発売日：1994年3月28日
ジャンル：ロック、ブルース・ロック、ソウル・ロック、ファンク・ロック、サザン・ロック、オルタナティヴ・ロック
概要
Primal ScreamのGive Out But Don’t Give Upは、1994年に発表された4作目のスタジオ・アルバムであり、1991年の歴史的名盤Screamadelicaの後に生まれた、極めて大胆な方向転換の作品である。Screamadelicaは、インディー・ロック、アシッド・ハウス、ダブ、ゴスペル、サイケデリア、クラブ・カルチャーを融合し、1990年代初頭の英国音楽における決定的な転換点となった。Primal Screamはその作品によって、ギター・バンドでありながらダンス・ミュージック時代の精神を体現する存在となった。
その次にバンドが選んだのは、さらにクラブ・ミュージックへ進む道ではなかった。Give Out But Don’t Give Upでは、彼らはアメリカ南部のロック、ブルース、ソウル、ファンク、ゴスペル、ローリング・ストーンズ的なルーズなロックンロールへ大きく接近する。つまり本作は、前作のレイヴ的な多幸感から、汗、酒、ギター、ホーン、黒人音楽由来のグルーヴ、アメリカン・ルーツ・ミュージックへの憧れへと舵を切ったアルバムである。
この変化は、発表当時かなり賛否を呼んだ。Screamadelicaがあまりにも革新的だったため、その後にこうしたクラシック・ロック回帰的なアルバムが出たことを、後退と見る向きもあった。確かに、本作には前作のような時代を更新する感覚は薄い。代わりにあるのは、1970年代のThe Rolling Stones、Faces、The Allman Brothers Band、Sly and the Family Stone、Al Green、Curtis Mayfield、Muscle Shoals系ソウル、Stax的な熱気への明確な憧れである。
しかし、本作を単なる懐古的なロックンロール・アルバムとして片づけるのは不十分である。Primal Screamは、もともと過去の音楽を引用し、再編集し、同時代の感覚へ置き換えるバンドだった。Screamadelicaでも、ゴスペル、ダブ、サイケデリア、ハウスを混ぜ合わせて新しい音楽を作った。Give Out But Don’t Give Upでは、その編集対象がクラブ・カルチャーからアメリカン・ロック／ソウルへ移ったのである。
本作の中心には、Bobby Gillespieのロックンロールへの憧れがある。彼の声は、伝統的な意味でのパワフルなブルース・シンガーではない。むしろ細く、少し頼りなく、時に危うい。しかし、その声がサザン・ロックやソウルの大きな器の中に置かれることで、Primal Scream特有の人工性と憧れの距離が生まれる。彼らはアメリカ南部の音楽を完全に自分たちの血肉として鳴らすバンドではない。むしろ、英国のインディー・ロック出身者が、ロックンロール神話へ身を投げ出す姿がそのまま音になっている。
参加ミュージシャンや制作陣も、本作の方向性を支えている。ホーン、女性コーラス、ファンク的なベース、ブルース・ギター、ソウルフルな鍵盤などが加わり、サウンドは前作よりも生演奏寄りで、土臭く、肉体的である。曲によっては過剰なほどアメリカン・ロックへの愛が表れており、そこに賛否が生まれる。しかし、その過剰さこそがPrimal Screamらしい。彼らはいつも、参照元を控えめに使うのではなく、ほとんど過剰な愛情で身にまとってきた。
アルバム・タイトルのGive Out But Don’t Give Upは、「力を出し尽くしても、諦めるな」という意味に取れる。これはロックンロール的な粘り強さ、ソウル・ミュージック的な祈り、そして快楽と疲労の両方を含む言葉である。本作の音楽も、享楽的でありながら、どこか疲れている。騒ぎ、踊り、叫び、愛を求めるが、その背後には空虚や孤独もある。Primal Screamの優れた作品には、快楽の中に破滅の影がある。本作もまた、酒場の祝祭のように鳴りながら、その奥に疲弊したロマンティシズムを抱えている。
全曲レビュー
1. Jailbird
アルバム冒頭を飾る「Jailbird」は、本作の方向性を最も明快に示すオープニング・ナンバーである。タイトルは「牢獄の鳥」、つまり囚人や自由を奪われた者を意味するが、曲調は非常に開放的で、ギター、ホーン、コーラスが一体となってロックンロールの祝祭感を作る。この矛盾が重要である。束縛を歌いながら、音楽は自由へ向かって走る。
