- 発売日：2017年8月25日
- ジャンル：Alternative Rock / Desert Rock / Dance-Rock / Glam Rock / Hard Rock
概要
『Villains』は、Queens of the Stone Ageが2017年に発表した7作目のスタジオ・アルバムである。2013年の『…Like Clockwork』以来約4年ぶりとなる作品で、Josh Homme率いるバンドが、それまでの重厚で陰鬱なサウンドから一転し、より軽快でダンサブル、そしてグラムロック的な方向へ大きく踏み込んだアルバムとして位置づけられる。
本作の最大の話題は、Mark Ronsonをプロデューサーに迎えたことだった。RonsonはAmy Winehouse、Bruno Mars、Lady Gagaなどとの仕事で知られ、ファンク、ソウル、ポップ、ダンスミュージックを現代的に処理する能力を持つ人物である。Queens of the Stone Ageといえば、乾いたギターリフ、低重心のグルーヴ、砂漠の熱気を思わせるデザートロックのイメージが強かったため、この組み合わせは当時かなり意外に受け止められた。
しかし結果的に『Villains』は、QOTSAの本質を損なうのではなく、その中に以前から存在していた「踊れるロック」という要素を前面へ押し出した作品となった。
もともとQueens of the Stone Ageのリズムには、単純なハードロックにはない身体性がある。反復するリフ、跳ねるベース、ファンクやブギーを思わせるビート、機械的だが妙に腰のあるグルーヴ。それらは『Rated R』『Songs for the Deaf』『Era Vulgaris』などでも断片的に現れていた。
『Villains』では、その要素を意図的に拡大する。
ギターは依然として歪んでいるが、巨大な音の壁として使うより、リズムを刻むために配置される場面が増えた。ドラムは重さより跳ねを重視し、ベースはしばしば曲の中心的なフックになる。サウンド全体にはDavid Bowie、T. Rex、Talking Heads、INXS、さらにはディスコやニューウェイヴの影響まで感じられる。
ただし、『Villains』は明るいアルバムではない。
サウンドは軽快になっていても、歌詞では年齢、自己認識、喪失、恋愛、成功、暴力、社会的な違和感が扱われる。Josh Hommeはここで、過去の自分を再現するのではなく、「中年期に入ったロックスターが、どのように身体性と危険性を維持するか」という問題に向き合っている。
そのためタイトルの『Villains』も重要である。
悪役とは、単純な悪人ではない。物語の中で他者からそう定義される人物でもある。QOTSAの音楽には以前から、社会の中心から少し外れた人物、危険で魅力的だが信用できない存在が頻繁に登場してきた。
『Villains』では、その「悪役」のイメージを、年齢を重ねた人物の自己認識と結びつける。
若い頃の反抗は、年齢を重ねるとそのままでは成立しない。しかし、だからといって完全に社会へ順応するわけでもない。
その中間地点にあるアイロニーが、本作全体を支配している。
全曲レビュー
1. Feet Don’t Fail Me
アルバムは「Feet Don’t Fail Me」から始まる。
冒頭は比較的長い導入を持ち、シンセサイザーとリズムが徐々に緊張を高める。そして一定時間を経て、強烈なビートとギターが一気に前面へ出る。
タイトルは「足よ、俺を裏切るな」といった意味で、逃走、移動、ダンスという複数の意味を含む。
ここでの“feet”は単なる身体の一部ではない。
危険から逃れるための足。
踊るための足。
そして、年齢を重ねてもまだ前へ進むための足。
これらがすべて重なる。
音楽的には、本作のダンス・ロック路線を最初に宣言する楽曲である。ギターリフは重いが、ビートはファンク寄りで、従来のQOTSAよりも明確に身体を動かすことを意識している。
Josh Hommeのヴォーカルも、低く気怠い歌唱と高めのフレーズを行き来し、危険さと遊び心を同時に持つ。
アルバムの幕開けとして、『Villains』が過去作とは異なる方向へ進むことを明確に示す一曲である。
2. The Way You Used to Do
「The Way You Used to Do」は、本作を代表する楽曲であり、ダンス・ロック色が最も分かりやすく表れた曲の一つである。
イントロのギターはブルースロック的だが、リズムの刻み方は非常に軽快で、スウィングやブギーの感覚を持つ。
