発売日：2015年11月20日 / ジャンル：ポップ、ソウル、ブルー・アイド・ソウル、バラード、アダルト・コンテンポラリー

概要

Adeleの3作目『25』は、2010年代のメインストリーム・ポップにおいて、ヴォーカル、ソングライティング、感情表現の力がいかに大きな影響力を持ちうるかを示したアルバムである。2008年のデビュー作『19』で、Adeleは英国ソウル／ポップの新しい才能として登場し、2011年の『21』では失恋と自己再生をテーマにした壮大なバラード群によって、世界的な成功を収めた。特に「Rolling in the Deep」「Someone Like You」「Set Fire to the Rain」は、2010年代初頭のポップ・ミュージックを代表する楽曲となり、Adeleは単なるシンガーではなく、感情を普遍的なポップ・ソングへ変換する存在として確立された。

『25』は、その巨大な成功の後に発表された作品である。タイトルは、これまでの作品と同様に制作期の年齢を示している。『19』が若い恋愛の痛み、『21』が失恋の爆発と成長を描いた作品だとすれば、『25』は過去の自分、かつての恋、家族、母性、時間の経過、そして大人になった自分との対話をテーマにしている。『21』が別れのただ中で燃え上がるアルバムだったのに対し、『25』は別れの後に残った記憶と向き合うアルバムである。

本作の中心にあるのは、「回想」と「和解」である。過去を忘れるのではなく、振り返り、そこにあった痛みや未熟さを認め、今の自分から見つめ直す。Adeleの声は、『21』の頃よりもさらに大きく、深く、成熟した響きを持っている。だが、その声が歌う感情は単純な強さではない。むしろ、強くなったからこそ見えてくる後悔、謝罪、懐かしさ、孤独が本作にはある。

音楽的には、ピアノ・バラード、ソウル、ゴスペル、ポップ、フォーク、軽いエレクトロニックな要素が組み合わされている。『25』は最新のトレンドを追うアルバムではなく、Adeleの声を中心に置いたクラシックなポップ・アルバムである。Max Martin、Shellback、Greg Kurstin、Bruno Mars、Danger Mouse、Ryan Tedder、Paul Epworthら、多様なプロデューサー／ソングライターが参加しているが、作品全体を支配しているのはあくまでAdeleの声と物語である。

本作は、ストリーミング時代においても、アルバムという形が大衆的な出来事になりうることを証明した作品でもある。リード・シングル「Hello」は、発表直後から世界的な反響を呼び、Adeleが長い沈黙の後に戻ってきたことを強烈に印象づけた。だが『25』の重要性は、単に記録的な商業的成功にあるのではない。2010年代半ばのポップ・シーンがEDM、ヒップホップ、ストリーミング向けの短い楽曲へ傾いていく中で、Adeleは声、歌詞、メロディ、そして大きな感情のドラマを中心に据え、幅広い世代へ届くポップ・アルバムを作り上げた。

『25』は、過去への手紙であり、失われた時間への追悼であり、成熟した自己確認でもある。Adeleはここで、失恋だけを歌うのではなく、時間の中で変わってしまった自分と、変わらず残っている感情の両方を歌っている。そのため本作は、『21』ほど燃えるような怒りや悲劇性を持たない一方で、より広い人生の感覚を備えている。

全曲レビュー

1. Hello

「Hello」は、『25』の幕開けとして完璧な楽曲である。長い沈黙の後、Adeleが最初に発する言葉が「Hello」であることは象徴的である。この曲は、かつての恋人への呼びかけであると同時に、過去の自分、そしてリスナーへの呼びかけでもある。電話越しのような距離感、届くかどうかわからない声、過ぎ去った時間への謝罪が、曲全体を貫いている。

サウンドは、ピアノを中心に始まり、徐々に壮大なバラードへ広がる。Adeleのヴォーカルは冒頭では抑制されているが、サビで一気に解放される。この構成は非常にクラシックでありながら、彼女の声の力によって圧倒的な説得力を持つ。特にサビの「Hello from the other side」というフレーズは、単なる距離ではなく、時間、感情、人生の段階を隔てた場所からの呼びかけとして響く。