音楽的には、The Rolling StonesやFacesを思わせるルーズでブルージーなロックンロールが基盤になっている。ギターは荒々しく、リズムは跳ね、ホーンがソウル的な熱気を加える。前作Screamadelicaの浮遊感やクラブ的な質感とは異なり、ここでは肉体的なバンド・サウンドが前面に出ている。
歌詞のテーマは、自由への渇望として読める。Jailbirdという言葉は、実際の牢獄だけでなく、社会的な束縛、欲望の罠、自己破壊的な生活から逃れられない状態も示す。Primal Screamの音楽において、自由は常に重要な主題である。しかし、その自由は清潔で理性的なものではなく、酒、ドラッグ、セックス、ロックンロール、夜の逃避と結びつくことが多い。
「Jailbird」は、本作が前作の続編ではなく、まったく別のロックンロール神話へ向かうアルバムであることを宣言している。非常にストレートでありながら、Primal Screamらしい過剰な憧れと演技性が込められた一曲である。
2. Rocks
「Rocks」は、Give Out But Don’t Give Upの中でも最も有名な楽曲の一つであり、Primal Screamのロックンロール志向が最もシンプルかつ強烈に表れた曲である。タイトルの「Rocks」は、ロックすること、揺れること、快楽の衝動をそのまま示す。歌詞も複雑な物語より、享楽的なフレーズと煽動的なノリが中心である。
音楽的には、ローリング・ストーンズ直系のギター・ロックであり、ホーンや女性コーラスが加わることで、よりパーティー感が強調されている。リフは非常に分かりやすく、サビも即効性がある。難解さや実験性ではなく、ロックンロールが持つ単純な快楽を徹底的に押し出している。
歌詞では、夜遊び、性的なエネルギー、ストリート的な猥雑さ、ロックンロールの祝祭感が描かれる。ここには深い内省はないが、それは欠点ではない。この曲は、考えるより先に身体を動かすための曲である。Primal Screamは、ロックンロールの歴史にある俗っぽさ、馬鹿馬鹿しさ、過剰な自己演出を正面から受け入れている。
一方で、「Rocks」はあまりにも参照元が明確なため、批判も受けやすい曲である。革新的なBlurやRadiohead的な90年代英国ロックとは別の方向で、Primal Screamはここで1970年代ロックの快楽を再演している。しかし、その再演の徹底ぶり、無邪気なまでの愛情、そしてポップ・ソングとしての強さは否定しがたい。本作を象徴するアンセムである。
3. (I’m Gonna) Cry Myself Blind
「(I’m Gonna) Cry Myself Blind」は、アルバム序盤の騒がしいロックンロールから一転して、ソウルフルでメロウなバラードの側面を見せる楽曲である。タイトルは「泣きすぎて目が見えなくなる」という意味で、失恋、後悔、自己憐憫、深い感情の痛みを表している。
音楽的には、サザン・ソウルやカントリー・ソウルの影響が強く、ゆったりとしたテンポ、温かい鍵盤、コーラスが曲に深みを与えている。Bobby Gillespieのヴォーカルは、伝統的なソウル・シンガーほど力強いわけではないが、その頼りなさが逆に曲の脆さを引き立てる。彼は圧倒的な歌唱力で悲しみを支配するのではなく、悲しみに飲み込まれそうな人物として歌う。
歌詞のテーマは、失われた愛への嘆きである。泣いて目が見えなくなるという表現は大げさだが、ロックやソウルのバラードにおいて、この過剰さは重要である。悲しみを控えめに語るのではなく、ほとんど劇的に拡大することで、感情の真実へ近づく。この曲では、Primal Screamがソウル・ミュージックの感情表現に強く接近している。
「(I’m Gonna) Cry Myself Blind」は、本作が単なるパーティー・ロックではないことを示す曲である。騒ぎの後には孤独があり、快楽の裏には涙がある。Primal Screamのロックンロール観には、この落差が常に含まれている。
4. Funky Jam