タイトルは「昔のようにしてくれ」という意味で、長く続く関係の中で失われた熱や距離感を取り戻そうとする内容として読める。
若い頃の恋愛には、衝動や身体性が強くある。
しかし関係が長く続けば、その熱は変化する。
この曲では、その変化を否定するのではなく、かつての感覚をもう一度呼び戻そうとする。
音楽そのものも、まさにそのテーマを体現している。
古いロックンロールやブギーのリズムを借りながら、現代的なプロダクションで更新しているからである。
『Villains』のコンセプトを最も簡潔に理解できる楽曲である。
3. Domesticated Animals
「Domesticated Animals」は、社会的に飼い慣らされることへの皮肉を含むタイトルを持つ。
“domesticated”は「家畜化された」「飼い慣らされた」という意味であり、動物だけでなく、人間が社会制度や習慣によって従順になることを示す比喩としても使える。
QOTSAの歌詞では、自由と自己破壊の境界がしばしば曖昧である。
社会に適応することは安定を与えるが、同時に自分の野性や衝動を失うことにもなる。
「Domesticated Animals」では、その矛盾が中心にある。
音楽的には反復的なギターと重いリズムが印象的で、アルバム中でも比較的従来のQOTSAに近い。
ただし、リズムの跳ねや細かなアレンジには『Villains』特有の軽さがある。
社会に飼い慣らされることへの反発を、完全な反抗ではなく、皮肉と自嘲を交えて描いている点が本作らしい。
4. Fortress
「Fortress」は、『Villains』の中でも特に感情的で内省的な楽曲である。
タイトルの“fortress”は要塞を意味する。
通常、要塞は外部から身を守る場所だ。
しかし同時に、自分を閉じ込める場所にもなり得る。
この曲では、誰かを守りたいという気持ちと、完全には守れないという無力感が描かれる。
Josh Hommeの歌詞には、家族や親密な関係を意識した柔らかな視点があり、従来のQOTSAの危険で性的なイメージとは少し異なる。
音楽も比較的穏やかで、ギターよりヴォーカルとハーモニーを重視している。
そのため、アルバム中盤に感情的な休息を与える。
一方で、歌詞には「強くあれ」という単純なメッセージではなく、弱さを抱えたまま誰かを支えることの難しさがある。
『Villains』における成熟した側面を代表する曲である。
5. Head Like a Haunted House
「Head Like a Haunted House」は、アルバム中でも特に速く、荒々しい楽曲である。
タイトルは「幽霊屋敷のような頭」を意味し、精神的な混乱や頭の中に居座る記憶、不安、過去の影を連想させる。
音楽はガレージロック、パンク、ロカビリーに近い勢いを持ち、非常に短く、瞬発力が強い。
ギターは鋭く、ドラムは前のめりで、ヴォーカルもほとんど言葉を吐き捨てるように進む。
この曲では、Mark Ronsonの洗練されたプロダクションよりも、バンドの原始的なロックンロール性が強く表れる。
しかし音の分離は非常に明確で、荒々しさの中にも現代的な整理がある。
アルバムの中で、「踊れるQOTSA」だけでなく、「制御不能なQOTSA」もまだ健在であることを示す一曲である。
6. Un-Reborn Again
「Un-Reborn Again」は、『Villains』の中でも最も奇妙で、グラムロック的な楽曲の一つである。
タイトル自体が矛盾した表現になっている。
“reborn”は生まれ変わることを意味するが、“un-reborn”となることで、再生そのものを否定する。
これは、過去を完全に捨てて新しい自分になることへの懐疑として読むことができる。
人間は変わる。
しかし、完全に別人になるわけではない。
過去の癖、記憶、欲望、失敗を引きずりながら前へ進む。
このテーマは、中年期の自己認識を扱う『Villains』全体と強く結びついている。
音楽的にはDavid BowieやT. Rexを思わせるグラムロック感があり、ストリングスや多層的なアレンジも加わる。
ギターリフは太いが、曲全体には芝居がかった華やかさがある。
QOTSAの中でもかなり異色の楽曲であり、本作がデザートロックの枠を意図的に広げていることを示している。
7. Hideaway
「Hideaway」は、タイトル通り「隠れ場所」を意味する。
外部の世界から逃れ、誰かと二人だけで閉じこもるようなイメージを持つ。