歌詞では、謝罪と後悔が中心にある。相手を傷つけたこと、自分が変わってしまったこと、かつての関係に戻れないことを認めながら、それでも一度は声を届けたいという願いがある。ただし、この謝罪は関係を修復するためだけのものではない。むしろ、自分自身が過去と向き合うための行為である。

「Hello」は、『25』全体のテーマを凝縮している。過去へ電話をかけるように、Adeleはこのアルバムで、もう戻れない場所へ声を届けようとする。その声が届くかどうかは重要ではない。重要なのは、声を発することそのものである。

2. Send My Love (To Your New Lover)

「Send My Love (To Your New Lover)」は、アルバムの中でも最も軽快で、リズミカルな楽曲である。Max MartinとShellbackが関わったこの曲は、Adeleのクラシックなバラード・イメージとは異なり、ギターの刻みとポップなビートを前面に出している。だが、歌詞の内容はAdeleらしい別れの総括であり、過去の相手を突き放す強さがある。

タイトルは「新しい恋人によろしく伝えて」という意味を持つ。これは皮肉でもあり、解放でもある。かつての恋人が新しい相手といることを知りながら、そこにしがみつくのではなく、自分はもう先へ進むという姿勢が示される。『21』の怒りと痛みを経た後のAdeleが、より軽やかな形で別れを処理している曲といえる。

音楽的には、アコースティック・ギターの反復が曲を支え、そこにポップなリズムが重なる。Adeleの声は力強いが、ここでは過剰にドラマティックではなく、少し乾いたユーモアを含んでいる。この軽さが曲の魅力である。重い失恋を歌いながらも、相手に対して冷静で、皮肉を交えた距離を保っている。

歌詞では、相手との関係が不均衡だったこと、相手が約束を守らなかったことが示される。しかし語り手は、もはやその痛みに囚われていない。別れの歌でありながら、勝利宣言にも近い。「Send My Love」は、『25』の中で、過去への執着から離れようとするAdeleの姿を最も明快に示す楽曲である。

3. I Miss You

「I Miss You」は、アルバムの中でも最も官能的で、重いグルーヴを持つ楽曲である。タイトルは「あなたが恋しい」という非常にシンプルな言葉だが、この曲ではその恋しさが単なる懐かしさではなく、身体的な欲望や夜の孤独と結びついている。

サウンドは暗く、パーカッシヴで、Adeleのバラードとは異なる重心を持つ。ドラムの響きは深く、曲全体に儀式的な雰囲気がある。ピアノや弦の美しさよりも、低いリズムと空間の緊張が中心になっている。これにより、「I Miss You」は、アルバムの中で最もドラマティックかつ肉体的な楽曲として機能している。

歌詞では、相手への恋しさが夜の中で増幅される。ここでの「miss」は、過去の記憶を懐かしむだけではない。相手の存在、声、身体、触れ合いを求める感覚がある。Adeleの歌唱は、力強さと脆さが同時にあり、欲望と寂しさを分けずに表現している。

この曲は、『25』が単なる過去回想のアルバムではなく、現在の身体と感情を持った作品であることを示している。過去を思い出すことは、頭の中だけの行為ではない。身体もまた、過去を覚えている。「I Miss You」は、その記憶の身体性を濃密に描いた楽曲である。

4. When We Were Young

「When We Were Young」は、『25』の中核をなすバラードであり、アルバムのテーマである時間の経過と回想を最も美しく表現した楽曲である。タイトルは「私たちが若かった頃」という意味を持ち、過去の恋愛だけでなく、若さそのものへの郷愁を扱っている。

サウンドは、ピアノとバンド・アレンジを基盤にしたクラシックなバラードである。Adeleのヴォーカルは、冒頭では静かに語りかけるように始まり、サビで大きく広がる。この曲の強さは、感情の爆発だけでなく、言葉の一つひとつに時間の重みが宿っている点にある。若かった頃の自分たちを振り返る声には、懐かしさ、後悔、驚き、そして少しの諦めが混ざっている。

歌詞では、かつて親しかった相手と再会し、その姿に若い頃の記憶が蘇る場面が描かれる。相手は変わったようで変わっていない。自分もまた同じである。若さは戻らないが、その時の感情はどこかに残っている。この曲は、失恋の痛みそのものより、時間がもたらす距離と優しさを描いている。