「Funky Jam」は、タイトル通りファンク的なグルーヴを前面に出した楽曲である。本作におけるPrimal Screamのアメリカ黒人音楽への接近が、最も直接的に表れた曲の一つであり、ロック・バンドとしての彼らがファンクの反復と身体性を取り込もうとしている。
音楽的には、ベースとドラムのグルーヴが中心で、ギターはリフというよりリズムの一部として機能する。ホーンやコーラスも加わり、曲全体がジャム・セッションのように展開する。前作Screamadelicaでクラブ・ミュージックの反復を体験したPrimal Screamが、ここでは生演奏のファンク・グルーヴへ移行している点が興味深い。
歌詞は深い物語性よりも、リズムとフレーズの反復を重視している。ファンクにおいて言葉は、意味を伝えるだけでなく、音として身体を動かす役割を持つ。この曲でも、歌詞はグルーヴの一部であり、聴き手を理屈ではなく感覚で引き込む。
「Funky Jam」は、Primal Screamの演奏志向とクラブ的感覚が交差する曲である。完全なファンク・バンドになりきっているわけではないが、むしろその少しぎこちない接近に、本作特有の魅力がある。彼らはファンクを研究対象としてではなく、憧れの対象として身体で鳴らそうとしている。
5. Big Jet Plane
「Big Jet Plane」は、タイトルが示す通り、飛行機、移動、逃避、速度、遠くへ行く欲望を連想させる楽曲である。本作の中では比較的ルーズで、ブルージーなロックンロールの側面が強い。大きなジェット機は、自由の象徴であると同時に、どこにも定住できない落ち着きのなさを示す。
音楽的には、スワンプ・ロックやサザン・ロック的な雰囲気がある。ギターは泥臭く、リズムは大きく揺れ、曲全体にロード・ムービーのような感覚が漂う。都市のクラブではなく、広い道路、空港、乾いた風景を思わせる音である。
歌詞のテーマは、移動と逃避である。飛行機に乗ってどこかへ行くことは、現実から離れることでもある。しかし、Primal Screamの音楽では、逃避は完全な解決にはならない。遠くへ行っても、自分自身の欲望や孤独からは逃れられない。大きなジェット機は自由を約束するが、その自由は一時的である。
この曲は、アルバム全体のアメリカ的な広がりを補強している。Screamadelicaが内面的なトリップやクラブの高揚を描いたとすれば、Give Out But Don’t Give Upは、現実の地理を移動するロックンロールの旅を描いている。「Big Jet Plane」はその旅の象徴的な一曲である。
6. Free
「Free」は、タイトル通り自由をテーマにした楽曲であり、本作の中でも非常に重要な位置を占める。Primal Screamにとって自由とは、単なる政治的スローガンではなく、音楽、身体、意識、快楽、精神的解放を含む広い概念である。前作Screamadelicaでも自由への希求は中心的なテーマだったが、本作ではそれがソウル／ゴスペル的な形で現れる。
音楽的には、ゴスペルやソウルの影響が強く、コーラスが大きな役割を果たす。曲全体には祈りのような感覚があり、ロックンロールの享楽性とは別の、精神的な解放感がある。Bobby Gillespieの声は細いが、コーラスや演奏に支えられることで、共同体的な広がりを得ている。
歌詞のテーマは、束縛からの解放である。それは恋愛の束縛かもしれないし、社会の抑圧かもしれないし、自分自身の不安や依存からの解放かもしれない。重要なのは、自由がまだ完全には手に入っていないものとして歌われる点である。自由を歌うということは、自由ではない状態を認識しているということでもある。
「Free」は、本作のスピリチュアルな側面を担う曲である。酒場のロックンロールだけでなく、教会的な魂の高揚もPrimal Screamは求めている。快楽と救済が交差する、本作らしい楽曲である。
7. Call on Me
「Call on Me」は、誰かに呼びかける、助けを求める、あるいは支えになることを示すタイトルを持つ楽曲である。本作の中では、ソウル・バラード的な温かさとロック・バンドのルーズな質感が結びついている。Primal Screamが、愛と共同体のテーマへ接近している曲である。
音楽的には、ゆったりとしたテンポで、鍵盤やコーラスが温かい雰囲気を作る。華やかさよりも、寄り添うような質感がある。アルバム全体の中で、激しいロック曲の間に置かれることで、感情的な深みを与えている。
