープのように鳴らしたのに対し、Panda Bearはより清らかで、聖歌的な響きを持っている。どちらもノスタルジアを扱うが、Ariel Pinkが壊れたテレビのようなら、Panda Bearは海辺の光の中で鳴る古いラジオのようだ。

Four TetやCaribouとは、電子音楽と有機的なサウンドを融合する点で共通する。しかし、Panda Bearはより声を中心に据え、ポップの記憶と祈りのような感覚を重視する。彼の音楽は、クラブよりも夢や家庭、海辺、教会のようなイメージに近い。

Sufjan Stevensが緻密なアレンジと物語性で個人的な感情を描くのに対し、Panda Bearは言葉よりも音の反復と響きで感情を作る。物語を語るのではなく、感情の状態を音響として持続させるのである。

Panda Bearのユニークさは、実験的でありながら、つねに「歌」が中心にあることだ。どれだけ音が加工されても、どれだけ構造が抽象的でも、彼の音楽には人間の声の温度が残っている。

ライブパフォーマンス：ループと声が作る音の儀式

Panda Bearのライブは、一般的なロックコンサートとはかなり異なる。バンド演奏のダイナミズムよりも、ループ、サンプル、電子音、声の重なりによって、音の空間を作っていくスタイルである。

彼のライブでは、曲が録音作品と同じように再現されるというより、音の層がその場で立ち上がっていく。反復するビートに声が重なり、サンプルが広がり、照明や映像とともに、聴き手は音の海の中へ入っていく。

Panda Bearの歌声は、ライブでも非常に重要である。電子音やサンプルの中にあっても、彼の声が入ると一気に人間的な温度が生まれる。ライブ空間では、その声が観客の身体に直接響き、録音とは違う儀式的な感覚を生む。

彼の音楽は、踊ることもできるし、目を閉じて浸ることもできる。クラブと教会、ビーチと寝室、フェスティバルと夢の中。そのあいだを行き来するようなライブ体験である。

ファンと批評家からの評価

Panda Bearは、批評家から高く評価されてきたアーティストである。特にPerson Pitchは、2000年代インディー音楽の重要作として扱われ、Animal Collectiveとは別に彼のソロアーティストとしての評価を決定づけた。

一方で、彼の音楽はすべてのリスナーにとってわかりやすいものではない。曲が長く、反復が多く、一般的なポップソングの構成から外れることもある。そのため、最初は掴みにくいと感じる人もいるかもしれない。

しかし、Panda Bearの音楽は、何度も聴くことで少しずつ開いていく。最初は同じように聞こえたループが、やがて細かな変化を持っていることに気づく。遠くに聞こえた声が、急に自分の内側から響いているように感じられる。彼の音楽は、即効性よりも浸透性を持つ。

ファンにとってPanda Bearの音楽は、日常から少し離れるための場所である。だが、完全な逃避ではない。家族、死、薬、不安、友情、記憶といった現実的なテーマが、夢のような音の中に漂っている。そこが彼の音楽を深くしている。

Panda Bearの魅力：夢と現実の境界で鳴る声

Panda Bearの魅力は、夢のような音を作りながら、現実の感情を失わないところにある。彼の音楽は、柔らかく、きらめき、反復し、漂う。しかし、その奥には喪失、不安、祈り、孤独、家族への思いがある。

彼の声は、まるで遠くから聞こえる自分自身の記憶のようだ。はっきりしているのに、どこかぼやけている。温かいのに、少し寂しい。Panda Bearは、この曖昧な感情の領域を音楽にするのが非常にうまい。

また、彼の音楽には時間の感覚がある。過去の音楽の記憶、現在の生活、未来への不安が、サンプルとループの中で同時に鳴る。曲は進んでいるようで、戻っているようでもある。まるで記憶そのものの構造に似ている。

Panda Bearは、ポップミュージックを夢の建築物のように扱うアーティストである。土台にはメロディがあり、壁にはサンプルがあり、天井にはコーラスが広がり、窓の外には海が見える。その建物の中で、聴き手は自分の記憶や感情と静かに向き合う。

まとめ：Panda Bearは現代サイケデリック・ポップの夢見る建築家である

Panda Bear（パンダ・ベア）は、Animal Collectiveのメンバーとしてだけでなく、ソロアーティストとしても現代インディー音楽に大きな影響を与えた奇才である。彼は、サンプル、ループ、電子音、アンビエント、コーラス、ポップメロディを融合し、夢のようでありながら深く個人的なサウンドスケープを作り上げてきた。

初期のPanda Bearではローファイな個人性を示し、Young Prayerでは喪失と祈りを静かに音へ変えた。Person Pitchではサイケデリック・サンプルポップの金字塔を築き、Tomboyではよりミニマルで影のある音響へ向かった。Panda Bear Meets the Grim Reaperでは死の影と遊び心を交差させ、Buoysでは音数を絞った親密な世界を提示し、ResetではSonic Boomとともにポップの記憶を再構築した。

代表曲Bros、Comfy in Nautica、Take Pills、Good Girl / Carrotsは、Panda Bearの音楽が持つ反復、声、光、祈り、記憶の美しさを象徴している。彼の楽曲は、一般的なポップソングの形から外れながらも、どこか深く人懐っこい。

Panda Bearの音楽は、現実から逃げるための夢ではない。現実の痛みや不安を、夢のような音の中で受け止めるための音楽である。サンプルは記憶となり、声は祈りとなり、ビートは波となる。その中で聴き手は、自分自身の感情をゆっくりほどいていく。

Panda Bearは、ドリーミーなサウンドスケープを紡ぐ現代サイケデリック・ポップの建築家である。彼の音楽は、海辺の光、古いレコードの記憶、遠くの聖歌、そしてひとりの人間の内側にある小さな祈りを、ひとつの音の風景として響かせ続けている。