「When We Were Young」は、Adeleのバラード表現の成熟を示す名曲である。『21』の「Someone Like You」が別れ直後の痛みだとすれば、この曲は年月を経た後の痛みである。傷はまだあるが、そこには美しさもある。

5. Remedy

「Remedy」は、Adeleの母性的な感情や、無条件の支えをテーマにした楽曲である。タイトルは「治療薬」「救い」を意味し、誰かの苦しみに対して自分が寄り添う存在になるという誓いが込められている。『25』において、この曲は恋愛の回想だけでなく、より広い愛の形を示す重要な楽曲である。

サウンドは、ピアノを中心にしたシンプルなバラードである。派手なプロダクションはなく、Adeleの声とメロディが前面に置かれている。そのため、歌詞の誠実さが非常にまっすぐに伝わる。彼女の声は力強いが、ここでは支配的ではなく、包み込むように響く。

歌詞では、相手が傷ついたとき、自分がその救いになるという思いが歌われる。これは恋人への歌としても、家族や子どもへの歌としても読める。Adeleが母となった後の作品であることを考えると、この曲には母性の感覚も強く感じられる。愛はここで、求めるものではなく、与えるものとして描かれる。

「Remedy」は、アルバムの中で温かい支柱のような役割を果たしている。過去を悔やむだけでなく、今の自分が誰かを支えられる存在になったことを示す曲である。『25』の成熟を象徴する楽曲のひとつである。

6. Water Under the Bridge

「Water Under the Bridge」は、関係の不確かさをテーマにしたミディアム・テンポのポップ・ソングである。タイトルの「water under the bridge」は、過ぎ去ったこと、もう問題ではないことを意味する表現だが、この曲ではその言葉が完全な解放としてではなく、関係が本当に終わったのか、それともまだ続いているのかを問う形で使われている。

サウンドは、アルバムの中でも比較的明るく、リズミカルである。Adeleの声はバラードほど重く沈まず、ポップな推進力の中で伸びやかに響く。Greg Kurstinによるプロダクションは洗練されており、Adeleのクラシックな歌唱と現代的なポップ感覚を自然に接続している。

歌詞では、相手に対して「私たちは本当に終わったのか」と問いかける感情が描かれる。関係が曖昧なまま続くことは、恋愛において非常に苦しい状態である。相手が自分を本当に愛しているのか、それとも過去のものとして流してしまうのか。語り手は、その答えを求めている。

「Water Under the Bridge」は、『25』の中で、過去と現在の間に揺れる感情をポップに表現した楽曲である。完全に別れたわけでも、完全に結ばれているわけでもない。その不安定な状態が、明るいメロディの中に潜んでいる。

7. River Lea

「River Lea」は、Adeleの出身地や過去の環境と深く結びついた楽曲である。タイトルのRiver Leaはロンドンを流れる川であり、ここでは故郷、育った場所、過去の自分を象徴している。『25』の中でも特に自己分析的な曲であり、なぜ自分が現在のような人間になったのかを、土地と記憶の側面から見つめている。

サウンドは、Danger Mouseによるやや暗く、ブルージーで、ゴスペル的な響きを持つ。手拍子やコーラスのような処理が加わり、曲には土着的で重い空気がある。Adeleの声はここで非常に力強く、過去を美化するのではなく、そこにある複雑さを引き受けるように歌う。

歌詞では、自分の性格や行動、愛し方に、育った場所が影響していることが示される。River Leaは、ただ懐かしい故郷ではない。そこには泥、流れ、逃れられない過去がある。自分の中には、その川がまだ流れている。つまり、過去は終わったものではなく、現在の自分の一部として残り続ける。

「River Lea」は、『25』の中でAdeleが最も自己の根に向き合う曲である。恋愛の相手ではなく、自分自身の成り立ちを見つめることで、アルバムの視野を広げている。

8. Love in the Dark

「Love in the Dark」は、別れを決意する側の痛みを描いたバラードである。タイトルは「暗闇の中の愛」を意味し、もはや光の中で続けることができない関係を示している。Adeleの失恋ソングは、傷つけられる側の視点が多いが、この曲では自分から離れることの苦しさが中心にある。

サウンドは、ピアノとストリングスを中心にした非常にドラマティックな構成である。Adeleの声は力強く、同時に深い悲しみを帯びている。曲はゆっくりと進み、別れの決断が簡単ではないことを音楽的にも示している。弦のアレンジは映画的で、感情の重さを大きく支えている。