歌詞のテーマは、呼びかけと支え合いである。「困ったときは呼んでくれ」というような言葉は、ソウル・ミュージックの伝統の中でも重要な主題である。孤独な個人が、誰かとの関係によって救われる可能性。この曲は、その可能性を比較的素直に歌っている。
ただし、Primal Screamの音楽における支え合いは、完全に清らかなものではない。そこには夜の疲れ、過去の失敗、依存の匂いもある。だからこそ、この曲の温かさは単純ではなく、少し傷ついた者同士の呼びかけとして響く。
8. Struttin’
「Struttin’」は、タイトル通り、気取って歩く、堂々と歩く、グルーヴに乗って進む感覚を持つ楽曲である。本作の中でも特にファンク／ソウル的な身体性が強く、Primal Screamがロックンロールの姿勢そのものを音楽化している。
音楽的には、リズムが非常に重要である。ベースとドラムが腰のあるグルーヴを作り、ギターやホーンがその上で跳ねる。曲は大きなドラマを展開するより、同じ気分を持続させることを重視している。まさに「歩き方」の曲である。
歌詞のテーマは、自信、見栄、身体表現である。Struttin’とは、ただ歩くことではない。見られることを意識し、自分を演じながら歩くことだ。これはロックンロールの基本的な態度でもある。Primal Screamはここで、音楽を単なる聴覚的なものではなく、姿勢や身振りとして捉えている。
この曲は、アルバムの快楽的な側面を補強する。深い歌詞解釈よりも、グルーヴに身を任せることが重要な楽曲である。Primal Screamが憧れるロックンロールの身体性が、素直に表れた一曲である。
9. Sad and Blue
「Sad and Blue」は、タイトルからしてブルースの伝統に直結する楽曲である。悲しみと青さ、つまり憂鬱をそのまま掲げた曲であり、本作のアメリカン・ルーツ志向が非常に明確に表れている。快楽的なロックンロールが続く中で、この曲は感情の陰影を深める。
音楽的には、ブルース・バラード的な雰囲気があり、テンポは抑えられている。ギターや鍵盤は感情を丁寧に支え、Bobby Gillespieの声は、強く叫ぶというより、疲れた悲しみを漂わせる。彼の歌唱の脆さが、曲のテーマとよく合っている。
歌詞のテーマは、孤独、失恋、人生の重さである。ブルースは、個人的な悲しみを音楽として共有可能な形にする伝統を持つ。この曲でも、悲しみは単なる個人の感情ではなく、音楽によって引き受けられるものとして提示される。悲しいから歌う。青い気分だからこそ、ブルースが生まれる。
「Sad and Blue」は、本作の中で最もストレートにブルース的な感情を表した曲の一つである。Primal Screamのブルース理解が本格的かどうかではなく、彼らがその感情形式に強く惹かれていたことが伝わる。快楽と悲しみが交互に現れる本作において、重要なバランスを担う曲である。
10. Give Out But Don’t Give Up
タイトル曲「Give Out But Don’t Give Up」は、アルバム全体の精神を最も直接的に表す楽曲である。「力を使い果たしても、諦めるな」という言葉は、ロックンロール、ソウル、ブルースの根底にある耐久性を示している。疲れ、傷つき、迷いながらも、完全には倒れない。その姿勢が本作の核心である。
音楽的には、ソウルフルで力強いミッドテンポの曲であり、コーラスが大きな役割を果たす。祝祭的でありながら、どこか苦味もある。前半の「Rocks」のような単純な騒ぎとは違い、ここには人生の疲労と、それでも進む意志が込められている。
歌詞のテーマは、持続と抵抗である。Give outとは、力を出し尽くすこと、壊れかけること、外へ放つことなどを意味する。一方で、Don’t give upは諦めるなという明確なメッセージである。この二つの言葉の組み合わせが重要である。完全に強い者の歌ではなく、弱りながらも諦めない者の歌である。
この曲は、Primal Screamのロマンティシズムをよく示している。彼らは快楽主義的なバンドであると同時に、音楽による救済を本気で信じているバンドでもある。タイトル曲は、その信念をソウル・ロックの形で提示している。
11. I’ll Be There for You