QOTSAの楽曲では、欲望や危険が外向きに表現されることが多いが、この曲ではより内側へ向かう。
音楽も比較的柔らかく、シンセサイザーや穏やかなギターが中心となる。
ただし完全なバラードではない。
リズムはしっかり存在し、曲全体に妖しいグルーヴがある。
「Fortress」が守るための場所だとすれば、「Hideaway」は逃げるための場所である。
似た「閉じた空間」を扱いながら、意味が少し異なる。
アルバム後半で、外部社会から距離を取る感覚を強める一曲である。
8. The Evil Has Landed
「The Evil Has Landed」は、本作の中でも最もQOTSAらしい重量感と、『Villains』特有のダンス感覚が融合した楽曲である。
タイトルは「悪が降り立った」という大げさな表現であり、バンド自身の登場を悪役的に演出するようなユーモアがある。
音楽は長尺で、複数のリフと展開を持つ。
前半では重く粘るギターが中心だが、後半になるとテンポ感やグルーヴが変化し、よりロックンロール的な解放へ向かう。
この構成は、Queens of the Stone Ageが単純なヴァース／コーラス型のバンドではないことを示す。
同じ曲の中で、ストーナーロック、ブギー、ファンク、ハードロックを行き来する。
歌詞もタイトル同様、自己神話化と皮肉が混ざっている。
「悪役」を演じながら、その演技自体を楽しんでいる。
『Villains』というアルバムタイトルの意味を、最も直接的に音楽化した曲の一つである。
9. Villains of Circumstance
アルバムを締めくくる「Villains of Circumstance」は、本作の中でも最も感情的で、静かな楽曲である。
タイトルは「状況によって悪役になった者たち」という意味を持つ。
これは非常に重要な表現だ。
人間は最初から悪人なのではなく、環境やタイミング、選択によって誰かの物語の「悪役」になることがある。
恋愛関係においても、片方にとっての被害者が、別の視点では加害者になる。
この曲では、その複雑さが描かれる。
音楽は静かに始まり、徐々に広がっていく。
ギター、ストリングス、ヴォーカルが重なり、アルバムの最後に大きな余韻を残す。
歌詞には距離、別離、時間、相手への未練があり、派手な悪役像とは対照的に、非常に人間的で弱い人物が見える。
この曲によって、『Villains』というタイトルが単なるロックンロール的な悪党趣味ではなく、もっと複雑な自己認識を持つことが明らかになる。
総評
『Villains』は、Queens of the Stone Ageが自らの音楽的イメージを意図的に崩した作品である。
それまでのQOTSAには、デザートロック、ストーナーロック、重いギター、乾いた音響という強固なブランドがあった。
『Villains』はそのブランドを捨てるのではなく、中に隠れていた別の要素を前へ出した。
それがダンス、ファンク、グラム、ニューウェイヴである。
この方向転換は、Mark Ronsonの起用によって象徴的に見えるが、実際にはQOTSAの内部に以前から存在していた。
『Era Vulgaris』にも機械的なリズムがあり、『Rated R』にも奇妙なポップ感覚があり、『Songs for the Deaf』にも反復的なグルーヴがあった。
『Villains』は、それらを一つの明確なコンセプトへまとめた。
サウンド面で最も特徴的なのは、低音の扱いである。
従来のQOTSAでは、ギターの厚みが圧力を作る場面が多かった。
本作ではベースとドラムの存在感が大きく、ギターはその上に乗る。
「The Way You Used to Do」「Feet Don’t Fail Me」「The Evil Has Landed」などでは、リズムセクションが曲の中心にある。
このため、アルバム全体が従来より軽く聞こえる。
しかし「軽い」というのは「弱い」という意味ではない。
むしろ、音の重心を変えたことで、Queens of the Stone Ageの別の身体性が見えるようになった。
Josh Hommeのヴォーカルも、本作では非常に多彩である。
低く気怠い声だけでなく、ファルセット、囁き、芝居がかった歌い方を使い分ける。
これはグラムロック的な性格ともつながる。
David BowieやT. Rexが、ロックに演劇性、セクシュアリティ、誇張を持ち込んだように、『Villains』のHommeも「ロックスターという役柄」そのものを演じている。
しかし、その裏側には年齢への意識がある。