歌詞では、相手を愛していないわけではないが、このまま一緒にいることはできないという苦しい状況が描かれる。これは非常に成熟した別れの歌である。怒りや裏切りではなく、愛が残っているからこそ別れが必要になる。相手を傷つけたくないが、嘘をついて関係を続けることもできない。その葛藤が曲の核心である。

「Love in the Dark」は、『25』の中でも最も重いバラードのひとつであり、Adeleの感情表現の深さを示している。愛があることと、関係が続くことは必ずしも同じではない。この現実を正面から歌った楽曲である。

9. Million Years Ago

「Million Years Ago」は、過去への深い郷愁と、成功によって失われたものへの悲しみを歌った楽曲である。タイトルは「百万年前」という誇張された表現だが、ここではかつての自分が遠い昔の存在のように感じられることを示している。時間の経過だけでなく、人生の変化による距離がテーマである。

サウンドは、クラシックなギター・バラードであり、どこか地中海的、あるいはシャンソン的な哀愁も感じさせる。アレンジは非常にシンプルで、Adeleの声と旋律が中心に置かれている。この簡素さが、歌詞の寂しさを際立たせる。

歌詞では、かつて自由だった自分、友人たちと過ごした時間、普通の生活、夢を追っていた頃への懐かしさが描かれる。成功は多くのものを与えるが、同時に普通の日常を奪うこともある。この曲でAdeleは、世界的スターになった自分と、かつての自分との距離を見つめている。

「Million Years Ago」は、単なる懐古ではない。過去を美化している面はあるが、その美化を自覚したうえで、失われた時間への悲しみを歌っている。『25』の回想というテーマを、最も直接的に表現した楽曲のひとつである。

10. All I Ask

「All I Ask」は、Bruno Marsらと共作された壮大なピアノ・バラードであり、アルバム終盤の大きな感情的山場である。タイトルは「私が求めるすべて」という意味で、最後の夜、最後の愛、最後の抱擁を求める切実な歌である。

サウンドは非常にクラシックで、ピアノを中心にしたバラードの形式を取る。だが、Adeleの声の力によって、曲はただの古典的バラードに留まらない。彼女のヴォーカルは、抑制から大きな高揚へ向かい、最後にはほとんど祈りのような強さを持つ。

歌詞では、関係が終わることを知りながら、その最後の瞬間だけは完全な愛として残したいという願いが描かれる。これは非常に演劇的な状況である。明日には別れがあるとしても、今夜だけは嘘をつかず、過去のすべてを背負ったまま、互いを抱きしめたい。Adeleはその感情を、過剰な装飾なしに、声だけで成立させている。

「All I Ask」は、『25』の中でも最も伝統的な意味での大バラードである。Adeleの歌唱力、感情の持続力、フレーズの説得力が最大限に発揮されている。失恋の悲劇性をクラシックなポップ・ソングとして昇華した楽曲である。

11. Sweetest Devotion

アルバム本編の最後を飾る「Sweetest Devotion」は、これまでの回想と別れの流れから、現在の愛と献身へ向かう楽曲である。タイトルは「最も甘い献身」を意味し、母性、家族、無条件の愛が中心にある。『25』を締めくくる曲として、この配置は非常に重要である。

サウンドは明るく、ゴスペル的な高揚感も持つ。Adeleの声はここで、過去への後悔や別れの痛みではなく、現在にある愛を歌っている。曲全体には前向きな光があり、アルバムの終盤にようやく開けた空が見えるような印象を与える。

歌詞では、誰かへの深い愛と、その存在によって自分が変わったことが描かれる。これは子どもへの歌としても解釈されることが多く、Adeleが母になった後の人生観が反映されている。過去を振り返り、失ったものを悼んだ後、本作は最後に現在の愛へ着地する。

「Sweetest Devotion」は、『25』を単なる過去へのアルバムにしないための重要な終曲である。過去は消えない。しかし、現在には新しい愛がある。Adeleはその愛を、救いとしてではなく、人生を前へ進める力として歌っている。