「I’ll Be There for You」は、非常にストレートな愛と支えの歌である。タイトルは「君のためにそこにいる」という意味で、ソウル・ミュージックやゴスペルに通じる献身の言葉である。本作の中でも、もっとも温かく、ヒューマンな感触を持つ曲の一つである。
音楽的には、穏やかなソウル・バラードに近く、コーラスや鍵盤が曲を包み込む。派手なリフやロックンロール的な騒ぎではなく、感情の持続が重視されている。Bobby Gillespieの声の弱さは、この曲では誠実さとして機能している。
歌詞のテーマは、困難な時にそばにいること、見捨てないことだ。本作には快楽、逃避、欲望の曲が多いが、この曲ではより関係性の中の優しさが中心になる。ただし、その優しさは完全に無傷ではない。傷ついた者が、別の傷ついた者へ差し出す手のように響く。
「I’ll Be There for You」は、アルバム終盤に人間的な温度を与える重要曲である。Primal Screamのロックンロールは破壊的なだけではなく、時に救済や連帯の形を取る。この曲は、その側面をよく示している。
12. Everybody Needs Somebody
アルバムを締めくくる「Everybody Needs Somebody」は、タイトル通り、誰もが誰かを必要としているという普遍的なテーマを掲げる楽曲である。この言葉はソウルやR&Bの伝統にも深く根ざしており、本作の締めくくりとして非常にふさわしい。Primal Screamは最後に、個人の快楽や孤独から、より大きな人間的共通性へ向かう。
音楽的には、ソウルフルで、コーラスの力が大きく、アルバムの終曲として開かれた雰囲気を持つ。ロックンロールの旅の最後に、教会的な共同体感覚が現れる。これは本作の重要な構造である。酒場の騒ぎから始まったアルバムが、最後には誰かを必要とする人間の弱さへ到達する。
歌詞のテーマは、孤独と必要性である。誰もが誰かを必要としている。この単純な言葉は、使い古された表現にも見えるが、ソウル・ミュージックの文脈では非常に力強い。孤独は個人的なものだが、誰もが孤独であるなら、それは共有可能な感情になる。
「Everybody Needs Somebody」は、本作の終曲として、Primal Screamのルーツ音楽への憧れと、人間的な救済への希求をまとめている。完全な答えではないが、少なくとも一人ではないという感覚を残す。ロックンロールの祝祭が、最後にソウルの祈りへ変わる瞬間である。
総評
Give Out But Don’t Give Upは、Primal Screamのキャリアにおいて非常に評価の難しいアルバムである。前作Screamadelicaがあまりにも革新的で、クラブ・カルチャーとロックを結びつける歴史的な作品だったため、本作のサザン・ロック／ソウル回帰は、当時後退と受け取られやすかった。確かに、本作は未来を切り開くアルバムではない。むしろ、過去のアメリカン・ルーツ・ミュージックへ深く憧れ、その神話の中へ飛び込んだアルバムである。
しかし、それは単純な失敗ではない。Primal Screamは常に、過去の音楽を現代の感覚で再編集するバンドだった。Screamadelicaではクラブ・カルチャーとサイケデリック・ロックを結びつけた。本作では、The Rolling Stones、Faces、Staxソウル、Muscle Shoals、ファンク、ゴスペル、ブルースを、自分たちのロックンロール幻想として鳴らしている。その意味で、本作はPrimal Screamの引用と変身の歴史の中に自然に位置づけられる。
音楽的には、ギター、ホーン、コーラス、鍵盤、ファンク・グルーヴが前面に出ており、非常に肉体的なアルバムである。クラブ・ミュージック的な浮遊感よりも、汗、土、声、リズムの直接性が強い。特に「Jailbird」「Rocks」「Funky Jam」「Struttin’」では、ロックンロールの享楽性が徹底的に表現されている。一方で、「(I’m Gonna) Cry Myself Blind」「Sad and Blue」「I’ll Be There for You」「Everybody Needs Somebody」では、ソウルやブルース的な悲しみと救済が表れる。
本作のテーマは、快楽と疲労、自由と依存、孤独と共同体である。Primal Screamは自由を歌うが、その自由はしばしば夜の逃避や自己破壊と近い。愛を歌うが、その愛は傷ついた者同士の支え合いとして響く。パーティー・アルバムのように聴こえながら、実際にはかなり多くの悲しみを含んでいる。この二重性が、本作の魅力である。