「The Way You Used to Do」は過去の熱を取り戻そうとし、「Fortress」は守ることの難しさを描き、「Un-Reborn Again」は完全な再生への疑念を示し、「Villains of Circumstance」では人生の中で誰もが悪役になり得ることを認める。
つまり本作は、若者の反抗を扱ったアルバムではない。
すでに長いキャリアを持つ人物が、「自分は今どのように危険であり続けられるのか」を考える作品である。
この視点が、『Villains』を単なるダンスロック実験から救っている。
音楽的な変化だけでなく、歌詞のテーマと完全に一致しているからである。
また、本作はQueens of the Stone Ageの影響力を逆方向から示す作品でもある。
彼らは2000年代以降、Arctic MonkeysやRoyal Bloodをはじめとする多くのロックバンドへ影響を与えた。
特に「重いギターと踊れるグルーヴを両立する」という方法は、多くの後続バンドに受け継がれた。
『Villains』では、その影響を与えた側のバンド自身が、さらにダンス性を強めている。
その結果、ロックの重量感とポップの即効性がより明確に融合した。
一方で、本作には評価が分かれやすい部分もある。
『Songs for the Deaf』のような荒々しい音圧や、『…Like Clockwork』の陰鬱な深さを求める場合、『Villains』の明るく乾いたプロダクションは軽く感じられる可能性がある。
特にドラムやギターの処理は、従来より整理され、空間が多い。
しかし、それは意図的な選択である。
『Villains』は「もっと重くする」作品ではなく、「もっと動かす」作品だからである。
その意味で、本作はQOTSAの中でも最も身体的なアルバムの一つといえる。
踊る。
逃げる。
歩く。
走る。
足を使う。
「Feet Don’t Fail Me」という冒頭曲のタイトルが示す通り、本作では身体の運動が非常に重要だ。
また、タイトル『Villains』には、自己イメージと社会からの見られ方の問題もある。
QOTSAは長年、危険、酒、セックス、暴力、夜、アウトサイダーといったイメージをまとってきた。
しかし、年齢を重ねると、その「悪役」像は単純には維持できない。
本作では、そのキャラクターを一度笑いの対象にしながら、それでも完全には手放さない。
その自己認識の深さが、『Villains』の大きな魅力である。
結果として本作は、Queens of the Stone Ageのディスコグラフィーの中で異色作でありながら、決して孤立した作品ではない。
むしろ彼らの内部にずっと存在していたリズム、ユーモア、グラムロック的な誇張を最大化した一枚である。
デザートロック、ハードロック、ファンク、グラム、ダンス・ロックの境界を横断する作品として、QOTSAの柔軟性を理解するうえで非常に重要である。
おすすめアルバム
1. Queens of the Stone Age – …Like Clockwork（2013）
『Villains』の直前作であり、対照的な位置にある重要作。死、孤独、喪失を扱った暗く内省的な作品で、『Villains』の軽快さがどれほど意図的な転換だったかを理解しやすい。
2. David Bowie – Let’s Dance（1983）
ロック、ファンク、ダンスミュージックを融合し、巨大なポップ作品へ変換した代表作。ギターを残しながら身体性を前面に出す方法や、ロックスターの演劇性という点で『Villains』との関連性が高い。
3. T. Rex – Electric Warrior（1971）
グラムロックの代表作。シンプルなリフ、性的な雰囲気、ブギーのリズム、誇張されたスター性を持ち、『Villains』におけるQOTSAのグラム的側面の重要な源流に位置する。
4. Arctic Monkeys – AM（2013）
Josh Homme周辺の影響を受けながら、重いギターとヒップホップ的なビート、R&B的な官能性を融合した作品。『Villains』と同様、ロックを「踊れるもの」として再構成している。
5. INXS – Kick（1987）
ファンク、ニューウェイヴ、ロック、ポップを結びつけた1980年代ダンスロックの代表作。ギターを重さのためではなくグルーヴのために使う方法や、官能的なヴォーカル表現という点で『Villains』と比較しやすい作品である。
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