総評

『25』は、Adeleが『21』の巨大な成功を経て、より成熟した感情表現へ到達したアルバムである。前作ほど失恋の怒りや生々しい痛みが前面に出ているわけではない。むしろ本作では、時間が経った後の後悔、懐かしさ、謝罪、和解、そして現在の愛がテーマになっている。その意味で『25』は、激情のアルバムというより、回想のアルバムである。

本作の中心にあるのは、Adeleの声である。どれほど多くのプロデューサーが関わっていても、最終的にアルバムを統一しているのは彼女のヴォーカルである。Adeleの声は、技術的な強さだけでなく、言葉に重みを与える力を持っている。「Hello」の呼びかけ、「When We Were Young」の郷愁、「Love in the Dark」の決断、「All I Ask」の祈り。それぞれの曲で、声が物語を背負っている。

音楽的には、『25』は革新的なサウンドを追求するアルバムではない。むしろ、ソウル、ポップ、バラード、ゴスペル、フォークといった伝統的な形式を用いながら、そこに2010年代のメインストリーム・ポップとしての洗練を加えている。トレンドに過度に寄りかからないことで、本作は時代を超えて聴かれる普遍性を持っている。

歌詞面では、過去との対話が一貫している。「Hello」は過去への電話であり、「When We Were Young」は若さへの回想であり、「Million Years Ago」は失われた日常への悲しみである。一方で、「Remedy」や「Sweetest Devotion」は現在の愛を描き、Adeleが過去に留まるだけではないことを示している。つまり本作は、過去を振り返りながら、最後には現在へ戻ってくる構造を持っている。

『25』は、『21』のような破壊的な衝撃を持つアルバムではない。だが、それは弱さではない。『21』が傷口の開いたアルバムだとすれば、『25』はその傷跡を見つめるアルバムである。傷跡はもう血を流していないかもしれないが、消えたわけではない。その痕跡をどう受け入れるかが、本作のテーマである。

日本のリスナーにとって『25』は、洋楽ポップの中でも非常に入りやすい作品である。英語の細かなニュアンスがすべてわからなくても、Adeleの声の抑揚、メロディの強さ、バラードの構成によって感情は伝わりやすい。Whitney Houston、Céline Dion、Carole King、Amy Winehouse、Sam Smith、Sia、Emeli Sandéなどに親しみがあるリスナーには、本作のクラシックなポップ・バラードの魅力が特に響きやすい。

『25』は、Adeleが単なる失恋の歌姫ではなく、人生の節目を歌うアーティストであることを示した作品である。若さは過ぎ去り、恋は終わり、故郷は遠くなり、人生は変わっていく。それでも、声を出し、過去に呼びかけ、現在の愛を見つける。本作は、その過程を大きなポップ・ソングとして描いた、2010年代を代表するヴォーカル・アルバムである。

1. Adele – 21

Adeleの代表作であり、失恋、怒り、悲しみ、再生をテーマにした大ヒット・アルバム。「Rolling in the Deep」「Someone Like You」「Set Fire to the Rain」を収録し、『25』の前提となる感情の爆発が刻まれている。『25』の成熟を理解するには、まずこの作品の痛みを知ることが重要である。

2. Adele – 19

Adeleのデビュー作であり、若い恋愛の痛みとソウル／フォーク的な歌唱が中心になっている。『25』よりも素朴で、まだ荒削りな魅力がある。Adeleがどのように年齢と経験を重ねて表現を変えていったかを理解するうえで重要な作品である。

3. Amy Winehouse – Back to Black

英国ソウルの現代的復興を象徴する名盤。失恋、自己破壊、クラシックなソウルへの敬意、強い個性を持つヴォーカルという点でAdeleと比較されることが多い。『25』よりも荒く、毒性が強いが、英国女性シンガーの感情表現を理解するうえで欠かせない。

4. Sam Smith – In the Lonely Hour

2010年代のブルー・アイド・ソウル／ポップ・バラードを代表する作品。孤独、片思い、失恋を大きなヴォーカルで歌う点で『25』と親和性が高い。より繊細で中性的な感情表現を持つ関連作として聴ける。

5. Carole King – Tapestry

シンガーソングライターの古典的名盤であり、人生、愛、別れ、友情を普遍的なメロディで描いた作品。Adeleのバラードが持つ時代を超えるソングライティング感覚の源流として関連性が高い。『25』のクラシックなポップ性を理解するうえで重要な一枚である。

アルバムレビュー：25 by Adele

概要