一方で、本作には明確な弱点もある。参照元があまりにもはっきりしているため、独自性が薄く感じられる曲もある。また、Bobby Gillespieの声は、サザン・ソウルやブルースの大きな表現を支えるには脆く、曲によっては音楽の器の大きさに対して歌が軽く響くこともある。だが、その脆さこそがPrimal Screamらしさでもある。彼らは本物のアメリカ南部バンドではない。憧れながら演じ、演じながら本気になっている。その距離が、本作の個性である。
後年、オリジナルのメンフィス録音に近い形の音源が再評価されたこともあり、本作の見方は少し変化した。つまり、1994年版の派手な仕上がりだけでなく、よりルーツ・ミュージックへの接近として聴くことで、作品の意図が見えやすくなる。Primal Screamは本作で、単にロック・スターごっこをしたのではなく、自分たちが愛した音楽の源流へ本気で接近しようとしていた。
日本のリスナーにとってGive Out But Don’t Give Upは、Screamadelicaの次に聴くと戸惑う作品かもしれない。しかし、Primal Screamというバンドが、クラブ・カルチャーだけでなく、ロックンロール、ブルース、ソウル、ゴスペルへの強い憧れによって成り立っていることを理解するには重要である。彼らの本質は、特定のジャンルにあるのではなく、音楽史の快楽を過剰に吸収し、自分たちの時代の気分として鳴らすことにある。
総合的に見て、Give Out But Don’t Give UpはPrimal Screamの問題作であり、同時に彼らのロックンロール愛が最も露骨に表れたアルバムである。革新性ではScreamadelicaに及ばないが、快楽、憧れ、悲しみ、救済、そして諦めない精神が詰まっている。力を出し尽くしても、諦めるな。本作は、その言葉通り、疲れながらも鳴り続けるロックンロールのアルバムである。
おすすめアルバム
1. Primal Scream – Screamadelica（1991年）
Primal Screamの代表作であり、インディー・ロック、アシッド・ハウス、ダブ、ゴスペル、サイケデリアを融合した歴史的名盤である。Give Out But Don’t Give Upとの大きな方向転換を理解するために欠かせない作品であり、バンドの変身能力を最も鮮烈に示している。
2. Primal Scream – Vanishing Point（1997年）
Give Out But Don’t Give Upの次作であり、ダブ、エレクトロニカ、クラウトロック、ポストパンク的な方向へ再び大きく転換した作品である。本作のルーツ・ロック志向から、より暗く映画的で実験的なサウンドへ移行する流れを理解できる。
3. The Rolling Stones – Exile on Main St.（1972年）
Give Out But Don’t Give Upの背景にある最重要参照点の一つである。ブルース、カントリー、ソウル、ゴスペル、ロックンロールが混ざり合ったルーズで猥雑な名盤であり、Primal Screamが本作で目指した酒場的で土臭いロックの源流を知ることができる。
4. Faces – A Nod Is as Good as a Wink… to a Blind Horse（1971年）
ルーズで人間味のある英国ロックンロールを代表する作品であり、Primal Screamの本作にある酔ったようなグルーヴ、ラフなギター、ソウルフルなロック感覚と深く通じる。完璧な演奏よりも、空気と態度で聴かせるロックを理解するために重要である。
5. The Black Crowes – The Southern Harmony and Musical Companion（1992年）
1990年代にサザン・ロック、ブルース・ロック、ゴスペル的コーラスを現代的に再生した作品であり、Give Out But Don’t Give Upと同時代的なルーツ・ロック回帰の文脈で聴ける。アメリカ南部のロックンロールを90年代にどう鳴らすかという点で関連性が高い。
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