発売日：2001年9月18日
ジャンル：Alternative Rock / Post-Grunge / Hard Rock
概要
Liveが2001年に発表した5作目のスタジオ・アルバムがVである。1990年代にThrowing CopperとSecret Samadhiで大きな成功を収めたバンドは、前作The Distance to Hereで壮大なギター・ロックへ回帰していたが、本作ではその路線を繰り返さなかった。Ed Kowalczykのボーカル、Chad Taylorのギター、Patrick Dahlheimerのベース、Chad Graceyのドラムという編成を保ちながら、電子的なビート、ループ、ヒップホップやファンクの要素を積極的に導入している。
プロデュースはLiveとAlain Johannesが中心となって担当。従来のLiveではTaylorのギターとKowalczykの大きな歌声が曲の中心に置かれていたが、Vではベースとドラム、電子的なリズムが前へ出る場面が増えた。ギターもコードを広く鳴らすだけでなく、短いフレーズや加工された音として配置される。そのため同じ4人による作品でも、前作より乾いていて、リズムを強く意識した音に聞こえる。
制作当初にはEcstatic Fanaticというタイトルも予定されていた本作には、宗教性、名声、消費文化、欲望、自己認識といった題材が混在する。Kowalczykが以前から扱ってきた精神性は残っているが、今回は深刻な内省だけでなく、皮肉や性的なユーモア、ポップ・カルチャーへの言及も多い。Liveのキャリアでは異色作とされやすいが、それは単に電子音を加えたからではなく、バンドが1990年代に確立した「大きなサビを持つ真摯なロック」という自己像そのものを崩そうとしているからである。
全曲レビュー
1. 「Intro」
短い導入部で、従来のLiveらしいギター・リフから始めるのではなく、加工された音と声によってアルバムの入口を作る。単独の楽曲として展開するより、これまでとは違う音響を使う作品であることを予告する役割が強い。そこから間を置かず「Simple Creed」へ移ることで、電子的な質感と生バンドの演奏を一続きに感じさせる。
2. 「Simple Creed」
太いギターと跳ねるリズムを組み合わせ、Kowalczykが短いフレーズを打ち込むように歌う。従来のLiveに多かった長く伸びるメロディより、言葉とビートの噛み合わせを優先しているのが特徴だ。Trickyが参加し、その低く乾いた声がKowalczykの強い歌唱と対照を作る。信念や精神性を扱いながら、重々しい説教調へ向かわず、ファンクとヒップホップを通過した身体的なロックとしてアルバムの新しい方向を示す。
3. 「Deep Enough」
ベースを中心とした粘りのあるグルーヴに電子音を絡ませ、本作の実験性をさらに押し進める。Kowalczykも大きな声でサビを制圧するより、リズムに合わせて言葉を細かく動かし、性的な含みを持つ歌詞を遊びのある調子で歌う。ギター中心だった1990年代のLiveからはかなり離れた感触だが、DahlheimerとGraceyのリズム隊を前面に出したことで、単なる電子音楽への接近にはなっていない。
4. 「Like a Soldier」
冒頭2曲のファンク／ヒップホップ色を少し弱め、より直接的なロックへ戻る。タイトルにある兵士のイメージを使いながら、外部との戦争というより精神的な葛藤や忍耐を思わせる内容へ向かう。ヴァースでは音を抑え、サビでKowalczykの声とギターを大きくする構成はLiveらしいが、リズムには本作特有の硬さが残る。新旧のスタイルが比較的自然に交差した曲である。
5. 「People Like You」
鋭いギターと強いビートによって前へ進む、コンパクトなロック・ナンバーである。歌詞では他者との距離や、自分とは異なる価値観を持つ人々への複雑な視線が表れ、Kowalczykの歌唱にも皮肉を感じさせる瞬間がある。壮大な精神性を正面から歌う過去のLiveとは違い、身近な人間関係の摩擦を少し醒めた目で眺める。その軽さがアルバムの雑多な性格によく合っている。
6. 「Transmit Your Love」
電子的なリズムとロック・バンドの演奏を比較的滑らかに接続した曲である。「愛を送る」という題名にはLiveらしい肯定的な精神性があるものの、アレンジは荘厳な方向へ進まず、反復するビートを中心に一定のグルーヴを保つ。Kowalczykの声もサビで広がる一方、ヴァースでは抑制されている。メッセージの大きさに対して音楽を軽くしたことで、本作ならではのバランスが生まれている。
7. 「Forever May Not Be Long Enough」
映画『ハムナプトラ2／黄金のピラミッド』にも使用された曲で、Vの中では従来のLiveに近い壮大さを持つ。重いギターとストリングス的な広がりを持つ音がKowalczykの高い声を支え、サビでは一気に視界が開ける。「永遠でさえ十分長くない」という題名通り、時間を超えるほど強い結びつきを求める歌として聞こえ、前半の皮肉や遊びから離れて、バンド本来のドラマティックな側面を見せる。
8. 「Call Me a Fool」
音数を比較的抑え、メロディとボーカルを中心に据えることでアルバム中盤に呼吸を作る。誰かを信じることで愚か者と呼ばれても構わない、という姿勢を思わせる歌詞には、疑念より献身が強く表れる。Kowalczykは声量を必要以上に上げず、言葉をゆっくり運ぶため、周囲の実験的な曲より素朴に響く。本作の雑多なサウンドの中で、ソングライティングそのものを確認できる曲だ。
9. 「Flow」
タイトル通り流れを重視したリズムが中心となり、再びファンク寄りの感触へ戻る。Dahlheimerのベースが低音を大きく動き、Graceyのドラムと組み合わさることで、ギターは主役というよりアクセントとして働く。Kowalczykもフレーズをリズミカルに反復し、声そのものをグルーヴへ参加させる。Vが従来のLiveから最も意識的に変えた、楽器同士の力関係が分かりやすい一曲である。
10. 「The Ride」
前へ進み続けることを思わせる題名に合わせ、一定の推進力を保ったロックとして組み立てられている。派手な音響実験よりバンド演奏を中心にする一方、ギターだけで曲を引っ張らず、低音とリズムを厚くしている点は本作の流れを引き継ぐ。歌詞は人生を一つの移動や経験として捉えるように読め、Kowalczykの精神的な作詞が比較的分かりやすい形で現れている。
11. 「Nobody Knows」
やや暗い色調へ移り、答えの見つからない状態そのものを題材にする。Kowalczykは断定的なメッセージを掲げるより、不確実さを残したまま歌い、演奏もサビですべてを解放するような構成を避けている。ギターの響きとリズムの反復が落ち着かない空気を維持し、アルバム終盤を内向的な方向へ動かす。前半の外向的な実験性とは違う形で、Vの不安定さを表した曲だ。
12. 「OK?」
短く直接的なタイトルに似合い、どこか会話の途中を切り取ったような感触を持つ。大きな理念を歌うのではなく、相手とのコミュニケーションや心理的な距離へ焦点を縮め、Kowalczykも比較的くだけた調子を見せる。サウンドには電子的な処理とバンドの演奏が混在しており、アルバムで試してきた方法を自然にまとめている。終盤でも過剰なクライマックスを作らないところが本作らしい。
13. 「Overcome」
ピアノとKowalczykの声を中心にしたバラードで、アルバムの最後にそれまでの騒がしい音を大きく引く。歌詞は苦しみや圧倒される感覚に向き合いながら、そこから救いやつながりを求める内容として読める。2001年9月11日の同時多発テロ後に楽曲が広く結びつけられたが、曲自体は事件以前に制作されている。背景を離れても、抑えたピアノからストリングスを含む大きな音へ進む構成とKowalczykの切実な歌唱が強く残る。
総評
Vの最大の特徴は、Liveが自分たちの得意な方法を意識的に不安定にしたことである。1990年代の彼らは、静かなヴァースから歪んだギターの大きなサビへ向かい、その上でKowalczykが精神的な言葉を力強く歌う形を磨いてきた。本作ではその公式を使う曲を残しながら、ベース、ループ、電子的なビートを前へ出し、ボーカルまでリズムの一部として扱う。結果として、従来作より曲ごとの方向が大きく散らばった。
この散漫さは長所であると同時に弱点でもある。「Simple Creed」や「Deep Enough」のリズム重視のロックと、「Forever May Not Be Long Enough」の壮大さ、「Overcome」のピアノ・バラードでは、同じアルバムとは思えないほど方法が異なる。Throwing Copperのような強い統一感はないが、2001年当時のバンドが過去の成功をそのまま繰り返すことに満足していなかったことは明確に伝わる。
特に興味深いのは、実験の中心が電子音そのものではなくリズムにあることだ。DahlheimerとGraceyを前へ出した曲では、Liveがもともと持っていたタイトな演奏力がファンクやヒップホップ的なビートと結びつき、ギターの比重を下げてもバンドらしさが残る。一方、Kowalczykの大きく感情的な声はミニマルなグルーヴと衝突することもあり、その噛み合わなさまで含めて本作独特の感触になっている。
キャリア全体で見れば、VはLiveの代表的なスタイルを完成させた作品ではなく、一度解体した作品と捉える方が分かりやすい。成功した90年代型オルタナティブ・ロックが新世紀にどう変化できるのかを探し、ヒップホップ、電子音楽、ファンクへ手を伸ばした。その試みは常に滑らかではないが、「Overcome」のように装飾を削った曲まで同居することで、Liveというバンドの意外な幅が見える。整合性より変化を優先したことこそが、Vを彼らのディスコグラフィーで異質かつ興味深い存在にしている。
おすすめアルバム
The Distance to Here by Live
1999年の前作。厚いギターとKowalczykの大きなボーカルを軸にした、より典型的なLiveのサウンドを聞ける。ここからVへ進むと、バンドが安定した方法をあえて崩し、リズムと電子音へ向かった変化が明確になる。
Throwing Copper by Live
1994年作で、静かなヴァースと爆発的なサビ、精神性を帯びた歌詞というLiveの基本形を確立した作品。Vと比較することで、同じ4人の演奏でもギターとリズムの力関係がどれほど変わったかを確認できる。
The Fragile by Nine Inch Nails
1999年作。音楽的にはより暗く実験的だが、ロック・バンドの重量感と電子的なビート、加工されたギターを一つの音像へ組み込む発想には接点がある。Vが接近した2000年前後の電子ロックを別方向から深く掘り下げた作品だ。
Midnite Vultures by Beck
1999年作。ファンク、ヒップホップ、電子音、ロックを自由に往復し、真面目さとユーモアを同居させている点がVの実験的な側面と重なる。Beckの方がジャンルの切り替えをさらに意図的かつ遊び心のある形で使っている。
Songs for the Deaf by Queens of the Stone Age
2002年作。Vよりギター・ロックへ大きく重心を置くが、重いリフを単純な力押しにせず、反復するリズムと低音によって身体的なグルーヴへ変える点に共通性がある。2000年代初頭にハードなロックを再構成した別の回答として比較できる。
コメント